Cette thèse propose une analyse de la question de la survivance – notion ayant retenu l’attention de penseurs issus de différentes disciplines tels que Janine Altounian, Jacques Derrida et Georges Didi-Huberman – dans l’œuvre de Sarah Kofman, plus particulièrement dans son récit autobiographique intitulé Rue Ordener, rue Labat, paru en 1994. Quatre grandes orientations guident ce travail dont l’approche théorique se situe à la croisée de la littérature, de la philosophie, de la psychanalyse, de l’histoire (tant sociale que de l’art) et du juridique. Premièrement, nous nous intéressons à ce qu’implique non seulement le fait d’« échapper à la mort », en observant les moyens mis en œuvre pour y parvenir, mais aussi celui de « continuer à vivre » après l’événement de la Shoah. Deuxièmement, nous étudions les différentes manifestations de « la survivance active de l’enfant en nous » (J.-B. Pontalis) de même que celle de « l’objet perdu » dans le travail de deuil impossible, encore autrement « interminable », qui a pris corps dans l’œuvre de Sarah Kofman. Troisièmement, nous abordons la « survivance » au sens du Nachleben d’Aby Warburg et repérons la trace des autres écrits de la philosophe, elliptiquement condensés dans son récit par la reprise de thèmes, le retour de sujets antérieurement évoqués. Quatrièmement, nous interrogeons la locution pronominale « se survivre » et la portée de ses compléments : « dans son œuvre », « dans son témoignage », « dans les mémoires ». Parmi les points qui sont analysés en profondeur dans les chapitres de cette thèse, notons les motifs du ressentiment, du double tragique, du pardon et de l’oubli, de la « disgrâce », de la honte et de la culpabilité, ainsi que les différentes modalités de la survivance – la capacité d’adaptation et le rôle des mères, la lecture, le rire, les arts visuels – mises en œuvre par Sarah Kofman. Dans cette « œuvre-vie » (Pleshette DeArmitt), ce corpus singulier et unique, il s’est toujours agi de ceci, quoi qu’il lui en coûta : « affirmer sans cesse la survie », selon l’expression de Derrida. / This thesis considers the notion of survival—a concept that has attracted the attention of thinkers from various disciplines, from Janine Altounian to Jacques Derrida and Georges Didi-Huberman—in the work of Sarah Kofman, and specifically in her autobiography, Rue Ordener, rue Labat, which came out in 1994. Four lines of inquiry guide this work, whose theoretical approach lies at the crossroads of literature, philosophy, psychoanalysis, and history (both social history and art history), and which, in the central chapter, addresses the legal sphere as well. We begin by looking not only into what it means to “escape death,” (including the attempts to achieve such a goal), but also into the drive to “live on” after the event of the Shoah. Secondly, we study various manifestations of the “active survival of the inner child” (J.-B. Pontalis), as well as the manifestations of the “lost object” in the work of impossible mourning, equally “interminable,” as it takes shape in Kofman’s works. Thirdly, we address the question of “survival” in the sense of Aby Warburg’s Nachleben (a concept studied by Georges Didi-Huberman) and find traces of other writings by Kofman, elliptically condensed in her autobiography, which takes up themes and revisits subjects previously touched upon in her writings. Fourthly, we question the pronominal French locution “se survivre” (to outlive, to outlast) and the scope of its complements: “in his/her work,” “in his/her testimonial,” “in memories”—all drawn together in Kofman’s work in an exemplary manner. Among the points analyzed in depth in the chapters of this thesis are the motifs of resentment, the tragic double, forgiveness and forgetting, “disgrace,” shame and guilt, as well as various modalities of survival—the adaptation ability and the role of mothers, reading, laughter, the visual arts—all used by Kofman. This “LifeWork” (Pleshett DeArmitt), this singular and unique corpus, has always been about “ceaselessly affirming survival,” in the words of Jacques Derrida—no matter how high the price.

