Basée sur l’hypothèse que le théâtre est susceptible d’intervenir sur le « vivre-ensemble » des hommes, cette étude prend la mesure du bouleversement à l’œuvre sur les scènes théâtrales françaises contemporaines pour définir théoriquement ses potentialités. À cette fin, elle construit des correspondances entre deux objets : le rapport acteurs-spectateurs à l’œuvre dans quinze spectacles contemporains (2005-2008) et certains textes philosophiques de Georges Bataille et Michel Foucault. De l’« archéologie du présent » de Naissance de la biopolitique au geste de la « dépense » de La Part maudite, les deux philosophies, qui se complètent l’une l’autre, s’inscrivent en réaction à un « vivre-ensemble » fondé sur l’utilité et le jeu des intérêts particuliers. L’étude analyse de façon répétée un élément constitutif d’un ou de plusieurs spectacles pour ensuite le corréler à un point spécifique des deux pensées a-dialectiques. La réflexion s’élabore en trois étapes : la scène, le spectateur, l’acteur. Au fur et à mesure, un théâtre prend forme, fondé sur la co-existence des contraires et dévolu à la communication, qui, un temps, rompt l’isolement des êtres séparés. En conclusion, l’étude dégage les effets de fragilisation auxquels ce théâtre soumettrait notre mode d’organisation politique. La thèse comprend en annexe dix-neuf entretiens avec les artistes des spectacles du corpus. / This research is based on the hypothesis that drama could potentially influence the « being together » among people. It measures the big change taking place in French contemporary theatres in order to define theoretically its capacities. The study aims at finding links between two notions : the actor-spectator relationship in fifteen contemporary performances (2005-2008) and philosophical texts by Georges Bataille and Michel Foucault. From the « archeology of the present » in Naissance de la biopolitique to the act of « spending » in La Part Maudite, these two philosophies which add one to the other stand as a reaction to a « being together » based on usefulness and the intervention of private interests. This study analyses repeatedly one element of one or several performances and correlates them to a specific point in the two a-dialectical thoughts. It has three parts : the stage, le spectator, the actor. A theatre gradually takes shape, based on the co-existence of opposites and dedicated to communication which puts an end to the isolation of separate beings for a while. At the end, the study highlights the fact that this theatre could undermine our political organisation. This thesis includes nineteen interviews with the artists from the performances of the corpus.

Cette thèse porte sur la mise en scène des répertoires traditionnels ouïghours, dans sa forme musicale, chorégraphique et théâtrale. Depuis plusieurs décennies, les grands spectacles pluridisciplinaires mettent en scène l’héritage culturel ouïghour. Ces spectacles, créés par les artistes de la communauté eux-mêmes, visent cette même communauté. Ils passent par des processus de réarrangement, de canonisation et surtout de théâtralisation (à l’occidentale) pour rendre l’art traditionnel brut présentable sur une scène. Ces constats mènent à s’interroger sur la manière dont la société ouïghour contemporaine écoute ses musiques et regarde ses danses. Les questions du rôle de l’art et de la culture dans la vie quotidienne et de leur impact sur le sentiment d’appartenance nationale sont au cœur de ces réflexions. Ce travail s’intéresse à l’origine de la professionnalisation issue des mouvements réformistes dans les années 1920-30. La création de troupes artistiques a joué à la fois un rôle éducatif et divertissant, mais aussi de symbole de résistance. Au cours du siècle, ce mouvement artistique a traversé plusieurs périodes, parfois même douloureuses. Mais aujourd’hui, la scène artistique est productive et de plus en plus active. Cette thèse s'appuyant sur l’étude de sources, sur des enquêtes de terrain, l’analyse des discours et des spectacles, essaye de dégager les mécanismes de représentation de soi des artistes ouïghours, en tant que peuple et nation, aux yeux du monde extérieur. En affirmant l'identité ethnique, ces mises en scènes participent efficacement à la construction nationale, un combat qui touche toute la communauté ouïghour, et tente de dresser une image reconnue tant par ses membres qu’aux yeux du monde. / This thesis focuses on the staging of Uyghur traditional art in its musical, chorographical and theatrical forms. For decades, large multidisciplinary performances depicted the Uyghur cultural heritages. Distended to share with their own, these performances are created by the artists of the community. Rearrangement, canonization, dramatizing (in Western style) are used to transform traditional art, to be more attractive on stage. This created an outstanding “bricolage” of all aspect of one culture, to be put in one space and in a limited time. These findings lead to questioning the ways of listening to music and watching dance in contemporary Uighur society. Equally, this phenomenon questions the role of art and culture in their everyday life. Furthermore, the impact of all these transformation on the sense of national identity is at the heart of our reflections. This thesis is interested in the origin of artistic professionalization established by the reform movements in the 1920s-30s, which played a role of educating and at the same time entertaining the population/poeple, and became a symbole of resistence in the region. Today, the stage represents an important aspect of uyghur society. After many years of fieldwork, analysing the discourse and different kinds of professional performances this thesis identifies the self- representation mechanisms of Uyghurs, as one nation, one ethnic group, to the outside world. It relies on historical sources, years of fieldwork in different regions of Xinjiang, includes different kinds of professional or amateur performances, and interviews of the actors and experts's discourse.

