Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal. / Ce mémoire s’intéresse à la façon dont s’intègrent les tableaux à sujets historiques du peintre canadien-français Joseph Légaré (1795-1855) au sein d’une tradition américaine de représentation picturale. L’analyse du corpus de l’artiste suggère que ce dernier participe à la diffusion de récits mythologiques propres à l’Amérique : à cet effet, la comparaison des œuvres de Légaré aux séries de tableaux du peintre états-unien Thomas Cole (1801-1848) souligne la présence d’une structure cyclique similaire, inspirée des mythologies européennes, mais dans laquelle sont réactualisées de nouvelles données (territoriales, socioculturelles, politiques) proposées par le continent américain. Ainsi, la production de Légaré s’ordonne en fonction d’un archémythe principal, celui de la régénérescence de la nation, et de mythes fondateurs qui retracent les débuts de l’histoire coloniale, alors que se côtoyaient l’Amérindien et le missionnaire jésuite. Tandis que le premier, par association symbolique, devient une figure de rhétorique prédominante dans le discours identitaire tenu par l’artiste, le second y est plutôt célébré pour sa résistance à l’Autre et son courage. À ce chapitre, cette étude démontre l’existence d’une filiation effectuée par l’artiste entre les Canadiens français, les communautés autochtones et les martyrs jésuites, laquelle repose sur le destin tragique qui leur est respectivement associé et le statut de victime qu’ils endossent. Ainsi, la mythologie nationale véhiculée dans les œuvres de Légaré s’articule autour de mythes dépresseurs, axés sur l’idée d’une nation vaincue, mais qui, par la prise en charge de sa mémoire collective, pourra un jour renaître de ses cendres. / The purpose of this study is to integrate the historical paintings of French Canadian painter Joseph Légaré (1795-1855) into an American tradition of pictorial representation. The analysis of the artist’s corpus suggests that he participates in the diffusion of American mythological narratives. Indeed, the comparison between the paintings of Légaré and those of the American painter Thomas Cole (1801-1848) underlines the presence of a similar cyclic structure, inspired by European myths, but in which are updated new territorial, cultural and political data specific to the American continent. From this perspective, the artistic production of Légaré organizes itself according to a main “archémythe”, one of national renewal, and some founding myths, which redraw the beginnings of colonial history, where the Amerindian and the Jesuit missionary predominated. The Indian, by symbolic association, becomes a rhetorical figure in the discourse of national identity formulated by the artist, whereas the Jesuit martyr is rather celebrated for his resistance and his courage in front of the other. In this regard, this study demonstrates the existence of an association made by the painter between French Canadians, Native people and Jesuit martyrs, which is based on the tragic fate that is associated with each group and the status of victim that they had to assume. Consequently, the national mythology represented in the works of Légaré is structured around depressant myths, based on the idea of a defeated nation, but which, by the creation of a collective memory, can, one day, rise from the ashes.

Cette thèse se propose de réévaluer l’œuvre de Guy Debord en privilégiant la lecture de ses autoportraits littéraires et cinématographiques. Cette recherche favorise une réception de Debord mettant en lumière l’importance de l’écriture de soi dans l’ensemble de sa production. L’inscription de soi, chez Debord, passe en effet par la création d’une légende. L’introduction démontre comment la trajectoire singulière de Debord témoigne d’un brouillage entre les frontières traditionnelles séparant l’esthétique et le politique. Elle explore les moyens pris par Debord afin de redéfinir le statut de l’artiste et la fonction de l’écriture dans le cadre d’une transformation d’une vie quotidienne. Dans ce cadre, la production artistique se subordonne entièrement au caractère de Debord, une personnalité qui se manifeste d’abord à travers la création d’un Grand style qui lui est propre. En célébrant le primat du vécu sur l’œuvre, la manœuvre de Debord s’inscrit dans la tradition moderniste de l’art. Le chapitre II montre comment Debord souhaita participer à l’entreprise de politisation de l’esthétique qui définit l’action des avant-gardes historiques. On y explique notamment comment l’œuvre de Debord s’est construite à partir des ruines du surréalisme. Pour se distinguer de ses ancêtres, le mouvement situationniste rejeta cependant l’esthétique surréaliste