Esta pesquisa trata de reconhecer e localizar na obra do escritor francês Georges Perec (1936-1982) o que instiga uma produção significativa ligada à Arte Contemporânea por meio do diálogo com três artistas: Arman, Joe Brainard e Édouard Levé. A parte da sua obra que interessa à pesquisa é aquela fixada no real, no espaço, nos lugares, nos rituais e procedimentos repetitivos, no cotidiano e nas coisas materiais que constroem um mundo de desimportâncias um mundo comum que serve de pano de fundo às ações diárias do banal urbano. A pesquisa está dividida em três capítulos, cada um deles centrado numa maneira particular de agrupar as coisas: no primeiro, dedicado à acumulação, procura-se diferenciar a coisa do objeto e identificar como os valores da sociedade de consumo se apresentam nas obras de Perec e de Arman; no segundo, dedicado à coleção, o interesse são as coisas comuns, o cotidiano indistinto, e a formulação de regras que ajudam Perec e Joe Brainard a compor um sentido para seus fragmentos de lembranças; já no terceiro e último capítulo, é o arquivo que guarda documentos, resultado de projetos de seus criadores, que vai permitir a Perec e a Édouard Levé encararem seus não-lugares para revelar o que acontece quando não acontece nada. / This research aims at recognizing and locating, in the work of the French writer Georges Perec (1936-1982), some of the elements of his production that can be seen as significantly linked to Contemporary Art. This process of recognizing and location will be take shape through the dialogue with three artists: Arman, Joe Brainard and Édouard Levé. The part of Perecs work that interests this research is the one grounded in reality, in the urban space, in places, rituals and repetitive procedures, in everyday life and in material things that make up a world of irrelevance - a common world that serves as background to the daily actions we see in ordinary urban life. This research is divided into three chapters, each one of them focusing on a particular way of grouping things: the first one which is dedicated to the accumulation, tries to differentiate the concept of thing from the notion of object and identify how the values of consumer society appear in the works of Perec and Arman; the second chapter, which is dedicated to the collection focuses on shared things, on the indistinctive aspect of everyday life, and on the formulation of rules that help Perec and Joe Brainard make sense of the fragments of their memories; now, in the third and final chapter, it is the file (which results from the artists projects) that will allow Perec and Édouard Levé to envisage their non-places to reveal what happens when nothing happens.

Considerando o universo da produção artística contemporânea que explora diálogos entre artes visuais e tecnologias digitais, esta pesquisa trata de três vertentes correlatas. A primeira delas está relacionada à contextualização do cenário no qual emergem os meios de fabricação digital e o possível impacto do seu uso nos processos criativos. A segunda vertente circunscreve a linguagem tridimensional que vê a tecnologia em estudo como um instrumento artístico e trata de estudos de caso acerca de poéticas selecionadas. A terceira, de caráter prático, constitui-se em um ensaio artístico autoral a fim de produzir trabalhos experimentais com o uso dos meios digitais de fabricação. O ponto em comum presente nessas três vertentes é a ênfase da pesquisa: investigar, no campo das poéticas tridimensionais, como os processos criativos se utilizam da tecnologia de fabricação digital. / Considering the universe of contemporary artistic production that explores dialogues between visual arts and digital technologies, this research deals with three correlate strands. The first of these is related to the contextualization of the scenario from where emerge digital fabrication means and their possible impact in the creative processes. The second strand circumscribes the three-dimensional language that sees the technology under study as an artistic instrument to then deal with case studies about selected poetics. The third one, of a practical character, is an authorial artistic essay in order to produce experimental works with the use of the digital means of manufacture. The common point in these three strands is the emphasis of the research: to investigate, in the field of three-dimensional poetics, how the creative processes make use of digital fabrication technology.

