This thesis shines a light on the Euroamerican reception of Chinese experimental art from 1990-2004. A selection of twelve exhibitions held in the Euroamerican context on Chinese experimental art are analysed within this study and a elaborate look has been taken at the exhibition itself, the works on display , the exhibition catalogue and the reviews that have been generated. The study focusses on Chinese experimental artists overseas but gives a very good impression on how Chinese experimental art has been received in general in the Euroamerican context. Also an extensive part of this dissertation has been dedicated to explaining basic and more in-depth background information on Chinese experimental art in order to gain a better understanding of this art current. Here, special attention has been paid to the overseas artists, and concepts such as transexperiences, hybridity, third space, diaspora and exile, and the “East-West” dichotomy.

La tesi se centra en l'anàlisi de la fotografia que utilitza de forma deliberada tot un aparell escenogràfic en la seva elaboració amb la finalitat d'introduir la ficció dins del seu llenguatge i d'allunyar-se del registre neutre de l'entorn real. En altres paraules, el treball aborda les imatges fotogràfiques que són fruit d'una construcció, tant per la teatralitat de la presa com per les possibles manipulacions digitals de la imatge. La tesi es divideix en tres blocs diferents: primer de tot, se situa aquesta forma de creació dins del context artístic del segle XX, entenent que la ficció ha estat un aspecte difícil d'assimilar en el camp de la fotografia. En segon lloc, s'analitzen els diferents artistes que utilitzen aquest recurs, situant aquesta pràctica en relació amb altres disciplines com la pintura, el cinema, el teatre i les arts digitals. Així mateix, s'estudia la incursió de les últimes tecnologies en la imatge fotogràfica i els canvis conceptuals que això ha comportat. Aquest capítol està dividit en diferents apartats que sorgeixen de les relacions que es poden establir entre els diversos artistes. Els temes tractats estan determinats per temàtiques, recursos fotogràfics o altres aspectes comuns a aquests artistes i representatius de la fotografia construïda. La finalitat d'aquest recorregut és desvelar per què utilitzen aquesta forma de producció i la seva relació amb el context artístic i social actual.Finalment, l'últim capítol està dedicat a explicar la producció fotogràfica de l'autora en relació amb les diferents nocions que han anat apareixent en el transcurs del treball, és a dir, es contextualitza un treball propi en el conjunt de la investigació.NOTA: Tesi realitzada dins els projecte d'investigació Prospeccions Binàries2000-2003 (BHA2000-0734) i Prospeccions Binàries II (BHA2003-02938), finançats pel Ministerio de Ciencia y Tecnología i el Fons Europeu de Desenvolupament Regional (FEDER).Aquest projecte també ha estat possible gràcies al recolzament del Comissionat per a Universitats i Recerca (CUR) i del Departament d'Innovació, Universitats i Empresa (DIUE) de la Generalitat de Catalunya i del Fons Social Europeu / AUTHOR: Marta Negre"Photography in contemporary scenography. The creation of fictions and new realities".THESIS SUPERVISOR: Pilar Palomer Mateos.SUMMARY TEXT:The thesis is based on the analysis of the kind of photography that makes deliberate use of scenography in order to introduce fiction into its language and to distance itself from the neutral register of the real environment. That is to say, the study focuses on photographic images which are the result of a construction, because the shot is particularly theatrical, or because the image may have been digitally manipulated. The thesis comprises three blocks: first, since fiction has been difficult to assimilate in the field of photography, I situate this creative form inside the artistic context of the twentieth century. Second, I study the artists who use this resource, situating the practice in relation to other disciplines such as painting, cinema, theatre and the digital arts. I also study the impact of the latest technologies in photographic imaging and the conceptual changes that they have introduced. This chapter is divided into sections that emerge from the relationships that can be established between the different artists. The themes I deal with are classified by subject matter, photographic resources used, or other features which are common to the artists involved and which I consider to be representative of constructed photography. The aim is to determine why these artists use this form of production, and to define its relationship with today's artistic and social context.Finally, the last chapter presents my own photographic production against the background of the various notions that have appeared during the study; that is to say, I contextualize my own production inside the research project as a whole.

