Luís Alberto de Abreu é um importante dramaturgo contemporâneo brasileiro. Para além de seus textos teatrais, seu interesse e suas experiências no ensino de dramaturgia tem sido uma grande influência em toda a geração contemporânea de dramaturgos, artistas e estudantes de teatro. Este presente trabalho se pesquisa contempla três experiências pedagógicas de Luís Alberto de Abreu, considerando o conteúdo, encaminhamentos e atitudes pedagógicas. As experiências são bastante diferentes entre si, na medida em que se desenvolveram em grupos específicos: a primeira com a Cia. dos Dramaturgos, um grupo formado somente por dramaturgos, em seu projeto Escrita Aberta, de 2005-2006; a segunda com a Cia. Livre, um importante grupo de teatro de São Paulo - SP, cujo interesse foi convidar Abreu para falar sobre dramaturgia para o ator, no projeto África-Brasil, iniciado em 2010; e a terceira com um grupo de narradores, os Narradores de Passagem, em Santo André - SP, formado por iniciativa do próprio Abreu. O corpo da pesquisa se deve à documentação realizada em vídeo das três experiências, assim como entrevistas, estudos teóricos e anotações próprias e de outras pessoas relacionadas às experiências. Ao levantar as experiências pedagógicas de Luís Alberto de Abreu, o presente trabalho conclui que sua postura pedagógica, escolha de conteúdos e interesse estão diretamente ligados à inquietação do artista-pedagogo diante de um mundo saturado, no qual a linguagem teatral, em sua opinião, determina apenas um pequeno território de ação. / Luís Alberto de Abreu is an important modern brazilian playwright. Besides his theater texts, his interests as well as his experiences in teaching acting have been influencing a whole generation of modern playwrights, artists and theater students. This study contemplates three of his educational experiences, focusing on their contents, direction and educational attitude. These experiences are very distinct one from the other because they have been performed in specific groups. The first one took place with a group called Cia. dos Dramaturgos in its project called Escrita Aberta (2005-2006). This group is totally formed by playwrights. The second one was performed with Cia. Livre, an important theater group from São Paulo, whose interest was to invite Abreu to talk to actors about dramaturgy in a project started in 2010, named África-Brasil. The third one happened with a group of narrators from Santo André - São Paulo, named Narradores de Passagem. This group was formed by Abreu\'s own iniciative. This study is based on the video documentation of these three pedagogical experiences as well as interviews, theoretical studies and notes provided by me and by other people related to the experiences. Analysing his pedagogical experiences, this study concluded that Abreu\'s pedagogical approach, his content choices and interests are directly linked with the educator-actor\'s restlessness towards a saturated world where, according to him, theatrical language determines only a small action territory.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2016-12-22T11:12:18Z No. of bitstreams: 1 Flavia Gasi.pdf: 16578425 bytes, checksum: c3f423da77729502918274f5b1b77295 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-12-22T11:12:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Flavia Gasi.pdf: 16578425 bytes, checksum: c3f423da77729502918274f5b1b77295 (MD5) Previous issue date: 2016-12-08 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Videogames, as the object of study in the field of communication, is a hybrid composed of computer technology, languages, logic, narrative and ludological systems, devices, avatars, players and gamer culture network. In this study, we understand that communication processes in videogames take place in the network, so that game spreads and active cyberspace, in a symbiosis machines, narratives and players, who share an imaginary constantly changing. Our hypothesis is that the shared imagery can be found and charted from the narratives of the experiences of the players. The Master's dissertation "The poetic imagery of the game: translations of imaginary and Greek myths in the creation of digital games process," had the goal was to understand the translations and passages of Greek myths in the videogame narratives. In this doctoral thesis, the proposal is to understand the imaginary built in game experience from mapping processes of poetic content emerging from the narratives of the players. To this end, we investigate