« Les philosophes analytiques de l'art et les artistes conceptuels ont en commun de refuser la théorisation et la recherche du beau comme idée ou norme, pour poser à la place une définition de l'art comme fonction symbolique toujours à décrypter à partir d'elle-même et de son langage propre, sans lui appliquer une essence a priori » explique Dominique Chateau (esthéticien français, né en 1948). En d’autres termes, il s’agit de l'esthétique issue de l'empirisme logique et du pragmatisme. La référence à une partie de l'introduction du premier numéro de la Revue francophone d'esthétique, sous la direction de Frédéric Wecker, écrite par Jean-Pierre Cometti, Jacques Morizot, Roger Pouivet, permet de clarifier l'objectif de cette théorie esthétique ; « […] Les problèmes esthétiques se seraient-ils dissous dans la médiatisation généralisée ? Sont-ils condamnés à nourrir un essayisme brillant mais sans portée théorique ? Doit-on laisser la parole aux historiens, aux spécialistes des sciences humaines ou aux professionnels du monde de l'art ? Telle n'est pas notre conviction. Nous voulons faire le pari d'une approche esthétique ouverte sur toutes les manifestations de l'art et qui revendique un parti pris d'analyse conceptuelle et d'argumentation critique. Il ne suffit en effet ni d'en appeler à une dimension anthropologique fondamentale, ni de s'en tenir à la menue monnaie de l'actualité et des événements. Comme toute discipline de quelque ambition, l'esthétique doit être en mesure de construire ses propres objets et de réviser ses résultats et ses procédures : là est sa seule garantie d'échapper au délire d'interprétation » En ce qui concerne cette réflexion, l'esthétique analytique est un dialogue constant avec les œuvres d'art d'avant-garde de l'art moderne et contemporain, notamment celles de Duchamp et de Warhol, mettant l’accent sur un ensemble de théories esthétiques quelquefois hétérogènes ; loin des théories traditionnelles, toutes ces théories refusent le beau en tant que principe essentiel de ce qui est devenu connu de l'art, c'est-à-dire l'œuvre d'art. [...] / "The analytical philosophers of art and the conceptual artists have in common to refuse the theorization and the search for the beautiful as idea or norm, to pose instead a definition of art as a symbolic function always to decrypt from itself and its own language, without applying to it an essence a priori "explains Dominique Chateau (French esthetician, born in 1948). In other words, it is the aesthetics of logical empiricism and pragmatism. The reference to a part of the introduction to the first issue of the Revue francophone d'esthétique, under the direction of Frédéric Wecker, written by Jean-Pierre Cometti, Jacques Morizot and Roger Pouivet, clarifies the objective of this aesthetic theory. ; "[...] Would aesthetic problems have dissolved in the generalized media? Are they doomed to nourish a brilliant essayism but without theoretical significance? Should we give the floor to historians, social scientists or professionals in the art world? That is not our conviction. We want to bet on an aesthetic approach open to all the manifestations of art and that claims a bias of conceptual analysis and critical argumentation. In fact, it is not enough to appeal to a fundamental anthropological dimension, nor to stick to the petty currency of events and events. Like any discipline of any ambition, aesthetics must be able to construct its own objects and revise its results and procedures: this is its only guarantee of escaping the frenzy of interpretation. "Regarding this reflection the analytical aesthetic is a constant dialogue with the avant-garde works of art of modern and contemporary art, notably those of Duchamp and Warhol, emphasizing a set of sometimes heterogeneous aesthetic theories; far from traditional theories, all these theories reject the beautiful as an essential principle of what has become known to art, that is to say the work of art. [...]

Móveis: da visualidade à visualização é uma pesquisa teóricoprática que pretende discutir como o senso de espaço se transforma na percepção do mundo digitalizado e como isso é manifestado na arte contemporânea. Para isso, visamos aliar a prática artística, através da conclusão de um experimento artístico denominado Móveis, à reflexão. O experimento se realiza por processos híbridos possibilitados pelo digital e consolida-se como uma metacriação a partir do processamento da grande variedade de imagens e informações dispostas e trocadas diariamente pela cultura. No processo de desenvolvimento do experimento artístico Móveis, diferentes práticas e softwares são integrados para a visualização de informações e \"mineração\" visual de dados, composição de arquivos de pesquisa, remixagem e apresentação da obra. Nesses desdobramentos, consideramos práticas como remix e a visualização de dados não apenas como agentes de uma forma final específica ou de análise e demonstração de dados, mas como geradoras de um projeto para a criação. Na construção do projeto, instrumentos são utilizados como meio e não como fim, portanto pretendeu-se enfatizá-los enquanto geradores de métodos, estratégias e etapas para o projeto artístico -- não ficando aparente em sua forma final e sendo possível de ser verificados enquanto processo. No decorrer desse desenvolvimento, a elaboração conceitual funde-se à prática, determinando o caminho de compreensão das atividades envolvidas. / Movable: from Visuality to Visualization is a practise-based research that intends to discuss on how the sense of space changes through the perception of the digitized world and how this is manifested in contemporary art. For this purpose, we aim to combine artistic practice to the reflection, through the conclusion of an artistic experiment called Movable. The experiment was carried out by hybrid processes made possible by digital media and was consolidated as a meta-creation from the processing of a huge variety of imagery and information arranged and exchanged daily by the culture. In the process of developing the artistic experiment \"Movable\", different practices and softwares were integrated for information visualization and visual data mining, for the composition of research files, remixing and for presentation of the work. In these developments, we have considered practices such as remixing and visualization of data not only as agents of a specific final form or of analysis and data demonstration but as generators of a project for creation. In the construction of the project, instruments were used as a medium and not as an end, so it was intended to emphasize them as generators of methods, strategies and stages for the artistic project - not becoming apparent in its final form and being possible to be verified as a process. In the course of this development, conceptual elaboration was based on practice, determining the path of understanding of the activities involved.

