Charles Baudelaire est lřun des noms les plus importants de la poésie moderne du XIXe siècle, par son style particulier, dans la poésie et dans la prose, et aussi par sa conscience esthétique. Deux ouvrages mettent en évidence son génie poétique, à savoir Les Fleurs du Mal et Le Spleen de Paris. Le présent mémoire porte sur Le Spleen de Paris, recueil publié posthumement, en 1869, composé de cinquante poèmes en prose. Je commence mon étude en présentant quelques aspects préalables et fondamentaux pour la connaissance de Baudelaire et pour situer Le Spleen de Paris dans son oeuvre: dřabord, je fais un bref panorama sur la vie et la production littéraire de Baudelaire; puis, je présente, de façon concise, son chef-dřoeuvre, Les Fleurs du Mal, en me concentrant sur sa structure et sur sa thématique; après, je mets en relief les caractéristiques principales du genre du poème en prose. Après avoir présenté ces aspects introductifs, je passe à une lecture du Spleen. Je commence par présenter le recueil; je développe une analyse de cinq poèmes et, comme ces poèmes présentent tous des particularités de Paris, je mets celles-ci en évidence et je fais une brève étude où je montre lřimportance du Paris du XIXe siècle pour lřoeuvre de Baudelaire et pour la littérature. Pour conclure mon travail, je réunis et jřexpose quelques-uns des aspects les plus notables du Spleen. En annexe, je signale quelques considérations de Marcel Raymond, un spécialiste important, sur la poésie moderne; je me restreins à ses analyses sur les origines de la poésie moderne, sur Baudelaire, sur Verlaine, sur Mallarmé, sur Rimbaud et sur le symbolisme. / Charles Baudelaire é considerado um dos mais importantes expoentes da poesia moderna do século XIX, em razão do seu estilo particular, na poesia e na prosa, e da sua consciência estética. Duas obras ressaltam seu talento poético: Les Fleurs du Mal e Le Spleen de Paris. A presente dissertação centra no Spleen de Paris, coletânea publicada postumamente, em 1869, formada de cinquenta poemas em prosa. Começo meu estudo apresentando algumas informações prévias e fundamentais para o conhecimento de Baudelaire e para a localização do Spleen de Paris em sua obra: inicialmente, faço um breve panorama da vida e da produção literária de Baudelaire; em seguida, apresento, de forma concisa, sua obra prima, Les Fleurs du Mal, debruçando-me sobre sua estrutura e sua temática; depois, destaco as principais características do gênero poème en prose. Após ter apresentado estes aspectos introdutivos, passo a uma leitura do Spleen. Começo por apresentar a coletânea; em seguida, desenvolvo uma análise de cinco poemas e, como estes poemas apresentam traços de Paris, aponto estes e elaboro um estudo da importância da cidade de Paris do século XIX para a obra de Baudelaire e para a literatura. Concluindo meu trabalho, reúno e mostro alguns dos aspectos mais notáveis do Spleen. Nos anexos, apresento algumas das considerações que Marcel Raymond, um importante estudioso, tece sobre a poesia moderna; limito-me a suas análises sobre as origens da poesia moderna, sobre Baudelaire, Verlaine, Mallarmé, Rimbaud e sobre o simbolismo.

