Viktória Beličáková December 6, 2018 This thesis is aimed to study selected themes and approaches within Con- temporary Roma Art, and at the same time investigate possibilities of writing about this topic from the perspective of Art History. First part of this paper is focused on methodological foundations of presented work with emphasis on poststructuralism and postcolonialism. The objective of this part is to provide relevant analysis of traditional frames of Art History in order to pro- pose possible novel perspectives related to the topic of Contemporary Roma Art. Subsequently, the conclusions will be further developed and extended within the analysis of selected artworks from contemporary artists. The aim is to present three interrealted studies based on themes of time, space and body with the stress placed on artistic strategies using tactics of liminal- ity, ambivalence and other related approaches in order to deconstruct and reconstruct representations of Roma in art and other spheres.

Submitted by William Justo Figueiro (williamjf) on 2015-06-16T20:38:01Z No. of bitstreams: 1 22.pdf: 2344134 bytes, checksum: 3e47dc9141d51f1774189d7a4e590bbc (MD5) / Made available in DSpace on 2015-06-16T20:38:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 22.pdf: 2344134 bytes, checksum: 3e47dc9141d51f1774189d7a4e590bbc (MD5) Previous issue date: 2012-12-19 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Fundación Carolina / A proposta desta investigação consiste em compreender de modo mais pontual os processos de constituição da arte contemporânea a partir do fenômeno da crescente interação entre as culturas, o qual, no âmbito cultural da pósmodernidade, avança fortemente matizado por questões de natureza identitária. Em tempos atuais, parece impensável isolar a arte – à maneira moderna – e tratá-la como um organismo autônomo e impermeável ao mundo à sua volta. Desvinculada de um projeto histórico e de princípios universais de assimilação, a arte contemporânea corresponde a um novo modo de processar práticas estéticas no campo da arte, dentro de um âmbito que vem demandando, por parte dos artistas, a incursão por territórios sócio-políticos cada vez mais conflitivos. As críticas destrutivas, os ataques e as tentativas de desqualificar a arte contemporânea refletem um parcialismo preguiçoso e tendencioso. Tais atitudes quase sempre desconsideram as mudanças conjunturais que, pelos menos desde meados da década de 1970, vêm afetando o campo das artes visuais e dele fazem um território privilegiado para a visibilidade de leituras possíveis sobre diversas esferas sociais, como a da identidade cultural. Para realizar este empreendimento investigativo, optou-se por uma abordagem de cunho hermenêutico que tem como ponto de partida a crítica aos valores afirmativos e integralistas da História, combinada com algumas considerações sobre os campos conceituais da cultura e da identidade. Este núcleo estrutural acomoda uma análise sobre a arte contemporânea conduzida por novos agenciamentos presentes na crítica cultural pós-moderna, fortemente baseada na contextualidade da experiência, na narratividade do conhecimento e na inconsistência das explicações sinópticas e teleológicas sobre a realidade. Mediante a aproximação de exploração bibliográfica, elementos etnográficos e vivências no campo da arte, procurou-se construir este trabalho sob o domínio de uma sensibilidade dialógica que repudia a fixação de “fundamentos” e posições axiomáticas acerca da ciência, de modo que o próprio movimento de reconstrução do texto através de sua leitura possa criar possibilidades de enunciar o que não foi dito. O itinerário traçado a partir destes parâmetros produz tensionamentos que não são facilmente resolvidos, tendo em vista o fato de que os produtos gerados pela ciência são também constituídos a partir de um jogo de linguagem próprio que cadencia temporalidades, ritmos e processos de assimilação que não se revelam em sua totalidade. A projeção da cultura como um campo de experimentações políticas trouxe ao cenário atual a necessidade de compreensão dos seus impactos frente a diversas esferas da vida social. Como uma destas esferas, a arte absorveu as possibilidades criativas, desconstrutivas e ressignificantes que estão na base de um projeto que almeja reposicionar o valor da cultura após o desgaste da modernidade e o esvaziamento de suas significações. Sob esta ótica, os rompantes escatológicos e suicidas da arte perdem sua força, pois ela assume a posição de um texto que se enriquece na medida em que se deixa impregnar por outros textos. Posicionando-se desta forma, a arte evita a fixação de limites disciplinares precisos e aventura-se na busca por um sentido capaz de situá-la em espaços sociais que se renovam constantemente. / It is the aim of this investigation work to comprehend in a more thorough way, the making processes of contemporary art in the light of the phenomenon of increased interaction among cultures, which in the sphere of postmodern culture advances strongly tinged with issues of identity nature. Isolating art – in the modern form – and treating it as an autonomous and impervious to the world organism