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Commerce, revue littéraire fondée à Paris en 1924 par Marguerite Caetani et éditée jusqu’en 1932, se présente sous la forme de vingt-neuf « cahiers trimestriels publiés par les soins de Paul Valéry, Léon-Paul Fargue, Valery Larbaud ». Saint-John Perse, Jean Paulhan et Bernard Groethuysen ont aussi joué un rôle actif dans Commerce. Tout d’abord, la genèse et la mise en place de la revue sont appréhendées selon une double perspective, la « fabrique », son élaboration concrète, ainsi que l’aspect utopique d’une revue uniquement constituée de textes littéraires, sans aucune rubrique ou note critique, pensée comme un idéal de la revue, une revue « secrète » et confidentielle. Le panorama des auteurs publiés permet ensuite d’inscrire Commerce dans le champ concurrentiel des revues des années vingt, et d’explorer la réalité de ses liens concurrentiels et amicaux avec La NRF. Le cœur de Commerce est constitué de textes d’écrivains français classiques, reconnus, proches des sommaires de La NRF, sommaires d’une proximité parfois troublante. La revue a aussi joué un rôle de « découvreur » en publiant une proportion non négligeable de jeunes auteurs. Commerce ouvre également ses pages au meilleur des auteurs étrangers de son temps, ainsi qu’à des textes oubliés et capitaux des siècles précédents. Enfin, l’« esprit classique moderne » de la revue est analysé : Commerce illustre la tension entre classique et moderne que La NRF problématise dans ses textes critiques. Commerce peut expérimenter davantage que son aînée dans le laboratoire des formes nouvelles, tout en valorisant et en recréant l’héritage classique. / Commerce, a Parisian literary review founded in 1924 by Marguerite Caetani and published until 1932, totals twenty-nine quarterly issues edited by Paul Valéry, Léon-Paul Fargue and Valery Larbaud. Saint-John Perse, Jean Paulhan and Bernard Groethuysen also played an active part in Commerce. The genesis and the production of the review are approached in a double perspective, a study of the «workshop » in its concrete elaboration, as well as its utopian aspect, since the review included literary texts only. Deprived of any chronicle or critical review, it embodied the dream of an ideal review that was to remain both « secret » and confidential. The line-up of the authors who were published in it allows to inscribe Commerce in a field shared with other contemporary journals with which it was in competition. Hence special attention is paid to its friendly and competitive links with the Nouvelle Revue Française. As the core of Commerce was constituted by texts written by distinguished classical French writers, it was very close to the contents of the NRF, and such a proximity may have been troubling at times. The review also played the role of a discoverer since it published an important proportion of younger authors, as well as some of the best of the foreign writers of its time. Finally, the « modern classical spirit» of the review is analyzed so as to show that Commerce would highlight the tension between classicism and modernism that was problematized by the NRF in various critical pronouncements. Commerce was nevertheless able to become more experimental than its prestigious rival in the workshop of new forms, all the while magnifying and recreating a classical heritage.

Par tradition, les habitants de La Teste se baignaient depuis bien longtemps sur la plage d’Arcachon, où, dès le début du XIXe siècle, une cabane de résinier fut louée à des « estrangers » ayant osé s’aventurer sur ces rives inconnues. Il fallut attendre les années 1820 pour que les premiers hébergements liés aux bains de mer soient mis en place. Leurs constructions répondaient aux codes néo-classiques, conformes aux pratiques architecturales de l’époque. Les premiers « chalets », influencés par ce style, surent, néanmoins apporter quelques particularités. Mais ce ne fut qu’avec l’invention de la Ville d’Hiver, quartier de cure édifié à partir de 1863, pour accueillir des malades atteints de tuberculose, que la variété architecturale fut consacrée. Chalets suisses, castelets, formes éclectiques, prirent place au milieu des pins, dans les dunes, offrant à la récente commune d’Arcachon (1857), une nouvelle dimension médicale, et un élan architectural au goût du jour. Le style pittoresque obtint, là, un succès à la mesure de celui qu’il eut sur toutes les plages de l’Atlantique et de la Manche, envahissant progressivement toute la ville. Jusqu’à l’apparition des formes régionales – néo-landaise, néo-basque-, à partir de 1920, il fut le style employé dans toutes les réalisations des nouveaux quartiers, de la ville d’automne ou de printemps, et du Moulleau, démontrant ainsi sa parfaite adaptation au milieu. / Traditionally, the inhabitants of La Teste used to bathe on the beach of Arcachon. As early as the beginning of the 19th century, a wooden hut was rented out to foreigners who dared to visit this unknown shore of the bay. The first accommodations in relation with sea bathing appeared not before the 1820 s’. These buildings reflected the neoclassical features, according to the architectural standards of the time. Most of the first 'chalets' were built in the same style, some of them showing some additional details. An architectural diversity was really settled in 1863 with the creation of the Winter Town, a medical district designed to cure tuberculosis. 'Swiss chalets', cottages and other eclectic constructions erected among the pines on the sand dunes gave to the recent town of Arcachon (1857) a new medical dimension and a modern architectural development. As anywhere else along the western shores of France, the picturesque style was so successful as to invade every part of the town. Till local styles - néo-landais, néo-basque- appeared in the1920 s, it was the only one used in the buildings of the new districts in the autumn and spring towns, as well as in Moulleau. Which can mean it was the best answer at this time, in terms of seaside architecture.