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Après une analyse théorique et historique de la notion de paysage et à partir de l'étude diachronique et thématique de l'œuvre rigonienne, il apparaît que le paysage y occupe une place prépondérante tout en revêtant plusieurs dimensions. Tour à tour élément constitutif de l'être, écoumène, personnage à part entière ou simplement miroir de l'âme, il sous-tend et anime la narration en même temps qu'il accompagne l'homme tout au long de son existence. L'écriture de Mario Rigoni Stern nous fait ainsi prendre conscience du rôle central des paysages pour notre compréhension du monde. Au-delà du simple concept de nature, les paysages deviennent alors révélateurs d'une organisation sociétale et culturelle et constituent un véritable axis mundi autour duquel s'organisent Histoire de l'Humanité et histoire(s) des hommes ; un livre dont les pages se tournent au fil des saisons, qui contient les signes de nos civilisations et nous permet de découvrir la mémoire de nos ancêtres. Ainsi les paysages qui jalonnent la vie de l'auteur ne sont plus de simples cadres où l'homme évolue mais se retrouvent intrinsèquement liés à son expérience sensible et existentielle. Entre altérité et identité, la perception de l'espace environnant devient dès lors une fenêtre ouverte sur le monde, une clé de lecture essentielle de notre paysage intime et du cosmos. / After a theoretical and historical analysis of the notion of landscape, and from the study of both diachrony and themes in Rigoni Stern's works as well, it seems that the landscape achieves pre-eminence there, while taking on several dimensions. By turns a constituent element of the being, the place where man has left his mark, an authentic character or simply a mirror of the soul, it underlines and livens up the narrative while accompanying man all along his life. Mario Rigoni Stern's writing makes us become aware of the central part played by the landscapes in our apprehension of the world. Beyond the mere concept of nature, the landscapes then point to a social and cultural organization and constitute both a true axis mundi on which hinge both the History of Mankind and the history or histories of men, and a book the pages of which are turned over as the seasons go by, containing the signs of our civilizations and allowing us to discover our ancestors' memory. So the series of landscapes which mark the author's life do not prove any longer to be mere surroundings where man evolves, but appear to be intrinsically linked to his sensitive and existential experience. Between otherness and identity, the perception of the surrounding space from then on becomes a window open on the world, an essential key to understand both our inner landscape and the cosmos.

Ce mémoire se penche sur l’absurde dans les oeuvres de deux mangakas de l’après Deuxième Guerre mondiale, soit Tsuge Yoshiharu（つげ義春） et Sasaki Maki（佐々木マキ）. Cette étude comparative approche l’absurde comme expérience et tente de penser l’écho que le concept a pu ou non avoir chez les auteurs en question. Pour ce faire, une exploration de divers courants underground des années 50 et 60 au Japon (culture kasutori, nouvelle vague japonaise et avant-garde) est menée afin de retracer comment ceux-ci auraient éventuellement influencés les oeuvres des auteurs analysées, elles-mêmes s’inscrivant dans la culture manga underground de l’époque. Cette section sert également de point d’appui afin de réfléchir sur la place que l’absurde aurait pu prendre au sein de la société japonaise, voyant ses fondements basculer à l’aube de la défaite et contrainte à coopérer sous tutelle américaine. C’est dans cette optique que nous proposons une lecture de l’oeuvre culte de Tsuge Yoshiharu, Nejishiki (ねじ式) comme exprimant une nostalgie propre à une « sensibilité absurde », telle que théorisée par Camus, via le motif de la réparation du corps. Parallèlement à ceci, nous nous attarderons à l’oeuvre de Sasaki Maki au coeur de laquelle le nansensu, compris comme interjection ainsi que référence au courant de l’ero-guro-nansensu, s’érige. À la suite de quoi, nous conclurons sur une comparaison entre les deux expressions de l’absurde chez les mangakas étudiés de manière à dégager, également, ce qui différencie le nansensu de l’absurde. / This text focuses on the artwork of two mangakas of the post Second World War, Tsuge Yoshiharu（つげ義春） and Sasaki Maki（佐々木マキ）. This comparative study investigates the absurd through its experimental component and tries to think the resonance that the concept might have had (or not ) among the authors cited. To this effect, we will explore diverse movements of the 50’s and 60’s in Japan (kasutori culture, Japanese new wave and avant-garde) in order to retrace how they might have eventually influenced the works of the mangakas analysed, themselves being part of an underground culture in the manga community of the time. This section also serves as a starting point for reflecting on the place that the absurd had in the Japanese society of that era, the country being recently defeated and obliged to cooperate under the American occupation which will bring profound changes to the society. It’s in the same vein that we propose a reading of Tsuge Yoshiharu’s masterpiece, Nejishiki (ねじ式), as expressing a nostalgia specific to what Camus calls an « absurd sensibility » through the motive of a body in search of repair. Alternatively, we will analyse Sasaki Maki’s work in the heart of which nansensu, thought as an interjection and in reference to the movement of the ero-guro-nansensu, is present. Finally, we will conclude on a comparison between the two expressions of the absurd in Tsuge and Sasaki’s respective work in order, as well, to elucidate what distinguishes nansensu from the absurd.