is unthinkable in the present time. Dissociated from a historical project and from universal assimilation principles, contemporary art corresponds to a new form of processing the aesthetic practices in the field of art, within a sphere which is demanding, from the part of the artists, moving about increasingly conflicting territories. Criticism against, confrontation and attempts to discredit contemporary art generally reflect a biased and idle partiality. These attitudes do not consider the set of changes that have been taking place since at least the mid 70’s and which are affecting the field of visual arts although at the same time causing it to be a privileged territory for the possibilities of reading about the different social spheres such as the cultural identity one. In order to realize this research project, a hermeneutic approach was used and the starting point has been the critique of History affirmative values, combined with some considerations about the concept fields of culture and identity. This structural unit brings along an analysis over the contemporary art conducted by new perspectives present in the postmodern culture critique, strongly based on the contextuality of experience, on the narrative of knowledge and on the inconsistency of the synoptical and teleological explanations on reality. This research work has been constructed through the approximation of bibliographic data, ethnographic elements and experiences in the field of art, always under the domain of a dialogic sensitivity which does not advocate the establishment of axiomatic positions and “principles” about science, thus allowing for the movement of text reconstruction itself through its reading to make statement possibilities of the unsaid. The itinerary outlined from these standards creates strains that are not easily managed bearing in mind the fact that the products generated by science are also constructed from a unique language system which regulates temporality, rhythm and assimilation processes not wholly revealed. The projection of culture as a field for political experiment brought into our time the need to understand its impact over the different spheres of social life. As one of such spheres, art absorbed the creative, deconstructive and resignificant possibilities which form part of a project that aims at resetting the value of culture upon the deterioration of modern age. From this view the eschatological and suicidal irruptions of art lose strength as it takes the position of a text which enriches itself as it allows for other texts to impregnate it. It is through this perspective that art avoids the establishment of precise disciplinary limits and ventures into the pursuit of a meaning which will enable it to situate in social scenarios which renew themselves constantly.

Made available in DSpace on 2016-04-27T14:31:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luciana Pasqualucci.pdf: 94236306 bytes, checksum: 94c98c14bb8e8c73df179e27eb986ef1 (MD5) Previous issue date: 2014-10-14 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The objective of this study was to increase the understanding on how museums may aid the interdisciplinary construction of knowledge. The study was based on the description of some activities carried out in a cultural institution in the city of São Paulo SP, and its objective is to evidence how interdisciplinarity may be exercised, and how it is possible to currently justify the construction of an interdisciplinary attitude towards knowledge. The notions of Phenomenology and Contemporary Art are the bases of the study. Interdisciplinarity emphasizes the importance of intersubjectivity and of partnerships. Considering its five categories (humbleness, respect, coherence, expectation, and detachment), it is an attitude that may make the educational and institutional intentionality of the museum viable, in its attempt to share its cultural and artistic patrimony with the public. Interdisciplinarity, as a category of action, may make institutional demands and educative projects possible in museums, based on a phenomenological vision of men - understanding men as a creative, collective, and questioning beings. This man that asks about the sense in everything, when facing contemporary art production in museums, may construct knowledge by articulating his experiences with the different areas of knowledge that involve plastic arts, adding aspects of reality to conceptual discourses. Museums have an important social role, when reality is considered: they generate motivation and reflections that are not limited to the museum space. Phenomenology is used as a conceptual drive and a research method in order to build, together with the reader, references for the development of an interdisciplinary work in museums, an interdisciplinary knowledge that also aids the formation of interdisciplinary individuals, once the description of the some of the activities is the driver of reflection and collaborate on the understanding of its sense and on the exercise of an interdisciplinary attitude in museum spaces / Esta pesquisa busca ampliar a compreensão de como o espaço museológico pode