En este trabajo se investiga la "Poética del Pathos en la iconografía de la pintura mexicana del siglo XX". Uno de los motivos de dicha investigación ha sido la enorme expectación que se creó en México en la década de los años veinte del siglo XX frente al renacimiento artístico de la pintura mural y de caballete, creada bajo el patrocinio del Gobierno de México. El Ministro de Educación José Vasconcelos convocó a los pintores que se encontraban en Europa o Estados Unidos de Norteamérica, para decorar los edificios gubernamentales y dar sentido a la Revolución de 1910. Entre ellos Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco que desde el principio destacaron por sus propuestas pictóricas, lo cual dio origen a una polémica en torno a las imágenes o iconos, signos y símbolos expuestos. Por primera vez se expresaba pictóricamente a los indígenas de una forma diferente; frente a las injusticias cometidas durante la Colonia, las fiestas populares, así como reivindicaciones sindicales o ideológicas desde el indigenismo hasta el marxismo dado la implicación de algunos pintores (Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros), y sobretodo la reafirmación de la propia identidad a través del nacionalismo. Esto dio lugar a un renacimiento pictórico, hecho artístico que se conoce como La Escuela Mexicana de Pintura.La consecuencia de esta propuesta estética en el siglo XX ha sido la obra pictórica, así como el grabado de artistas tales como: Frida Kahlo, Rufino Tamayo, María Izquierdo, José Luís Cuevas, Juan Soriano, Rafael y Pedro Coronel, Jorge González Camarena, Lilia Carrillo, Francisco Toledo, Francisco Castro Leñero, Antonio Peláez, Nahum B. Zenil, Carlos Arriola, Alejandro Arango, Gabriel Macotela, Germán Venegas, Rafael Cauduro, Martha Pacheco, Alfredo Castañeda, Arturo Solari, Roberto Parodi, Dulce María Nuñez, Rocío Maldonado, Julio Galán, Marisa Lara, Arnaldo Cohen, Abraham Mauricio, Rodolfo Morales, Filemón Santiago, Ismael Vargas, Esteban Azamar, o Dalia Monroy por citar algunos de los más destacados y que en la actualidad continúa despertando admiración alcanzando cotas inimaginables en el mercado de arte, lo que ha hecho emerger mitos como el de Frida Kahlo. La investigación sobre el "Análisis de la Poética del Pathos en la iconografía de la Pintura Mexicana del siglo XX" está dividida en tres partes. En la primera se hace una aproximación a dicha poética a través de las teorías y el método que se usan como herramienta de investigación desde el punto de vista estético. En nuestro caso es el Método Iconológico, a partir de la Teoría del símbolo propuesta por Hegel y Cassirer hasta llegar a Abby Warburg el iniciador de la Iconología, la ciencia que estudia el significado de las imágenes o iconos y Edwin Panofski el creador de la Metodología Iconológica así como Esnest Gombrich entre otros por su implicación en el significado de la imagen. También se ha hecho una aproximación a la Semiótica tomando en cuenta a autores tales como Ferdinand de Saussure y Charles Peirce, así como las propuestas de Umberto Eco y la dificultad que comporta para la interpretación de la obra de arte. Finalmente se aplica en esta investigación el Método Iconológico con rigor metodológico.La segunda parte es una aproximación a los acontecimientos sociopolíticos y socioculturales de México, así como a la estética y plástica tanto precolombina como de la época de la Colonia hasta llegar al siglo XIX y XX. Estos últimos acontecimientos que han marcado profundamente la sensibilidad de los artistas se han plasmado en el muro o el lienzo, añadiendo reivindicaciones de actualidad como el feminismo o la homosexualidad, y un neomexicanismo como reafirmación de la propia identidad. La conclusión final es que los nuevos iconos mexicanos del siglo XX son producto del contexto sociocultural mexicano. / This study examines the Poetic art of Pathos in the iconography of twentieth century Mexican painting. There arose in Mexico in the 1920's strong interest in the artistic renaissance encouraged by the Mexican government. Among the pioneers were Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros and José Clemente Orozco, who stood out from the beginning for their proposals, which gave rise to the polemics surrounding the images or icons, signs and symbols they used. For the first time pre-Columbian ideas, the injustices committed during the colonization, popular fiestas and ethnicity were expressed in painting. They also expressed syndicalist or ideological demands, ranging from the indigenous peoples to Marxism, thanks to the involvement of certain painters (Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros) and especially the reaffirmation of their own identity via nationalism. This led to a renaissance in painting which is known as the Mexican school of painting. This twentieth century proposal has led to the paintings and engravings of such artists as Frida Kahlo, Rufino Tamayo, María Izquierdo, José Luis Cuevas and Julio Galán, among many others. They continue to arouse admiration and their works are highly priced on the art market. The research is divided into three parts. In the first part we follow the Iconological Method, based on the theory of the symbol proposed by Hegel and Cassirer, down to Abby Warburg, the originator of Iconology and Erwin Panofski, the creator of the Iconological Method. We have also approached semiotics, taking into account authors like Ferdinand Saussure and Charles Peirce, together with the proposals of Umberto Eco and the difficulty entailed therein. Finally, we rigorously apply the Iconological Method to this research. In the second part we deal with the socio-political and socio-cultural context, together with the aesthetics of the pre-Columbian era and the time of colonization, until we reach the 19th and 20th centuries. These events, which have had a profound effect on the sensitivity of theartists, are expressed in the mural paintings. Among contemporary demands we find feminism or homosexuality, or neo-Mexicanism as a statement of identity The study concludes that the new Mexican icons of the 20th century are the product of the socio-cultural context of Mexico.

DE LA TESIS:El objetivo central de esta investigación es conocer el funcionamiento de las instituciones de salud pública, las condiciones urbanas del puerto de Campeche, los efectos que éstos jugaron en los patrones cíclicos de mortalidad y su distribución en los barrios. El estudio de otros aspectos como la pobreza, las cofradías o incluso las instituciones hospitalarias ha estimulado a los historiadores a plantearse la necesidad de investigar acerca de los aspectos sanitarios, al considerar las conexiones entre la historia de la sanidad y la historia social. El proceso salud-enfermedad influye en la vida de un grupo social, en los factores económicos, religiosos-morales, políticos, las decisiones que los hombres y las mujeres toman en relación con normativas que afectan su estado físico y mental, así como procedimientos concretos para remediar las consecuencias inmediatas de los padecimientos.

La construcción identitaria como proceso relacional y situacional, necesita de un tiempo y un lugar particular para ser aprehendida. Es, por lo tanto, un mecanismo adaptativo humano que permite establecer relaciones con su entorno y con otros individuos. Este mecanismo adquiere la función de mediador entre lo individual y lo cultural, cuyo principal efecto es la categorización de individuos, grupos y espacios, siendo, al mismo tiempo, construido por los sujetos en sus relaciones. Por lo tanto, estamos frente a lo que Bourdieu (1997) designó como una estructura estructurada estructurizante, característica que la convierte en una necesidad para la negociación de lo social, de la que no deja de ser producto, pero a la que no corresponde ningún contenido esencial. La identidad es, por lo tanto, un vacío conceptual listo para ser llenado con las articulaciones de diferentes elementos culturales.Desde esta perspectiva, los estudios de formas juveniles de adscripción social han sido recurrentes, estableciendo aportaciones teóricas y metodológicas para una antropología de la juventud. En éstas se entiende la juventud como un grupo social cuyos límites no son biológicos sino construidos en la práctica social. Dicha práctica atribuye a los individuos en esa edad social unas características impuestas desde los modelos dominantes y parentales que ajustarán a sus necesidades a partir de modelos culturales elegidos. Desde esta perspectiva se aborda la cotidianeidad de cuatro jóvenes cairotas convertidos en modelo etnográfico de la investigación mediante los datos obtenidos durante el trabajo de campo, en una recolección orientada y en dialéctica con aproximaciones al contexto desde las ciencias sociales y por los propios informantes.Fruto de esta dialéctica es una interpretación cultural de ciertas categorías significativas para la construcción identitaria como son el espacio urbano, la construcción de la persona como individuo social a la que se le atribuyen valores y acciones dependientes de la edad social, el ciclo vital ideal de los sujetos producidos en este contexto, el estatus de liminalidad de los representantes de la juventud cairota o la estructura