Le Siam – l’actuelle Thaïlande – est le produit d’un métissage, encore dynamique de nos jours, qu’il s’agisse de son peuplement, de sa culture ou de sa littérature. L’influence occidentale, apparue avec les Européens au début du XVIième siècle, s’est accélérée au XIXième, quand ses rois se sont préparés à faire face aux appétits coloniaux français et britannique. Le roi Vajiravudh (1910-1925), éduqué en Grande-Bretagne, a tenté de faire connaître à ses compatriotes le théâtre à l’occidentale, d’abord par des traductions d’œuvres françaises et anglaises, puis par des adaptations et des œuvres originales. Contrairement à ce qui est généralement admis, son action ne représente pas une rupture dans l’histoire littéraire du Siam : il se place dans une continuité littéraire ininterrompue et n’a jamais rejeté les thèmes anciens. Ses pièces de théâtre ont surtout apporté des techniques dramatiques et scénographiques, dont le développement s’est poursuivi tout au long du siècle passé. Plus que l’acteur d’une révolution dans la dramaturgie siamoise, il est le marqueur de son évolution continue depuis des siècles. / Siam – Thailand as it has been known for several decades – is the result of a mix of people, cultures and literatures, which is still dynamic nowadays. Western influence appeared there at the beginning of the 16th century and increased very quickly during the 19th century when its kings had to prepare the kingdom to face the British and Frenchcolonial greed. King Vajiravudh (1910-1925), who studied about ten years in Great Britain, tried to make Occidental-style drama become well-known with his compatriots through translations, adaptations and, later, original works. Contrary to what has generally been affirmed, his action did not mark a break in the history of Thai literature : it was placed in an uninterrupted literary continuity and never rejected the traditional topics : his plays especially brought western dramatic and scenographic techniques, which have been developed through the last century. More than being the actor of a revolution in Thaidrama, King Vajiravudh marked out an evolution which has been continuous for centuries.

This thesis focuses on practical application of intermedia perspective while comparing cinematographic work and literary work in the form of film screenplay.

Les mises en scène récentes de T. Ostermeier explorent les liens entre littérature et art théâtral pour questionner, à l’aide d’un réalisme complexe qu’il réinvente, ce que les œuvres ont à dire de la réalité politique et sociale de notre présent. Il privilégie toujours pour cela des espaces entre qui permettent de briser la rigidité d’un respect littéral étouffant et de faire dialoguer le passé et le présent, l’actuel et le virtuel, le proche et le lointain. A la surface visible, son réalisme articule la profondeur invisible qui dédouble le réel en explorant sa spectralité à travers les personnages eux-mêmes, leur mémoire, leurs fantômes ; leur langue qui, entre traduction et retravail, crie le non-dit, le refoulé, l’absence ; l’espace des lieux-seuils, des (non)-lieux et des passages, des images du hors-scène, trop présent, ou de l’intime, insaisissable ; et même la musique dont les échos démultiplient les réseaux de sens. C’est dans la hantise de ces doubles que T. Ostermeier cherche à reconstruire un sens qui ne fasse pas abstraction des fêlures ni des fractures. Son travail doit être analysé comme une œuvre autonome qui convoque l’œuvre littéraire support pour la faire parler à nouveau, lui faire dire à nos oreilles d’aujourd’hui la douleur intemporelle du réel et l’espoir politique de reconstruire ce présent. La « déterritorialisation » constante du théâtre de T. Ostermeier, assumée, donne corps aux spectres qui sont l’autre nom de notre réalité pour que nous, spectateurs, puissions, finalement, nous en saisir. Refusant un théâtre et une littérature qui ne font qu’interpréter le monde, il s’agit pour T. Ostermeier de faire dialoguer l’un et l’autre pour le transformer. / In his recent productions, T. Ostermeier investigates the links between literature and drama with complex, renewed realism to question what insights the works of the past can give us into today’s political and social reality. He always favours the in-betweens which enable him to break through the stifling inflexibility of literal interpretation and initiates a dialogue between the past and the present, the actual and the virtual, what is close at hand and what is distant. His realism connects the visible surface of reality to its invisible depth – its double. He delves into this spectrality by focusing on the characters’ memory, their ghosts; on their language, hanging between translation and reworking, as their unsaid, repressed words speak loud; on space viewed as space between – thresholds, somewhere/nowhere, passages, pictures of all too present off-stage scenes or of elusive intimacy; on music too, echoing meaning in multiple layers. These ghost-like doubles are T. Ostermeier’s material to rebuild a meaningful present without ignoring its cracks and fault lines. His productions should be analysed as an autonomous oeuvre which calls on literary works to make sense afresh, to voice the painful, timeless experience of the real and the political hope to rebuild the present. His constantly ‘deterritorialising’ theatre substantiates our ghosts – the flipside of our reality – so that we, spectators, may finally get a grasp on them. T. Ostermeier will not confine theatre and literature to merely interpreting the world, he wants them to dialogue in order to transform it.