colaborar para uma construção interdisciplinar do conhecimento. Partindo da descrição de alguns dos trabalhos realizados em uma instituição cultural da cidade de São Paulo SP, o trabalho objetiva evidenciar de que modo a interdisciplinaridade pode ser exercitada, bem como se pode justificar atualmente a construção de uma atitude interdisciplinar frente ao conhecimento. As noções da Fenomenologia e da Arte Contemporânea fundamentam a pesquisa. A interdisciplinaridade, ao enfatizar a importância da intersubjetividade e das parcerias, além de evidenciar seus cinco conceitos norteadores (humildade, respeito, coerência, espera e desapego), torna-se uma atitude que pode viabilizar as intencionalidades educativas e institucionais do museu, na tentativa de compartilhar seu patrimônio cultural e artístico junto ao público. A interdisciplinaridade, na condição de categoria de ação, pode concretizar, no espaço museológico, demandas institucionais e projetos educativos calcados numa visão fenomenológica de homem, o que significa compreendê-lo como ser criador, coletivo e questionador. Esse homem, que pergunta pelos sentidos das coisas, ao deparar-se com a produção contemporânea de arte no museu, pode construir conhecimentos articulando suas experiências às diferentes áreas do saber que permeiam as artes plásticas, agregando aos discursos conceituais aspectos da realidade. Ao considerar a realidade, o museu desempenha um importante papel social: gerar motivações e reflexões que continuem para além do espaço museológico. Com o intuito de construir referências para o desenvolvimento de um trabalho interdisciplinar em museus, mirando um conhecimento interdisciplinar que auxilie também a formação de sujeitos interdisciplinares, a fenomenologia ocupa, aqui, tanto o âmbito conceitual, quanto o de método de pesquisa, já que a descrição de algumas ações desenvolvidas norteiam as reflexões e colaboram para compreensão do sentido e do exercício de uma atitude interdisciplinar no espaço museológico

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2016-08-17T16:21:52Z No. of bitstreams: 1 Fabiana Della Coletta Monteiro.pdf: 1885530 bytes, checksum: 327dcfb9437c371e3cd441f48bb59f59 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-17T16:21:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fabiana Della Coletta Monteiro.pdf: 1885530 bytes, checksum: 327dcfb9437c371e3cd441f48bb59f59 (MD5) Previous issue date: 2016-03-21 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The research aims to shed a light on the Brazilian artistic production since the 1980’s, influenced by the country’s political opening after the military dictatorship and by the cultural movements resulted this period, focused on the dynamic of arts in the city of Sao Paulo. The arrival of a new generation on the art scene, called by the circuit as “Geração 80”, seems to have provoked a sense of rupture with the previous generation’s artistic production, mostly because of the use of traditional art medias, like painting, draws and sculpture. This work combines three fronts of theoretical and methodological analysis that aim to enlighten the senses and the acting of these artists in the city of Sao Paulo, mostly emerging from art schools and take positions as continuity in the art process. It presents the study of generations, which assumes by the historical context the heritage left by the previous generation in what was absorbed as a directional principle to the artistic production of the period and also to the principles that have been denied, that is, the character of rupture of this new generation and the internal conflicts of this group, especially with regard to construction of generational identity. Also the development of collective and social profile biography, and the trajectories of active Sao Paulo artists from the 1980s who now constitute a part of what we call contemporary art. And finally the fortune critical reception of this generation in the field of art, such as the inclusion signs and categories mobilized by critics as the legitimacy strategies of this production We investigate the social dispositions of the agents that act in the field of art for the production of context and sense in the Brazilian cultural scenario / A pesquisa visa jogar luz sobre a produção artística brasileira a partir da década de 1980, influenciada pela abertura política do país pós-ditadura e pelos movimentos culturais resultantes do período, com foco na dinâmica das artes na cidade de São Paulo. A chegada de uma nova geração no ambiente artístico, denominada pelo circuito como “Geração 80”, parece ter provocado um sentido de ruptura com a produção artística da geração anterior, principalmente no que diz respeito ao uso dos suportes tradicionais da arte, como a pintura, o desenho e a escultura. O trabalho articula três frentes de análise teórico-metodológicas que procuram esclarecer os sentidos e a atuação desses artistas na cidade de São Paulo que, em sua maioria saídos de escolas de arte, se colocam como continuidade no processo artístico. Apresentam-se o estudo de geração que pressupõe, junto ao contexto histórico, a herança deixada pela geração