Considerando o corpo o elemento central da performance arte, o texto a seguir procura compreender que tipo de espaço se reserva nesse campo artístico para a presença corpórea e o que esta adquire ou perde, quando a imagem deixa de corresponder a um referente físico independente de si, para representar um complexo de processos digitais e analógicos. Este texto tem como premissa o reconhecimento de que a formação do sujeito depende da imagem do corpóreo e, portanto, medita sobre o papel do corpo na produção e na interpretação imagéticas. Inserida em um contexo critico dos desafios pelos quais passa a performance arte através de sua institucionalização - com seus subsequentes processos de hierarquização e estabelecimento de arquivos e documentos - essa pesquisa almeja explorar possíveis efeitos dessa contextura sobre o corpo. Por se desenvolver num formato que considera a escrita como performance, essa dissertação é proposital e excessivamente investida das particularidades e projeções de um corpo específico - o do autor/performer - e baseada nas práticas artísticas concebidas para e em relação com a prática de leitura e de escrita dessa pesquisa de mestrado. Da mesma forma, aqui, o espectador daquelas práticas artísticas - assim como o espectador desse ato performático - é tido como corpo particular no qual a obra de arte ganha seu significado, através da contingência da representação do corpóreo. Por fim, essa pesquisa serve-se de uma discussão sobre o corpo que pretende experienciá-lo ao dele se afastar minimamente, para poder alcançar o que dele não se pode dissociar: a carne / Considering the body as the central element of the discipline of performance art, the following paper seeks to comprehend the nature of the space opened by this artistic disciplino to the corporeal presence in relation to the new condition of the image - when it longer corresponds to a physical referent outside itself, but represents a concatenation of the image, Also, this research aims to critically explore the chalenges inflicted on the body by the institucionalization of performance art through the hierarchical and archiving process of institutional documentation. This dissertation is based on a format that considers writing to be a performace and is thus highly and intentionally invested with the projections and particularities of a specific body - that of this author and performer. Besides, this written research is developed from an in intimate relation to the artistic practices conceivid during the period of two years´s performance acts - as well as, you, the spectator of this performance act - is also seen as particular body - which gives meaning to the artistic object through the contingency of the interpretation of the corporeal representation, Finally this research uses a dicussion about the body - which intends to experience it while minimally distancing oneself from it - in order to reach that part of the body from which it is impossible do disassociate: flesh.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:42:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Waldirene Andre.pdf: 1709311 bytes, checksum: c4df1f46cf8d2f86aa00a9efe10c7ecf (MD5) Previous issue date: 2007-03-05 / Starting at the articulation of projective codes and at the visual experience of the viewer coming from the arbitrary manipulation of projected shadows and of graphic constructions conceived in order to distort images in perspective, the artist Regine Silveira imposes to the visible world its most important visual paradoxes, Simulacros. Having as basic data the shadow, where all the present visual arbitrariness is articulated, as a referential work, Simulacros reveals the subjacent structure of an entire set, the photography. Submerged in this cruel conceptual universe where the code subversion emphasizes its artificiality, photography is inserted in the artist s work not only as an efficient resource in the visualities manipulation, but also lends to it all its imaginary power, giving visibility to the dialectical game between reality itself and its representation. / Partindo da articulação dos códigos projetivos e a experiência visual do observador a partir da manipulação arbitrária de sombras projetadas e de construções gráficas concebidas para distorcer imagens em perspectiva, a artista Regina Silveira impõe ao mundo visível seus mais importantes paradoxos visuais, Simulacros. Tendo como dado básico a sombra, onde são articuladas todas as arbitrariedades visuais presentes, como uma obra referencial, Simulacros revela a estrutura subjacente de todo o conjunto, a fotografia. Submersa nesse universo conceitual perverso onde a subversão do código enfatiza sua artificialidade, a fotografia se insere no trabalho da artista não só como um recurso eficaz na manipulação de visualidades, mas empresta a ele todo o seu potencial imaginário, dando visibilidade ao jogo dialético entre a realidade propriamente dita e a sua representação.