Essa pesquisa visa compreender o espaço no qual a arte digital, entendida como sistema complexo, ou seja, arte-ciência-tecnologia, é produzida, circula, é consumida e preservada no Brasil, entre o sistema da arte contemporânea e a cultura digital. A partir de uma metodologia qualitativa que une levantamento bibliográfico, pesquisa de campo e entrevistas, encontrei uma rede interoperante, convergente, móvel, pervasiva e instável que atualiza as noções de sistema da arte. Nesse espaço fluído e flexível que tenho defendido como o sistema da arte digital, rastreio o movimento de conceitos, agentes, processos, teorias e práticas. Os resultados da pesquisa apontam um sistema da arte digital em conexão com outros sistemas, bem como (re) configurações originadas pela economia e cultura digital. / This research aims to understand the space in which digital art, understood as a complex system, that is, art-science-technology, is produced, circulates, is consumed and preserved in Brazil, between the system of contemporary art and digital culture. From a qualitative methodology that combines bibliographic research, field research and interviews, I found an interoperating network, convergent, mobile, pervasive and unstable that updates the art system notions. In this fluid and flexible space that I have defended as the system of digital art, I trace the movement of concepts, agents, processes, theories and practices. The research results indicate a digital art system in connection with other systems, and (re) configurations caused by the economy and digital culture.

A pesquisa é realizada por uma artista que coloca em estado de suspensão sua produção artística dedicando-se a dissertar não a partir de um objeto de autoria própria, mas de um arquivo realizado por outra autora: A Arquivista. O objeto da dissertação é desarquivar este conjunto de materiais impressos sobre arte contemporânea no Brasil: Arquivo de emergência. Por meio de uma arqueologia, o objetivo da pesquisa é investigar o arquivo como um agenciamento em arte, a partir da elaboração crítica dos diversos conceitos que ele engendra: arquivo, documento, evento, ruptura, emergência. Com isso, investiga as condições de aparição e de presença do arquivo na atualidade. O vocabulário da pesquisa é traficado de ciências outras, e entre os conceitos que são inflexionados ao arquivo estão o comum e a virtuose. O trabalho tem por intuito investigar os possíveis da arte em relação ao comum, em suas finitudes maquínicas e auto-poiéticas. / This research is developed by an artist that puts her production in a state of suspension, dedicating this dissertation not to an object of her own authorship, but to an archive done by another author: The Archivist. The object of this dissertation is to dearchive this group of printed materials about contemporary art in Brazil: Archive of Emergency. Through a type of archaeology, the object of this research is to investigate the archive as an assemblage in the field of art, according to a critic elaboration of multiple concepts that it embraces: archive, document, event, rupture, emergency. Therefore, it investigates the archives conditions of public appearance and its conditions of presence. The vocabulary of this research is trafficked from other sciences, and among the concepts that are inflexed in the archive, there are the common and the virtuosity. The work intends to investigate the possibles of art towards what is common, in its auto-poietic and machinical finitudes.

Esta tese parte dos contextos de obras de Regina Silveira (Porto Alegre, RS, 1939) e Carlos Fadon Vicente (São Paulo, SP, 1945), realizadas a partir dos anos de 1970, para reflexão e problematização sobre as relações entre fotografia e ficção, na arte contemporânea. Entre os artistas brasileiros que tiveram importante atuação nos anos 1970 no uso da fotografia como elemento de suas obras, ou como fotógrafos, este estudo enxerga em Regina Silveira e Carlos Fadon Vicente pesquisas seminais e declaradas em torno da representação e do debate sobre a visualidade, que persistem até hoje. Este estudo reconhece também similaridades nas obras dos dois artistas, mesmo que trabalhadas de modo diferente, no que concerne ao uso de elementos que levam à problematização do conceito de representação e à ideia de ficção. A dualidade entre arte e fotografia e vice-versa, permeia toda a tese. Da mesma forma, o debate em torno da ficção dado a partir da ideia de terreno como conjunto de significados capaz de problematizar diversas noções de ficção: fingir, imitar, parecer semelhante, real, verdadeiro, fidedigno, verossímil. Iludir, encenar, construir, falsificar. Tornar ambíguo, virtual, simular. O ponto fulcral da questão reside no jogo em torno da representação, da natureza artificiosa da imagem fotográfica. A