the experience of playing, based on the idea of poetic reverie Bachelard in order to carry maps of the narratives, according to the imaginary mapping concept developed by Leão. The empirical object is in video games: Okami, Bioshock and Mass Effect 2. Our proposal is anchored on the idea of three types of poetry: intrinsic image, syncretism mythological and imaginary aura discussed in our dissertation. Our goal is to check the experience of players and how these poetics emerge in their narratives. The research method adopts the epistemological perspective of the communication processes and culture and involved: reading texts, conversations with players, analysis of conversations and mapping of shared imaginary. The dialogues with players were conducted in two stages: (1) as players experience their games, and (2) two years after the first meeting. The results of our research were: (1) to be affect is central for experiencing a central role in playing videogames; (2) the experience of having the central role on a game creates power struggles between what is possible in ludological narrative of the game and what the player wishes to be possible; (3) these conflicts are usually resolved in the experience of labyrinth, the unbinding of knots, and the desecration of power relations, which usually takes place via the creation of an emerging narrative by the player; (4) the experience of playing as central role experience can create poetical daydreams; (5) it is possible to map the imaginary experienced in the game experience through narratives through communication and the emergence of memory / O videogame, como objeto de estudo no campo da comunicação, é um híbrido composto por tecnologias computacionais, linguagens, sistemas lógicos, narrativos e ludológicos, dispositivos, avatares, jogadores e cultura gamer em rede. Na presente pesquisa, entendemos que os processos comunicacionais do videogame acontecem em rede, de maneira que videogame propaga e ativa o ciberespaço, em uma simbiose de máquinas, narrativas e jogadores, que compartilham um imaginário em permanente transformação. Nossa hipótese é que o imaginário compartilhado pode ser encontrado e cartografado a partir das narrativas das experiências vividas pelos jogadores. Na dissertação de mestrado “A poética imaginária do videogame: As passagens e as traduções do imaginário e dos mitos gregos no processo de criação de jogos digitais”, nosso objetivo foi compreender as traduções e passagens dos mitos gregos nas narrativas. Na presente tese de doutorado, a proposta é compreender o imaginário construído na experiência do jogo a partir de processos cartográficos dos conteúdos poéticos que emergem das narrativas dos jogadores. Para tal, investigamos a experiência de jogar, fundamentados na ideia de devaneio poético de Bachelard a fim de realizar mapas das narrativas, segundo a noção de cartografia do imaginário desenvolvida por Leão. O objeto empírico consiste nos videogames: Okami, Bioshock, e Mass Effect 2. Nossa proposta está ancorada na ideia de três tipos de poéticas: imagem intrínseca, o sincretismo mitológico e a aura imaginária, discutidas em nossa dissertação de mestrado. Nosso objetivo é verificar a experiência dos jogadores e de que maneira essas poéticas são presentificadas e/ou emergem em suas narrativas. O método da pesquisa adota a perspectiva epistemológica dos processos de comunicação e da cultura e envolveu: leitura de textos, conversas com os jogadores, análise das conversas e cartografia dos imaginários compartilhados. Os diálogos com os jogadores foram realizadas em dois momentos: (1) enquanto os jogadores experimentam seus games, e (2) após dois anos do primeiro encontro. Os resultados de nossa pesquisa foram: (1) o processo de afetação é o alimento do processo de protagonização; (2) na vivência desse processo de ser protagonista de um videogame há conflitos de poder entre o que é possível na narrativa ludológica do game e o que o jogador deseja que seja possível; (3) esses conflitos são geralmente resolvidos na experiência do labirinto, do desatamento de nós, e na profanação das relações de poder, que geralmente se dá via a criação de uma narrativa emergente por parte do jogador; (4) a experiência de jogar como experiência de protagonismo é construída a partir da criação de devaneios poéticos; (5) é possível cartografar os imaginários vivenciados na experiência do jogo através de narrativas que são construídas nas conversas e na emergência da memória