du rêve au profit d’une nouvelle poétique de l’ivresse se basant sur la dérive et sur l’intensification du moi. La dernière section de ce chapitre se consacre à la question de la création d’un mythe moderne, volonté partagée par les deux groupes. La troisième partie de cette thèse traite spécifiquement de la construction mythologique de Debord. Ce chapitre situe le projet mémorialiste de Debord dans la tradition littéraire française de l’écriture du moi. Il explore ensuite l’économie des sources classiques de Debord, en soulignant l’importance chez lui d’une éthique aristocratique issue du Grand siècle, éthique qui met de l’avant la distinction individuelle. Enfin, l’importance de la mentalité baroque est abordée conjointement à la question primordiale de la stratégie et de la manipulation. Le quatrième chapitre aborde la question de l’identification. Quand Debord décide de parler de sa vie, il le fait toujours en employant des éléments qui lui sont extérieurs : des « détournements ». Son « mode d’emploi » des détournements est défini dans la perspective d’un dévoilement de soi. On explore par la suite la question de l’imaginaire politique de Debord, imaginaire qui convoque sans cesse des représentations issues du XIXe siècle (classes dangereuses, conspirateur, bohème). Ce dernier chapitre se termine sur un essai d’interprétation approfondissant l’utilisation répétée de certaines figures criminelles, notamment Lacenaire. On mettra de l’avant la fonction centrale qu’occupent le crime et la transgression dans la sensibilité de Debord. / This thesis offers a critical reappraisal of the work of Guy Debord through a close study of his literary and cinematographic self-portraits. The research offers a reading of Debord that sheds light on the author’s attempts at a “writing of the self”. Such writing, according to Debord, is intimately connected to the creation of a legend. The introduction shows how Debord’s unique trajectory blurs the traditional boundaries that divide aesthetics and politics. It explores the various means through which Debord attempts to redefine the status of the artist and the function of writing through a transformation of everyday life. In this context, artistic production becomes entirely subservient to Debord’s character, to his singular personality that manifests itself through the creation of a “Grand style”. By emphasizing the importance of lived experience over that of the work itself, Debord’s maneuvers are entirely within the modernist tradition. Indeed, chapter II shows how Debord attempts to participate to the politicization of aesthetics, a project that is also central to that of the historical avant-garde. Special emphasis is placed on how Debord’s work was constructed on the ruins of surrealism. To distinguish himself from his immediate predecessors, the Situationist movement substituted the Surrealist infatuation with dream states with a poetics of intoxication based on dérive (urban drifting) and on the intensification of the self. The last section of this chapter explores how both Surrealism and Situationism attempted to create modern forms of myths. Chapter III deals specifically with the mythological construction of Debord’s character. It situates Debord’s late memorialist project in a distinct French tradition of the “writing of the self”. It also explores the economy of Debord’s classical sources, underlying his fascination with the aristocratic ethics of the “Grand Siècle”. Finally, the question of the baroque worldview is analyzed in relation to Debord’s various strategies of manipulation. Chapter IV considers the question of identification. Whenever Debord speaks of his life, he only ever does so by using external elements, through the “détournement” of various literary and popular sources. We look specifically how such “détournements” participated to a complex revealing of the self. We then explore the question of Debord’s political imaginary, which constantly conjures up images from the nineteenth century (the so-called “dangerous classes”, conspirators, bohemians). This last chapter concludes with an interpretative analysis of Debord’s recurring allusions to well-known criminal figures (such as Lacenaire) in his work, in order to explain the preeminent function that crime and transgression play in the author’s sensibility.

Robert Penn Warren, historian, short story writer, teacher, critic, poet, and novelist, has received favorable attention from literary critics as well as the general reading public. This attention is merited, in part, by Warren's narrative skill and by his use of imagery. A study of his novels reveals that his narrative technique and his imagery are closely related to his interest in myth.

