Made available in DSpace on 2016-08-17T18:02:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 GISELE SOARES DE VASCONCELOS.pdf: 1162420 bytes, checksum: 31da26e6242107c8ac5d58d3717bcc34 (MD5) Previous issue date: 2007-02-28 / FUNDAÇÃO DE AMPARO À PESQUISA E AO DESENVOLVIMENTO CIENTIFICO E TECNOLÓGICO DO MARANHÃO / Le comique, dans les représentations du Bumba Meu Boi au Maranhão, dans la relation théâtre-anthropologie, constitue un des objets de cette dissertation. Espace, Temps et Expérience sont décrits comme des facteurs pour penser l absence ou la présence des représentations comiques en ville ou en province. Se basant empiriquement sur les représentations de la comédie à Santa Helena et théoriquement sur les études à propos du mythe, du rite, de la fête et du rire, cette dissertation cherche à analyser la communication comique dans le Bumba meu boi « Capricho de União » ( Caprice de l Union). / O cômico nas apresentações do Bumba-meu-boi no Maranhão, numa relação teatro-antropologia, constitui um dos objetos desta dissertação. Espaço, Tempo e Experiência são anunciados como fatores para pensar a ausência e presença das apresentações cômicas na cidade e no interior. Tomando como observação empírica, as apresentações da comédia em Santa Helena e, como fundamentação teórica, os estudos sobre mito e rito e sobre festa e riso, essa dissertação busca analisar a comunicação cômica no Bumba-meu-boi Capricho de União .

L’analyse d’une culture se fait aussi à partir de l’analyse de la religiosité. Nous traiterons donc ici des fêtes de la Semaine Sainte dans deux villes du monde lusophone : São João del Rei et Braga, en nous appuyant à la fois sur l’histoire et sur l’anthropologie. La teneur culturelle de ces fêtes a représenté une véritable motivation qui nous a poussés à chercher à en comprendre la dimension contemporaine mais aussi à retracer leur parcours historique en tant que manifestations culturelles. Nous présenterons ces fêtes catholiques dès leur implantation dans ces deux sociétés influencées par la culture baroque qui s’est développée au XVIIIème siècle, jusqu’à leur réalisation de nos jours. La Semaine Sainte a été pensée comme un espace de sociabilité, de représentation sociale et d’affirmation d’une identité de ces deux villes. La fête sera traitée ici comme un texte rempli de significations. Notre analyse est principalement axée sur la recherche de la signification de la persistance d’éléments culturels dans ces moments festifs qui concentrent relations et processus social dans la société contemporaine. Nous tenterons de constater avec le maximum d’objectivité, les ruptures qui se sont opérées dans la pratique des ces fêtes et de définir les nouvelles significations de ces solennités en tant que documents qui ont traversé les temps sous forme d’une pratique sociale fortement enracinée. / This research is about the Holy Week’s religious celebrations wich have been practiced in São João del-Rei (Brazil) and Braga (Portugal), two Lusophone world’s cities, relying on both Anthropology and History. We intend to present the catholic celebration in these two societies which are influenced by the baroque culture from XVIII century till nowadays. In our research the Holy Week is comprehend as a social representation space as well as an identity assertion of these two societies. Our analysis focuses primarily on searching the cultural elements persistence in these celebrations that condense the social processes in contemporary society. We have tried to observe, in an objectivity way, the ruptures and the ceremonies constructions that have occurred in these celebrations practices and which are supposed to define new ceremonies meanings as a proof beyond the time seen as a deeply rooted social practice.