anterior, naquilo que foi absorvido como princípio direcional para a produção artística daquele período e também no que diz respeito aos princípios que foram negados, isto é, o caráter de ruptura da nova geração e os conflitos internos deste grupo, sobretudo no que concerne a construção de uma identidade geracional; a elaboração de biografia coletiva e perfil social, bem como as trajetórias dos artistas paulistas atuantes desde a década de 1980 que constituem atualmente uma fatia do que chamamos de arte contemporânea; e finalmente a fortuna crítica da recepção desta geração no campo da arte, como os signos de inclusão e as categorias mobilizadas pela crítica como estratégias de legitimação desta produção. Investigamos as disposições sociais dos agentes que atuam no campo da arte para a produção de contexto e de sentidos dentro do cenário cultural brasileiro

Considerando o universo da produção artística contemporânea que explora diálogos entre artes visuais e tecnologias digitais, esta pesquisa trata de três vertentes correlatas. A primeira delas está relacionada à contextualização do cenário no qual emergem os meios de fabricação digital e o possível impacto do seu uso nos processos criativos. A segunda vertente circunscreve a linguagem tridimensional que vê a tecnologia em estudo como um instrumento artístico e trata de estudos de caso acerca de poéticas selecionadas. A terceira, de caráter prático, constitui-se em um ensaio artístico autoral a fim de produzir trabalhos experimentais com o uso dos meios digitais de fabricação. O ponto em comum presente nessas três vertentes é a ênfase da pesquisa: investigar, no campo das poéticas tridimensionais, como os processos criativos se utilizam da tecnologia de fabricação digital. / Considering the universe of contemporary artistic production that explores dialogues between visual arts and digital technologies, this research deals with three correlate strands. The first of these is related to the contextualization of the scenario from where emerge digital fabrication means and their possible impact in the creative processes. The second strand circumscribes the three-dimensional language that sees the technology under study as an artistic instrument to then deal with case studies about selected poetics. The third one, of a practical character, is an authorial artistic essay in order to produce experimental works with the use of the digital means of manufacture. The common point in these three strands is the emphasis of the research: to investigate, in the field of three-dimensional poetics, how the creative processes make use of digital fabrication technology.

A presente pesquisa trata da atualização de impulsos utópicos através da trajetória poética do artista belga-mexicano Francis Alÿs e de seu entrelaçamento com a noção de direito à cidade desenvolvida por Henri Lefebvre. Mais especificamente, questiona o potencial de reflexão e de transformação que essa produção artística apresenta em relação à nossa forma de pensar e de ocupar o espaço público, tanto de um ponto de vista temporal quanto espacial. O estudo tem como objeto empírico ações poéticas de Alÿs realizadas em grandes cidades ocidentais, majoritariamente latino-americanas, entre o final do século XX e início do XXI. Tais ações são aqui debatidas frente à produção teórica de autores cujas publicações datam desse mesmo período: Gilles Deleuze e Félix Guattari, Jacques Rancière, Michel de Certeau e Néstor García Canclini. Os conceitos que fundamentam toda a pesquisa, no entanto, tais como espaço público, direito à cidade e impulso utópico, remontam a dois pensadores do início do século XX: Henri Lefebvre e Ernst Bloch. O diálogo entre teoria e prática configura a espinha dorsal desta dissertação, que busca em obras artísticas a atualização dos conceitos trazidos pelos autores citados e a reverberação dessas práticas na teoria. / This research approaches the updating of utopian impulses through the poetic trajectory of the Belgian-Mexican artist Francis Alÿs and his intertwining with the notion of the right to the city developed by Henri Lefebvre. More specifically, it questions the potential for reflection and transformation that this artistic production presents in relation to our way of thinking and occupying public spaces, both from a time and spatial point of view. The empirical object is Francis Alÿs oeuvre carried out in large western cities, mostly Latin American, between the end of the twentieth century and the beginning of the twenty-first. These actions are discussed facing the theoretical contributions from authors who are contemporary to Francis Alÿs: Gilles Deleuze and Félix Guattari, Jacques Rancière, Michel de Certeau and Néstor García Canclini. The concepts that underlie all the research, however, such as public space, right to the city and utopian impulse, go back to two thinkers from the early twentieth century: Henri Lefebvre and Ernst Bloch. The dialogue between theory and practice, seeking in artistic works the updating of the concepts brought by the cited authors and aiming to identify the reverberation of these practices in theory, forms the backbone of this master’s dissertation.