On assiste en Géorgie, entre 1989 et 1994, à deux conflits civils couplés d’une violence politique majeure. L’Ossétie du Sud et l’Abkhazie, soit deux des trois régions dotées d’un statut autonome à l’intérieur de la Géorgie pendant la période soviétique, sont le théâtre de ces conflits. Les affrontements violents sont par ailleurs évités dans le cas de l’Adjarie, cette troisième région dotée d’un statut autonome. Les raisons de cette relative paix adjar ne sont pas évidentes à saisir à prime abord, surtout lorsqu’on observe la situation chaotique dans laquelle se trouve la Géorgie au moment de la chute de l’URSS. Il apparaît ainsi adéquat de se pencher plus spécifiquement sur l’Adjarie, en tant que région de la Géorgie, qui a certes entretenu de fortes tensions avec l’État géorgien nouvellement indépendant, mais sans pour autant que ces tensions politiques ne basculent en un conflit ouvert. Étant donné la similarité qui caractérise les territoires de l’Abkhazie et de l’Adjarie, les arguments géopolitiques ou encore les arguments concernant les structures institutionnelles n’apportent qu’une explication partielle. C’est plutôt un argument identitaire mettant de l’avant la relation entre les groupes qui apparaît déterminant pour expliquer l’absence de conflit en Adjarie. / Between 1989 and 1994, two civil conflicts occurred in Georgia together with major political violence. South Ossetia and Abkhazia, two of the three regions with autonomous status within Soviet Georgia, are the scene of these conflicts. Clashes are otherwise avoided in the case of Adjaria, the third region with an autonomous status. The reasons of this relative adjar peace are not obvious at first glance, especially when considering the chaotic situation in which Georgia is at the time of the USSR collapse. It seems appropriate then to further address the Georgian region of Adjaria, a region that certainly has experienced strong tensions with the newly independent Georgian state, although without turning into an open conflict. Because of the similarity between Abkhazia and Adjaria, the geopolitical arguments, or those concerning institutional structures, can only provide a partial explanation. It is rather an argument based on identity and putting forward relations between groups that appears to be determinant to explain the absence of conflict in Adjaria.

Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de certains documents visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal / Les Vies de Caravage publiées par Giovanni Baglione, Gian Pietro Bellori, Guilio Mancini et Francesco Susinno ont une influence considérable dans la réception du corpus de l’artiste. Souvent considérées en tant que sources primaires, ces œuvres littéraires opèrent toutefois une médiation dans le discours de la discipline en émettant des jugements critiques et stylistiques sur les œuvres et par la mise en scène de faits historiques par la fiction. Ce mémoire situe le mythe du Caravage dans le contexte de la production littéraire italienne et de son héritage antique et contemporain. Les illustrations de ces ouvrages sont également étudiées en regard de la tradition de portraiture. Les stéréotypes définissant le peintre sont perçus dans leurs mutations et confrontés à la perception de la violence et de l’érotisme par l’historiographie moderne, de même que leur récupération par la culture populaire notamment dans le film Caravaggio de Derek Jarman (1986). / The Lives of Caravaggio, published by Giovanni Baglione, Gian Pietro Bellori, Guilio Mancini and Francesco Suninno, had considerable influence on the reception of the artist’s oeuvre. Often considered to be primary sources, these literary works express stylistic criticism and stage historical facts through fiction. This master’s thesis situates Caravaggio’s myth in the context of Italian literary production and its ancient and contemporary heritage. The stereotypes that define the painter are perceived in their changes and confronted with the perception of their violence and eroticism by modern historiography and popular culture, particularly in Derek Jarman’s movie Caravaggio (1986).

À partir d’un dispositif théorique et méthodologique emprunté au structuralisme figuratif de Gilbert Durand, ce mémoire propose une exploration du Mythe de la Fin du Monde dans quelques unes de ses manifestations romanesques et théâtrales. Les postulats de base qui fondent notre démarche sont au nombre de trois : a) l’œuvre littéraire possède toujours un substrat mythique ; b) un mythe représente un noyau de mythèmes, dont le trait définitoire est la redondance ; c) il n’y a pas de version privilégiée ou primitive du mythe, qui doit être vu comme une constante de l’esprit humain. Au niveau des applications pratiques, notre travail s’articule en deux démarches complémentaires, reprises d’une section à l’autre. Dans un premier temps, en nous appuyant sur le corpus romanesque – où le mythe nous semble abondant et complet – nous identifions les redondances internes et génériques que nous qualifions de «mythèmes». Dans un second temps, nous vérifions la présence et le fonctionnement de ces mythèmes dans le corpus dramatique. / Within the theoretical and methodological framework of the figurative structuralism devised by Gilbert Durand, this work sets out to explore the Myth of the End of the World based on two corpora: five novels and two plays. Three main postulates underlie our research: a) the literary work is always based on a mythical substratum; b) myth is an aggregation of mythemes, whose defining characteristic consists in their redundancy; c) myth is a constant of the human spirit and therefore none of its versions takes precedence over another. As far as the applications of the theory are concerned, our work is articulated in two distinct phases, repeated form one section to another. Based on the body of novels, where the myth manifests itself in its most complete and abundant form, phase 1 is devoted to the identification of redundancies, both internal to each work and generic, that are categorized as mythemes. Phase 2 verifies their presence in the body of plays.