Este trabalho pretende compreender como os conceitos de Intermídia (HIGGINS, 1966) e Tradução Intersemiótica (PLAZA, 1987) têm interferido e modificado os processos de criação no cinema contemporâneo, principalmente o cinema experimental. Valendo-se da semiótica peirciana, busca-se compreender como cada uma das funções da linguagem atua na linguagem cinematográfica e permite chegar a diferentes arranjos ao colocar em jogo uma extensa rede de linguagens e mídias fundadas, sobretudo, na transformação como qualidade. Levando em consideração a mudança dos paradigmas em relação aos processos criativos das imagens em movimento ao longo do século XX, e, principalmente, a partir dos anos 1960, buscou-se refletir como estas mudanças possibilitaram o surgimento de um estado da arte mais fluido e participativo, e que aponta para a necessidade de se fazer uma revisão da noção de autor. As obras de Alain Resnais (1922-) e Peter Greenaway (1942-) foram somadas à pesquisa a fim de permitir compreender e identificar, dentro de seus respectivos processos criativos, as questões que tocam a produção artística fundada no pensamento inter-artes e nas poéticas da transformação. / This paper aims at understanding how the Intermedia (HIGGINS, 1966) and Intersemiotic Translation (PLAZA, 1987) concepts have interfered and modified the creation processes in the contemporaneous cinema, mainly the experimental one. Using Peirce\'s semiotic, we pursue to understand how each of the functions of language works in cinematographic language and allow us to come to different arrangements, putting in evidence an extensive language and media net that are mostly grounded in transformation as a definition of quality. Having in mind the paradigm shift in relation to the creative processes of images in motion during the XX century and mainly from the 1960s on, we consider how these changes made it possible the emerging of a state-of-the-art more participative that made necessary a review on the author\'s participation. Alain Resnais (1922-) and Peter Greenaway\'s (1942-) works were added to this research to allow us to understand as well as identify the issues that are related to the artistic production in inter-arts and the transformation of poetries.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-01-16T11:56:41Z No. of bitstreams: 1 Alexandra Varassin.pdf: 41812306 bytes, checksum: eff11154406c265bf8e4e08ff42aaadc (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-16T11:56:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Alexandra Varassin.pdf: 41812306 bytes, checksum: eff11154406c265bf8e4e08ff42aaadc (MD5) Previous issue date: 2016-12-05 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / A pesquisa teve por objetivo investigar os processos transmidiáticos de criação, fenômeno contemporâneo que permite a formação de uma rede colaborativa entre artistas e público, utilizando-se da combinação de meios digitais e tradicionais. Hoje em dia, muito se fala acerca das possibilidades criativas que podem surgir em um processo artístico ao se agregar a participação das pessoas no mundo online. Porém, são menos frequentes os estudos que buscam analisar a fundo como se dá a troca entre artista e público; ou que descrevam quais são os possíveis efeitos dessa interação para o artista e para a materialidade da obra. Para endereçar estas questões, utilizamos como objeto de pesquisa a experiência transmídia Obra em Progresso, que Caetano Veloso propôs em meados de 2009 ao seu público. Por meio de duas plataformas simultâneas shows ao vivo e um blog digital, o músico convidou as pessoas a acompanharem o passo-a-passo da construção de uma obra musical, disponibilizando em primeira mão o que seria seu próximo álbum na época, Zii e Zie. Destacamos como o projeto poético do artista e os aspectos comunicativos da criação foram explicitados na experiência transmídia. Também identificamos o que a interação com uma audiência dinâmica e multifacetada proporcionou ao artista e, consequentemente, à obra. O corpus empírico foi formado pela análise dos posts do blog e seus respectivos comentários, registros em vídeo dos shows, entrevistas com o artista e a banda durante o processo de criação; complementados com a repercussão do projeto na imprensa, blogs e redes sociais. A metodologia utilizada foi a Crítica de Processo, de Cecilia Almeida Salles, segundo a qual pudemos analisar a singularidade desta proposta em consonância com as teorias gerais de criação fundamentadas pela semiótica peirceana. Desta maneira, revelamos o pensamento complexo sobre o