La présente étude vise à réexaminer l’oeuvre de Marguerite Yourcenar (1903-1987) sous le signe du néoclassicisme du XXe siècle. À travers une approche d’histoire littéraire et culturelle, sont analysés les écarts ou rapprochements qu’elle a opérés par rapport aux courants littéraires et artistiques de son temps, notamment ceux de l’Entre-deux-guerres. La première partie cherche à mettre au jour l’enjeu et la modalité de son rapport à l’Antiquité, en examinant, outre ses textespubliés, les documents inédits conservés aux archives à l’Université Harvard et à Petite Plaisance : le cahier dans lequel son père a copié des poèmes choisis ; le recueil Les Dieux ne sont pas morts (1922) et le tapuscrit de poèmes, « Album de vers anciens » (1917-1965) ; l’exemplaire de De Profundis sur lequel elle a laissé des traces de sa lecture. La deuxième partie retrace, en observant les textes publiés par l’auteur dans plusieurs revues ainsi que la correspondance, surtout dans les années trente et dans des écrits postérieurs sur cette période, l’itinéraire d’une jeune romancière qui n’est pas ignorante des courants majeurs — ceux qui se développent autour de la NRF, du courant dit du « retour à l’ordre » et de la découverte d’une nouvelle image de la Grèce — mais maintient un écart subtil entre eux et sa propre production. La troisième partie propose, à travers la caractérisation de son esthétique néoclassique, de définir Marguerite Yourcenar comme une figure de l’antimoderne et du dandy. / This study proposes to reexamine the works of Marguerite Yourcenar (1903-1987), focussing on the relation to the 20th century’s neoclassicism. By means of literary- and cultural-history approaches, it analyzes the gaps or connections between her and the literary or artistic currents in the Interwar period. The first part clarifies how the author moulded her view of ancient Greece and Rome, which affected her works. It examines published and unpublished documents conserved in Harvard University and in Petite Plaisance: the notebook in which her father copied the poems chosen by him; the collection of poems by Yourcenar, The Gods didn’t die (1922), and its related typed texts “Album of ancient poems” (1917-1965); the book De Profundis of Oscar Wilde which includes her reading notes. The second part traces the trajectory of the young novelist, which shows that she was not indifferent to the major currents; the NRF, the return to the order and the discovery of the new image of Greece. We examine especially her writings published in several magazines and her letters written in the thirties as well as her works concerning this period. The third part proposes to regard Yourcenar as an anti-modernist and a dandy, by clarifying her neoclassical aesthetics.