This thesis is written as an essay, which considers sculpture outside of its definition as art object. Having as its goal finding an intrinsic definition of sculpture, the essay sets on a short journey meandering between ideas, historic precedents, and anecdotes. Among some of the discussed thing are: necessity, labor, leisure, Olduvai chopping stone tool, making, human hand, brain, body, pineal gland, third eye, speculation, materiality, Dixie cup, objecthood, sign, imagination, ENIAC, immateriality, myth, labor, leisure, storytelling, alien, alienation, destruction, creativity, genius, death, weed. The essay concludes that sculpture does not need a definition.

L’œuvre de Nelly Arcan s’inscrit dans un pan de la littérature contemporaine accueillant les monstres comme figures de la transgression qui, par leur é-normité, interrogent la norme dont ils s’écartent. Ces êtres à la fois fascinants et inquiétants hantent la littérature depuis les récits fondateurs de la mythologie antique. Arcan, à l’instar de plusieurs femmes auteurs, recourt au procédé de la réécriture de plusieurs grands mythes grecs dans Folle (2004) et À ciel ouvert (2007). Dans les deux récits, elle met en scène des personnages en fuite qui, face à leur destin néfaste, se métamorphosent en femmes-monstres et en hommes-monstres. Les personnages masculins empruntent des traits à Jason, Narcisse et Pygmalion, mais sont, par leur déviance sexuelle et leur propension à la domination, beaucoup plus monstrueux que leurs modèles antiques. Contaminées par la monstruosité des hommes qu’elles aiment jusqu’à l’annihilation de soi, les protagonistes des deux récits affichent certains traits de Médée, de Méduse et des Amazones, tirant parti de la puissance de ces figures nocives pour donner une leçon aux personnages masculins. Elles acquièrent ainsi de nouveau leur statut de sujet. Dans ce mémoire, il s’agira, par le biais de la mythocritique, des théories de la réécriture et de l’effet-personnage, d’étudier les causes, le processus et les effets du « devenir-monstre » des personnages féminins et d’examiner la reconfiguration de mythes antiques par Arcan. En s’intéressant à la greffe des mythes antiques sur les personnages arcaniens, au déplacement et au renversement des mythèmes caractéristiques des figures prédécesseures, cette recherche espère montrer comment Nelly Arcan dissèque les relations de couple qui mènent au « devenir-monstre » des partenaires. Il ressortira de cette analyse une vision apocalyptique du vivre ensemble, entre hommes et femmes, qui rejoue l’ancienne « guerre des sexes » que l’on croyait terminée. / Nelly Arcan’s body of work is in line with a trend in contemporary writing to represent the monster as a transgressive figure, which, through its own “e-normity,” steps out of the norm and questions it. Both fascinating and unnerving, the monster has haunted literature since the tales of ancient mythology came into existence. Following the steps of many women writers, Arcan rewrites numerous Greek myths in Folle (2004) and À ciel ouvert (2007). These novels narrate the stories of characters who transform into monsters due to their ill-fated destinies. The male characters are inspired by Jason, Narcissus and Pygmalion. However, their sexual deviance and tendency to dominate make them much more monstrous than their ancient models. Contaminated by the monstrosity of the men they love to the point of self-annihilation, Arcan’s female protagonists share some characteristics with Medea, Medusa and the Amazons. They gain power from these dangerous mythological figures to teach lessons to the monstrous males, thereby claiming possession of their own subjectivities. Using literary approaches such as mythocritique, theories of rewriting, and theories of character, this research will focus on the causes, processes and effects of the female characters’ “becoming-monster” and will study Arcan’s reconfiguration of ancient myths. Through an examination of the merging of these myths and an analysis of the displacement and upending of their distinctive mythemes, this master’s thesis hopes to show how Arcan dissects love relationships that lead to the “becoming-monster” of the partners involved. This analysis will bring out Arcan’s apocalyptic vision of co-habitation, a vision which re-enacts the war of the sexes that we thought ended long ago.