Pour un grand nombre de voyageurs français ou étrangers, l'Autoroute du Soleil évoque l'imaginaire du départ en vacances ou des retours vers les latitudes septentrionales. Mais elle est aussi l'occasion d'une expérience géographique originale, où la sensation du Midi approchant campe un horizon d'attente puissant. En sens inverse, le sentiment de laisser peu à peu derrière soi le monde méditerranéen finit par s'imposer. Voyageurs, cartes et récits qui décrivent l'axe Saône-Rhône esquissent une zone de contacts complexes entre la France du nord et celle du sud. A la fois banale (itinéraire connu, répété au fil des années pour certains) et exceptionnelle (au-delà des trajets quotidiens), l'Autoroute du Soleil suscite une expérience paradoxale : encore souvent décriée comme ennemie du pittoresque et des visions intimes des territoires, l'autoroute demeure pour des milliers de familles le seul mode d'approche de la rencontre entre le nord et le Midi de la France. Passée la sensation de monotonie si partagée, les usagers se mettent pourtant à décrire des paysages, des vues évocatrices d'ambiances nouvelles... Preuve que l'autoroute du Soleil est source de représentations géographiques. La vision du paysage, du territoire semble varier selon le bagage culturel, la provenance : à partir d'où l'automobiliste sent-il l'approche du Midi sur cette autoroute, à quel moment a t-il la sensation qu'il est derrière lui ? L'identification des seuils ressentis par les voyageurs est ensuite expliquée en entrant dans le paysage de l'autoroute, comparé à une pièce de théâtre (B.Boutefeu, 2007), avec ses « décors » déclinés comme des variations sur les mêmes motifs, mais aussi ses « scènes » rapprochées où les marques du changement doivent cohabiter avec d'autres initiatives. / Highway of the Sun means for many french or foreigner travelers the imagination of holiday's departure or return to northern latitude. But she means although an original experiment, as the sensation of approaching the South could be considered as a most important expectation. In opposite direction, the impression to leave the South behind tends to become an obvious fact. Travelers, maps and travel stories often describe Saône-Rhône corridor as countries of transition between the north and the south. Highway of the sun is at the time commonplace (the journey is familiar and repeated since many years for some travelers) and unusual (different from daily routes). Consequently the experiment of this highway is paradoxical: still considered at many times as opposite to beauty spots, highway of the Sun remains for many families the own way to notice the gathering between the north and the South. After the widespread opinion of dullness, travelers themselves easily describe landscapes and signs of a new atmosphere. All these facts show how the highway generates geographical representations. The approach of landscapes and territories tends to vary, according to culture, real-life experience and origin. From which place the automobilist perceives he enter the south on this highway? Conversely, where does he considerer he leaved the South? The lines of transition noticed by travelers will be explained by entering the highway?s landscape, which is compared to a play (B.Boutefeu, 2007) with sets, frontal scenes where signs of transition must come to terms with other actions.