qual se formaram as redes semióticas da obra artística / A pesquisa teve por objetivo investigar os processos transmidiáticos de criação, fenômeno contemporâneo que permite a formação de uma rede colaborativa entre artistas e público, utilizando-se da combinação de meios digitais e tradicionais. Hoje em dia, muito se fala acerca das possibilidades criativas que podem surgir em um processo artístico ao se agregar a participação das pessoas no mundo online. Porém, são menos frequentes os estudos que buscam analisar a fundo como se dá a troca entre artista e público; ou que descrevam quais são os possíveis efeitos dessa interação para o artista e para a materialidade da obra. Para endereçar estas questões, utilizamos como objeto de pesquisa a experiência transmídia Obra em Progresso, que Caetano Veloso propôs em meados de 2009 ao seu público. Por meio de duas plataformas simultâneas shows ao vivo e um blog digital, o músico convidou as pessoas a acompanharem o passo-a-passo da construção de uma obra musical, disponibilizando em primeira mão o que seria seu próximo álbum na época, Zii e Zie. Destacamos como o projeto poético do artista e os aspectos comunicativos da criação foram explicitados na experiência transmídia. Também identificamos o que a interação com uma audiência dinâmica e multifacetada proporcionou ao artista e, consequentemente, à obra. O corpus empírico foi formado pela análise dos posts do blog e seus respectivos comentários, registros em vídeo dos shows, entrevistas com o artista e a banda durante o processo de criação; complementados com a repercussão do projeto na imprensa, blogs e redes sociais. A metodologia utilizada foi a Crítica de Processo, de Cecilia Almeida Salles, segundo a qual pudemos analisar a singularidade desta proposta em consonância com as teorias gerais de criação fundamentadas pela semiótica peirceana. Desta maneira, revelamos o pensamento complexo sobre o qual se formaram as redes semióticas da obra artística

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:10:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Carolina Pinto Arantes.pdf: 4062994 bytes, checksum: 713af7f1725f0d458ee85f4018898fc3 (MD5) Previous issue date: 2010-09-15 / The act of collecting is an ancient activity between human beings and still remains intriguing: why do we collect? Can we see in the act of collecting a process of creation? How collections communicate? This thesis aim to investigate the creative and communication process and the logic that moves and permeates the various types of collections, identifying its capacity of production. The methodology is based on two phases, which resulted in the two chapters of the dissertation. The first one is about the context of collecting in historical standards, developed through research on books, theses and papers that present discussion of issues such as hoarding, object of desire, imagination, memory, emotion, consumption and creation. The objective is to present different approaches to the concept of collection, from the ideas of several authors. The principal author is Philipp Blom, who builds the story of collections in his book "To Have and Hold". The reflections are also supported in Walter Benjamin, who discusses the preservation of history through objects and also on the ressignification of these, and Jean Baudrillard, who devotes a chapter of his book "The System of Objects" to the collections, which describes the difference between accumulation and collection and also mentions the conquest of death through the possession of objects. Finally, the research of the professor of the University of Utah and consumption expert, Russell Belk, and the writings of the Professor of the University of Leicester and chairman of the Museums Association, Susan Pearce, who interpret and fall collections in the current consumer society are being used. The second part of the dissertation focuses on the relationship between creative process and the building of collections, in order to analyze the collections as a communication tool. One of the authors used is Cecilia Salles, who develops a concept of the creative process as a network in constant transformation. This phase is also based on empirical data collection, result of interviews with collectors in order to demonstrate the various creative processes for assembling and maintaining collections. As a result, we conclude that the act of collecting can be seen as a creation process from when the collector selects items, since not every object may be part of