fotografia permeia o campo das Artes Visuais e o da própria Fotografia, como suporte mediático que possibilita se pensar a questão da representação, o embate entre as noções de realidade e de ficção e a permeabilidade entre ambas: a ficção pode constituir uma realidade em si mesma. A ideia de ilusão explorada e demonstrada a partir do uso da fot ografia como fonte ficcional. As reflexões giram ao redor do debate sobre a representação na ou por meio da fotografia. As noções de ilusão, ficção e simulacro se manifestam de maneira semelhante e intercambiável tanto quando estamos diante da fotografia (tout court), como de uma obra visual que tem a fotografia como base. Quando o assunto é fotografia, alguns debates entram em pauta. Por exemplo, a questão da fotografia como documento, como memória; o embate entre real e ficcional; a fotografia como arte; a postura do fotógrafo perante a fotografia. No momento em que o assunto é arte contemporânea, outros debates ao redor da fotografia, e da própria arte, são suscitados como o caso em que a fotografia está presente como componente da obra, e, dessa forma, de que maneira ela dialoga com a arte e cria sentidos semelhantes àqueles quando se trata da fotografia tout court. Observam-se as especificidades da fotografia e seu trânsito entre os campos, Arte e Fotografia, permeando-os, de modo a refletir sobre o que acontece quando está no campo da Arte Contemporânea e de que forma contribui para trazer à tona uma discussão sobre ficção e representação. Como faceta metodológica, este estudo emprega, além das imagens das obras visuais, entrevistas com os dois artistas e documentos de época, de modo a contextualizar, esclarecer e enriquecer o debate e a reflexão empreendidos na tese. / This thesis comes from the context of works by Regina Silveira (Porto Alegre, RS, 1939) and Carlos Fadon Vicente (São Paulo, SP, 1945), carried out from the 1970s, for reflection and problem contextualization about relationships between photography and fiction in contemporary art. Among Brazilian artists, who had important performances in the 70s as photographers or with the use of photography as an element of their work, this study is complied with Regina Silveira and Carlos Fadon Vicente seminal researches over representation and declared debate on visuality, that persists todays. This study also recognizes similarities in the works of both artists, even if accomplished in a different manner in what concerns the usage of elements that lead to the questioning of the concept of representation and the idea of fiction. The duality between art and photography and vice-versa, involves all the theses. Similarly, the debate around fiction given from the idea of terrain as a set of meanings capable to bring problems to several notions of fiction: pretending, imitating and looking similar, real, truthful, faithful, credible: illusion, staging, building, faking. Make it ambiguous, virtual, simulated. The crucial point of the question resides around the representation of the artificial nature of the photographic image. The photograph lines up with the field of Visual Arts and of Photography itself as a media support that enables to think of the representation question, the clash between the notions of reality and fiction and the permeability between the two: fiction can constitute a reality in itself. The idea of illusion exploited and demonstrated through the use of photography as a fictional source. Reflections turn around the debate over representation on photography or through its means. Notions of illusion, fiction and simulation show themselves in a similar and interchangeable manner, as well as when we are before a photograph tout court, or before a visual work with a photography basis. When the subject is photography, some debates arise, for instance: the issue of photography as a document, as a source of memory; the draw between whats real and fictional; photography as an art and the photographers attitude before the photograph. When it comes to contemporary art, other debates arise around photography, and art itself, it comes to the case when photography is present as a component of the work, and, this way, exposes the manner it creates a dialog with art and similar meanings to those related to photography tout court. The specifics of photography are observed, as well as its transit among the fields, Art and Photography, lining them up, so as to reflect what happens in the sphere of Contemporary Art and the way it contributes to arouse a discussion about fiction and representation. As a methodological asset, this study applies, on top of visual work images, interviews with the two artists and a set of documents, in such a way to contextualize, clarify and enrich the debate and reflection invested in the thesis.