Auteur emblématique de la Modernité viennoise, Hofmannsthal valorise pourtant systématiquement les notions de classicisme et de tradition littéraire, selon lui davantage instituées en France que dans les pays germanophones. Cette thèse étudie sa perception de l’héritage de la culture française, qui représente à ses yeux, d’une manière rendue critique dans le contexte de crise du tournant des XIXe et XXe siècles, un modèle esthétique et civilisateur. Elle montre la coïncidence surprenante établie par Hofmannsthal entre la création théâtrale et la référence française, toutes deux placées sous le signe d’un lien social. Elle procède pour ce faire en analysant chronologiquement le regard que porte l’auteur autrichien sur les siècles de la littérature française classique, de ses prémices, à l’époque de la Renaissance, à ses variantes tardives, sous les Lumières. Elle y distingue une continuité dans l’exigence humaniste, une certaine posture moraliste, un idéal de littérature populaire et un modèle formel et générique canonique, quoique empreint de légèreté, qui selon Hofmannsthal fait cruellement défaut en Allemagne et en Autriche. Elle révèle également à quel point son œuvre, et particulièrement son théâtre, se nourrit de cette littérature étrangère, au point de revendiquer à travers elle une forme de classicisme. Elle montre ainsi comment Hofmannsthal, en cherchant à accroître les échanges intellectuels entre la France et son pays, incarne une figure d’auteur paradoxalement originale, à mi-chemin entre une vocation diplomatique européenne et une forme de moralisme moderne. / Hofmannsthal, considered to be one of the eminent members of Viennese Modernity, systematically emphasizes, however, the notions of classicism and literary tradition, which are, according to him, more established in France than in german-speaking countries. This dissertation studies his perception of the inheritance of French culture, which represents for him an aesthetical and civilizing pattern, in a way that becomes problematic in the context of cultural crisis at the turn of the 20th century. It shows the surprising coincidence Hofmannsthal points out between the process of creating for the theatre and the reference to France, which are both deemed to contribute to the fabric of society. It proceeds to analyse the look the Austrian author casts on the history of French classic literature in chronology, from its beginnings, in the Renaissance, to its late variations, in the age of Enlightenment. It underlines a continuity in the humanistic involvement, an attitude that stresses the importance of moral choices, an ideal of popular literature and a formal and generic canonic pattern which, though also marked by a certain lightness, is strongly missing, according to him, in Germany and Austria. It also reveals how much his works, and especially his plays, find their impulse in this foreign literature, so that, through it, they seem to claim a kind of classicism. It shows then how Hofmannsthal, by trying to develop intellectual exchanges between France and his country, embodies a paradoxically original type of author, at the crossroads between a European diplomatic vocation and modern moralism.

Ce mémoire a pour but d’explorer la question sur l’écart entre les sexes dans l’expression de la passion dans la tragédie de Jean Racine. Qu’est-ce que les différences éventuelles entre les personnages féminins et masculins quant à l’expression de la passion nous disent sur le théâtre de Racine ? Les divergences entre les réactions féminines et masculines seront analysées et comparées pour comprendre le genre dans le théâtre de Racine.Quatre différentes pièces du répertoire de l’auteur seront analysées pour déterminer si le genre du personnage influence l’expression de la passion. L’analyse du comportement des protagonistes permettra également de comprendre comment chaque sexe exprimeet traite la passion. Les pièces sur lesquelles se concentre ce projet sont Andromaque, Bérénice, Phèdre et Athalie. L’étude révèlera les différences entres les personnages féminins et masculins quant à l’expression de la passion et révéleront également si les femmes maîtrisent moins leurs émotions que les hommes. Puis, nous verrons ce que ces différences disent sur l’esthétique et les conventions de la tragédie de Racine. Les résultats seront confrontés à quelques critiques contemporaines. / The purpose of this thesis is to explore the issue of gender difference in the expression of passion in the tragedy of Jean Racine. What do the possible differences between female and male characters in the expression of passion tell us about Racine’s theatre? The distinctions between female and male reactions will be analysed and compared to understand the genre in Racine’s theatre. Four different pieces from the author’s repertoire will be analysed to determine if the character’s gender influences the expression of passion. Analysis of the behaviour of the protagonists will also help us understand how each sex expresses and treats passion. The pieces on which this project focuses are Andromachus, Berenice, Phaedra, and Athalie. The study will reveal the differences between female and male characters in the expression of passion and reveal whether women have less control over their emotions than men. Then we will see what these differences say about the aesthetics and conventions of Racine’s tragedy. The results will be confronted with some contemporary criticism.