L’Étranger d’Albert Camus inscrit la temporalité du sujet de l’écriture à travers les trois catégories du discours littéraire: héros, narrateur, écrivain. La temporalisation est le produit d’une réduction phénoménologique qui permet ce dédoublement du sujet en trois niveaux de compréhension. Chaque catégorie du discours formalise une totalité constituant un cercle herméneutique du parcours de compréhension d’un sujet singulier. Le héros signe le passé. Le narrateur marque le présent de la narration. L’écrivain inscrit l’extase devant le futur dévoilant le néant de la mort à venir. L’écrivain de L’Étranger représente l’angoisse de l’être-pour-la-mort au sens heideggérien. La Chute formalise l’interprétation de L’Étranger en accomplissant la temporalité du sujet de l’écriture. Le récit actuel reprend l’horizon d’avenir dévoilé par l’écrivain de L’Étranger en donnant de l’actualité à l’inactualité explicitée par le récit antérieur. La Chute réalise l’analyse constituante qui donne positivité à la négativité dévoilée par la réduction. L’êtrepour- la-mort de L’Étranger se formalise dans le récit de maturité de l’auteur; mais dès lors le Dasein devant la mort ne dévoile plus l’avenir. Dans le récit actuel l’être-pour-la-mort se réalise comme savoir absolu se constituant dans l’immanence de la conscience, résidu de la réduction phénoménologique. Le savoir absolu de La Chute signe la fin du procès de subjectivation parce que désormais la temporalisation ne se produit plus. Mais il y a une autre voix venant de L’Étranger et se réalisant au-dessus du discours du narrateur de La Chute. Et cette voix ne parle pas de l’être-pour-la-mort de l’angoisse en face du néant; mais de l’être-pour-la-mort-de-l’autre enseignant la souffrance du sujet en face de la disparition d’autrui du parcours de compréhension. En fait, c’était l’être-pour-la-mort-de-l’autre qui résonnait derrière l’angoisse de la propre mort de l’écrivain. La souffrance pour la mort de l’autre était l’impératif exigeant hier le dédoublement du sujet de l’écriture produisant le récit de L’Étranger; mais, à ce moment-lá, cet impératif était suffoqué par le discours de la conscience qui était incapable d’appréhender le visage de l’autre homme qui est mort dans L’Étranger, mais sur lequel reposait pourtant l’affection du moi profond de l’écriture antérieure. Le récit de la maturité d’Albert Camus vient précisément révéler l’absence de l’affection du moi pour la mort de l’autre sur laquelle se fondait cependant la subjectivation de l’écriture de L’Étranger, et qui s’inscrit une autre fois dans La Chute. / O Estrangeiro de Albert Camus prescreve a temporalidade do sujeito da escritura através as três categorias do texto literário: herói, narrador, escritor. A temporalidade é o produto de uma redução fenomenológica que permite o desdobramento do sujeito em três níveis de compreensão. Cada categoria do discurso formaliza uma totalidade constituindo um círculo hermenêutico do percurso de compreensão de um sujeito singular. O herói representa o passado. O narrador marca o presente da narração. O escritor prescreve a êxtase diante do futuro revelando o vazio da morte. O escritor de O Estrangeiro representa a angústia do ser-para-a-morte no sentido heideggeriano. A Queda formaliza a interpretação de O Estrangeiro, desenvolvendo a temporalidade do sujeito da escritura. O texto atual retoma o horizonte revelado pelo escritor de O Estrangeiro, dando atualidade aos dados inatuais explicitados no texto anterior. A Queda realiza a analise constituinte dando positividade à negatividade revelada pela redução. O ser-para-a-morte de O Estrangeiro se formaliza no livro de maturidade do autor; no entanto, em A Queda, o ser-para-a-morte não significa mais a abertura do horizonte do futuro. Pois, no livro atual, o ser-para-a-morte se realiza como saber absoluto se constituindo na imanência da consciência, resíduo da redução fenomenológica. O saber absoluto de A Queda prescreve o fim do processo de subjetivação porque a temporalização não se processa mais pela escritura. Mas de O Estrangeiro vem uma outra voz que se inscreve sob o discurso do narrador de A Queda. E essa outra voz não fala do ser-para-a-morte da angústia diante do vazio da morte, mas do ser-para-a-morte-do-outro que ressoava por detrás da morte própria do escritor do texto anterior. De fato, o sofrimento pela morte do outro homem era o imperativo exigindo o desdobramento do sujeito da escrita produzindo O Estrangeiro, mas esse imperativo estava sufocado pelo discurso da consciência que era incapaz de apreender o rosto do outro homem que morreu no livro anterior: o árabe. O livro de maturidade de Albert Camus vem justamente revelar a ausência da afecção do eu pela morte do outro; morte que fundamentava, no entanto, a subjetivação da escrita de O Estrangeiro; e que se inscreve novamente em A Queda.