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:43:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gilberto Garcia da Costa Jr.pdf: 1348683 bytes, checksum: fb564ac68e4a84c4375f41b36e7be230 (MD5) Previous issue date: 2008-08-04 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / This study is based on the assumption that art necessarily touches people and that everybody can have an aesthetic experience, regardless of previous knowledge about the universe of art. For the purpose of this work, we chose as corpus the 27th Bienal de São Paulo and its back stage professionals, a term that here encompasses security guards/audience ushers, cleaning personnel and assemblers of the event. There is always an aesthetic experience when someone deeply analyzes a piece of art. This work focus on the historical panorama of art shows and concentrates on the 27th Bienal de São Paulo, that had as theme How to Live Together. The concept the curators used was extracted from lectures and seminars given in the seventies of the last century by the French semiotician Roland Barthes. One finding of the work was that the professionals involved at the back stage of Bienal did not see themselves as belonging to the universe where they were inserted at the moment. A reason for this fact is that the own institution does not take into consideration those professionals as a target audience of the event, a wish that was manifested in the spoken statements. We can also observe that, along the show, the back stage professionals created own specific manners of speaking, or used the ones assimilated from other people, to describe the works of art. / Esta investigação parte dos pressupostos de que a arte, necessariamente, atinge as pessoas e de que todos podem compartilhar de uma experiência estética, independentemente do conhecimento prévio sobre o universo da arte. Para isso, escolhemos como corpus do trabalho a 27ª Bienal de São Paulo e os seus profissionais de bastidores, termo que abrange seguranças/orientadores de público, faxineiros e montadores desse evento. Sempre existe uma experiência estética quando alguém se debruça sobre uma obra de arte. O trabalho resgata o panorama histórico das Bienais para concentrar-se na 27ª Bienal de São Paulo, que teve no Como Viver Junto, o seu tema gerador. O conceito utilizado pela curadoria foi extraído de palestras e seminários proferidos na década de setenta do século XX pelo semiólogo francês Roland Barthes. O trabalho constata que os profissionais envolvidos nos bastidores da Bienal não se vêem como pertencentes ao universo no qual, no momento, estavam inseridos. E um dos motivos é o fato de a própria instituição não levar em consideração esses profissionais como público do evento, desejo que é manifestado por eles nos depoimentos coletados. Podemos perceber também que, no decorrer da mostra, os profissionais de bastidores criaram discursos. Sejam eles próprios ou apropriados dos discursos de outras pessoas (artistas, monitores, público).

Entre todos os mercados que lidam com bens culturais e artísticos, o mercado de arte contemporânea permanece como um dos mais inacessíveis e desconhecidos. A dificuldade em estabelecer relações objetivas entre arte e economia, típica dos mercados de bens simbólicos, parece atingir seu ápice quando se trata de discutir as artes visuais. Em relação ao mercado de arte, atribui-se com frequência a ideia de um campo sem regras, caracterizado por valores exorbitantes, eventos espetaculares e agentes orientados para a obtenção do máximo lucro. Porém, a partir de uma análise detalhada do campo, é possível identificar uma série de normas e estratégias econômicas e simbólicas que regulam o mercado e sobre as quais se estabelece o preço das obras e o valor artístico. Deste modo, a presente pesquisa busca analisar as leis que operam este mercado, assim como a construção do valor das obras de arte contemporâneas, levando em consideração as especificidades e o lugar que o mercado de arte brasileiro ocupa dentro deste sistema como um todo / Among all the markets that deal with cultural and artistic goods, the contemporary art market remains one of the most inaccessible and unknown. The difficulty of establishing objective relations between art and economy, typical of symbolic goods, seems to reach the peak of uncertainty when it comes to discussing the visual arts. The art market is frequently seen as a field without rules, characterized by exorbitant prices, spectacular events and actors oriented to obtain the maximum profit. Departing from a detailed analysis of the field is posibible to identify a series of economic standards and symbolic strategies that regulate the market and on which the artistic value and the price is set. Thus, this research seeks to analyze the laws that operate this market, as well as the construction of the value of contemporary art, taking into account the specificities and the place that the brazilian art market occupies within this system as a whole

A presente pesquisa, intitulada Agenciamentos de Visita: notações pictóricas na fotografia de ambientes domésticos, analisa os procedimentos de elaboração das séries fotográficas Agenciamentos de Visita para Estudos de Composição – natureza morta e Agenciamentos de Visita para Estudos de Composição – cena de gênero, abarcando as questões emergidas destas práticas. Neste contexto, as relações entre fotografia e pintura holandesa são investigadas, partindo de minha poética e articulando-a com a arte atual, a qual é referenciada pelo uso de cenas construídas para a realização das imagens. Concernente ao procedimento de trabalho, a prática de visitas veiculou a investigação do espaço da casa como reduto íntimo e como estúdio provisório. / The present research named Requests to Visit: pictorial notations in domestic space’s photography analyses the procedures of elaboration of the photography series Requests to visit for Composition Studies– still life and Requests to visit for Composition Studies - gender scenes, including the questions emerged from these practices. In this context, the relations between photography and Dutch painting are investigated, having as a starting point my poetic and articulating it with the recent art, which is alluded by the use of scenes made for the realization of the images. Concerning the working procedure, the visiting practice leaded to the investigation of the house’s space as being an intimate redoubt and a provisory studio.