your collection. In a second step, each collector organizes the items from the collection in a unique way, regardless whether or not to present it to others. This ordinance is revisited each time a new piece is inserted, when space is modified or even on other occasions. Finally, there are many collectors who expose their collections, whether at home, at specific events or on the Internet, thus generating, social networks that contribute to the memory of the collections and to affirm the identity of the collectors / O ato de colecionar é uma atividade antiga entre os seres humanos e, ainda assim, permanece intrigante: mas, afinal, para que e por que colecionamos? Podemos ver no ato de colecionar um processo de criação? Como as coleções comunicam? Essa dissertação tem por finalidade investigar os processos criativos e comunicacionais e a lógica que move e permeia os diversos tipos de coleções, identificando sua capacidade de produção de sentido. A metodologia é baseada em duas fases, que resultaram nos dois capítulos da dissertação. O primeiro discorre sobre o contexto do ato de colecionar em termos históricos, desenvolvido através de pesquisa bibliográfica em livros, teses e artigos científicos que apresentam discussão de temas como colecionismo, objeto de desejo, imaginário, memória, afetividade, consumo e criação. O objetivo é apresentar diferentes abordagens para o conceito de coleção, fundamentas a partir das ideias de vários autores. O principal é Philipp Blom, que constrói a história das coleções em seu livro Ter e Manter . As reflexões também se apóiam nos filósofos Walter Benjamin, que discorre sobre a preservação da história através dos objetos e também sobre a ressignificação destes; e Jean Baudrillard, que dedica um capítulo às coleções em seu livro O sistema dos objetos , em que descreve a diferença entre acúmulo e coleção e menciona também a superação da morte através da posse dos objetos. Por fim, estão sendo utilizados as pesquisas do professor da Universidade de Utah e especialista em consumo, Russell Belk, e os escritos da professora da Universidade de Leicester e presidente do Museums Association, Susan Pearce, que interpretam e inserem as coleções na sociedade de consumo atual. A segunda parte da dissertação tem como foco a relação entre processo criativo e a construção das coleções, com a finalidade de analisar as coleções como instrumento de comunicação. Uma das autoras consultadas é a Profa. Dra. Cecília Salles, que desenvolve um conceito de processo criativo como rede em constante transformação. Esta fase também é baseada na coleta de dados empíricos, frutos de entrevistas realizadas com colecionadores, visando a demonstrar os diversos processos criativos para a montagem e a manutenção das coleções. Como resultado, conclui-se que o ato de colecionar pode ser visto como um processo de criação desde quando o colecionador seleciona itens, já que nem todo objeto pode fazer parte de sua coleção. Em um segundo momento, cada colecionador organiza os itens de sua coleção de uma forma única, independente se pretende ou não apresentá-la a terceiros. Essa ordenação é revisitada todas as vezes que uma nova peça é inserida, quando o espaço é modificado ou ainda em outras ocasiões. Por fim, muitos são os colecionadores que expõem suas coleções, seja em casa, em eventos específicos ou ainda na internet, gerando, dessa forma, redes sociais que contribuem para a memória das coleções e para a afirmação da identidade dos colecionadores

Esta pesquisa propõe reflexões acerca da importância dos espaços para a criação na educação musical. Focalizando as práticas de improvisação no ambiente do jogo, foram investigadas as contribuições das experiências de improvisação em jogos cênico-musicais para a formação integral das crianças. O pensamento pedagógico-musical de Hans-Joachim Koellreutter e os jogos desenvolvidos pelo educador nortearam este estudo, assim como as ideias desenvolvidas pela educadora Teca Alencar de Brito. Através de uma pesquisa-ação, uma Oficina de Música voltada a crianças entre sete e dez anos foi instaurada. Esta Oficina perdurou dois meses e foi realizada na Escola de Aplicação da Faculdade de Educação da Universidade de São Paulo (EAFEUSP), atendendo os alunos desta instituição. Visando a perspectiva das crianças a respeito das contribuições dos jogos de improvisação, a coleta de dados articulou diferentes procedimentos: (1) registros audiovisuais; (2) entrevistas semiestruturadas com as crianças; (3) protocolos confeccionados pelos