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-09-14T16:42:51Z No. of bitstreams: 1 Tese - Lindolfo.pdf: 4917665 bytes, checksum: 16402991615e6b1c8b722dbe4f582c1a (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-09-17T17:37:58Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese - Lindolfo.pdf: 4917665 bytes, checksum: 16402991615e6b1c8b722dbe4f582c1a (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-17T17:37:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese - Lindolfo.pdf: 4917665 bytes, checksum: 16402991615e6b1c8b722dbe4f582c1a (MD5) / Esta tese é o resultado de uma pesquisa sobre a presença da literatura de cordel na dramaturgia brasileira, a partir do impacto causado pela apresentação do Auto da Compadecida, de Ariano Suassuna, no Primeiro Festival de Amadores Nacionais, realizado na cidade do Rio de Janeiro, em 1957. Tal fato é considerado um marco à medida que o texto chamou à atenção da crítica especializada e de outros autores para a incursão do folheto popular em verso no texto dramático. Nesse mesmo ano, Francisco de Assis e Francisco Pereira da Silva apresentaram ao público os textos concebidos a partir do cordel, intitulados O Testamento do Cangaceiro e Graça e Desgraça na Casa de Engole-Cobra, respectivamente. A tese, dividida em quatro sessões, expõe o percurso da literatura de cordel, com os registros realizados por Sílvio Romero no final do século XIX, os acontecimentos históricos que marcaram a década de 1950, e um painel dos autores que utilizaram o cordel na construção da dramaturgia no período de 1957 a 2007, bem como as formas de apropriação do folheto, a partir dos conceitos de circularidade, de Carlo Ginzburg (2006), e de hibridação, proposto por Néstor Garcia Canclini (2008). A pesquisa de cunho descritivo analítico procura contribuir com a construção da história do teatro brasileiro, no que tange a sua dramaturgia. / This thesis is the result of a research on the presence of cordel literature in Brasilian drama, from the impact caused by the production of o Auto da Compadecida, by Ariano Suassuna, in the First National of Amateur, held in Rio de Janeiro, in 1957 This fact is a landmark in that the text called the attention of critics and other authors to foray brochure popular verse in the dramatic text. That same year, Francisco de Assis and Francisco Pereira da Silva presented to the public texts designed from the cordel, entitled O Testamento do Cangaceiro and Graça e Desgraça na casa de Engole-Cobra, respectively. The thesis, divided into four sessions, exposes the course of cordel literature, with records held by Sílvio Romero, in the late 19th century, the historical events that marked the 1950’s, and a panel of authors who used Cordel in construction of the theater, in the period 1957-2007, as well as the forms of appropriation of the leaflet, from the concepts of circularity, by Carlo Ginzburg (2006), and hybridization proposed by Néstor Garcia Canclini (2008). The research of a descriptive analytical seeks to contribute to the construction of the history of Brasilian theater, regarding its dramaturgy. / Cette thèse est le résultat d’une recherche sur la présence de la Litterature de Cordel dans la dramaturgie brésilienne, à partir de l’impact causé par le montage de “L’Auto da Compadecida”, de Ariano Suassuna, lors du Premier Festival d’Amateurs Nacionaux, qui s’est tenu dans la ville de Rio de Janeiro, em 1957. Cela a été considéré comme un point de repère dans la mesure où le texte a attiré l’attention de la critique spécialisée et de plusieurs auteurs vers l’introduction des Brochures Populaires en Vers dans le texte dramatique. Cette même année, Francisco de Assis et Francisco Pereira da Silva ont présenté au public les textes conçus à partir du Cordel, intitulés ”O Testamento do Cangaceiro” et “Graça e desgraça na casa de Engole-Cobra” respectivement. Partagé em quatre parties, ce travail expose le parcours de la Littérature de Cordel d’après les études de Sílvio de Romero faites à la fin du XIXème siècle, les évènements qui ont marqué les années cinquante et un panneau des auteurs qui ont utilisé le Cordel dans la construction de la dramaturgie dans la période allant de 1957 à 2007, ainsi que les formes d’appropriation des brochures, à partir des concepts de circularité, de Carlo Ginzburg (2006) et d’hybridation proposé par Nestor Garcia Canclini (2008). Cette recherche, de nature descriptive, a pour but de contribuer à la construction de l’histoire du théatre brésilien, en ce qui concerne sa dramaturgie.