Made available in DSpace on 2016-04-28T20:38:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Daniela de Oliveira Mattos.pdf: 15763375 bytes, checksum: 699aead56c914acdb58ff39ea6e04ef1 (MD5) Previous issue date: 2013-08-23 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This thesis is as much an academic investigation as it is a work of art. It is constituted by text and image mutual crossings, problematizing the artist s writing as a poetic-performative device that produces itself by means of the contiguities that mediate discourse and visuality (and beyond). Conceived of as a space composed of sucessive rectangles, like those filled with words and velocity in the same way as a book , this work also configures itself as a sort of exhibition space or in-between space, which opens room for activations: from the ones, here analyzed, effectuated by the artist s gestures, to the singular experiences that will be generated by each one of the readers, when in contact with what is presented here. The heterogeneous parts that embody this text establish relations to each other, but don t configure a whole; they are not even submitted to hierarchization or evolutive enchainments of any sort, like the ones occurring in accordance with the traditional organization by chapters. Therefore, the research intends to implement and open relations among certain productions of the art field, both from my authorship and from other s, bringing them close to certain works from literature, poetry and philosophy / Esta tese é tanto uma pesquisa acadêmica quanto uma obra de arte. Constitui-se por atravessamentos entre texto e imagem, problematizando a escrita de artista como um dispositivo poético-performativo que se produz por meio das contiguidades entre enunciados e visualidades (e além). Pensado como um espaço composto por retângulos sucessivos, desses repletos de palavras e velocidades assim como um livro , este trabalho também se configura como uma espécie de espaço expositivo ou espaço entre, que dá lugar a ativações, desde aquelas efetivadas por meio dos gestos de artistas aqui analisados até as experiências singulares que serão geradas por cada um dos leitores, em seu contato com o que aqui se apresenta. As partes heterogêneas que dão corpo a este texto se relacionam mas não configuram um todo; tampouco se submetem a quaisquer hierarquizações ou encadeamentos evolutivos como os que ocorrem segundo a organização tradicional por capítulos. A pesquisa busca, portanto, tornar fecundas as relações entre certas produções do campo da arte, tanto as de minha autoria quanto aquelas de outros autores, aproximando-as de algumas obras da literatura, da poesia, da filosofia

A partir de uma analise da representação de procissões por artistas brasileiros em pinturas do século XX, a pesquisa analisa o desenvolvimento da organização de procissões por artistas em meio performático nos espaços públicos das cidades do Brasil e no mundo. Ao apresentar vários exemplos, o autor descreve as procissões organizadas por artistas como uma performance de resistência no Brasil em domínio público, antes, durante e após a ditadura militar. Ao traçar essa história por meio de exemplos cronologicamente expostos, e uma série de 25 entrevistas com artistas brasileiros e internacionais (transcritos no primeiro apêndice), a tese procurou demonstrar a grande variedade de temas e contextos que motivam artistas a organizar procissões e as formas que as performances podem tomar. O capítulo 3 analisa as possibilidades de participação do público nas procissões traçando comparações entre realidades brasileiras e internacionais com a recente teoria de estética relacional. O capítulo 4 introduz a variedade de documentação e elementos esculturais que surgem de eventos efêmeros e a sua apresentação em exposições. O capítulo 5 levanta questões a volta de tempo e agenciamento em projetos artísticos participativos, e assim torna-se evidente que as procissões e desfiles organizados por esses agentes culturais tentam manter seu potencial crítico, ao mesmo tempo que se tornaram um meio de apoio institucional. O segundo apêndice lista obras para uma possível exposição com vestígios, obras e documentos que resultam das procissões organizadas por artistas. / Based on an analysis of the representation of processions by Brazilian artists in 20th century paintings, the research analyzes the development of processions organized by artists as performance in the public spaces of cities in Brazil and abroad. In presenting several examples, the author describes the processions organized by artists as a performance of resistance in Brazil in the public domain before, during and after the military dictatorship. In tracing this history through examples chronologically since 1931 and a series of 25 interviews with Brazilian and international artists (transcribed in the first appendix), the thesis seeks to demonstrate the wide variety of themes and contexts that motivate artists to organize processions and the forms these can take. Chapter 3 analyzes the possibilities of public participation in the processions drawing comparisons between Brazilian and international realities with the recent theory of relational aesthetics. Chapter 4 introduces the variety of documentation and sculptural elements that emerge from ephemeral events and their presentation in exhibitions. Chapter 5 raises questions about time and agency in participatory art projects, making it clear that the processions and parades organized by these cultural agents attempt to maintain their critical potential, while they have also become a means of institutional support. The second appendix lists works for a possible exhibition