Entre todos os mercados que lidam com bens culturais e artísticos, o mercado de arte contemporânea permanece como um dos mais inacessíveis e desconhecidos. A dificuldade em estabelecer relações objetivas entre arte e economia, típica dos mercados de bens simbólicos, parece atingir seu ápice quando se trata de discutir as artes visuais. Em relação ao mercado de arte, atribui-se com frequência a ideia de um campo sem regras, caracterizado por valores exorbitantes, eventos espetaculares e agentes orientados para a obtenção do máximo lucro. Porém, a partir de uma análise detalhada do campo, é possível identificar uma série de normas e estratégias econômicas e simbólicas que regulam o mercado e sobre as quais se estabelece o preço das obras e o valor artístico. Deste modo, a presente pesquisa busca analisar as leis que operam este mercado, assim como a construção do valor das obras de arte contemporâneas, levando em consideração as especificidades e o lugar que o mercado de arte brasileiro ocupa dentro deste sistema como um todo / Among all the markets that deal with cultural and artistic goods, the contemporary art market remains one of the most inaccessible and unknown. The difficulty of establishing objective relations between art and economy, typical of symbolic goods, seems to reach the peak of uncertainty when it comes to discussing the visual arts. The art market is frequently seen as a field without rules, characterized by exorbitant prices, spectacular events and actors oriented to obtain the maximum profit. Departing from a detailed analysis of the field is posibible to identify a series of economic standards and symbolic strategies that regulate the market and on which the artistic value and the price is set. Thus, this research seeks to analyze the laws that operate this market, as well as the construction of the value of contemporary art, taking into account the specificities and the place that the brazilian art market occupies within this system as a whole

Esta pesquisa se dedica a questões conceituais da arte contemporânea implicadas na proposição intitulada Estruturação do Self, desenvolvida pela artista brasileira Lygia Clark entre 1978 e 1988, que se coloca num limite ambíguo entre a arte e a terapia. Por meio de perspectivas críticas é possível analisar determinados aspectos daquela experiência, seus desdobramentos, territórios e paradigmas, de modo a compreender melhor suas contribuições ao pensamento artístico contemporâneo. Esses aspectos dizem respeito à recepção estética da obra e sua relação com determinados públicos da arte; às maneiras de pensar e fazer arte; ao seu tempo; às possíveis aproximações com outros campos de conhecimento, tais como filosofia e psicologia; aos lugares em que a arte se apresenta (museu, galeria, ateliê, clínica); às questões éticas e políticas que movimenta; à produção crítica. Em suma, trata-se de perceber o que há de contemporâneo no trabalho de Lygia Clark e de revisitar o próprio pensamento artístico a partir dele. / This research engages in conceptual issues of contemporary art implicated in the entitled proposition Structuring of the Self, developed by the Brazilian artist Lygia Clark between 1978 and 1988, which puts itself in an ambiguous boundary between art and therapy. Through critical perspectives it is possible to analyze certain aspects of that experience, its development, territories and paradigms in order to better understand its contributions to the contemporary artistic thought. These aspects concern to the aesthetic reception of the work and its relation to a certain public of art; to the ways of thinking and doing art; to its own time; to the possible approaches with other areas of knowledge, such as philosophy and psychology; to the places where the art is presented (museum, gallery, atelier, clinic); to its ethical issues and policies; to the critical production. In short, it is about realizing what is of contemporary in the Lygia Clark\'s work and, from it, to review the artistic thought itself.