Resumo não disponível

Cette thèse analyse le théâtre français du XVIIème siècle, entre 1615 et 1640 environ, du point de vue de la représentation du désir et de ses conséquences internes et externes dans les pièces. La période comprise entre la fin des Guerres de Religion et la fin du règne de Louis XIII a été marquée par la fréquentation d'une société blessée par les guerres civiles avec le pouvoir de plus en plus fort de l'Église, qui essayait de combattre les effets néfastes de cette guerre sur la foi chrétienne par la censure et par l'austérité. En même temps, le pouvoir royal se durcissait lui aussi, et commeçait à bâtir les piliers de la monarchie absolue. Une société troublée et contrôlée, une cour dont les pratiques contredisaient les discours et un pouvoir central de plus en plus autoritaire : voilà le contexte dans lequel se développe une littérature contestataire et subversive. La licence, l'arme utilisée par les artistes pour se battre contre l‟autorité, s'est montrée d'abord dans la poésie, par les facilités des éditions anonymes, mais – voilà ma thèse – elle a bientôt atteint le théâtre, où, par l'impossibilité de cacher l'auteur, les mécanismes de protection sont devenus plus subtils et plus ambigus. Par la représentation du désir, surtout dans les personnages féminins, les dramaturges de l'époque ont osé ne pas être d'accord avec les règles imposées par l'Église et par la Monarchie. Et ils l'ont fait en privilégiant l'individuel sur le collectif, en établissant, dans une taxinomie occulte, les aspirations humaines comme prioritaires, comme le contrepoint nécessaire aux conduites sociales imposées par n‟importe quelle autorité, bien que dans cette confrontation l'individu soit assez souvent anéanti par l'État. Quand l'humain est détruit cependant, les forces coercitives perdent leur objet et dès lors leur raison d'être. L'État était lui aussi anéanti dans cette confrontation. Dans ce travail on analyse des pièces de quatre auteurs , Alexandre Hardy, Théophile de Viau, Jean Mairet et Pierre Corneille, dans lesquelles il est possible d‟associer le discours du désir à une intention d‟insoumission, de rébellion ou de contestation du pouvoir établi. La thèse révèle la stratégie utilisée par les dramaturges et dévoile aussi une face occulte du théâtre du XVIIème siècle en France. Une face plus humaine, plus polémique et moins solenelle que l‟histoire littéraire a couramment fait croire. / A presente tese analisa o teatro francês do início do século XVII, aproximadamente entre 1615 e 1640, do ponto de vista da representação do desejo e de suas consequências internas e externas nas peças. O período compreendido entre o fim das guerras de religião e o término do reinado de Luís XIII foi marcado pela convivência de uma sociedade atingida pela guerra civil com o poder cada vez mais forte da Igreja, que tentava combater os efeitos nefastos dessa guerra sobre a fé cristã através da censura e da austeridade. Ao mesmo tempo, o Poder Real também se endurecia, dando início à construção da monarquia absoluta. Uma sociedade conturbada e controlada, uma corte cujas práticas afrontavam os discursos e um poder central cada vez mais autoritário: este é o contexto em que se desenvolve uma literatura contestatária e subversiva. A licenciosidade, arma utilizada pelos artistas para contraporem-se à autoridade, mostrou-se inicialmente na poesia, pela facilidade das edições anônimas, mas - esta é a tese que defendo - logo alcançou o teatro, onde, pela impossibilidade de esconder-se o autor, os mecanismos de proteção tornaram-se mais sutis e ambíguos. Pela representação do desejo, especialmente nas personagens femininas, os dramaturgos da época ousaram discordar das regras impostas pela Igreja e pela Monarquia. E fizeram isso privilegiando o individual sobre o coletivo, estabelecendo, numa taxinomia oculta, as aspirações humanas como prioritárias, como o contraponto necessário às condutas sociais impostas por qualquer autoridade, ainda que desse confronto, não raras vezes o indivíduo fosse aniquilado pelo Estado. Ao ser destruído o humano, porém, as forças coercitivas perdiam seu objeto e, logo, sua razão de ser. O Estado também se aniquilava no confronto. Neste trabalho são analisadas obras de quatro autores, Alexandre Hardy, Théophile de Viau, Jean Mairet e Pierre Corneille, nas quais se pode associar o discurso do desejo a uma intenção de insubmissão, de rebeldia ou de contestação do poder estabelecido. Além de desvelar a estratégia utilizada pelos dramaturgos, a tese também dá a conhecer uma face oculta do teatro do século XVII na França. Uma face mais humana, mais polêmica e menos solene do que a história literária tem feito crer.