Emma Hamilton (1765-1815) eut un impact considérable à un moment charnière de l’histoire et de l’art européens. Faisant preuve d’une énorme résilience, elle trouva un moyen efficace d’affirmer son agentivité et fut une source d’inspiration puissante pour des générations de femmes et d’artistes dans leur propre quête d’expression et de réalisation de soi. Cette thèse démontre qu’Emma tira sa puissance particulière de sa capacité à négocier des identités différentes et parfois même contradictoires – objet et sujet ; modèle et portraiturée ; artiste, muse et œuvre d’art ; épouse, maîtresse et prostituée ; roturière et aristocrate ; mondaine et ambassadrice : et interprète d’une myriade de caractères historiques, bibliques, littéraires et mythologiques, tant masculins que féminins. Épouse de l’ambassadeur anglais à Naples, favorite de la reine de Naples et amante de l’amiral Horatio Nelson, elle fut un agent sur la scène politique pendant l’époque révolutionnaire et napoléonienne. Dans son ascension sociale vertigineuse qui la mena de la plus abjecte misère aux plus hauts échelons de l’aristocratie anglaise, elle sut s’adapter, s’ajuster et se réinventer. Elle reçut et divertit d’innombrables écrivains, artistes, scientifiques, nobles, diplomates et membres de la royauté. Elle participa au développement et à la dissémination du néoclassicisme au moment même de son efflorescence. Elle créa ses Attitudes, une performance répondant au goût de son époque pour le classicisme, qui fut admirée et imitée à travers l’Europe et qui inspira des générations d’interprètes féminines. Elle apprit à danser la tarentelle et l’introduisit dans les salons aristocratiques. Elle influença un réseau de femmes s’étendant de Paris à Saint-Pétersbourg et incluant Élisabeth Vigée-Le Brun, Germaine de Staël et Juliette Récamier. Modèle hors pair, elle inspira plusieurs artistes pour la production d’œuvres qu’ils reconnurent comme parmi leurs meilleures. Elle fut représentée par les plus grands artistes de son temps, dont Angelica Kauffman, Benjamin West, Élisabeth Vigée-Le Brun, George Romney, James Gillray, Joseph Nollekens, Joshua Reynolds, Thomas Lawrence et Thomas Rowlandson. Elle bouscula, de façon répétée, les limites et mœurs sociales. Néanmoins, Emma ne tentait pas de présenter une identité cohérente, unifiée, polie. Au contraire, elle était un kaléidoscope de multiples « sois » qu’elle gardait actifs et en dialogue les uns avec les autres, réarrangeant continuellement ses facettes afin de pouvoir simultanément s’exprimer pleinement et présenter aux autres ce qu’ils voulaient voir. / Emma Hamilton (1765-1815) had a marked impact at a pivotal moment in European history and art. This dissertation shows that Emma drew her particular potency from her ability to negotiate these different and at times contradictory identities—object and subject; model and sitter; artist, muse, and work of art; wife, mistress, and prostitute; commoner and aristocrat; socialite and ambassadress; and performer of myriad historical, biblical, literary, and mythological male and female characters. Emma displayed astonishing resilience, found an effective way to assert her agency, and was a powerful inspiration for generations of artists and of women in their own search for expression and self-actualization. The wife of England’s ambassador to Naples, the favourite of the queen of Naples, and the lover of Admiral Horatio Nelson, she was an agent on the political stage during the Revolutionary and Napoleonic era. She adapted, adjusted, and reinvented herself in her dizzying rise from rags to riches. She entertained and beguiled countless writers, artists, scientists, aristocrats, politicians, and royalty. She participated in the dissemination of Neoclassicism in Europe at the very moment of its efflorescence. She created her Attitudes, a performance that tapped into her epoch’s taste for classicism, was admired and imitated throughout Europe, and inspired generations of female performers. She learnt to dance the tarantella and introduced it into aristocratic drawing rooms. She influenced an early nineteenth-century network of women that spanned Paris to St Petersburg and included Élisabeth Vigée-Le Brun, Germaine de Staël, and Juliette Récamier. An unmatched model and sitter, she inspired artists to produce what they acknowledged to be some of their best work. She appeared in works produced by the major artists of her time, among whom Angelica Kauffman, Benjamin West, Élisabeth Vigée-Le Brun, George Romney, James Gillray, Joseph Nollekens, Joshua Reynolds, Thomas Lawrence, and Thomas Rowlandson. And she repeatedly pushed against the limits of social mores. Nevertheless, Emma did not attempt to present a coherent, unified, polished identity. Instead, she was a kaleidoscope of different selves that she kept active and in dialogue with each other, constantly reconfiguring the pieces so that she could simultaneously express herself fully and present to others what they wanted to see.