social en que se insertan. Estas categorías entendidas como esquemas, modelos culturales y marcos referentes necesarios para la negociación identitaria permitirán contextualizar las cuatro escenas etnográficas finales que no intentan agotar las posibilidades adscriptivas del mundo juvenil cairota, sino únicamente ejemplarizarlas desde el particularismo propio de la etnografía.Los objetivos perseguidos son básicamente tres. En primer lugar, observar la pertinencia de la metodología actual derivada de los estudios empíricos sobre juventud en contextos occidentales en otros mundos, para probar su validez universal, y, en caso negativo, afinar estas herramientas conceptuales. En segundo lugar, ilustrar el proceso de construcción identitario a través de su observación empírica mediante un modelo etnográfico. En este sentido, hay que destacar, antes que nada, la dificultad de recoger modelos etnográficos femeninos durante la investigación. Por lo tanto, obtendremos ciertas visiones juveniles masculinas de ciertos mundos juveniles femeninos, recogiendo el discurso dominante patriarcal sobre los géneros. Por ultimo, el tercer objetivo general es una comprensión de los posibles significados de ser joven en El Cairo, como ejemplo de una sociedad árabe, en sus propios parámetros, intentando obviar las visiones estereotipadas de las culturas islámicas y árabes, basadas en el predominio de lo religioso y sus supuestas carencias. Obviamente las propias dimensiones de dicha conjunto, hacen imposible un agotamiento de los posibles mundos juveniles del contexto cairota. De esta manera, el énfasis de la investigación estará en las relaciones marcadas por elementos dominantes, pero no determinadas exclusivamente por éstos. Se entenderá así la religión islámica como el marco dominante de las relaciones intergeneracionales, tal y como en Occidente ocurre con los valores derivados de la tradición judeocristiana, que no llegan a ser totalmente determinantes. De esta manera, la lógica islámica presenta multitud de especificidades propias de cada región cultural: no es lo mismo ser musulmán en Malasia que en Egipto, por ejemplo.La pregunta es, ¿qué significa ser joven en el mundo árabe? La respuesta pasa por entender los horizontes culturales como posibilidades reales de identificación de un individuo en un momento determinado, ya sean para justificar una acción o como marco general de referencia en su cotidianeidad. De estas formas específicas en un contexto complejo y concreto versa esta investigación. Este modelo etnográfico permite tanto la ejemplificación de la construcción identitaria como la pertinencia de los resultados de una antropología de la juventud construida a partir de modelos etnográficos básicamente occidentales como objetivos de la investigación. / The construction of identity as a relational and situational process supposes a given time and place in order to be apprehended. From this perspective, many studies deal with juvenile forms of social attachment, establishing theoretical and methodological contributions to anthropology of youth. Here youth is understood as a social group, whose boundaries are not biological but constructed in the social practice, giving the individuals, at this particular moment of their social age, some characteristics of the dominant parental models but adapted to the individual own needs trough some chosen cultural models.From this perspective, we present in this study the everyday life of four cairotes turned into ethnographic model by means of the data obtained during the fieldwork and post-selected in an orientated compilation with a social science dialectical approach of the context. The result of this dialectic is a cultural interpretation of significant categories for the construction of identity such as the urban space, the construction of the social person as an individual (with his values and actions depending on his social age), the ideal life cycle of the individuals produced within this context, the status of liminality of Cairo youth representatives or the social structure to which they pertain. These categories which might be seen as schemes, cultural models and frameworks mandatory for the negotiation of identity, will allow contextualizing the four ethnographic scenes presented without intention to exhaust the possible adscription paths of the Cairo youth but only to illustrate these possibilities from an ethnographic approach. In this way, the ethnographic model we propose allows both exampling of identity construction and to give pertinent results while using anthropology of youth essentially built from occidental models.