Depuis sa naissance au cœur des célébrations païennes ou religieuses du Moyen Âge anglais, le théâtre britannique a toujours entretenu des liens privilégiés avec la fête. Cette affinité élective entre le dramatique et le festif fait ici l’objet d’une réflexion esthétique reposant sur un corpus de pièces contemporaines où sont représentées toutes sortes de célébrations. En effet, qu’il s’agisse d’anniversaires, de Noëls, ou de retrouvailles entre amis, le topos festif perdure sur les scènes britanniques de la seconde moitié du XXe siècle (The Birthday Party fut joué à Londres en 1958) jusqu’au début du XXIe siècle, avec des pièces comme Jerusalem de Jez Butterworth (2009) ou In the Republic of Happiness de Martin Crimp (2012). Or, après l’expérience traumatique de la Seconde Guerre mondiale et les crises protéiformes qui ont affecté le monde au cours des dernières décennies, la rémanence de la fête sur scène a de quoi étonner. Il convient cependant d’observer que lorsque le phénomène festif se change en objet de représentation, il donne l’occasion aux dramaturges de déployer une poétique carnavalesque où l’excès cohabite avec le manque, la légèreté avec la gravité, pour finalement mettre le monde et les formes traditionnelles sens dessus dessous. Éminemment transgressive et volontiers caractérisée par la pénurie, le manque, voire la violence ou la mort, la fête paradoxale devient le lieu privilégié d’une exploration éthique et esthétique des limites du figurable. Elle offre dès lors un paradigme fécond pour rendre compte du renouvellement des formes dramatiques contemporaines. / British theatre and festivities have always been closely linked. From the moment the first plays were performed during medieval festivals to present-day representations of parties in which people binge drink or use drugs, it might even be argued that the celebratory mood has never left the stage. This intimate connection between the dramatic and the festive is investigated here from an aesthetic point of view, through a corpus of contemporary plays representing celebrations. Be they birthdays, anniversaries, Christmases or reunions, the festive motif is a recurring one in the second half of the twentieth century, with plays like The Birthday Party (1958), and on into the twenty-first century, with Jez Butterworth’s Jerusalem (2009) or Martin Crimp’s In the Republic of Happiness (2012). Considering the traumatic experience of the Second World War or the protean crises that have subsequently affected the world, we might expect parties to disappear from the stage altogether; yet, this is not the case. In fact, we find that when the festive phenomenon is turned into an object of representation, it allows dramatists to put forward a poetics of excess characterised by exuberance and transgression. Not only does this carnivalesque energy turn the world upside down, it also subverts traditional dramatic forms. Oscillating between lack and excess or lightheartedness and gravity, sometimes verging on scarcity, violence or even death, the paradoxical party becomes the epitome of an aesthetic and ethical exploration of the limits of the representable. It thus offers a fruitful paradigm to account for the renewal of dramatic forms on the contemporary stage.

Les raves, les free parties et les teknivals, sont des fêtes techno à l'origine d'une panique morale en France. L'histoire sociale de ces phénomènes est celle d'une répression d'État. Nous avons tâché de saisir (l'essence de) l'expérience de ces fêtes, compte tenu d'un marqueur temporel et biographique : l'événement marquant (Michèle Leclerc-Olive, 1997). Il s'est agi dans un premier temps, pour des teuffeurs volontaires, et membres de Sound Systems, de se raconter dans le cadre d'entretiens biographiques. Puis, dans un deuxième temps, d'identifier, .avec notre aide, ce qui a orienté, et décidé de leur parcours. Leur vie ne fut-elle que délire ? Jouissance esthétique ? Un « activiste » techno n'est-il marqué que par la fête ? Les récits de vie de Marc, de Fabrice, de Marie-Sophie et de Gino, nous ont permis de répondre à ces questions / Raves, free parties and teknivals are techno parties that, in France, are the origin of moral panic. Their social history and phenomena are those of state suppression. This thesis attempts to catch (the essence of) the experience of these parties given a temporal and biographical event: The notewor1hy event (Michèle Leclerc-Olive, 1997). ln the first place the ravers and other voluntary members from Sound Systems told about themselves within the frame of biographical interviews. Then, as a second step, the goal was to identify, with our help, what guided and decided their path. Was their life only a "blast"? An aesthetically pleasing? Would a techno "activist" be marked only by celebration? Life stories of Marc, Fabrice, Marie­ Sophie and Gino helped us to bring a clear answer to these questions