En tant que pays occupé pendant les deux conflits mondiaux, la Belgique s’avère être un laboratoire pour étudier le phénomène des occupations pendant le XXe siècle. Pour la bureaucratie étatique, ces occupations posent la question de leur positionnement face à une dissociation entre Etat et Nation. La comparaison diachronique de la police communale de Bruxelles – à travers l’angle organisationnel et à travers sa pratique dans l’espace social – a permis de dégager plusieurs thèses. <p>Le développement des appareils administratifs a pris de telles dimensions dans le XIXe siècle que l’occupant est obligé de trouver un modus vivendi avec les institutions existant sur les territoires occupés, lui-même étant incapable de gérer seul les pays sous son contrôle. Cette constellation donne une marge de manœuvres importante à la police locale, l’institution qui fait l’objet de notre étude.<p>Pendant les deux guerres, la police est soumise à un processus de réformes visant à améliorer son fonctionnement :centralisation du commandement, spécialisation d’unités, élargissement géographie des compétences d’intervention… Ces changements s’inspirent d’une part d’idées ambiantes en Belgique et d’autre part de projets réalisés en Allemagne dans les deux périodes procédant la guerre.<p>L’intégration de l’appareil policier communal à l’intérieur d’un régime d’occupation est facilitée par le professionnalisme de celui-ci qui contraste fortement avec la pratique des polices auxiliaires pour lesquelles l’ordre patriotique et/ou idéologique peut prendre le dessus sur le ‘maintien d’ordre classique’. Cette prédominance professionnalisante explique la continuité du fonctionnement de l’institution qui poursuit ses tâches entre 1914-1918 et 1940-1944.<p>En m’inspirant des travaux de l’historien allemand Alf Lüdtke et du sociologues français Dominique Montjardet, j’ai essayé de questionner trois postulats sous-jacents dans l’historiographie :<p>-\ / Doctorat en philosophie et lettres, Orientation histoire / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Grâce à une réflexion sur ma création poétique, cette thèse exploite « la poétique négro-africaine de l’exil » à travers cinq recueils de Césaire, Kayóya, Senghor et Tshitungu Kongolo. D’une part, mon recueil extériorise les joies et les peines du Burundi précolonial, colonial, postcolonial et d’un exilé francophone au Canada largement anglophone. Mes exigences esthétiques sont, premièrement, l’emploi des figures de style pour que mes poèmes soient des paroles plaisantes au cœur et à l’oreille. Deuxièmement, chaque poème véhicule une poly-isotopie. Troisièmement, pareil à mon identité hybride, mon recueil est un mariage de la poésie des vers courts français et des unités discursives burundaises. D’autre part, mon analyse critique examine la manière dont le poète exilé idéalise le pays perdu et suggère des réserves face au pays hôte qui lui impose une nouvelle identité. Ensuite, mon analyse révèle que l’écriture poétique est en elle-même un exil.