Entre os anos 2000 e 2010, são intensificadas e renovadas mundialmente as discussões sobre produções artísticas que se relacionam com o conhecimento, a universidade, a pesquisa, a teoria, a reflexão, a educação e os outros campos do conhecimento. Um dos ângulos desse fenômeno multifacetado, e que é motivo de interesse crescente dos artistas e demais profissionais da Arte, pode ser resumido com a expressão pesquisa artística. Uma das contribuições desta tese é relacionar o pioneirismo da criação dos programas de pós-graduação em Artes Visuais no Brasil, com trajetória consistente de estabelecimento e definição desde a década de 1970, a esse fenômeno recente, que aconteceu sobretudo na Europa, disparado pela transformação das academias de arte em universidades por lá, seguida de um debate intenso sobre os significados da pesquisa do artista. Além disso, este estudo percorre as produções artísticas, discursivas, pedagógicas e teóricas dos artistas brasileiros Jorge Menna Barreto e Ricardo Basbaum em busca da linha poética da pesquisa, contextualizando-os tanto como herdeiros da pesquisa em arte no Brasil quanto associados a essa movimentação internacional sobre a pesquisa artística. Parte-se da incerteza sobre a multiplicidade dos significados e das nomenclaturas que a pesquisa do artista provoca, não como uma indagação ontológica, mas com o propósito de entendimento sobre o seu lugar, uma questão institucional da arte inserida no ambiente universitário e, sobretudo, um problema que se encontra na própria obra de arte, agora considerada de pesquisa. / From the years 2000 to 2010, discussions on artistic productions that are related to knowledge, university, research, theory, reflection, education and other fields of knowledge are intensified and renovated. One of the angles of this multifaceted phenomenon, and a reason for the rising interest in it by artists and other art professionals, can be summarized by the expression artistic research. One of the contributions of this thesis is correlating the pioneering creation of postgraduate programs in Visual Arts in Brazil, consistently established and defined since the 1970s, to this recent phenomenon, that took place specially in Europe, initiated by the transformation of art academies into universities, followed by an intense debate on the meanings of artist research. Moreover, this study examines artistic, discursive, pedagogical and theoretical productions by Brazilian artists Jorge Menna Barreto and Ricardo Basbaum in order to find the poetic line of research, contextualizing both as heirs of research in art in Brazil and affiliates of these international shifts on artistic research. The starting point is the uncertainty regarding the multiplicity of meanings and nomenclatures that artist research provokes, not as an ontological enquiry, but with the purpose of understanding their place, an institutional matter of art inserted in the university environment, and, particularly, a problem found in the work of art itself, now considered research.

Este trabalhou tomou como ponto de partida a presença, no meio artístico brasileiro, entre 2000 e 2015, dos assim chamados coletivos de artistas. Ele procurou circunscrever histórica e conceitualmente as \"práticas artísticas colaborativas\" e as \"estratégias de visibilidade\" desenvolvidas por esses agrupamentos de artistas \"emergentes\" - no contexto de seu envolvimento, entre 1999 e 2001, com os movimentos altermundialistas e antiglobalização, e, a partir de 2003, com movimentos sociais de luta por moradia - alinhando-se, ao menos discursivamente, com a perspectiva dos \"de baixo\". De outro lado, o trabalho também identificou o desenvolvimento simultâneo, \"pelo alto\", de um complexo de procedimentos curatoriais pautados por novos modos de apresentação (displays) de objetos artísticos em exposições de \"arte contemporânea\". Por meio dos novos procedimentos curatoriais, tanto a 27ª Bienal de São Paulo (2006) quanto as mostras de \"arte contemporânea\" do Museu de Arte do Rio (2013-2015) foram capazes de absorver e canalizar, em seus discursos, parte das demandas \"subalternas\" associadas à produção dos coletivos. Para refletir criticamente sobre esse complexo de fenômenos do campo artístico, a pesquisa procurou articular uma discussão atualizada em torno dos conceitos gramscianos de \"hegemonia\" e de \"revolução passiva\". Tais conceitos, formulados originalmente pelo pensador italiano Antonio Gramsci (1891-1937), têm sido reprocessados teoricamente, no debate da sociologia brasileira de extração marxista, para pensar o ciclo dito \"lulista\" do Brasil contemporâneo. Em síntese, uma vez verificada a absorção das práticas \"emergentes\" e \"colaborativas\" pelo circuito artístico local, este trabalho procurou estabelecer e questionar historicamente as contradições e possíveis confluências das \"estratégias de visibilidade\", associadas às demandas dos \"de baixo\", com o desenvolvimento combinado dos novos procedimentos curatoriais, operados \"pelo alto\". / This research was motivated by the raising of the so-called artist collectives in Brazilian art field, particularly between the years 2000 and 2015. The thesis aims to delineate conceptually and historically the \"collaborative artistic practices\" and the \"strategies of visibility\" carried out seemingly \"from below\" by these \"emerging\" groups of artists - engaged mainly with the alter-mundialization and anti-globalization movements between 1999 and 2001, and, since 2003, with social struggles for housing. Furthermore, this survey also realized the simultaneous development of a complex of curatorial proceedings \"from the top\", based on new modes of display artistic objects in \"contemporary art\" exhibitions. Through these new curatorial practices, both the 27th Sao Paulo Bienal (2006) and the \"contemporary art\" exhibitions held by the Art Museum of Rio (2013-2015) managed to absorb and convey, in its discourses, part of the \"subaltern\" demands brought forward in the work produced by the artist collectives. In order to critically reflect about this complex of phenomena in the art field, the research articulates a debate operating the Gramscian concepts of \"hegemony\" and \"passive revolution\". These concepts, originally formulated by the Italian thinker Antonio Gramsci (1891-1937), had been theoretically reenacted in the Brazilian sociological debate derived from a Marxist background, to think the so-called \"lulist\" cycle in contemporary Brazil. Finally, after verifying the absorption of the \"emergent\" and \"collaborative\" practices by the local art circuit, this research aims to delineate and problematize the contradictions, and possible confluences, between the \"visibility strategies\" coming \"from below\" and the combined development of the new curatorial proceedings \"from the top\".