Ce travail a pour but de faire une lecture philosophique de l’image du vin dans l’œuvre de l’écrivain et critique français Charles Baudelaire. Nous analysons cette image en tant que figure qui structure le texte et qui est structurée par lui. La figure du vin est considéré comme élément de base d’une esthétique développée par l’écrivain français. De ce fait, ce travail entreprend une analyse plutôt textuelle à la lumière de notions philosophiques du vin considéré comme une « interimage », grain du texte baudelairien. Cette image poétique est le fil conducteur pour établir une cohérence, une interprétabilité autre de la poétique de l’auteur des Fleurs du mal. Pour cela, ce travail analyse les éléments textuels concernant la formation de l’image du vin, ses réminiscences et le rôle du poète, tout en mettant en rapport la critique et la poésie. / Este trabalho tem por objetivo fazer uma leitura filosófica da imagem do vinho na obra do escritor e crítico francês Charles Baudelaire. Analisa-se essa imagem como uma figura que estrutura o texto e que é também por ele estruturada. A figura do vinho é considerada como um elemento de base da estética desenvolvida pelo escritor francês. Portanto, este trabalho desenvolve uma análise mais textual à luz de noções filosóficas, considerando o vinho como uma “interimagem”, grão do texto baudelairiano. Essa imagem poética é o fio condutor para o estabelecimento de uma coerência, uma interpretabilidade outra da poética do autor de As flores do mal. Para tanto, esta dissertação analisa os elementos textuais concernentes à formação da imagem do vinho, suas reminiscências e o papel do poeta, relacionando sempre a crítica e a poesia.

Esta dissertação propõe uma leitura textual do romance Notre-Dame de Paris, de Victor Hugo, a partir de algumas imagens singulares apresentadas nesta produção hugoliana. O objetivo deste percurso de pesquisa consiste em evidenciar a leitura simbólica da obra em questão, captada das relações da literatura com a arquitetura, configurada por algumas imagens nucleares, como Anankè, que assombra as figuras que povoam o romance, como o advento da imprensa, como a lucarna, como a cela do padre, entre outras. Sob este ângulo, acredita-se que o campo psicanalítico permite decifrar os efeitos do enigma e da fascinação produzidos pela obra hugoliana sobre o leitor. Nesse sentido, considera-se que o inconsciente representa o ponto de irradiação das pulsões, território que vai traduzir as relações espaciais da literatura com a arquitetura, enquanto expressões do simbólico. Desta maneira, o caminho de pesquisa se articula em três capítulos. Enquanto o primeiro, intitulado "Notre-Dame de Paris e a representação por imagens", visa a situar este percurso de pesquisa do ponto de vista do corpus teórico, representado, sobretudo, por Barthes e Blanchot, no que se refere à literatura, e por Freud, no que se refere à psicanálise; o segundo, intitulado "Notre-Dame de Paris e a crítica literária", procura apresentar uma leitura crítica baseada em quatro prefácios diferentes, de Notre-Dame de Paris: enfatizam o que seus autores destacam no contexto histórico que aparece escondido sob as imagens impostas pela escritura hugoliana; finalmente, o terceiro, intitulado "Imagens simbólicas de Notre-Dame de Paris", estabelece a leitura textual das imagens simbólicas que se produzem em Notre-Dame de Paris, intermediadas pelo cruzamento da literatura com a arquitetura.