We see the film like a reality because our perception of the film is like a reality around us. Movie as a dream and like a dream has unique tools how describe our soul and unconscious processes. This advantage is a crucial for my research, how can be useful for understanding how our unconscious works. C. G. Jung and Joseph Campbell and his work helps me with looking for the answer. How can film speak to us through the psychological layer instead of the narrative layer.

Henry de Montherlant fut un écrivain très prolifique pendant plus de cinquante ans. Son attitude désinvolte et parfois ouvertement provocatrice a agacé et créé de la confusion à propos de son écriture. Cette attitude et la variété de son œuvre dont il semble impossible d'extraire une morale claire ont contribué à l'intérêt porté à son œuvre par les critiques. D’où vient l’importance de mettre la dramaturgie de l'auteur en question pour en dégager un sens précis. Écrire pour le théâtre, genre fondée essentiellement sur le dialogue, était pour Montherlant l’occasion de maintenir sa place d’un écrivain, d’un artiste s’occupant juste de ses mots. Il a suivi un procédé spécifique qui lui a permis d’échapper aux critiques : il s'agit de dire puis de contredire, de faire puis de défaire, de construire puis de détruire ses mots au sein du texte. Notre étude expose ce mouvement ambivalent mais nécessaire pour la continuité de l’œuvre littéraire à travers les composantes essentielles du texte dramatique. Une seule vérité se dessine dans le texte de l’auteur : la destruction continuelle de tout ce qui se construit. Rien ne tient dans ce théâtre, tout s’en va, tout se jette dans le vide. Ce procédé devient un principe qui mène l'écriture de l'auteur vers le tragique comme conséquence logique. Ainsi, écrire sur le rien, le vide, le tragique, devient pour Montherlant le dernier rempart contre la mélancolie de ne rien écrire. De cette manière, l'auteur se met dans une recherche permanente de son identité littéraire en gravitant pour toujours dans l'orbite de la littérature car : « il faut sacrifier tout pour pouvoir continuer à s'exprimer ». L'auteur cherche à atteindre un but précis, celui de rester fidèle à l’image de l'artiste qu'il veut être : « je me renierai pour me retrouver, je me détruirai pour m'atteindre ». / Henry de Montherlant was a prolific writer for more than fifty years. His attitude and his provocative positions have entailed a confusion on his writing. His behaviour and the diversity of his work, from which it is impossible to extract one clear moral has aroused interests from the critics. Therefore, it is necessary to analyse the author’s dramaturgy to determine one precise meaning.Writing play grounded on dialogue was an opportunity for Montherlant to establish and comfort his rank as a writer, an artist who only cares for his words. His method consisted in creating specific style which helped him to avoid criticism. In fact, the purpose is to affirm and contradict, to do and undo, to construct and deconstruct his words in the text. Our study reveals this ambiguous but necessary movement for the literary work, through the essential elements of the dramatic text. We can infer from the text of Montherlant that there is only one truth : everything which is built is intended for the endless destruction. Nothing is stable in this theatre, everything goes away and everything is doomed for emptiness. This style becomes a leading principle that drives the author’s writing logically and inevitably to a tragic dimension. Thus writing on nothing, on emptiness and on tragic, is a way for Montherlant to escape from the melancholy of non writing. From this point of view, the author’s personal quest is to seek, relentlessly, his literary identity, always gravitating in the circle of literature because: “you have to scarify everything to be able to keep on expressing yourself”. The author wants to reach a very precise goal which is to be true to himself as an artist : “I will deny myself to find me, I will destroy myself to reach me”.