Nesta dissertação, a partir da minha produção prática intitulada Em busca de Elliot Erwit, viso verificar conceitos em relação à fotografia e sua inclusão no campo da arte contemporânea. Inicialmente realizado em uma viagem a Nova Iorque, Em busca de Elliot Erwit contempla a fotografia a partir de sua relação com uma busca de imagens e um imaginário urbano, busca incentivada por um desejo despertado de meu encontro casual com um livro de fotografias. Com isso, questões como viagem, olhar e documento serão indispensáveis para refletir a ação de fotografar e o desenvolvimento de uma narrativa textual que acompanha as fotos, acalentando a ideia de que o fotografar seria um ato de ficção. / In this research, I intend to verify, from my praccal producon tled In search of Elliot Erwit, concepts in relaon to photography and its inclusion in the field of contemporary art. Inially conducted on a trip to New York, In search of Ellio Erwi contemplates photography from its relaonship with a search for urban images and a imagery urban, pursued fueled by a desire aroused by the chance encounter between me and a photo book. With this, issues such as travel, look and document will be indispensable to reflect the acon of photography and the development of a textual narrave that accompanies the photos, cherishing the idea that photographing it would be an act of ficon.

Esta pesquisa analisa a residência artística pelo atravessamento de três conceitos principais: espaço, tempo e interlocução, vistos como aspectos fundamentais nos programas inseridos dentro do campo da arte contemporânea. Para tanto, foi previsto um percurso histórico que apresenta a sua formação, como sendo um lugar que oferece espaço e tempo para que o artista possa trabalhar de forma imersiva em seus projetos. Além da experiência do deslocamento do antigo ao novo contexto, as residências costumam propiciar diálogo entre os artistas durante suas estadias, promovendo, assim, uma rede de contatos. Como uma forma de entender também o objeto de estudo dentro da realidade brasileira, foram pesquisadas iniciativas no País. Resultante disso, percebeu-se a recorrência de um diferencial afinado com as reflexões da arte contemporânea e disponibilizado aos residentes: o acompanhamento crítico, realizado de forma sistemática por diferentes profissionais do campo da arte. A existência dessa prática apontou a necessidade de um aprofundamento nessa etapa da pesquisa, sendo consultados tanto artistas quanto críticos e curadores para levantar um conjunto de percepções individuais. As informações foram obtidas com o auxílio de entrevistas e enquetes qualitativas. Ainda, visando ampliar as discussões sobre a presença dessa atividade, os depoimentos foram confrontados com os conceitos de espaço, tempo e interlocução, apresentados por outros autores, entre eles, Gaston Bachelard, André Comte-Sponville e Maurice Blanchot. Por fim, foi possível concluir algumas considerações relevantes sobre a presença dessa atividade reflexiva nos programas de residência artística da atualidade. / This research analyzes the artistic residence through the crossing of three main concepts: space, time and interlocution, seen as fundamental aspects in the programs inserted within the field of contemporary art. For that, it was foreseen a historical course that presents its formation, as being a place that offers space and time for the artist to work of immersive mode in his projects. In addition to the experience of the displacement between the old and the new context, the residences usually provide dialogue among the artists during their stays, thus promoting a network of contacts. As a way of understanding also the object of study within the Brazilian reality, initiatives were researched in the Country. Resulting from this, it was noticed the recurrence of a differential attuned to the reflections of contemporary art was made available to residents: the critical support by different professionals in the field of art. The existence of this practice pointed to the necessity of a deepening in this stage of the research, being consulted as much artists as critics and curators to raise a set of individual perceptions. The information, was obtained with the aid of interviews and surveys. Aiming to broaden the discussions about the presence of this activity, the statements were confronted with the concepts of space, time and dialogue, presented by other authors, among them Gaston Bachelard, André Comte- Sponville and Maurice Blanchot. Finally, it was possible to conclude some relevant considerations about the presence of this reflexive activity in the programs of artistic residence of the present time.