Quais as relações entre as artes visuais e a cidade? Como isto ocorre especialmente na América Latina? Como podemos situar conceitualmente o lugar deste fenômeno artístico no panorama geral da arte contemporânea? Essas questões pontuam as preocupações basilares deste trabalho, que aborda os inúmeros aspectos da nova arte urbana a partir de um estudo comparativo entre São Paulo e Buenos Aires. Utilizando o conceito de \"cidades-suporte\", que remonta à origem do termo \"suporte\" nas artes e sua ligação com a materialidade da obra, a pesquisa está ancorada em um corpus teórico multidisciplinar. A proposta é analisar o caráter simbólico da cidade e a relação da nova arte urbana com os campos da História, da Teoria e da Crítica da Arte, e sua condição frente às problemáticas apresentadas pela arte contemporânea. Sobretudo, procura-se enfatizar que a arte realizada no suporte da cidade reafirma o caráter presencial e transformador da experiência estética. / What are the relationships between visual arts and the city? How is it like in Latin America? How can we identify conceptually the place of such artistic phenomenon in the general panorama of the contemporary art? Such issues underlie the fundamental purposes of this work which approach the countless aspects of the new urban art from a comparative study between Sao Paulo and Buenos Aires. Using the concept of \"cities-support\" which traces back the origin of the term \"support\" in the arts and its link with the materiality of the work, the research is anchored in a multidisciplinary theoretical corpus. The proposal is to analyze the symbolic character of the city and the relationship of the new urban art with the fields of History, Critical Art Theory and its condition before the problematical scenario exhibited by the contemporary art. Above all, it is intended to point out that the achieved art in the city support reaffirms the concrete character and changing of the aesthetic experience.

Esta pesquisa é um estudo sobre o ensino de arte no ciclo inicial do Ensino Fundamental e a possibilidade de inserir a arte contemporânea neste momento da escolarização. Aspectos da fenomenologia de Maurice Merleau-Ponty fundamentais no mundo às análises realizadas, fortalecem a necessidade de dar visualidade ao que está visível no mundo, ao trazer também, uma camada de sua invisibilidade e situar o educando no seu tempo com as sombras do seu presente para que compreenda a si mesmo. Tal afirmativa ganha sustentabilidade com obras de artistas contemporâneos que fazem parte do município de Mogi das Cruzes. O tratamento dado a pesquisa permitiu que se desvelasse a compreensão de educadoras do ciclo inicial sobre a linguagem artística contemporânea e revitalizasse suas metodologias de ensino de arte. / This research is a study about the teaching of Art in the first cycle of basic education and the possibility of inserting contemporary art at this level of education. Aspects of Maurice Merleau-Pontys Phenomenology are fundamental in the world to the analysis made and stress the need to give view to what is visible in the world, and also to bring a layer of its invisibility and place the student at his time with the shadows of his present to self understanding. This statement is supported by works of contemporary artists who are from the city of Mogi das Cruzes. This research made it possible for teachers of the first cycle of basic education to understand the contemporary artistic language and revitalize their art teaching methods.