Esta tese analisa o desenvolvimento do trabalho do artista plástico francês Daniel Buren, nascido no ano de 1938 em Boulogne-Billancourt, nos arredores de Paris. Trata-se de um autor ligado aos desdobramentos das pesquisas neovanguardistas na França, conhecido como um dos fundadores da crítica institucional, no contexto da chamada arte conceitual. Suas instalações se caracterizam por estabelecer uma análise sistemática entre a obra de arte e seu local de exposição através daquilo que chamou de trabalho in situ. Atualmente, esta locução é frequentemente utilizada no campo da arte contemporânea para designar trabalhos realizados no próprio local de exposição. Dentre as múltiplas possibilidades de analisar a vasta obra de Daniel Buren, buscamos explorar exatamente o desenvolvimento deste aspecto central de seu trabalho, a noção de trabalho in situ e sua aplicação dentro e fora dos museus e galerias. Esta escolha visa dois objetivos: em primeiro lugar apresentar o funcionamento destes trabalhos ao longo do período analisado. Estes, apesar de surgirem de uma proposta simples, são capazes de movimentar, a cada vez, diversos elementos materiais e simbólicos que compõem o espaço investido. Em segundo lugar, trata-se de avaliar a força crítica do trabalho in situ nestas duas décadas e sua possível ressonância para a arte contemporânea, uma vez que o trabalho in situ tem por característica principal evidenciar o espaço no qual se insere como local de exposição e de produção cultural a ser problematizado. Para o desenvolvimento deste estudo consideramos que o sistema da arte analisado e criticado por Buren, e no interior do qual ele forçosamente desenvolve o seu trabalho, sofreu modificações profundas no período a que se refere esta pesquisa, acompanhado de mudanças igualmente significativas no modo como a cultura se reproduz no capitalismo tardio. Este efeito se consolida em diversas propostas curatoriais e museográficas que abandonam o território seguro da história da arte em direção a propostas autorais ou temáticas. Observa-se também a reformulação e criação de novos espaços expositivos, trabalhados pelos artistas e curadores, que buscam dar conta das questões ligadas à desmaterialização da obra de arte e de sua circulação no campo cultural expandido. Em adição a isso, o próprio espaço urbano se torna um local a ser investido pelas obras in situ, suscitando questões concernentes à relação entre a arte, o artista e o espaço público da cidade. / This thesis examines the development of the work of French artist Daniel Buren, born in 1938 in Boulogne-Billancourt, near Paris. His work is characterized by establishing a systematic analysis between the work of art and its exhibition venue through what he called the work in situ. Currently, this term is often used in the field of contemporary art to define a work done on site. Among the many ways of analyzing the vast work of Daniel Buren, we explore the development of this central aspect of his work, the notion of work in situ and its application in and out of museums and galleries. This choice aims at two objectives: firstly present the functioning of these works over the period analyzed. Even though they arise from a simple proposal, they mobilize various material and symbolic elements that constitute the invested space. Secondly, evaluate the critical strength of the work in situ during these two decades and their possible resonance to contemporary art, since the work in situ is characterized by evidencing the space in which it is installed as a site of exhibition and cultural production open to questioning. To develop this study, we consider that the \"art system\" analyzed and criticized by Buren, who work within that system, was modified significantly in the period referred to in this research, accompanied by equally significant changes in how culture reproduces itself in late capitalism. This effect is consolidated in many curatorial proposals that leave the safe territory of art history toward questions regarding the dematerialization of the art object and its circulation in the expanded cultural field. We also observe the redesigning and the creation of new experimental exhibition spaces. In addition to this, the urban space itself becomes a place to be invested by the works in situ, raising questions concerning the relationship of the art and the artists in the public space of the city.