Cette thèse trace la généalogie culturelle de la jeune fille en Occident en ciblant les moments charnières de son devenir femme au sein de structures de savoir qui ont activement participé à forger cette figure hétéronormative. Mon objectif est de produire une analyse culturelle en forgeant une cartographie des adolescences au féminin. Afin de sortir de la temporalité téléologique de la virginité et de la défloration, j’emprunte un mot étranger, parthénos, qui fait appel à l’idée de la jeune fille, sans nécessairement se limiter à ses connotations conventionnelles. La première partie, intitulée « La virginité, une affaire de jeunes filles », laisse place à une analyse du concept de parthénos à partir d’une lecture au carrefour de la médecine, de la loi et du mythe. Une lecture du traité hippocratique De la maladie des jeunes filles dévoile comment la défloration et la grossesse deviennent une cure érotique, une discipline du corps, qui décide du passage de la jeune fille dans une temporalité utile à la Cité. Un déplacement paradigmatique s’opère au 19e siècle dans les écrits médico-légaux, parce que l’hymen, auparavant inexistant dans la doxa hippocratique, devient le signe matériel par excellence pour examiner le statut de virginité de la fille. L’analyse de ces traités (frères Beck, Ambroise Tardieu, Paulier et Hétet) révèle la configuration de pratiques et de discours d’infantilisation des victimes de viol, et le refus des médecins légistes de reconnaître qu’une femme mariée puisse être violée. À partir d’une lecture contemporaine des tragédies L’Orestie d’Eschyle et Antigone de Sophocle, je montre que les figures d’Antigone et d’Électre constituent des exemples et des symboles convaincants de ce destin funeste de la parthénos qui n’accède jamais au statut de femme mariée. À ces figures mortelles, se télescopent les figures d’Artémis et des Érinyes pour montrer le potentiel de régénération inhérent à la figure de la parthénos. La deuxième partie, qui porte le titre « Le liminaire. Repenser les devenirs de l’adolescence », engage une réflexion à la lisière du contexte contemporain des Girlhood Studies, de la psychanalyse sociale et des études féministes sur le corps et le sexe, pour faciliter le déploiement d’une cartographie plus contextualisée du concept de parthénos. Je montre ici les écueils et les effets du danger qu’engendre la rationalité économique (cf. Henry A. Giroux) pour les espaces de liberté et d’exploration propres à l’adolescence. Cette posture est appuyée sur une lecture des récentes études en psychanalyse sociale (Anne Bourgain, Olivier Douville et Edmond Ortigues). Il est ainsi question d’identifier ce qui marque le passage entre l’adolescence et l’âge adulte : la crainte de la disparition et le fantasme de la naissance de soi. La théorie de la volatilité corporelle qu’élabore Elizabeth Grosz à propos de la sexualité féminine, ainsi que les théories de Michel Foucault, reprises par Judith Butler, en ce qui concerne les disciplines du corps, répondent à mon objectif de sortir de l’écueil d’une temporalité téléologique pour saisir les effets et les ramifications du discours sur la matérialité du corps de la jeune fille, sur ce qui lui arrive lorsqu’elle ne correspond pas tout à fait à l’idéal de régulation. Enfin, la dernière partie, qui porte le titre « Temporalités de la parthénos en tant que sujet liminaire », est traversée par les modalités particulières de la parthénia qui semble désincarnée dans la littérature contemporaine. L’objectif est de prouver que la virginité est toujours un marqueur symbolique qui déploie le destin de la fille dans un horizon particulier, trop souvent celui de la disparition. En proposant un éventail de cinq textes littéraires que j’inscris au sein d’une posture généalogique, je souhaite voir dans la littérature contemporaine, une volonté, parfois aussi un échec, dans cette pensée de la parthénos en tant que sujet liminaire. Le récit Vu du ciel de Christine Angot montre que l’ascension vers le statut d’ange concerne seulement les victimes enfants. Le récit d’Angot met donc en lumière la distinction entre la vraie victime, toujours innocente et pré-pubère, et la fausse victime, l’adolescente. Contrairement à Vu du ciel, The Lovely Bones d’Alice Sebold met en scène la possibilité d’une communauté politique de filles qui sera en fait limitée par le refus du potentiel lesbien. La question du viol sera ici centrale et sera abordée à partir de l’insistance sur la voix de la narratrice Susan. La littérature devient un espace propice à la survie de la jeune fille, puisqu’elle admet la reprise de l’expérience de la première relation sexuelle. Si la communauté est convoquée dans The Lovely Bones, elle est associée à l’image de l’identité sororale dans le roman Virgin Suicides de Jeffrey Eugenides. La pathologie virale et la beauté virginale que construit le narrateur polyphonique et anonyme font exister le discours