Made available in DSpace on 2015-09-25T12:20:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PDF - Gilda Carneiro Neves Ribeiro.pdf: 830908 bytes, checksum: e97f0361f03eed5252961f188ca487e6 (MD5) Previous issue date: 2012-04-26 / L'objectif de cette dissertation est d interpréter le sens de la métaphore du corps du personnage central du roman Truismes, de la française Marie Darrieussecq. Nous commençons par les changements physiques et les résultats culturels de ce processus qui métamorphose le narrateur-personnage. Construit en trois chapitres, ce travail porte sur la signification et le sens philosophique, imaginaire et social du corps métamorphique puisque chaqu un d'entre eux constitue une façon d être de ce personnage fictif résultat de son action et sa réflexion sur sa manière d agir. Soutenus par les apports théoriques de Estés (1999), Le Breton (2003), Mafesoli (1993), Silva (2001), Touraine (2010) et Xavier (2007), entre autres, nous avons aboutit à la compréhension que l uvre représente la vieille et répressive condition de la femme construite sous l'égide de plusieurs discours socio-culturels qui créent des modèles de corps de la femme, en lui donnant la perfection qui, au contraire, détruisent le transit de la beauté existentielle, en transferant de processus naturels tels que la naissance, la vie, le vieillissement et la mort des femmes à des champs sémantiques négatifs. Ainsi, nous concluons que le roman imite les formes ambivalentes et asymétriques du corps et que le personnage devient conscient de son état, pendant ce temps il reste attaché à des chaînes de vieux schémas qui font qu il devienne une chose. / O objetivo desta dissertação é interpretar o sentido da metáfora do corpo da personagem central do romance Porcarias, escrito pela autora francesa Marie Darrieussecq. Partimos do questionamento sobre as transformações físicas e os resultados culturais desse processo que transfigura a narradora-personagem. Construído em três capítulos, este trabalho aborda o significado e o sentido filosófico, imaginário e social do corpo metamórfico, visto que cada um deles configura uma forma de ser desse ser fictício resultante de sua ação e de sua reflexão a respeito do seu modo de agir. Apoiado nos aportes teóricos de Estés (1999), Le Breton (2003), Mafesoli (1993), Silva (2001), Touraine (2010) e Xavier (2007), além de outros, temos como resultado o entendimento de que a obra representa a antiga e repressiva condição da mulher construída sob a égide de vários discursos socioculturais que criam modelos de corpo feminino, atribuindo-lhe a perfeição que, muito pelo contrário, destrói o trânsito existencial da beleza, transferindo processos naturais como nascimento, vida, envelhecimento e morte das mulheres para campos semânticos negativos. Desta forma, concluímos que o romance mimetiza formas ambivalentes e assimétricas do corpo e que a personagem toma consciência de sua condição, tempo em que fica atada às amarras dos velhos padrões que a objetifica.

Em um contexto literário contemporâneo atravessado pela escrita de si, este trabalho buscou estudar a obra Um romance russo, de Emmanuel Carrère, à luz das propostas da autobiografia e da autoficção, esta última uma expressão que convoca diferentes definições e justificativas. Para isso debruçou-se sobre a construção do narrador-protagonista, que declara ter como objetivo contar a história de seu avô para romper o silêncio em torno dela, imposto por sua mãe, e, assim, enterrar o fantasma desse homem que continuaria assombrando seus descendentes com sua personalidade amarga. Observamos que o narrador, identificado ao autor, faz uso da metonímia em diferentes instâncias da obra: alinhava narrativas menores que remetem ao mesmo tema, apresenta personagens femininas que remetem à figura materna e o próprio protagonista se constrói em espelhamento com o personagem do avô. Tal recurso, somado a duas narrativas que se entrelaçam, organizando o texto de Um romance russo, age como argumentação em favor de seu objetivo, justificando a necessidade de romper com a proibição da mãe e publicar este livro. Pela responsabilidade implicada na reabilitação da figura do avô, seguindo os moldes do que o crítico Dominique Viart propõe para o récit de filiation, e pela performatividade que objetiva, além das referências sem ambiguidade em seu texto, Carrère estabelece um pacto autobiográfico, como estudado por Philippe Lejeune, que é essencial para a leitura de Um romance russo. Acreditamos que, embora o gênero moderno da autobiografia não se aplique nem a esta, nem a obras anteriores do mesmo autor, um autobiográfico percorre todas elas, recusando as possibilidades de pacto romanesco com que joga a autoficção; ainda, identificam-se em sua produção elementos como o uso comentado da psicanálise, incursões ficcionais demarcadas no texto, estruturas fragmentárias e hibridismo de formas que situam Carrère no debate contemporâneo. / In a contemporary literary context shot through with the notion of writing oneself, this thesis seeks to study the work My Life as a Russian Novel, by Emmanuel Carrère, in light of the proposals put forth by both autobiography and autofiction, the latter evoking a variety of