O poeta e cineasta britânico Derek Jarman, morto em 1994, aos 52 anos, vitimado pela AIDS, é uma figura controversa e polêmica no âmbito da História da Arte. Sua poética faz alusão à liberdade sexual, ao ateísmo, à anarquia e à deformação sócio-política vivida na Europa entre as décadas de 1960 e 1990. Filmes como Sebastiane (1976) e Jubilee (1978) são amostras violentas desse ataque às instituições. Por outro lado, uma observação mais atenta a trabalhos como Blue (1993), Glitterbug (1994) e, sobretudo, Caravaggio (1985), apontam para um projeto estético muito mais elaborado e ambicioso. Observamos nessas obras específicas uma tentativa de releitura da História da Arte num corte sincrônico em relação a seu próprio tempo, e além disso uma busca pela identificação do papel do artista no contexto da História em si, de maneira que vida e obra unam-se simbioticamente num projeto de totalização da poética, da estética e da fenomenologia que envolvem ambas. Este trabalho pretende resgatar a memória do artista Derek Jarman, posto que seu trabalho se perdeu no hermetismo a ele atribuído pela crítica ao longo dos anos que se seguiram à sua morte e, a partir desse resgate, examinar elementos históricos e estéticos presentes em Blue, Glitterbug e Caravaggio, que evidenciam uma releitura da História da Arte à luz da contemporaneidade com vistas a discutir o papel e o lugar do artista no contexto da vida enquanto obra aberta e como ator na transcorrência sincrônica da História. Com isto, a presente tese faz uma excursão pelos anos formativos de Jarman, quando cursou Artes Visuais e quando tomou contato com artistas da vanguarda do pós-Segunda-Guerra, em seguida examina a ocorrência dos efeitos de tal contato em suas obras derradeiras Blue e Glitterbug, para, finalmente, dissecar sua obra Caravaggio em busca de comprovações para nossa hipótese de que Jarman ocupou-se de criticar seu tempo e sua cultura fundindo-se ao personagem do pintor italiano, criando uma vida-obra indissociável em que se verifica o estudo histórico e fenomênico da Arte e, por fim, reavalia os papéis do artista Caravaggio e seu próprio papel em relação ao fazer artístico, dentro de uma compreensão metafísica. / British poet and filmmaker Derek Jarman, who died in 1994 at 52, a victim of AIDS, is a controversial figure in the History of Art. His poetics allude to sexual freedom, to atheism, to anarchy and to the socio-political deformation experienced in Europe between the 1960s and 1990s. Films such as Sebatiane (1976) and Jubilee (1978) are violent samples of this attack on institutions. On the other hand, a closer observation to works such as Blue (1993), Glitterbug (1994) and, especially, Caravaggio (1985) points to a much more elaborate and ambitious aesthetic project. We observe in these specific works an attempt to reread the History of Art in a synchronic cut in relation to its own time, and, in addition, a search for the identification of the artist\'s role in the context of History itself, so that life and work unite symbiotically in a project of totaling poetics, aesthetics and phenomenology that involve both. This work intends to rescue the memory of the artist Derek Jarman, since his work was lost in the hermeticism attributed to him by the critics throughout the years that followed his death and, from this rescue, to examine historical and aesthetic elements present in Blue, Glitterbug and Caravaggio, which show a re-reading of the History of Art in the light of contemporaneity with a view to discussing the role and place of the artist in the context of life as a work in progress and as an actor in the synchronous transcurrency of History. With this, the present thesis makes an excursion in the formative years of Jarman, when he studied Visual Arts and when he made contact with artists of the vanguard of the post-Second World War. Next, it examines the occurrence of the effects of such contact in its works Blue and Glitterbug, to finally dissect his work Caravaggio in search of evidence for our hypothesis that Jarman was concerned with criticizing his time and his culture by merging with the character of the Italian painter, creating an inseparable life-work in the historical and phenomenal study of Art and, finally, re-evaluates the roles of the artist Caravaggio and his own role in relation to artistic making, within a metaphysical understanding.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 kelly Bianca pre_text.pdf: 326263 bytes, checksum: 11cd041dfe1da12a6974861762ef5ab8 (MD5) Previous issue date: 2009-04-28 / The way artifacts influence and are influenced by culture is a recurrent topic in the contemporary scene. Images, toys and art works integrate such ideological framework which impels behavior and contributes for an alienated consumption. To educate in a context in which images seduce and attract for consumption invading our daily life is one of the challenges of art teaching. Contemporary art has a potential to give voice to students subjectivity and to promote dialogical, critical and inclusive learning. This work investigates the way how six students, future teachers three women and three men attending the Visual Arts Teaching Program at the Visual Arts College