À partir des mises en scène de L’Orestie d’Eschyle, d’Œdipe roi de Sophocle et des Bacchantes d’Euripide diffusées dans les institutions nationales en Allemagne, en France et au Royaume-Uni entre 1973 et 2010, la thèse procède à une archéologie du commun, en explorant, d’une part, le concept de commun, et en particulier ses enjeux politiques, à travers une analyse des mises en scène contemporaines du chœur tragique et en étudiant, d’autre part, ces mises en scène à travers l’expression du commun. Ce travail propose donc de mettre au jour la construction et la circulation du discours sur le commun dans et entre ces trois pays. L’analyse des spectacles, d’abord, expose les éléments qui font ou entendent faire du chœur une incarnation du commun et met en perspective ces choix avec la réception de la tragédie grecque. Le discours sur le commun qui se construit ainsi au théâtre est ensuite confronté aux discours philosophiques et anthropologiques du moment mais aussi aux événements économiques, politiques et sociaux afin de faire apparaître les échos, les analogies, les ruptures et les discontinuités. Ainsi, entre 1973 et 1980, la mise en scène du chœur des Bacchantes a donné du commun une représentation utopiste où la communauté est fondée par le rituel. Dès 1980, à partir des Orestie de Peter Stein et Peter Hall qui tiennent lieu de modèles, le chœur devient un collectif où ce que les individus ont en commun est précisément leur singularité. Dans la continuité, jusqu’en 1999, les mises en scène d’Œdipe roi racontent la naissance de l’individu moderne à laquelle le chœur sert de cadre archaïque. Enfin, et malgré les tentatives dans des mises en scène de L’Orestie, au tournant du millénaire, pour refonder la communauté à partir d’une mémoire commune, les tragédies grecques montées dans les années 2000 présentent un désespoir de communautés – au double sens objectif et subjectif de l’expression. Cette archéologie du commun, qui reflète la globalisation à l’œuvre, est donc en creux une archéologie de l’individu. / Analysing productions of Aeschylus’ The Oresteia, Sophocles’ Oedipus the King and Euripides’ The Bacchai in national theatres in France, Germany and the United-Kingdom between 1973 and 2010, this thesis proposes an archaeology of the common (in the sense of « what we have in common ») both exploring the political implications of the concept – thrown into sharp relief by the various ways ancient choruses were staged – and studying the productions themselves through the type of community that they make manifest. This work intends to highlight the construction and the circulation of contemporary discourses about the common within, and between, these three countries. Performance analyses first focus on the elements that make, or intend to make, the chorus into an incarnation of the common and put these choices into perspective through the reception of Greek tragedy. The discourse about the common thus built in theatres, is then confronted with philosophical and anthropological discourses, as well as with economic, political and sociological events in order to call attention to echoes, analogies, disruptions and discontinuities. Thus, between 1973 and 1980, performances of choruses in The Bacchai were built upon rituals, putting forward a utopian conception of the common. From 1980 onward, as Peter Stein’s and Peter Hall’s Oresteia became established models, the chorus morphed into a collective in which individuals had their singularity in common. Following this, until 1999, the performances of Oedipus the King hailed the birth of the modern individual, for whom the chorus acts as archaic backdrop. Lastly, and despite attempts in performances of The Oresteia at the turn of the millennium to rebuild a community out of common memory, Greek tragedies staged in the 2000s show the despair of, and about, communities. This archaeology of the common, reflecting the globalisation of European societies, is therefore indirectly an archaeology of the individual.

Les mises en scène récentes de T. Ostermeier explorent les liens entre littérature et art théâtral pour questionner, à l’aide d’un réalisme complexe qu’il réinvente, ce que les œuvres ont à dire de la réalité politique et sociale de notre présent. Il privilégie toujours pour cela des espaces entre qui permettent de briser la rigidité d’un respect littéral étouffant et de faire dialoguer le passé et le présent, l’actuel et le virtuel, le proche et le lointain. A la surface visible, son réalisme articule la profondeur invisible qui dédouble le réel en explorant sa spectralité à travers les personnages eux-mêmes, leur mémoire, leurs fantômes ; leur langue qui, entre traduction et retravail, crie le non-dit, le refoulé, l’absence ; l’espace des lieux-seuils, des (non)-lieux et des passages, des images du hors-scène, trop présent, ou de l’intime, insaisissable ; et même la musique dont les échos démultiplient les réseaux de sens. C’est dans la hantise de ces doubles que T. Ostermeier cherche à reconstruire un sens qui ne fasse pas abstraction des fêlures ni des fractures. Son travail doit être analysé comme une œuvre autonome qui convoque l’œuvre littéraire support pour la faire parler à nouveau, lui faire dire à nos oreilles d’aujourd’hui la douleur intemporelle du réel et l’espoir politique de reconstruire ce présent. La « déterritorialisation » constante du théâtre de T. Ostermeier, assumée, donne corps aux spectres qui sont l’autre nom de notre réalité pour que nous, spectateurs, puissions, finalement, nous en saisir. Refusant un théâtre et une littérature qui ne font qu’interpréter le monde, il s’agit pour T. Ostermeier de faire dialoguer l’un et l’autre pour le transformer. / In his recent productions, T. Ostermeier investigates the links between literature and drama with complex, renewed realism to question what insights the works of the past can give us into today’s political and social reality. He always favours the in-betweens which enable him to break through the stifling inflexibility of literal interpretation and initiates a dialogue between the past and the present, the actual and the virtual, what is close at hand and what is distant. His realism connects the visible surface of reality to its invisible depth – its double. He delves into this spectrality by focusing on the characters’ memory, their ghosts; on their language, hanging between translation and reworking, as their unsaid, repressed words speak loud; on space viewed as space between – thresholds, somewhere/nowhere, passages, pictures of all too present off-stage scenes or of elusive intimacy; on music too, echoing meaning in multiple layers. These ghost-like doubles are T. Ostermeier’s material to rebuild a meaningful present without ignoring its cracks and fault lines. His productions should be analysed as an autonomous oeuvre which calls on literary works to make sense afresh, to voice the painful, timeless experience of the real and the political hope to rebuild the present. His constantly ‘deterritorialising’ theatre substantiates our ghosts – the flipside of our reality – so that we, spectators, may finally get a grasp on them. T. Ostermeier will not confine theatre and literature to merely interpreting the world, he wants them to dialogue in order to transform it.