À travers l’étude d’une cinquantaine de pièces, textes et spectacles, issues du répertoire européen contemporain, il s’agit d’envisager la représentation dramatique comme un fait anthropologique, mettant en jeu des pratiques du signe et de l’interprétation, à travers le prisme de l’enquête – entendue comme processus de création, comme forme structurante mais aussi comme mode de relation au monde et au spectateur. Parcours des hypothèses, laboratoire des fonctions cognitives et heuristiques de la représentation, il apparaît que l’enquête désigne ce trouble par lequel le théâtre se pense comme représentant quelque chose. Cette thèse inscrit donc les dramaturgies contemporaines à l’intérieur du paradigme indiciaire, identifié par C. Ginzburg, en regard des formes romanesques de l’enquête (roman naturaliste et policier). Elle entend ainsi réparer le déficit théorique dont souffre cette fiction maîtresse » (D. Kalifa), permettant ainsi de penser les significations de la reprise d’une démarche moderne, attachée à la recherche d’un sens et d’une lisibilité, dans une période marquée par le postmodernisme, caractérisée par une posture de relativisme et de suspens herméneutique. Le recours aux scènes du procès, de la reconstitution, de l’interrogatoire, étudié dans une seconde partie, découvre des opérations critiques et réflexives où les dispositifs de production du vrai sont interrogés comme autant de politiques et de poétiques du signe. Quant à l’écriture documentaire, qui fait l’objet d’une troisième partie, elle apparaît comme traversée par trois orientations distinctes – thétique, constatative et interrogative – que nous identifions à partir de leur rapport à l’enquête. / Through the analysis of about fifty plays, texts, and performances from the contemporary European repertoire, this study will consider dramatic representation as an anthropological fact involving practices of signs and interpretation, through the prism of the investigation – understood as a creation process, a structuring form but also a way of relating to the world and the spectator. A path of hypotheses and a laboratory of the cognitive and heuristic functions of representation, it appears that the investigation refers to this confusion through which theatre is thought to represent something. This dissertation therefore inscribes contemporary dramaturgies within the clue paradigm, coined by C. Ginzburg, in relation to novelistic forms of the investigation (naturalistic and detective novels). Thus it intends to repair the theoretical deficit plaguing this “master fiction” (D. Kalifa), opening a reflection on the meanings of reusing a modern approach, tied to the search for meaning and legibility in a time marked by postmodernism and characterized by an attitude of relativism and hermeneutic suspense. The use of scenes of trial, reconstitution, and questioning, studied in the second part, uncovers critical and reflexive operations in which the devices of truth production are questioned as politics and poetics of the sign. As for documentary writing – the focus of the third part, it appears crossed by three distinct orientations – assertive, constatative and interrogative – which will be identified according to their relations to the investigation.

Eugène Ionesco est un «nouveau classique» dont la dramaturgie est à la fois en rupture avec la dramaturgie traditionnelle et en progrès sur elle, la dramaturgie ionescienne est alors labyrinthique. Les composants de cette dramaturgie sont également labyrinthiques : la construction dramatique, les personnages, le langage, le temps et l'espace. Ce labyrinthe total mène à une absurdité totale celle de l'indécision et de déséquilibre. Pour envisager cette absurdité, l'homme ionescien a recours à la révolte, à l'indifférence et au rêve, mais il se heurte toujours à sa condition tragique d'un errant sans racines ni buts. Il ne lui reste alors que le rire, d'où la naissance d'un comique à la recherche de son identité. C'est le comique problématique d'Eugène Ionesco. L'aspect problématique de ce comique est dû aux points suivants : premièrement, sa naissance dans une ambiance labyrinthique crée l'absurde qui rend incertaine même l'humanité de l'homme. Deuxièmement, ce nouveau comique s'inspire du comique classique de Molière, mais son essence n'est plus d'instruire, de corriger ou de plaire mais de réfléchir. Troisièmement, ce comique révèle la condition tragique de l'homme par des scènes qui augmentent l'angoisse au lieu de la dissiper. Par conséquent, c'est un comique problématique soit par rapport au tragique, soit par rapport au rire qui devient, à son tour, un effet du tragique. C'est pour cette raison que ce comique reste ouvert à de multiples hypothèses même celle de son inexistence. / Eugene Ionesco is a "new classic" which is both dramatic break with the traditional drama and progress on it, the ionesco's dramatic is so labyrinthine. The components of this dramatic are labyrinthine: the dramatic structure, personages, language, time and space. This total maze leads to the utter nonsense of indecision and imbalance. To consider this absurdity, the ionescien man uses the revolt, indifference and dreams, but he still faces his tragic condition of a rootless wanderer or goals. He is left while laughing, hence the birth of a comic in search of his identity. This is the comic problematic of Eugene Ionesco. The problematic of this comic appearance is due to the following points: first, his birth in a labyrinthine environment creates the absurd makes uncertain even the humanity of man. Second, this new comic inspired by the classic Molière comic, but its essence is not to instruct, correct or pleasing but to reflect. Thirdly, the comic reveals the tragic condition of man by scenes that increase anxiety rather than dissipate. Therefore, this problematic is a comic or tragic compared to or relative to laughter becomes, in turn, an effect of tragedy. It is for this reason that this comic remains open to many assumptions even of its nonexistence.