A presente pesquisa tem como principal objetivo estudar a tendência de obras de fotografia contemporânea em apresentar formas híbridas entre a linguagem fotográfica e performática. Para tanto, por meio de uma pesquisa bibliográfica, investigou-se o percurso histórico da fotografia e da performance art para verificar quando essas duas linguagens se encontraram, a fim de definir a noção de fotógrafo-performer. Em seguida, analisa-se a obra Suíte Vénitienne da artista francesa Sophie Calle, para que se possa detalhar os procedimentos de criação, construção e registro do trabalho de um fotógrafo- performer. O conceito de performatividade, oriundo dos estudos da performance e das artes cênicas orientaram a análise. Concomitantemente à investigação teórica foi desenvolvida uma pesquisa prática em que se buscou aplicar os procedimentos estudados para a elaboração de um processo artístico que originou um texto performativo, que acompanham todas as etapas do trabalho, além de duas séries fotográficas, que são analisadas no terceiro capítulo do estudo. Por fim, a pesquisa acabou por articular conteúdos provenientes de diversos campos do saber para compreender a \"atitude performativa\", que perpassa toda a produção artística contemporânea, como uma postura não só estética como ética, e para defendê-la como forma ativa de descobrir novas possibilidades - principalmente no que diz respeito à relação prática/ teoria e à relação corpo/ cidade. / This work has as main objective to study the trend of contemporary photography in presenting works with hybrid forms between the photographic and performative language. Therefore, through a literature search, it investigates the history of photography and performance art to check when these two languages met and to define the notion of photographer-performer. Then, is made an analysis of the work Suíte Vénitienne from the french artist Sophie Calle, so we could detail the procedures of creating, building and recording an artistic project by a photographer-performer. The concept of performativity, arising from performance and performing arts studies, guided our analysis. Concurrently with the theoretical research, it was developed a practical research in order to apply the procedures studied in an artistic process that originated a performative text, that accompany all work\'s stages, and two photographic series, which are analyzed in the third chapter from the study. Finally, the research articulates contents from different fields of knowledge to understand the \"performative attitude\", that permeates all contemporary artistic production, as a posture not only aesthetics but also ethics, and to defend it as a way to actively discover new possibilities - especially in what regards the relationship between theory/ practice and the relationship between city/ body

Submitted by Silvana Teresinha Dornelles Studzinski (sstudzinski) on 2015-05-07T17:30:17Z No. of bitstreams: 1 Marcia Molina.pdf: 8152668 bytes, checksum: a2e1979eb243f7c05f7d3c60f0fbabeb (MD5) / Made available in DSpace on 2015-05-07T17:30:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marcia Molina.pdf: 8152668 bytes, checksum: a2e1979eb243f7c05f7d3c60f0fbabeb (MD5) Previous issue date: 2013-05-09 / Nenhuma / Compreender o contexto da imagem e refletir sobre suas possibilidades de interpretação têm sido uma busca permanente na área da Comunicação Social. O presente trabalho procura compreender a relação da fotografia com outros campos do conhecimento e propõe-se a discutir e refletir sobre estas relações que se criam entre a imagem técnica e o espaço das artes visuais, perpassando pelos vários movimentos que contribuíram para a legitimação da fotografia contemporânea e suas consequentes reverberações. Sob a influencia dos estudos da performance, fotografia e encenação assumiram juntas um importante papel no processo de significação imagética. Por essa razão, a fotografia é o lugar do seu acontecimento, pois é pensada como parte constitutiva das ações, além de contribuir para a formação de uma audiência. Tomaremos a obra de David LaChapelle, fotógrafo surrealista, que consideramos ser, atualmente, o maior herdeiro de uma linha de fotógrafos-artistas que sustentaram as artes visuais do século XX. O objetivo central deste trabalho é o de analisar como LaChapelle redimensiona e redefine uma proposta performática em função dos conteúdos midiáticos que nos cercam. Decifrar o que se esconde por trás destas imagens é sem dúvidas, um desafio, principalmente de natureza metodológica. Por essa razão, a importância de conhecer o processo criativo e as técnicas fotográficas empregadas por LaChapelle nos ajuda a entender os elementos utilizados na construção, origens e motivações pontuais em suas fotografias. Dentre os principais elementos identificados, nossa observação concentrar-se-á na temática, técnicas de edição, nas cores ultra saturadas e nas poses de seus personagens. Estes elementos são atuantes de uma dimensão performática, a