Grâce à une réflexion sur ma création poétique, cette thèse exploite « la poétique négro-africaine de l’exil » à travers cinq recueils de Césaire, Kayóya, Senghor et Tshitungu Kongolo. D’une part, mon recueil extériorise les joies et les peines du Burundi précolonial, colonial, postcolonial et d’un exilé francophone au Canada largement anglophone. Mes exigences esthétiques sont, premièrement, l’emploi des figures de style pour que mes poèmes soient des paroles plaisantes au cœur et à l’oreille. Deuxièmement, chaque poème véhicule une poly-isotopie. Troisièmement, pareil à mon identité hybride, mon recueil est un mariage de la poésie des vers courts français et des unités discursives burundaises. D’autre part, mon analyse critique examine la manière dont le poète exilé idéalise le pays perdu et suggère des réserves face au pays hôte qui lui impose une nouvelle identité. Ensuite, mon analyse révèle que l’écriture poétique est en elle-même un exil.

Grâce à une réflexion sur ma création poétique, cette thèse exploite « la poétique négro-africaine de l’exil » à travers cinq recueils de Césaire, Kayóya, Senghor et Tshitungu Kongolo. D’une part, mon recueil extériorise les joies et les peines du Burundi précolonial, colonial, postcolonial et d’un exilé francophone au Canada largement anglophone. Mes exigences esthétiques sont, premièrement, l’emploi des figures de style pour que mes poèmes soient des paroles plaisantes au cœur et à l’oreille. Deuxièmement, chaque poème véhicule une poly-isotopie. Troisièmement, pareil à mon identité hybride, mon recueil est un mariage de la poésie des vers courts français et des unités discursives burundaises. D’autre part, mon analyse critique examine la manière dont le poète exilé idéalise le pays perdu et suggère des réserves face au pays hôte qui lui impose une nouvelle identité. Ensuite, mon analyse révèle que l’écriture poétique est en elle-même un exil.

L’objet de cette recherche est la situation des Tsiganes de Bessarabie sous trois administrations :tsariste (1812-1918), roumaine (1918-1940, 1941-1944) et soviétique (1940-1941, 1944-156). Au niveau macro, nous nous sommes intéressés plus principalement à la politique des « villages tsiganes » qui est selon nous la plus révélatrice d’une continuité entre les trois administrations. Au niveau micro, nous avons suivi le parcours de quelques villages du centre et du sud de la Bessarabie sous ces trois administrations. <p>En schématisant, on peut affirmer que le régime tsariste a appliqué en Bessarabie une politique de sédentarisation forcée par ségrégation. Nous l’illustrons par le cas des « villages tsiganes » de Kair et Faraonovka. L’administration roumaine pendant la dictature d’Antonescu a appliqué une politique de déportation en dehors des frontières historiques de la Roumanie, même si au départ il était question de créer des « villages tsiganes » dans la région de Baragan dans la partie sud-est du pays. Le régime soviétique a opté pour une politique de ségrégation forcée par assimilation.<p> / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Grâce à une réflexion sur ma création poétique, cette thèse exploite « la poétique négro-africaine de l’exil » à travers cinq recueils de Césaire, Kayóya, Senghor et Tshitungu Kongolo. D’une part, mon recueil extériorise les joies et les peines du Burundi précolonial, colonial, postcolonial et d’un exilé francophone au Canada largement anglophone. Mes exigences esthétiques sont, premièrement, l’emploi des figures de style pour que mes poèmes soient des paroles plaisantes au cœur et à l’oreille. Deuxièmement, chaque poème véhicule une poly-isotopie. Troisièmement, pareil à mon identité hybride, mon recueil est un mariage de la poésie des vers courts français et des unités discursives burundaises. D’autre part, mon analyse critique examine la manière dont le poète exilé idéalise le pays perdu et suggère des réserves face au pays hôte qui lui impose une nouvelle identité. Ensuite, mon analyse révèle que l’écriture poétique est en elle-même un exil.