Esta tesis analiza varios aspectos de la sinestesia en la pintura y la relación entre el oído y la visión en las artes. Tras describir la historia de la relación entre el sonido y la forma desde la filosofía órfica y las teorías pitagóricas, profundiza en los pensamientos de ciertos pensadores importantes (por ejemplo, Newton y Runge) sobre las correspondencias entre las notas musicales y los colores del arco iris o la rueda y la esfera de colores. Más adelante, la tesis estudia los mitos y conceptos de la espiritualidad relativos al sonido y el color que ejercieron gran influencia en muchos artistas del siglo XX, a través de escuelas de pensamiento como la teosofía y la psicología, estudiadas por pintores, músicos y filósofos importantes en la evolución de las artes a principios del siglo XX (por ejemplo, Goethe, Rudolf Steiner, Wassily Kandinsky, Arnold Schönberg y Henri Bergson). Seguidamente, se investiga la relación entre la música y la pintura basándonos en la correspondencia entre pintores y músicos (cual es el caso de Kandinsky, Schönberg, Cage y Johns), centrándose a continuación en distintos artistas interdisciplinarios (por ejemplo, Èiurlionis, Cage, Vladamir-Rossine y Russolo). A continuación se presenta la influencia de las percepciones sonoras y la sinestesia sobre la pintura en Europa y América, destacando las relaciones e influencias compartidas entre Europa y América en los pensamientos y el desarrollo de la pintura sinestésica sonora visual, y la relación entre el arte de la música y la pintura. La tesis hace un recorrido por la historia contemporánea de la pintura sinestésica occidental que expresa percepciones sonoras, y muestra que la relación entre la música y la pintura y el interés por estudiar, entender y expresar el mundo sinestésico en la pintura es una constante en la historia del arte contemporáneo. Explica y analiza estudios recientes de científicos que trabajan con el fenómeno de la sinestesia y vea la obra de importantes pintores recientes que son sinestetas, como David Hockney, Mark Safan y Carol Steen. El trabajo de investigación realizado permite sugerir que la sinestesia y la expresión artística es parte de la naturaleza humana y tiene mucho que ver con su evolución como especie. La conclusión es que la pintura tiene la facilidad de sacar las experiencias sinestésicas desde las profundidades del ser, sin importarle el nivel consciente o subconsciente de aquéllas; llevando tales experiencias a la conciencia del artista y a la materia del mundo a través de abstracciones y analogías simbólicas creadas en el acto de pintar. / Theoretical and Practical Contributions of Synesthesia and Sound to Contemporary Painting.Doctoral thesis by Timothy B. Layden Directed by Doctor Domenec Corbella LlobetThis thesis analyses how synesthesia and music have influenced the development of contemporary painting. It compares the historical and mythological roots of the visualization of Sound with contemporary arts, science and philosophy. It gives examples of works of some of the most important contemporary painters explaining their influences and interrelations with the poetry and painting of the last two centuries. It describes the most important links, authentic and contrived, between painting and audio-visual synesthesia, giving examples of poetic associative audio-visual synesthesia in the arts as well as examples of the artistic expressions inspired in the projected synesthesia of true synesthetes. Moreover it highlights the connection between synesthesia, artistic expression and subjectivity. It describes how music inspired the birth of abstract painting and how this influenced the development of numerous movements in modern art which have developed into post modern art and the movements of today, which flourish in subjectivity encouraging originality and individuality. Based on the above research and the synesthetic and artistic experience of the author the following conclusions are made:Synesthesia is fundamental to human experience. Synesthetic sensations are subjective, connected to emotion and memory, and often felt as intangible and ineffable, beyond the individual experiencing it; art is the most accurate way of communicating such experiences. Today freedom of expression thrives, giving us the ability to choose like never before. ethnic, cultural and religious interaction is a defining factor of each individual ethnicity, culture and religion making the ability to understand different points of view crucial for the development of society. Artists have an important role in communicating the deeper and subtler levels of life that give value to experience. Emotions, intuition and synesthetic perceptions, which inspire wonderful works of art and revelations in science, and motivate invention are more powerful than reason and logic. Art is part of human nature, it is where we can communicate more than the obvious, deeper than the surface and more explicitly than words. Its value is in how it opens eyes to new points of view, inspires creativity and influences change. Through artistic creativity and by being more aware of synesthetic aspects of experience we can participate more consciously and actively to involve ourselves in life's evolution, as individuals integrated with nature.