of the Federal University of Goiás, understand and interrelate with contemporary art images as their teaching object. Inspired on my observations concerning the resistance to the use of these images in classrooms, this research constitutes a sample of collected data that builds a net of point of views that sometimes overcross, sometimes diverge, but, especially, reflect pedagogical, social and cultural issues naturalized in the understandings and conceptions of those future teachers. Developed through individual interviews and focal groups, this investigation is oriented by a qualitative methodological perspective which considers images, talks, silences, gestures and reactions as part of a critical and constructive analysis of narratives that dialogue with visual culture / A maneira como artefatos influenciam e são influenciados pela cultura é fator recorrente na contemporaneidade. Imagens, brinquedos e obras de arte integram esse arcabouço ideológico que incita comportamentos e contribui para um consumo alienado. Educar num contexto em que imagens seduzem e atraem para o consumo invadindo nosso cotidiano é um dos desafios do ensino de arte. A arte contemporânea apresenta um potencial para considerar a subjetividade de alunos e, conseqüentemente, favorecer um ensino dialógico, crítico e inclusivo. Este trabalho investiga o modo como seis alunos, futuros professores três mulheres e três homens do curso de Licenciatura em Artes Visuais da Faculdade de Artes Visuais (FAV) da Universidade Federal de Goiás (UFG), compreendem e se relacionam com imagens da arte contemporânea como objeto de ensino. Inspirada na minha observação sobre a resistência ao uso destas imagens em salas de aula, esta pesquisa se configura como uma mostra de dados que constrói uma trama de opiniões que ora se entrecruzam, ora divergem, mas, sobretudo, refletem questões pedagógicas e sócio-culturais naturalizadas nas compreensões e concepções destes futuros professores. Uma metodologia qualitativa desenvolvida através de entrevistas individuais e grupos focais orientou esta investigação que considera imagens, falas, silêncios, gestos e reações como partes integrantes de uma análise crítica e construtiva de relatos que dialogam com a cultura visual

A tese está organizada em torno dos estudos de caso de três edições da Documenta de Kassel (1997, 2002, 2007), bem como das 24ª (1998), 27ª (2006) e 28ª (2008) edições da Bienal de São Paulo, tendo como foco de análise as transformações ocorridas nas práticas curatoriais e na esfera institucional da arte a partir dos anos 1960 e 1970. A construção conceitual foi realizada através de um diálogo entre as transformações nas práticas curatoriais contemporâneas, resultado de uma revisão dos papéis das instituições como mediadoras entre a produção artística e o público, com os processos de inserção de regiões e discursos periféricos em um sistema cultural global. / The Thesis is organized around the case studies of the last three editions of Kassel´s Documenta (1997, 2002, 2007), and the 24th (1998), 27th (2006) and 28th (2008) editions of São Paulo Bienal. It is focused on the analysis of the transformation that has been occurring in the curatorial practices and in the art institutions since the 1960s and 1970s. Its conceptual background is based on the relationship between the critical (aesthetic) practices and the process of cultural globalization.

No arco da última década e meia, uma confluência de fatores de impacto mundial tem originado novos entendimentos e organizações de ordens econômica e urbana. Insere-­-se nesse quadro a eclosão dos debates acerca da \"economia criativa\" e, de forma mais recente, da \"cidade criativa\". No Brasil, ainda há parca bibliografia a respeito de ambos os temas e dos benefícios que poderiam gerar ao contexto urbano. A presente tese responde fundamentalmente a duas questões: caracterizar o que seria uma cidade criativa e analisar se São Paulo pode ser caracterizada como uma. Para tanto, unem-­-se neste trabalho revisão conceitual; cunhagem de um conceito norteador de cidade criativa; experimentação de sua aplicabilidade a três cidades; e uma análise prática da aderência desse conceito à cidade de São Paulo, sob dois recortes: de forma abrangente; e de modo aprofundado, tendo as artes plásticas contemporâneas como instrumento de estudo. / Over the past fifteen years, a convergence of factors of global impact has motivated new understandings and organisations of economic and urban order. This is the background leading up to the emergence of the \"creative economy \" and, more recently, the \"creative city\". In Brazil, the bibliography of both subjects is still scarce, the same applying to their potential benefits to the urban context. The present thesis aims to respond fundamentally to two questions: to draw the features of a creative city and to analyse if São Paulo could claim to be one. Therefore, this work encompasses a conceptual review; the proposal of a driving concept of creative city; an experimentation of its suitability to three cities; and a practical analysis of its adherence to the city of São Paulo, at two levels: comprehensive and in-­-depth, using contemporary art as a tool for analysis.