alunos. Considerando a abordagem qualitativa da pesquisa, que possibilita mudanças no decorrer do processo, acrescentou-se às técnicas de coleta de dados uma entrevista semiestruturada com a professora de música da EAFEUSP (professora que acompanhou a prática da pesquisa-ação). Na análise dos dados, apontamentos gerais e específicos foram apresentados, relacionando as opiniões das crianças e da professora de música com as ideias de autores abarcados na pesquisa. Os resultados indicam que as práticas de improvisação, no contexto do jogo cênico-musical, propiciam o desenvolvimento de capacidades musicais e humanas, permitindo pensar acerca da educação musical como meio para a formação integral da criança / The purpose of this research is to reflect about the value of spaces for creation in Music Education. Focusing the improvisation practices inside the game environment, the scenic-musical games improvisation experiences contributions to an integral formation of children were investigated. Hans-Joachim Koellreutter\'s pedagogic-musical thoughts and his games guided this study, as well as the ideas developed by Teca Alencar de Brito. Proposed as an action-research, was offered a Music Workshop to children from seven to ten years old from Application School at USP, occurring weekly between April and June of 2014. Aiming the children own perspective about the improvisation games contributions, the data collection techniques used were: (1) video record; (2) semi-structured interviews with the children; (3) protocols - made by the children. Considering the research qualitative approach, that permits changes in the course of the research process, a semi-structured interview with the school teacher (that accompanied the practice) was added to the data collection. General and specific appointments were presented in the data analysis, relating the opinions of the students and the music teacher with the authors ideas embraced in the research. The results indicate that the improvisation practices, in the scenic-musical game context, provide the development of both musical and human capacities, allowing to think Music Education as a way to children integral formation.

In the current fast paced and competitive environment organizations are existing in, it is crucial so be innovative and creative. This empirical research addresses how organizations can stimulate creativity and innovation by understanding underlying factors and mechanisms. The research sample consisted of seven open interviews from seven different firms which could be described as creative. In analysis of the empirical material a model called meaning concentration have been used. Results have been analysed with support of sociocultural theory. The findings suggest that time, a structured process, gaining new perspectives and experiences by constant input and an open communication are keys to support innovation. The study also indicates that creative organizations uses informal learning systematically as a strategy in projects and developing the co-workers craftsmanship. Informal learning is used to gain knowledge about customers, social arenas and the surrounding world. New perspectives are considered to be crucial in creating innovation. The underlying factors of creative processes found in the empirical material are being discussed and how it connects to a social context and group dynamics. / I en föränderlig och konkurrensutsatt värld är det essentiellt att organisationer utvecklas. Den här studien syftade till att utforska hur organisationer kan stimulera kreativa processer och innovation, genom att förstå dess underliggande faktorer. Det insamlade materialet bestod av sju öppna intervjuer från sju olika kreativa organisationer. Empirin analyserades med hjälp av meningskoncentrering och ur ett sociokulturellt perspektiv. Resultatet visade att kreativa organisationer använder sig av informellt lärande som en medveten strategi i syfte att tillägna sig nya kunskaper. De nya kunskaperna om kunder, sociala arenor och omvärlden anses av organisationerna avgörande för att lyckas skapa kreativa produkter. Organisationerna skapade avsiktligt situationer och möten där delandet av nya perspektiv och associationer ledde till ny kunskap genom diskussioner och intryck. Organisationer är enligt resultatet beroende av att inhämta nya perspektiv och kunskaper för att lyckas med innovationsprocesser. De underliggande faktorerna i de kreativa processerna diskuteras med koppling till den sociala kontext organisationerna verkar inom.