Função-historiador é o termo apresentado nesta tese como proposta teórica de uma nova relação entre artes visuais e conflitos políticos no cenário artístico contemporâneo, para a qual a prática artística de Walid Raad sobre as guerras civis libanesas ocorridas entre 1975 e 1990, concentrada no Projeto Grupo Atlas (1989-2004), é fundamental. Observando a reunião de dossiês, documentos, arquivo, textos e conferências performáticas que formam esse extenso, complexo e multifacetado trabalho, a tese propõe similaridades entre os materiais, estruturas e procedimentos que o constituem e os recursos utilizados pelo campo da história na construção de suas narrativas. O argumento é que por meio dessas aproximações pode-se identificar interações entre artes visuais contemporâneas e conflitos políticos que se elaboram pela via de um interesse, inteligência e ambição históricos. Mais especificamente, reconhecemos que por meio da semelhança dos recursos plásticos, o Projeto Grupo Atlas apresenta, no campo das artes, formas de compor/contar histórias sobre guerras civis libanesas. Nisto, essa prática artística distingui-se das preocupações habituais em relação à discursos de memória e os limites de representação da experiência de violência, tão presentes em trabalhos centrados neste recorte temático específico. Sua aproximação com a história tem por fundamento uma cisão entre um sujeito-artista Raad e uma posição-de-autoria artística que funda o trabalho de arte, evitando-se que uma experiência de conflito do artista seja tomada como ferramenta explicativa de sua prática. A função-historiador, enquanto atividade, é reconhecida no nível das produções artísticas, na junção de uma série de elementos, discutidos nesta tese, por meio dos quais identificamos uma autoridade artística no Projeto Grupo Atlas que propõe formas de compor/contar histórias sobre conflitos políticos recentes, ao mesmo tempo em que, por meio delas, formula críticas aos métodos de composição de narrativas históricas. / Function-historian is the term presented in this thesis as a theoretical proposal of a new relationship between visual arts and political conflicts in the contemporary artistic scene, to which Walid Raad\'s artistic practice on the Lebanese civil wars between 1975 and 1990, concentrated in the The Atlas Group Project (1989-2004) is fundamental. The thesis proposes similarities between the materials, structures and procedures that constitute it and the resources used by the field of history in the construction of its narratives. The argument is that through these approaches we can identify interactions between contemporary visual arts and political conflicts that are elaborated through historical interest, intelligence and ambition. More specifically, we recognize that through the resemblance of plastic resources, he Atlas Group Project presents, in the field of the arts, ways of compose/tell stories about Lebanese civil wars. In this, this artistic practice distinguishes itself from the habitual preoccupations with the discourses of memory and the limits of representation of the experience of violence, so present in works centered in this specific thematic cut. His approach to history is based on a split between an artist-subject Raad and an artistic position of authorship that ground the work of art, avoiding that an experience of conflict of the artist is taken as an explanatory tool of his practice. The function-historian, as an activity, is recognized at the level of artistic productions, at the junction of a series of elements, discussed in this thesis, through which we identify an artistic authority in the Atlas Group Project that proposes ways of composing/ telling stories about recent political conflicts events, while at the same time criticizing the methods of composing historical narratives.

Os textos apresentados nas exposições de arte são importantes recursos de mediação nesse ambiente. Este trabalho faz uma aproximação a essa produção textual, usualmente desenvolvida pela curadoria e que se constitui como o principal canal de comunicação entre o realizador da mostra e o seu público. Em especial, há a preocupação em compreender a dinâmica de relações proporcionada pelo uso de textos em exposições de arte contemporânea, cuja recepção estética pressupõe a participação do espectador. A partir de exposições e textos tomados como exemplares, busca-se delinear as formas mais comuns desses escritos, bem como regularidades em termos de conteúdo. Um panorama histórico do uso de textos em museus de diferentes partes do mundo também ajuda a situar as demandas por essas produções textuais e o seu emprego ao longo do tempo. Propõe-se, por fim, o texto de exposição em interação com os demais elementos do espaço expositivo como a expressão de um entendimento sobre a função educativa da exposição, a julgar pela forma de endereçamento assumida em relação ao visitante. / The texts shown in art exhibitions are important resources for mediation. The present thesis overlooks this textual production, which is usually written by the curators and is commonly the main source of communication between the exhibit producer and its audience. In particular, there is a concern on understanding the dynamics provided by the use of texts in contemporary art exhibitions, which aesthetic response requires viewer participation. From exhibitions and texts taken as examples, we seek to outline the most common forms of writing in art spaces, as well as content patterns. A historical overview of the use of texts in museums in different parts of the world also adds to place the demands for this textual production and its use over time. Finally, it is suggested that text interacting with other elements in the exhibition room express an understanding of the educational role of the exhibition, considering the way to address the spectator.