Dins del marc de referència de la cultura de la contemporaneitat, quan es vol tractar sobre el cel , és necessari un punt de vista nou que derivi del que s'ha anomenant la conquesta espacial. Aquest fet i les noves consideracions sobre les relacions entre el temps i l'espai, ens donen una visió diferent de l'espai i del cel, una visió que condiciona, en l'actualitat, les imatges i les actituds a l'hora de tractar-los, ja sigui des de l'art o des de la ciència. "Sobre el cel" és el títol d'una tesi llegida recentment a la Facultat de Belles Arts de Barcelona. La selecció del tema invita al descobriment d'una sèrie d'obres, dibuixos, pintures, escultures, arquitectures, fotografíes i vídeos, ja comentades per d'altres, per una artista del nostre temps i incita a una apreciació diferent, una confrontació de dues mirades, rescatant antigues mirades des de nous valors. / TITLE: "ABOUT THE SKY". Within the frame of reference of the contemporary culture, when the main subject of discussion is the sky, it is necessary a new point of wiew that leads to the called space conquest. This fact and the new considerations on the relations between time and space, give a diferent vision of the space and the sky. A vision that, at the present time, conditionates the images and the attitudes to consider them from the art or the science point of view. "About the Sky" (Sobre el Cel) is the title of a thesis, readed recently in the Barcelona's Fine Arts College. The selection of the subject invites the discovery of works series, drawings, paintings, sculptures, architectures and photographies, already commented by other people, for an artist of our time and incites a different appreciation, a confrontation of two glances, rescuing old looks from new values.KEYWORDS: Sky, Contemporary Art, Space conquest, A new reading of the tradition and the contemporary art.

This doctoral dissertation approaches three plays written by British playwright Caryl Churchill (1938- ): Cloud Nine (1979), Top Girls (1982), and Blue Heart (1997). Her plays deal mainly with systems of oppression and their effects on the individual or on groups of people. These systems of oppression, reminiscent of the Foucauldian power structures, exert their restrictive power over the dispossessed -the working class, women, or gays and lesbians. The main objective of this dissertation is to demonostrate how a gender and politics-oriented approach to theatre can help to subvert some of the patriarchal and conservative assumptions implicit in traditional theatre. In this respect, the three plays analysed share the presence of recurrent themes: patriarchal society, the nuclear family, colonisation at several levels (race, gender, sexuality), and the capitalist system.

La present tesi suposa una anàlisi de la representació del cos humà dintre de la trajectòria artística de Zush. A més a més d'un estudi comparat del mateix, amb l'obra de d'altres artistas coetanis i amb la de d'altres tradicions i èpoques distants a la nostra. En el primer capítol, les representacions que Zush ens mostra són de caràcter intimista, les quals desapareixen però, molt aviat en els seus primers anys de treball per a donar lloc, a una sort de representacions, on l'ésser humà apareix totalment frontal a l'espectador i de caràcter simbòlic. En el transcurs cronològic de l'obra que estudiem, se succeeixen constants canvis i alteracions de la imatge fins al límit de la deformació i de l'exageració, aspecte que ens permet a la fi parlar d'un ésser amb unes característiques properes a les del monstre. Desfiguracions que a nivell plàstic es tradueixen mitjançant la presència de màscares i d'altres tipus d'incognites rera les quals s'hi amaga fins a cert punt, la fisonomia humana.En el segon capítol es porta a terme una anàlisi iconogràfica de l'obra de Zush, alhora que també de les característiques dels personatges que de manera recurrent apareixen en la seva obra: el rostre, els ulls, els gestos, etc.. Essent en tots els casos la línia l'element formal per excel.lència i protagonista a la fi, de dibuixos, pintures i llibres d'artista, per no dir, de la seva cal.ligrafia i escriptura personal. Faceta aquesta darrera que s'estudia en el tercer capítol d'aquest treball.En el capítol quart, s'estudia l'obra digital de Zush, tècnica que intervé gairebé en tota la seva producció no tant com una finalitat sinò com un mitjà més d'expressió. Interacció que caracteritza l'obra d'un artista que intenta mantenir una relació viva i contínuament directa amb el públic. A partir d'aquest moment s'evidencien importants canvis referents especialment al tema