qual será delimitada, para um melhor entendimento, em teatral, audiovisual e cromática. / Understanding the context of the image and reflect on their possible interpretations have been an ongoing search in the media area. This work seek s to comprehend the relationship between photography and other fields of knowledge. Besides, we propose to discuss and reflect on this scenario, going through the various movements that contributed to the legitimization of contemporary photography. Under the influence of performance studies, photography and acting together assumed an important role in the process of signification imagery. For this reason, photography is the place of its event and i s thought as part of the actions and contributes to build an audience. We will study the work of David LaChapelle, surrealist photographer, we consider to be currently the largest heir of a line of photographers and artists that supported the visual arts of the twentieth century. The aim of this dissertation is to analyze how LaChapelle redefines a proposal in terms of performance. What is behind these images is undoubtedly a challenge, mainly methodological. For this reason, the importance of knowing the creative process and the photographic techniques employed by LaChapelle helps us to understand the elements used in his photographs. Among the main elements identified, our observation will focus on the theme, editing techniques, the ultra-saturated colors and the poses of his characters. These elements are active in a performative dimension, which is bounded to a better understanding, in theatrical, audiovisual and chromatic.

Desde os primeiros filmes realizados em jogos digitais nos anos 1990, a noção de machinima vem sendo associada às convenções do cinema clássico. Com isso, ela falha em abranger a diversidade das obras audiovisuais produzidas em ambientes virtuais interativos em tempo real. Assim, o presente estudo busca contribuir com uma melhor compreensão dessa noção, através da análise interpretativa dos seus filmes experimentais e da bibliografia específica. Ele também pretende colaborar com a sua expansão como meio de comunicação e expressão artística. Em um primeiro momento, busca-se evidenciar a associação da noção de machinima com o cinema clássico, através da apresentação dos filmes relevantes durante a sua história e também de uma análise interpretativa das primeiras publicações teóricas. A partir dessa constatação, são apresentadas práticas audiovisuais precedentes e filmes experimentais realizados nos seus anos iniciais. Em seguida, pretende-se demonstrar que o afastamento da narrativa representado pelas obras experimentais de machinima abre espaço para a identificação de outros elementos que possam colaborar com um entendimento mais aprofundado da sua noção. Dessa forma, as seguintes características são apresentadas e analisadas em relação a essa ideia: a performance, a intervenção e o registro. Essa aproximação é prosseguida pela análise interpretativa dos filmes Formation (Difference and Repetition), de Baden Pailthorpe, 30 Seconds or More One Animation a Day, de Victor Morales e Abstract Livecoded Machinima (Missile Command), de David Griffiths. Ao enfatizar as obras experimentais de machinima, a proposta deste estudo é evidenciar que há uma diversidade de caminhos, entre a narrativa e a experimentação, a serem percorridos pelos artistas com machinima e que a sua noção deve abranger a pluralidade dessas produções audiovisuais. / Since the first films accomplished in digital games in the 1990s, the concept of machinima has been associated to the conventions of classical cinema. Therewith, it fails to embrace the diversity of audiovisual works produced in real-time interactive virtual environments. Therefore, this study aims to contribute to a deepen comprehension of this concept through an interpretative analysis of its experimental films and also of the specific bibliography. It also intends to collaborate with its expansion as a communication and an artistic expression medium. First, it is aimed to evince the association of the idea of machinima with the classical cinema, through the presentation of the relevant films of its history and also through an interpretative analysis of the first theoretical publications. From this verification, the previous audiovisual practices and experimental movies accomplished in its first years are presented. Then, it is intended to demonstrate that the distance from narrative represented by the experimental works in machinima makes room for the identification of other features that may collaborate to a deepening understanding of its concept. Thus, the following features are presented and analyzed in relation to this idea: the performance, the intervention, and the record. This approximation is followed by the interpretative analysis of the films Formation (Difference and Repetition), by Baden Pailthorpe, 30 Seconds or More One Animation a Day, by Victor Morales, and Abstract Livecoded Machinima (Missile Command), by David Griffiths. By emphasizing the experimental works in machinima, the proposal of this study is to evince that there is a diversity of paths, between the narrative and the experimentation, to go through by the artists with machinima. Thus, its concept must include the plurality of these audiovisual productions.