Tendo como objetivo geral realizar uma pesquisa visual de forma compartilhada em Paraty, este trabalho abordou diferentes relações entre indivíduo e cidade através de fotografias de acervo pessoal de diferentes perfis encontrados no local: nativos, imigrantes e turistas. Para isso, cada um dos 12 participantes da pesquisa selecionou 12 fotografias de seu acervo pessoal para responder à pergunta como é a sua Paraty?. A partir dessas fotografias, realizamos as entrevistas, momento em que os participantes discorreram sobre as imagens por eles selecionadas, sempre deixando entrever significados sociais em suas narrativas e evidenciando os processos criativos vividos no contexto da pesquisa. Ao final, formaram-se: a) doze conjuntos de doze fotografias, cada um correspondente a um participante da pesquisa; b) os conjuntos multiautorais, que são compostos por imagens de diferentes participantes, porém, que dialogam entre si. Os procedimentos realizados nesse trabalho, que combinam fotografia de acervo pessoal e narrativa, permitiram a criação coletiva de uma representação fotográfica da cidade Paraty, compartilhada entre pesquisador e pesquisados. Também pudemos nos aproximar de algumas diferenças entre turistas, imigrantes e nativos desta cidade, as quais se revelaram nas imagens trazidas por cada sujeito da pesquisa / The broader objective of this work is to conduct a shared visual research in Paraty. To this end we address different relationships between the individual and the city, using photographs from the personal collections of different profiles found in the city: natives, immigrants and tourists. To each of the twelve research participants was asked to select twelve photographs from his personal collection in order to answer the question \"What is your Paraty like?\". From these photographs we conducted interviews, at which moment the participants talked about the images they had selected, allowing us to glimpse at social meanings in their narratives, and to point out the creative processes experimented in the context of research. By the end we had created: a) twelve sets of twelve photographs each corresponding to their author and research participant; b) multiple author sets, composed of photographs of different authors which, nevertheless, develop a dialogue with each other. The procedures performed in this work, which combine personal collection of photography and narrative, allowed the collective creation of a photographic representation of the city of Paraty, shared between researcher and researched. Furthermore, we were able to approach some of the differences between tourists, immigrants and natives of this city, which are revealed in the images brought by each research subject

Sammanfattning Forskning visar att det finns ett samband mellan kreativitet och lärande och att det har betydelse för elevers måluppfyllelse. Undersökningens syfte var att undersöka hur kreativitet yttrar sig i undervisningen, om rätt förutsättningar finns samt hur lärare förstår innebörden av kreativa processer. Utöver detta var syftet att undersöka om lärarna anser att kreativitet i undervisningen gynnar elevers måluppfyllelse. Enkätundersökningen genomfördes i en mindre kommun i mellansverige och är en totalundersökning. En majoritet av respondenterna anser att den viktigste aspekten för att skapa kreativitet är att skapa nyfikenhet. Resultaten visar också att de strukturer som finns i en skola har betydelse för om lärarna kan planera för kreativitet i sin undervisning. Respondenterna har angivit lokalernas storlek, scheman, tid och klassens storlek som hämmande för kreativitet i sin undervisning. Merparten av respondenterna i undersökningen anser sig dock ha ganska bra kunskaper om kreativa processer. Undersökningens resultat har betydese för hur man ska tänka när man planerar för en ny skola, hur en skolas organisation bör se ut samt även hur undervisningen bör planeras och genomföras. Den har även betydelse för vilken kompetens som lärare bör ha för att ha möjlighet att undervisa kreativt. / Abstract Research shows that there is a connection between creativity and learning, and therefore creativity aim of this study was to investigate how creativity is shown in teaching, if there are the correct circumstances for creativity and how teachers understand creative processes. Another aim was to find out if teachers belive that creativity in school can support pupils´ achievements. The survey was conducted in a small municipality in central Sweden and is a census survey. A majority of the respondents answered that the most important aspect for creativity is to make the pupils curious. The results also show that the structures in a school affect to what extent teachers can plan for creativity in their teaching. The largest part of the respondents have answered that the size of the premises, schedules, time, and class size that discourages creativity in their teaching. Most of the teachers said that they are aware of the importance of creativity for learning and achievments. The result of this study is importand for how to think when planning a new school, for how a school ought to be organized and how teaching has to be planned and carried out. The result is also essential to learn what sort of knowledge teachers need to be able to work in creativity way.