De l'Action française, qu'il rejoint à la fin des années vingt, à l'Académie française, où il est élu en signe de consécration ultime pour une carrière littéraire remplie d'honneurs, le parcours intellectuel de Thierry Maulnier semble s'inscrire entre ces deux extrémités que sont le combat politique pour l'avènement d'une « révolution aristocratique », au côté d'une Jeune Droite d'inspiration maurrassienne, et l'accès à une certaine notabilité intellectuelle au sein d'institutions garantes de l'ordre établi. Entre les deux se situe le moment de la Libération, qui serait celui où Maulnier se rallie au système, après avoir trahi ses anciens camarades. Cette interprétation commune est toutefois aussi trompeuse que l?étiquette de dissident de l'Action française qui lui a été attribuée jusqu'à présent. Dans les années trente, Thierry Maulnier cherche sa propre voie dans les domaines économiques et sociaux pour trouver une alternative à une démocratie libérale et capitaliste qu'il abhorre, en vagabondant d'un mouvement à un autre, sans jamais quitter les parages de l'Action française. Mais la période de Vichy et l'Occupation allemande entraînent un bouleversement profond dans sa conception du monde, qui le conduit à s'éloigner de Maurras à la Libération. Poursuivant désormais son itinéraire en solitaire, loin d'une Jeune Droite dont il lui arrive de croiser encore quelquefois les animateurs dans certaines revues auxquelles il collabore, il s'engage dans de nouvelles formes d'expression artistiques et intellectuelles, comme le théâtre, sans renier son passé. Mais, au-delà des évolutions politiques réelles, ce parcours intellectuel singulier se caractérise par de nombreuses persistances, visibles dans les combats qu'il mène contre le communisme et le totalitarisme, la décolonisation, et pour la défense d'une civilisation occidentale, dont la crise s'est à ses yeux aggravée. Les soixante années de vie intellectuelle de Maulnier sont une fenêtre ouverte sur l'histoire du vingtième siècle et les mouvements politiques qu'il fréquente. / From the Action Française Movement, which he joins in the late 20's, to the AcadémieFrançaise, who elect him to a seat with them, and so consecrate his much honored literary career, Thierry Maulnier seems to have navigated between two extreme goals ; namely, promoting an "aristocratic revolution", siding with a "Young Right Movement" inspired by Maurras, and, later on, achieving some intellectual status within the Establishment. Then there comes the year of "Liberation" (of France from the nazi grip), when he is said to have joined in the System, thus betraying his former friends ; however, this well-spread interpretation is as faulty as the label "dissident from the Action Française", that has stuck to him to this day. In the 1930's, Thierry Maulnier explores the economic and social fields to situate himself and to find an alternative for the liberal/capitalistic democracy he cannot stand. The years of Vichy Government, and the German ocupation of France,brought a deep change in his vision of the world, a change that took him away from Maurras ; from then on, he continues his lonely course, far from the Young Right members, though he may meet some of their names in the reviews in which he is a contributor ; he gets involved in other forms of artistic and intellectual expression, such as drama ; yet, he will never reject or denounce his past. In spite of some genuine changes in his political postures, this singular intellectual route displays many persistent ideas, recognizable in his fights against communism, totalitarianism, decolonizing, in his defense of Western civilization that is sinking, according to him. Maulnier's six decades of intellectual life are like a window open on the XXth century history, and on the political trends he is acquainted with.