Si l'auto sacramental baroque du XVIIe siècle est aujourd'hui amplement étudié, moins fréquentes sont les études consacrées aux drames eucharistiques espagnols du XVIe siècle, et plus rares encore celles qui ont pris comme objet la théâtralité spécifique de ces modestes pièces de la Renaissance. Travailler sur les pièces eucharistiques du XVIe siècle demandait une réflexion préalable sur l'origine d'un genre dramatique qui s'est développé dans la péninsule ibérique tout au long de la Renaissance, époque à laquelle la question religieuse a fréquemment occupé le devant de la scène (crypto-judaïsme, Concile de Trente, Contreréforme, question des morisques). Toutefois, ce n'est pas seulement l'interrogation obsédante concernant l'origine des drames eucharistiques qui a guidé ces travaux, mais surtout le concept de théâtralité —on entend par là les signes inscrits dans le texte dramatique et possédant un potentiel de spectacularité—, afin de rechercher comment ce théâtre s'est progressivement doté des caractéristiques qui lui sont propres. C'est sur un corpus de trente-deux pièces d'origines et de style divers que nous avons construit une réflexion dont le premier point concerne l'espace dramatique et montre que les lieux infernaux et célestes acquièrent une importance croissante dans ce théâtre. L'analyse des dialogues et de leur enchaînement a permis ensuite de souligner la place prise par les figures d'"attaque" et de "mouvement-vers", suivant la terminologie vinaverienne. Par ailleurs, en nous inspirant de concepts sémiotiques relatifs aux structures "sémio-narratives de surface" comme le modèle actantiel de Greimas, nous avons montré les différentes stratégies discursives propres aux drames eucharistiques, afin de mieux pénétrer les mécanismes qui régissent les dialogues et caractérisent les liens entre les personnages de ce théâtre. L'évolution des éléments comiques a pu être mise en relief par une étude minutieuse des procédés langagiers, gestuels, ou encore des effets tirés de l'utilisation de personnages populaires. Enfin, une approche de l'allégorie (élément considéré comme fondamental dans l'auto sacramental), sous l'angle de la théâtralité, a souligné combien les développements successifs de cette figure dans le drame eucharistique du XVIe siècle l'ont doté d'une structure cohérente permettant des effets toujours plus spectaculaires. / Allthough17th century baroque Spanish sacramental plays have been thoroughly studied, the same cannot be said of 16th century Spanish Eucharistic dramas and even less so of the theme of specific theatricality in the modest Renaissance plays. The study of 16th century Eucharistic plays required prior thought on the origins of a dramatic genre which developed in the Iberian peninsula throughout the Renaissance years, a period when religion was frequently the main issue (The crypto-Judaism, Council of Trent, the Counter-Reformation and the Moriscos). However, it is not just the obsessive questioning concerning the origins of Eucharistic dramas which guided these studies but above all the theatricality concept, by that we mean the signs containing a spectacularity potential within the dramatic text. This is essential in order to understand how this kind of theatre gradually acquired its own specific characteristics. We have worked on thirty-two original plays written in different styles. Our first point of interest was the dramatic space which shows that hellish and heavenly places acquire an increasing importance in this kind of theatre. The analysis of dialogues and of how they are linked together then allowed us to emphasize the space taken up by the “attack” and “movement-towards” figures (Michel Vinaver’s terminology). Additionally, by taking inspiration from semiotic concepts relative to “surface semio-narrative” patterns like the Greimas’ actancial model, we have shown different discursive strategies specific to Eucharistic dramas. This allowed us to study more thoroughly the mechanisms determining the dialogues and which characterize the links between the characters of this theatre. The evolution of comical elements has been highlighted by a detailed study of language and gestural techniques as well as a study of the effects produced by using typical theatre characters. Finally, an approach of the allegory in theatricality (element considered as fundamental in Spanish sacramental plays), has emphasized to which extent successive developments of this structure in 16th century Eucharistic drama have given a coherent structure to theatricality making the effects even more spectacular.