Este trabalho analisa, em uma visão sistêmica, três elementos distintos, mas profundamente relacionados à composição musical: o processo criativo, uma concepção estética baseada nos ciclos vitais e uma obra, a Sinfonia Sistêmica. Ao abordar o processo criativo, buscou-se criar uma visão ampla, levando em conta não só o processo de geração, mas também o que ocorre através da difusão da obra, incluindo o retorno dos resultados da difusão ao compositor e a comunicação com o meio em que ela se insere. São levantados elementos da música, da psicologia e da neurologia, cruzando resultados de pesquisas nessas áreas através de uma ampla revisão bibliográfica. Conclui-se que o processo criativo da composição musical se desenvolve de acordo com procedimentos regulares, seguindo um padrão de organização e procedimentos específicos correspondentes à bagagem musical e cultural do compositor e aos elementos provenientes do meio que interfiram durante o processo. Isto cria um fluxo de energia e de materiais que nutre o processo e faz com que ele seja dinâmico e evolua no tempo, sendo, portanto, um sistema aberto. Uma das motivações mais importantes do processo criativo da composição musical é a concepção estética a qual, neste trabalho, aparece sob a forma da Concepção Estética dos Ciclos Vitais, que cria uma analogia entre elementos presentes nos ciclos vitais e procedimentos de estruturação musical. Ela está fundamentada em visões sistêmicas da vida e inclui elementos de teorias da física e da biologia, como a Teoria do Caos, a Geometria Fractal, as Estruturas Dissipativas e a Autopoiese, que são apresentados em um conjunto de derivadas da concepção. Assim como a concepção estética está integrada no processo criativo, o processo criativo também se enquadra dentro da Concepção Estética dos Ciclos Vitais, estando integrada como uma de suas derivadas, como um elo entre o compositor, a obra e o meio com o qual interagem A Sinfonia Sistêmica foi composta durante o Doutorado e apresenta a maior parte dos elementos discutidos na Tese, sendo seu principal objeto de estudo. Sua análise tem como objetivo demonstrar como o processo criativo e a Concepção Estética dos Ciclos Vitais ocorrem na prática. Ela também demonstra como a própria composição interfere tanto no processo criativo, por vezes direcionando-o ao invés de ser direcionada por ele, quanto na concepção estética, trazendo novos elementos conforme se desenvolve. / The present work analyzes, through a systemic approach, three elements that are as diverse as they are deeply related to musical composition: the creative process, a conception based on life cycles and the musical work Sinfonia Sistêmica (Systemic Symphony). A wide view was sought through which to approach the creative process, taking into account not only the process of production but also that which occurs through its performance, including responses to the composer and the rapport to the environment in which it is inserted. Elements of music, psychology, and neurology are raised, and the results of research in this area are collated through a wide bibliographical revision. A conclusion was reached that shows that the creative process of a musical composition develops according to regular proceedings which follow an organizational pattern and specific procedures that correspond to the composer´s musical and cultural background as well as elements originated in the environment that interfere in the process. This gives rise to a flow of energy and materials that feed the process and turns it into a dynamic process and makes it develop in time, making an open system of it.The Esthetic Conception of Life Cycles builds an analogy between the procedures of musical structure and the elements which are present in the life cycles. It is based on systemic views of life and it includes elements of current physics and biology theories such as Theory of Chaos, Fracto Geometry, Dissipative Structures and Autopoiesis. The connection between the Esthetic Conception of Life Cycles resides in the fact that the esthetic conception is one of the most important motivation elements in the creative process, and the Esthetic Conception of Life Cycles in its turn, includes the creative process among its elements, as a link between the composer, the work and the environment with which it interacts. The Sinfonia Sistêmica was composed during the doctorate program and presents the elements which have been discussed in the thesis and is its main object of study. Its analysis aims at showing how the creative process and the Esthetic Conception of Life Cycles occur in practice, and it also demonstrates how the composition itself interferes in the creative process, sometimes guiding it instead of being guided by it, as well as in the esthetic conception, bringing forth new elements as it develops.