Le présent travail de thèse portant sur la vie et l’œuvre de Carl Ludwig Fernow a pour principal objectif de présenter sous un jour nouveau la genèse de ses idées sur la théorie de l’art, aussi à l’égard des aspects socioculturels et anthropologiques de son temps. Pour ce qui est des principaux axes de recherche, on tentera, dans un premier temps, de reconstruire les sources philosophiques ayant nourri sa pensée esthétique et surtout les écrits de Kant, de Schiller et de Winckelmann, tout en opérant une sélection des textes les plus importants. Puis, nous nous demanderons, dans un deuxième temps, dans quelle mesure les monographies d’artistes de Fernow comportent des élans sociocritiques, se dirigeant non seulement contre la politique de formation des académies, mais également contre l’hétéronomie de la production artistique de son temps. Cet aspect sera envisagé sous la forme d’une comparaison de la monographie d’Arioste à celles d’Antonio Canova et d’Asmus Jakob Carstens. La troisième partie sera consacrée à une présentation synthétique des idées esthétiques de Fernow, afin d’évaluer, de façon cohérente et sous un nouveau jour, de l’originalité de sa conception de l’art autonome. / AThe main target of the present study is to reconstruct the genesis of the esthetical ideas of the German art theoretician and writer Carl Ludwig Fernow (1763-1808), whose work and intellectual importance has been recently rediscovered and revalued by several researches. Carl Ludwig Fernow’s name is particularly related to the art discussion of the so called “Weimarian art friends”, the circle of amateurs of beauty who assembled very famous members and personalities such as Goethe, Schiller and Meyer. However, Fernow has always acted in the shadow of these main actors, trying to make him known as an author. Thus, quite a number of his publications and articles in German appeared in German well known revues such as “The Propylees”, “The new Mercury” or “The journal of fashion and luxury” have never been touched a large public, but still would merit a closer look, based on a reexamination of the role he played for the formation of the movement of art’s autonomy, in order to show his art theory, resuming his main ideas and concepts concerning the character, the ideal of beauty and the enthusiasm of the artiste, which he personally considered as the principal components of genuine art expression representing the key to real artistic creation.

Dans « En songeant à un art poétique », Jules Supervielle définit sa poésie comme une entreprise d’humanisation. Quelle acception convient-Il de donner à ce terme, et en quoi se révèle-T-Il pertinent pour aborder l’œuvre de l’écrivain ? C’est à cette question que tente de répondre cette thèse, en cherchant à déterminer le sens qu’il convient de donner à l’humanisation à partir du double héritage de l’humanisme de la Renaissance et de l’humanitarisme romantique, et en s’appuyant sur des manuscrits et des correspondances en partie inédits. Dans une première partie, l’étude de la théorisation de l’humanisation chez Supervielle nous amène à mener une réflexion ressortissant de l’histoire des idées et de l’histoire littéraire, en nous penchant sur l’idée de la littérature développée par l’écrivain, et en analysant le rôle joué par Jean Paulhan et par René Étiemble dans l’apparition de cette idée. La seconde partie analyse la genèse diachronique de l’humanisation, au sein d’un essai de géographie poétique qui se focalise sur le tournant que constituent les années 1920 et 1930. La troisième partie est consacrée à l’étude de la genèse synchronique, considérant l’apparition de l’humanisation dans les divers états d’un texte, en poésie, en prose et au théâtre. L’étude de l’humanisation dans l’œuvre de Jules Supervielle permet ainsi de préciser le paysage littéraire et l’interpénétration des idées de la littérature qui se développent dans la première moitié du XXe siècle, en marge du surréalisme. / In « En songeant à un art poétique », Jules Supervielle defines his poetry as an attempt at humanization. How should this term be understood, and how does it enlighten Supervielle’s work ? In order to answer this question, this dissertation sets out to define the meaning of humanization through the lens of the double legacy of the humanism of the Renaissance and the humanitarianism of Romanticism, and in the light of partly unpublished manuscripts and letters. In the first part, this dissertation studies how Supervielle theorizes humanization. It leads to an analysis of a history of ideas and of literature, in order to define Supervielle’s conception of literature and in order to assess Jean Paulhan’s and René Étiemble’s roles in this theorization. The second part is a chronological study of humanization that takes the form of an essay of poetic geography. It focuses particularly on the work of the 1920’s and 1930’s. The third part is a genetic one : we study how humanization appears in the different states of a poem, a prose and a drama. The Study of humanization in Supervielle’s works enables us to have a better understanding of the literary landscape and of the entanglement of literary ideas in the first half of the twentieth century, in the margins of Surrealism.