médical sur la maladie des vierges dans un contexte contemporain. Le récit médical rejoint alors le récit érotique puisque le narrateur devient médecin, détective et voyeur. À la différence de ces trois récits, Drames de princesses d’Elfriede Jelinek montre une parthénos, Blanche Neige, qui fait face à son agresseur pour s’inscrire dans une historicité discursive. Cette collision dialogique ranime le cycle tragique (celui d’une Antigone confrontant Créon) et traduit de nouveau le danger d’une superstructure sociétale composée d’images et de discours où la fille est construite comme un accessoire pour le plaisir éphémère de l’homme. À l’inverse de l’image de la vierge sacrée et désincarnée que proposent les récits d’Angot, de Sebold, d’Eugenides et de Jelinek, Virginie Despentes offre une autre réflexion dans Apocalypse bébé. Le personnage de Valentine est configuré comme une sœur des parthénoi qui préfère le suicide et la terreur à la domestication, faisant ainsi appel à une temporalité radicale et inachevable, celle de la fin de la jeune fille. Mon souhait est enfin de souligner la nécessité de penser au mérite autant épistémologique, intime que politique, d’explorer le temps des éclosions sexuelles de la fille par delà l’idée de la première relation sexuelle. / This thesis traces a genealogy of the girl in Western culture by focusing on key moments in time, the most significant of which I argue is the idea – the expectation – of her becoming a heteronormative woman. Virginity loss has historically served as a symbolic mark capable of determining this passage into a temporality, which is productive for the polis. My objective is to produce a cultural analysis that draws on a map of multiple notions and discourses of female adolescence so as to explore the potentialities of another temporality, different from that of virginity. To do so, I have chosen to use the Ancient Greek word “parthenos” because it does not systematically refer to the oft-conventional connotations related to the “girl” (“jeune fille”). In the first part titled “Virginity, a girl thing”, I analyze the concept of the parthenos through a nexus of discourses: law, medicine, and myth. I read the Hippocratic treaty pertaining to the maladies of virgins, in order to uncover the entwined relationship between puberty, considered a pathology, and coitus and pregnancy, prescribed as an erotic cure. A paradigmatic shift occurs in the 19th Century with the birth of legal medicine: the hymen – absent in the Hippocratic doxa, becomes the sine qua non material sign to determine the girl’s status of purity. I produce a close reading of treaties (brothers Beck, Ambroise Tardieu, Paulier and Hétet) in order to reveal an ideological pattern in these medical and legal practices. I show here that the configuration of virginity is contingent on that of rape, so that older women (oftentimes married women) are refused the right to legally claim that they have been raped. In the last section, I offer a contemporary reading of Aeschylus’ Orestia and Sophocles’ Antigone where I show that Electra and Antigone are telling symbols of the tragic fate that awaits the mortal parthenos who cannot comply with the rules of the polis. A brief portrayal of Artemis and the Furies allows me to show, however, the regenerative potential inherent in the idea of the divine parthenos, as well as the temporary power of chosen parthenia. In the second part titled “The liminary. Rethinking the becomings of adolescence”, I draw on Girlhood Studies, social psychoanalysis and Elizabeth Grosz’s feminist theories on the body so as to deploy a contextualized map of the concept of the parthenos. I read recent theories on adolescence in Cultural Studies (Henry A. Giroux) and social psychoanalysis (Anne Bourgain, Olivier Douville, and Edmond Ortigues) in order to identify what determines the passage between adolescence and adulthood: I discover that it is the tension between the fear of disappearing and the fantasy of autogenesis. These two movements are then seen through the lens of material philosophies of the body, specifically Michel Foucault’s and Judith Butler’s work on the disciplines of the body. My aim is to explore the possibilities and the limitations of a teleological temporality in order to capture the effects and the ramifications of a discourse on materiality. Ultimately, I show that in all the discourses analyzed, the consequence for the girl who does not fit the ideal has always been exclusion for the realm of intelligibility, and from the polis. The third part titled “Temporalities of the parthenos as a liminary subject” is concerned with particular modalities of disincarnated parthenia in contemporary literature. The main objective of this part is to prove that virginity has more often than not inscribed the girl in a specific temporality, that of invisibility and political expropriation. I propose a range of five texts