Cet essai pose la question de la géographie sociale aujourd'hui. La première partie fait un retour sur son histoire et sur les questions que lui posent l'hypothèse d'un « tournant géographique » et le développement des approches culturelles en géographie. L'énoncé : « Est-ce la façon de faire la géographie ou le monde qui change ? » interroge la géographie sociale à partir de deux hypothèses. La première est celle proposée par une géographie de l'individu qui replace le sujet, l'individu ou l'acteur au cœur de la construction d'espaces marqués par les processus de métropolisation. La seconde, énonçant le fait que la géographie est elle-même une production culturelle pose la question de la place de la culture dans la géographie et invite à une démarche d'autoanalyse envisageant les variations d'interprétation de la notion de culture dans les sciences sociales. A partir de ces deux hypothèses l'auteur questionne la position des géographes et invite à un renouvellement des postures et des objets. Dans la deuxième partie trois « nouveaux objets géographiques » servent de support à la démonstration. Le premier, la musique, est abordé à partir de la question « Comment la musique vient-elle aux territoires ? ». A travers les exemples proposés la musique apparaît comme un géoindicateur, un vecteur de transitions entre échelles territoriales, un fixateur des adhésions territoriales, un constructeur d'images, un mode de gouvernance. On peut ainsi décrire le parcours d'un auditeur dans la ville en fête ou en festival comme une « expérience de la ville » conforme aux nouveaux modes de sociabilité d'un individu postmoderne. On peut aussi envisager les rapports entre musique et territoires dans leurs temporalités, à l'échelle d'un espace-monde parcouru en tous sens par des ondes et des flux musicaux. Le deuxième objet, le « sexe et le genre », est examiné aussi bien du point de vue d'un « sexe social » (prescrivant des rôles de genre propres à chaque lieu) que d'un « sexe intime » faisant appel à l'expérience unique que chacun peut avoir de son corps dans l'espace. Plusieurs courtes monographies permettent d'illustrer ce propos. La présentation d'une recherche en cours sur l'agglomération urbaine de Bordeaux montre comment la construction théorique d'un objet « sexe et genre » peut renouveler les analyses du tissu urbain et de ses composantes sociales. Le troisième objet, l'ethnicité, est présenté à partir d'un travail interdisciplinaire sur l'usage de l'ethnicité dans les sciences sociales, d'une recherche sur le volet culturel de la politique de la ville et d'un travail d'enquête sur les travailleurs sociaux issus des « communautés » de Guyane française. La troisième partie tente de définir ce que pourrait être une géographie socioculturelle. La distinction entre approche sociale et approche culturelle devient ténue dès lors qu'on n'envisage plus le couple individu/social comme un rapport dialectique et qu'on prend en compte les variations d'interprétation de la notion de culture. Dans la suite et la fin de cet essai, l'auteur pose l'hypothèse d'un paradigme socioculturel qui aurait son origine dans l'avènement des sociétés démocratiques et le développement de l'accès au savoir. Le projet d'une géographie socioculturelle s'appuie donc à la fois sur des méthodes renouvelées pour comprendre l'espace des sociétés et sur une approche éthique qui analyse les effets sociaux de la production de savoirs. La conclusion affirme l'intérêt d'une géographie socioculturelle s'intéressant aux faits de culture et son inscription logique dans le courant de la géographie sociale française.

Cette thèse se présente comme une enquête : elle constate tout d’abord l’existence, sur les scènes contemporaines (XXe-XXIe siècles), de personnages de bonimenteurs et d’une référence récurrente à un art du bonimenteur. Que charrie cet imaginaire ? Comment s’est constituée cette figure fictive, qui s’ancre néanmoins dans une histoire concrète ? En quoi les particularités du dispositif oral du boniment ont-elles pu contribuer à la pérenniser ? Notre recherche s’est organisée selon une double enquête historique : sur ce qui a constitué, au XIXe siècle, l’art du boniment, et sur l’entrée du boniment dans la fiction, notamment grâce à une artification partielle datant elle aussi du XIXe siècle. L'examen de la transition entre une fonction théâtrale précisément située dans le temps et une fonction dramatique active sur les scènes et les écrans modernes met au jour les spécificités du bonimenteur, qui, du fait de sa position entre salle et scène et entre son et image, semble créer un geste théâtral particulier.Cette enquête nous conduit ainsi à voir dans le bonimenteur une figure qui interroge le rapport du théâtre à l’oralité et à son histoire. Qui pourrait incarner en somme une autre image du théâtre, reposant sur la force d’un oral performé. / This thesis was written as an investigation. It first focuses on the presence on contemporary stages (20th and 21st centuries) of characters commonly known as bonimenteurs and the recurrent reference to the art of boniment. What does this imaginary world convey? How was this fictional figure constructed and how is it rooted in a tangible history? And how have certain specific oral codes used in boniment contributed to its historical durability? Our research was developed around a dual historical investigation. It examines what constituted the art of boniment throughout the 19th century, while also considering the introduction of boniment into fiction, due in part to a partial shift into an art form also observed in the 19th century. The study of the transition between a theatrical function precisely defined in a historical timeline and an active dramatic function on stage and modern screens highlights the specificities of the bonimenteur. Thanks to his or her position between room and stage, sound and image, the bonimenteur seems to create a specific dramatic gesture.This work also leads us to consider the bonimenteur as a figure questioning theatre’s relationship with orality and its history, which may embody another representation of theater based on the power of orality as performance.