definitions and justifications. As such, the work examines the construction of the narrator/protagonist, who states that his aim is to tell the story of his grandfather in order to break the silence around it imposed by his mother and thus put to rest the ghost of a bitter man left haunting his descendants. We observe that the narrator, identified with the author, turns to metonymy at several points in the work: he lines up several minor narratives that speak to the same theme and presents female characters that evoke his mother, while the protagonist constructs himself as a mirror image of the character of his grandfather. This tack, alongside the two interlocking narratives that structure My Life as a Russian Novel, serves as ammunition towards his ultimate goal: justifying the need to break his mothers ban and publish this book. In terms of the responsibility implied in the rehabilitation of the figure of his grandfather in keeping with the structure that critic Dominique Viart proposes for the récit de filiation and in terms of the performativity he crafts, in addition to the unambiguous references in his text, Carrère establishes an autobiographical pact, as studied by Philippe Lejeune, which is essential for the reading of My Life as a Russian Novel. We believe that, although the autobiography as a modern genre does not apply to this or other works by the author, a thread of autobiography runs through all of them, rejecting the openings towards a novelesque pact that autofiction plays with; moreover, one may identify such elements in his oeuvre as the commented usage of psychoanalysis, fictional incursions clearly demarcated in the text, fragmentary structures, and a hybridity of form that situate Carrère within the contemporary debate on the topic.

Submitted by Jaqueline Duarte (1157279@mackenzie.br) on 2018-04-25T23:15:33Z No. of bitstreams: 2 Thiago Blumental.pdf: 1952959 bytes, checksum: 128c6afe0c5166812bcf797ce6a7bb51 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Eliana Barboza (eliana.silva1@mackenzie.br) on 2018-04-26T12:04:25Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Thiago Blumental.pdf: 1952959 bytes, checksum: 128c6afe0c5166812bcf797ce6a7bb51 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-26T12:04:25Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Thiago Blumental.pdf: 1952959 bytes, checksum: 128c6afe0c5166812bcf797ce6a7bb51 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-02-15 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / Cette recherche se met à deux fins, d'abord pour mettre en évidence les lieux d'importance fondamentale dans la Recherche, afin de concevoir une impossibilité de récupération du récit narratif, comme dans une carte qui ne conduit nulle part, une carte déjà blessée par la mémoire. De ces lieux, associer aux relations d'affection créés entre l'espace, les amours et les circonstances de vie des personnages, en particulier le Narrateur, au niveau de la conscience de ce qui est responsable par le récit. / This research is divided in two purposes, first to highlight the locals of fundamental importance in the Recherche, to then conceive an impossibility of recovery of the narrative record, as in a map that leads nowhere, a map already harmed by memory. From these localities, to associate with the affective relationships that are created between space, loves and life circumstances of the characters, especially the Narrator, at the level of consciousness of the one who is responsible for the récit. / Esta pesquisa se divide em dois propósitos, primeiro o de destacar as localidades de fundamental importância na Recherche proustiana, para então conceber uma impossibilidade de recuperação de registro narrativo, como em um mapa que não leva a lugar algum, um mapa já prejudicado pela memória. A partir dessas localidades, associar com as relações de afeto que se criam entre espaço, amores e circunstâncias de vida dos personagens, em especial do Narrador, no nível da consciência deste que é responsável pelo récit.

O objetivo da presente pesquisa é comparar as figuras femininas das poesias de Victor Hugo e Charles Baudelaire, tendo como eixo de análise a expressão da natureza e da artificialidade. O trabalho realiza-se especialmente a partir da leitura de poemas e consiste numa reflexão sobre as comparações entre os poetas encontradas na fortuna crítica, em uma apresentação geral de suas obras voltada para o estudo do progresso, da função do poeta e da paisagem em relação ao contexto do século XIX, e na análise de correlações e diferenças nas imagens de mulheres de suas poesias. / The aim of this research is to compare the female figures of poems by Victor Hugo, Charles Baudelaire considering the expression of nature and artificiality as their center. The comparison applied to these works will take place especially through reading poems. In addition to a literature review of the comparisons between them previously undertaken and an overview of their work focused on the study of progress, the role of poet and landscape in relation to the context of the nineteenth century, the work allows correlations and differences in the images of women on their poetry to be analyzed.