through a genealogical approach to explore how literature can – although it often fails – express another temporality for the parthenos as a liminary subject. Christine Angot’s Vu du ciel shows that ascension to the realm of seraphic metamorphosis only concerns very young girls who have not yet reached puberty. The true victim, Séverine, is prepubescent and sexually unaware, and remains so as an angel, whereas the false victim, Ch., is a younger woman who survived abuse as an adolescent. Ch. must then suffer a terrible fate, since Séverine is charged with the responsibility of slowly and painfully killing her off. On the other hand, Alice Sebold’s The Lovely Bones shows the possibility of a girls’ community although it excludes lesbian relationships. Rape remains a central question, but it is read through the importance of Susan being able to produce a cohesive narrative so as to move to another, more acceptable realm. Literature becomes a hospitable space for the parthenos’ survival, since she is allowed to eventually live her first sexual experience by temporarily being reincarnated through her friend Ruth’s body. Virgin Suicides by Jeffrey Eugenides shows the intimate relationship between suicide, viral pathology and virginity allowing for a contemporary revival of Hippocratic discourse. I read the novel here as an interwoven medical and erotic text where the Lisbon sisters rarely speak, and if they do, their speech is always appropriated by the anonymous polyphonic narrator, who simultaneously perceives himself as a healer, a detective, and a tantalized voyeur at the edge of orgasmic release. Drames de princesses by Elfriede Jelinek allows me to show how Snow White is a parthenos who succeeds in confronting her aggressor, which was never the case in the previous texts. Although her speech animates a tragic cycle of death, it also produces a discursive historicity, which allows the reader to perceive the dangers of a societal superstructure composed of images and discourses where the girl is a passive accessory at the behest of men’s pleasure. Finally, contrary to these sacred and disincarnated parthenoi, Virginie Despentes’ Apocalypse bébé draws on a figure, a sister of all those parthenoi who prefer suicide and terror to domestication. The novel proposes a radical temporality, that of the end of the “jeune fille.” My aim is therefore to underline the necessity of thinking of the epistemological, intimate and political merits of a temporality, which is tied to the importance of claimed plural and subjective sexualities experienced beyond the scope of the loss of virginity.

Ce mémoire en recherche-création débute par un récit intitulé Les dents de sagesse du bestiaire inquiétant, qui est formé de dix contes où prennent place dans un monde fantastique les aventures d’un bestiaire. Ce texte qui met en scène l’histoire d’animaux hybrides cherche également l’expérimentation textuelle par l’écriture automatique des surréalistes. Il pratique l’hybridité des genres comme la lettre, l’essai, le poème et la chanson. Ainsi, la nature hybride des créatures des contes s’appuient sur l’esthétique formelle de l’œuvre. La deuxième partie intitulée Le détournement du mythe « femme-enfant » dans les contes fantastiques de Gisele Prassinos, propose une réflexion sur les contes fantastiques de l’auteure surréaliste Gisèle Prassinos, choisie par les surréalistes comme symbole du mythe de la « femme-enfant » quand elle avait quatorze ans. Pourtant, l’auteure rejette ce mythe dans ses écrits (Les mots endormis et Trouver sans chercher) tout en gardant la pratique de l’écriture automatique des surréalistes et le ludisme textuel. Cet essai étudie le détournement de la « femme-enfant » dans les contes de Prassinos grâce à une lecture plus profonde de ceux-ci. / This M.A. Thesis combines both research and creative writing. It starts with a narrative story entitled Les dents de sagesse du bestiaire inquiétant which contains ten tales. These tales take place in a fantasy world of bestiary adventures. This text about hybrid beasts is also an experimental text of the automatic writing process used by surrealists. It merges genres, such as letter, essay, poem and song. Thus, the hybrid nature of creatures in these tales justifies the formal aesthetic of this literary work. The second part entitled Le détournement du mythe « femme-enfant » dans les contes fantastiques de Gisele Prassinos proposes a critical reading of the fantasy tales of surrealist author Gisèle Prassinos, who was chosen by surrealists as a symbol of the "femme-enfant" myth, when she was only 14 years old. However, the author firmly rejects this myth in her own writings (Les mots endormis and Trouver sans chercher), even though she engages in the surrealistic automatic writing process and ludic texts. Through a detailed reading, this essay analyses the deconstruction of the "femme-enfant" myth in Prassinos’ tales.