Móveis: da visualidade à visualização é uma pesquisa teóricoprática que pretende discutir como o senso de espaço se transforma na percepção do mundo digitalizado e como isso é manifestado na arte contemporânea. Para isso, visamos aliar a prática artística, através da conclusão de um experimento artístico denominado Móveis, à reflexão. O experimento se realiza por processos híbridos possibilitados pelo digital e consolida-se como uma metacriação a partir do processamento da grande variedade de imagens e informações dispostas e trocadas diariamente pela cultura. No processo de desenvolvimento do experimento artístico Móveis, diferentes práticas e softwares são integrados para a visualização de informações e \"mineração\" visual de dados, composição de arquivos de pesquisa, remixagem e apresentação da obra. Nesses desdobramentos, consideramos práticas como remix e a visualização de dados não apenas como agentes de uma forma final específica ou de análise e demonstração de dados, mas como geradoras de um projeto para a criação. Na construção do projeto, instrumentos são utilizados como meio e não como fim, portanto pretendeu-se enfatizá-los enquanto geradores de métodos, estratégias e etapas para o projeto artístico -- não ficando aparente em sua forma final e sendo possível de ser verificados enquanto processo. No decorrer desse desenvolvimento, a elaboração conceitual funde-se à prática, determinando o caminho de compreensão das atividades envolvidas. / Movable: from Visuality to Visualization is a practise-based research that intends to discuss on how the sense of space changes through the perception of the digitized world and how this is manifested in contemporary art. For this purpose, we aim to combine artistic practice to the reflection, through the conclusion of an artistic experiment called Movable. The experiment was carried out by hybrid processes made possible by digital media and was consolidated as a meta-creation from the processing of a huge variety of imagery and information arranged and exchanged daily by the culture. In the process of developing the artistic experiment \"Movable\", different practices and softwares were integrated for information visualization and visual data mining, for the composition of research files, remixing and for presentation of the work. In these developments, we have considered practices such as remixing and visualization of data not only as agents of a specific final form or of analysis and data demonstration but as generators of a project for creation. In the construction of the project, instruments were used as a medium and not as an end, so it was intended to emphasize them as generators of methods, strategies and stages for the artistic project - not becoming apparent in its final form and being possible to be verified as a process. In the course of this development, conceptual elaboration was based on practice, determining the path of understanding of the activities involved.

A partir de uma analise da representação de procissões por artistas brasileiros em pinturas do século XX, a pesquisa analisa o desenvolvimento da organização de procissões por artistas em meio performático nos espaços públicos das cidades do Brasil e no mundo. Ao apresentar vários exemplos, o autor descreve as procissões organizadas por artistas como uma performance de resistência no Brasil em domínio público, antes, durante e após a ditadura militar. Ao traçar essa história por meio de exemplos cronologicamente expostos, e uma série de 25 entrevistas com artistas brasileiros e internacionais (transcritos no primeiro apêndice), a tese procurou demonstrar a grande variedade de temas e contextos que motivam artistas a organizar procissões e as formas que as performances podem tomar. O capítulo 3 analisa as possibilidades de participação do público nas procissões traçando comparações entre realidades brasileiras e internacionais com a recente teoria de estética relacional. O capítulo 4 introduz a variedade de documentação e elementos esculturais que surgem de eventos efêmeros e a sua apresentação em exposições. O capítulo 5 levanta questões a volta de tempo e agenciamento em projetos artísticos participativos, e assim torna-se evidente que as procissões e desfiles organizados por esses agentes culturais tentam manter seu potencial crítico, ao mesmo tempo que se tornaram um meio de apoio institucional. O segundo apêndice lista obras para uma possível exposição com vestígios, obras e documentos que resultam das procissões organizadas por artistas. / Based on an analysis of the representation of processions by Brazilian artists in 20th century paintings, the research analyzes the development of processions organized by artists as performance in the public spaces of cities in Brazil and abroad. In presenting several examples, the author describes the processions organized by artists as a performance of resistance in Brazil in the public domain before, during and after the military dictatorship. In tracing this history through examples chronologically since 1931 and a series of 25 interviews with Brazilian and international artists (transcribed in the first appendix), the thesis seeks to demonstrate the wide variety of themes and contexts that motivate artists to organize processions and the forms these can take. Chapter 3 analyzes the possibilities of public participation in the processions drawing comparisons between Brazilian and international realities with the recent theory of relational aesthetics. Chapter 4 introduces the variety of documentation and sculptural elements that emerge from ephemeral events and their presentation in exhibitions. Chapter 5 raises questions about time and agency in participatory art projects, making it clear that the processions and parades organized by these cultural agents attempt to maintain their critical potential, while they have also become a means of institutional support. The second appendix lists works for a possible exhibition