Made available in DSpace on 2015-04-11T13:49:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Stephane Soares Girao.pdf: 815578 bytes, checksum: a4bd155e52feefa3aed028147fc9068c (MD5) Previous issue date: 2013-09-30 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Amazonas / O tema desta dissertação versa sobre o desenvolvimento do processo dramatúrgico no texto teatral, elegendo-se como perspectiva o Teatro Moderno, para a apreciação crítica das peças Pic-nic (1952) e Fando y Lis (1955), de Fernando Arrabal. O escopo da pesquisa consiste em uma análise em torno das peças a partir de uma abordagem teórica que leia as obras sob o prisma histórico-filosófico, com vistas à compreensão dos fatores que direcionam a escrita dramatúrgica. Primeiramente, apresentamos uma contextualização histórica e teórica sobre os movimentos estéticos que fazem parte dos fundamentos do Teatro do Absurdo, e, consequentemente, da dramaturgia de Arrabal. Na segunda parte (composta pelos dois últimos capítulos) analisamos os discursos, os tipos sociais e suas relações com a guerra e a violência, bem como a representação dos espaços e objetos nos contextos literários estudados, para compreender as orientações estéticas utilizadas pelo dramaturgo. As principais referências teóricas se apoiam em Anne Ubersfeld, Francisco Torres Monreal e Ángel Berenguer.

Examiner la dramaturgie québécoise contemporaine, c’est travailler la singularité et emprunter d’autres voies de la mise en crise du drame. Cette thèse montre comment des auteurs opèrent un double mouvement de représentation et de figuration qui renouvelle le drame. Malgré une décomposition de celui-ci, cette dramaturgie maintient une prégnance de la fable et du personnage grâce à la permanence de la fiction. Les auteurs continuent d’être des raconteurs d’histoires, mais les stratégies narratives ne vont plus de soi et engendrent un questionnement sur le personnage qui se transforme en agent essentiel des combinatoires explorées. Si les possibilités fictionnelles s’accroissent à partir des structures traditionnelles, elles se nourrissent aussi des données du personnage et inversement – une entité équivoque émerge et interroge d’autres modalités de présence dans le texte et sur le plateau. Par une exacerbation des sensations dans le discours, le personnage se change en espace esthésiogène. Cette approche n’est pas liée à une radicalisation de la forme et du contenu ; l’évolution s’inscrit dans une continuité historique et s’apparente à un nouveau développement de la dramaturgie québécoise. Une dramaturgie de l’entre-deux émerge, celle d’un territoire trouble, propice à la métamorphose et à l’expérience. Fable et personnage apparaissent comme des médias touchant tous les composants du drame. Le personnage devient le corps du récit et la fable donne corps au personnage, l’action se concentre autour de l’histoire à raconter. La persistance et la mutation de ces données provoquent aussi des répercutions dans les régimes de parole ou les cadres spatio-temporels. Une instabilité s’installe donnant à voir des univers poreux, mêlant réel et légendaire, laissant entrevoir de nouvelles possibilités dramaturgiques, notamment pour le spectateur. / To consider Québec contemporary drama means to work on singularity and implies taking other routes than the one leading to the crisis of the dramatic form. This thesis demonstrates how some playwrights operate a double movement of representation and figuration that renews the dramatic form. Despite its state of decomposition, those writings manage to sustain the imprint of the story and of the character thanks to the omnipresence of the fiction. The playwrights keep on being storytellers but the narrative strategies used are no longer an evidence and therefore generate a questioning of the character that further transforms itself into an essential agent of combinations previously explored. If the possibilities of the fiction are growing from traditional structures, they feed themselves from facts coming from the character and, conversely – an equivocal entity emerges and interrogates other modality of presence within the text and on stage. By an exacerbation of the sensations within the speech, the character transforms itself into an espace esthésiogène. This approach is not related to a radicalisation of the form or of the content; its evolution is part of an historical continuity and is connected to a new development in Québec drama. A dramaturgy of the “in between” emerges, a dramaturgy of the disturbed land, favourable to metamorphosis and experience. Story and character appear as medias touching all aspects of the drama. The character becomes the substance of the narrative and the fable gives shape to the character, the action focuses on the story to be told. The persistence and the mutation of this data have repercussions within levels of speech or other spatial-temporal frames. A certain instability settles in and allows us to see porous worlds, combining reality and legend, suggesting new dramaturgical possibilities, especially for the spectator.