Descendants à la fois de négriers et d'anciens esclaves du Brésil « retournés » tout au long du XIXe siècle aux actuels Bénin, Togo et Nigeria, les Agudàs, connus aussi comme « les Brésiliens du Bénin », basent leur identité sur des évocations à leurs origines brésiliennes. Un des principaux marqueurs identitaires des Agudàs est la fête de la bourian (« petite ânesse » en portugais), qui réunit chrétiens et musulmans autour d'une sortie de masques très codifiée, où l'on chante – sans comprendre les textes – des airs de samba en portugais, langue qui n'est plus parlée dans cette région d'Afrique. Les divers groupes de bourian, souvent en concurrence les uns avec les autres, évoquent de façon ludique les ancêtres brésiliens, dans un contexte dynamique où chaque population locale réalise des sorties de masques liés aux vodouns. Centrée sur le Bénin méridional, cette thèse cherche à saisir le sens, les enjeux identitaires et les circulations autour de la bourian, tout en gardant une perspective historique et un regard comparatif avec le Brésil. / The Agudas, also known as "the Brazilians of Benin", are the descendants of both slave traders and former slaves who "returned" from Brazil to today's Benin, Togo and Nigeria during the 19th century. To this day, they base their identity on evocations of their Brazilian origins. One of the main identity markers of the Agudas is the festival of the Bourian (a Portuguese word meaning "little she-donkey"), which brings Christians and Muslims together around a codified masquerade, where samba tunes are sung – with no understanding of their lyrics – in Portuguese, a language that is no longer spoken in this region of Africa. The various Bourian groups, often in competition with each other, evoke in a playful way their Brazilian ancestors, in a dynamic context where each local population carries out masquerades related to the vodoun. Focusing on Southern Benin, this thesis aims to understand the meaning of the Bourian, as well as the identity issues and circulations in which the Bourian is involved, while keeping an historical and comparative perspective with Brazil.

Exposé des travaux menés depuis la fin des années 70 autour de la retraite, de la fête, du jeu, de la culture et visant à comprendre les différentes formes sociales prises par le temps libre. Le texte comprend en outre une réflexion sur le statut du chercheur et son rapport au terrain, sur la démarche comparative, sur les cultures populaires. Autour des loisirs et des cultures, l'auteur montre comment il conçoit et réalise sa sociologie, en introduisant un dialogue avec des disciplines voisines telles que histoire et anthropologie.

Le Venezuela est un pays d'une grande diversité culturelle. La population a des origines indigènes, africaines et européennes. Cette diversité a longtemps été ignorée. Depuis le début des années 2000, et dans le contexte du processus politique de la Révolution Bolivarienne d'Hugo Chávez, la diversité culturelle du peuple vénézuélien est mise en valeur. En effet, l'objectif est de définir et consolider l'identité nationale à partir de cette diversité.Les Afro-vénézuéliens ont longtemps souffert d'une certaine discrimination. Au début du XXe siècle, de nombreux descendants d'esclaves africains, originaires des campagnes migrent vers Caracas. La majorité s'installe dans les quartiers populaires (barrios) et se retrouve dans une situation d'exclusion et de marginalisation. A cela il faut ajouter une certaine perte des repères. Au début des années 80, la culture populaire et les traditions afro-vénézuéliennes apparaissent comme une manière de construire une nouvelle identité. Des groupes culturels afro-vénézuéliens décident de réinterpréter une fête populaire traditionnelle dans ces barrios, la fête de la Saint Jean. A partir de l'étude de cette fête de 2006 à 2012, nous avons essayé de déterminer dans quelles mesures les actions de ces groupes culturels afro-vénézuéliens peuvent contribuer à l'affirmation et la reconnaissance de l'identité afro-vénézuélienne et permettre une meilleure cohésion sociale et intégration de la population de ces quartiers. / Venezuela is a country with an important cultural diversity. The population has Indigenous, African and European origins, though this diversity has long been ignored. Since the beginning of the 2000's, within the political process of the Bolivarian Revolution led by President Hugo Chavez, the cultural diversity of Venezuelans has begun to be recognized. The objective has been to define and reinforce national identity based on cultural diversity. Afro-Venezuelans have been victims of discrimination. At the beginning of the twentieth century, many descendants of African slaves migrated from the countryside to urban Caracas. The great majority settled in barrios and lived in a situation of exclusion and marginalization and, in addition, lost a great deal of their references. At the beginning of the eighties, popular culture and Afro-Venezuelan traditions appeared as a way to construct a new identity. Afro-Venezuelan cultural groups decided to reinterpret a traditional popular festival in these barrios, the Festival of San Juan. By the study of this festival, from 2006 to 2012, we studied how the actions of Afro-Venezuelan cultural groups can contribute to affirm and recognize Afro-Venezuelan identity and lead to an increase in social cohesion and integration of the population in these barrios.