que ens ocupa. La fragmentació i la velocitat a la qual apareixen les imatges, creen en l'espectador un cert sentiment de pèrdua. Concepte que en l'obra de Zush podem apreciar en els múltiples retrats i autorretrats que constantment és reconverteixen en una mena de substàncies amb capacitat de transformació i metamosfosi.En el cinquè capítol i sisè s'aporta una síntesi biogràfica de l'artista i un estudi de les principals tècniques pictòriques emprades, anàlisi que ens permet afirmar el caràcter pluridisciplinar de l'artista que aquí es presenta.Finalment en el darrer capítol es dur a terme una recopilació de l'extensa bibliografia que sobre l'artista s'ha publicat, tanmateix una bibliografia de caràcter general utilitzada per a portar a terme aquesta recerca. / The present thesis is an attempt of analysis of the human figure representation in Zush's artistic carreer and -beside the study of his artistic trajectory- his respective position among his comtemporaries and others artists belonging to traditions remotes from his . If Zush's former expression highlights by his intimistic representation , it is soon replaced by the depict of an omnipresent, unique and frontal character facing the viewer. In the chronological course of studio work, the constant change performed to the image leads us through distorsion and exageration to the creation of monsters. The plastic translation of this paticular metamorphosis is portrayed in these stranges and impressives masks.The second chapter focus on the iconographical analysis of Zush's work and a formal study of the most recurrent figures appearing in all his creations: faces, eyes and gestures. We study how the line is taking ownership of Zush's artistic dimension, such in sketches, paintings, calligraphie and handwritting, studied in the third chapter .Digital work -described in the fourth chapter- is another vertex of Zush's expression, regarded not only as a mean to a end but also as another medium of plastic expression. Indeed, from this point we can acknowledge the definitive change in the human figure representation and how the emphasis set on motion and fragmentation -paradigm of the digital creation- leads to internal confusion and a certain sense of lose .Fifth and sixth chapters track Zush's artistic biography and summarize the main technics used during all his career . In the seventh chapter i gathered an extended bibliography about Zush, a published and a general one, which i extensively used to carry out this research.

"La imatge neutra: la fotografia com a model en la pintura de finals del segle XX " estudia la influència que ha tingut el mitjà fotogràfic, tant en el procés analògic com en digital, en la transformació dels paràmetres establerts per la modernitat de la pintura de finals del segle XX, a partir d'anàlisis dels corrents i artistes més significatius del debat, vinculats tots ells amb l'obra artística de l'autor.Es demostra com la imatge òptica canvia la nostra manera de percebre la realitat, i com això ha estat motiu i forma de molts dels corrents figuratius, que han aparegut en la pintura a partir dels anys seixanta. Tracta de veure com la fotografia, lluny d'obstaculitzar el procés natural de la pintura, ha contribuït a donar-li noves perspectives formals i conceptuals. Estudia la funció codificadora que exerceixen els models fotogràfics en el producte artístic final, i mostra com la pintura accepta els seus límits i deixa contaminar-se per altres disciplines, en detriment de la puresa formal, per situar-se en un lloc més modest, però que continua sent efectiu. / "The neutral image: photography as a model in late twentieth century painting" studies the influence of photography, both analog and digital, in the transformation of the painting of the end of the twentieth century. It does so via an analysis of the most significant trends and artists in the debate, all of them linked to the artistic work of the author.The study shows how optical images change the ways in which we perceive reality, and how they have both inspired and shaped many of the figurative trends that have appeared in painting since the nineteen sixties. It reflects on how photography, far from hindering the natural process of painting, has contributed to providing it with new formal and conceptual perspectives. It studies the encoding function of photographic models in the final artistic product, and shows how painting accepts its limits and is open to influence by other disciplines, to the detriment of formal purity, to find its new position - a more modest position, but one that nonetheless remains effective.