Le portrait équestre se définit comme le portrait d’une personne figurée à cheval hors narration.La thèse propose d’identifier et de commenter les raisons, les moyens et les finalités des cent vingt-huit portraits équestres du corpus, réalisés par des artistes italiens entre 1229 et 1511. L’analyse de l’histoire et du concept du portrait équestre italien de la fin du Moyen Age au début de la Renaissance s’articule en deux grandes parties. La première partie présente et décrit les portraits du corpus, en fonction des objets qu’ils constituent et de leurs spécificités matérielles.La seconde partie traite de leur analyse iconographique. Ces effigies qui représentent des détenteurs du commandement militaire constituent un type spécifique de portrait officiel, qui se distingue par la présence fondatrice du cheval. Caractérisé par une forte empreinte martiale, entre le début du XIIIe et le début du XVIe siècle, le portrait équestre se trouve au coeur du choc des imaginaires politiques qui anime la Péninsule. Outil d’affirmation et d’authentification du pouvoir, ce type de portrait officiel est utilisé comme instrument de légitimation, voire de propagande. / Equestrian portraits are defined as the portrait of an individual shown on horseback without any context. The dissertation proposes to identify and comment on the reasons for methods of creation and uses of the 128 equestrian portraits in the corpus of such depictions created by Italian artists between 1229 and 1511. The history and concept of Italian equestrian portraits from the end of the Medieval period to the beginning of the Renaissance are analyzed in two major sections. The first presents and describes the portraits in the corpus on the basis of object type and their specific material characteristics. The second is an iconographic analysis. These effigies which represent military commanders constitute a specific type of official portrait, which is differentiated by the fundamental presence of the horse. Typified by a strong martial imprint,between the beginning of the 13th and the beginning of the 16th century, equestrian portraits are at the heart of the conflict among political imaginations that enlivened the Peninsula at that time. A tool for the affirmation and validation of power, equestrian portraits are used as an instrument of legitimation, even of propaganda.

L’esthétique de théâtre en Algérie est analysée à travers le prisme des deux paradigmes « action » et « parole », deux dimensions essentielles pour comprendre « le théâtre de parole » et le théâtre dramatique ; deux variantes dynamiques de la présente thèse qui, en rupture avec les études antérieures qui ont tendance à privilégier la perspective historique dans les études théâtrales, réaffirme la valeur esthétique du théâtre algérien, aussi bien au niveau de l’écriture scénique que de l’écriture théâtrale. Le théâtre de parole s’accorde avec le style oral de la société algérienne, une société portée sur l’oralité que l’écriture. La parole est déterminante dans les modalités d’échange, et de transmission des valeurs sociales. Il existe une proximité entre le théâtre de parole et le style oral. La dimension de discours théâtral prend le pas sur l’action théâtrale. La dramaturgie texto-centrée est remise en cause, donnant ainsi une perspective au spectacle joué, au jeu de l’acteur-performer, au conteur performer d’autrefois qui sillonnait les contrées d’Algérie. La dimension de jeu est analysée, à la lumière des théories des auteurs tels que Stanislavski, Brecht, Vassiliev ou Grotowski. L’acteur rhapsodique s’inscrit dans le jeu « médian » ; il n’est pas dans la dimension d’incarnation, mais dans la dimension de représentation du rôle. / The aesthetics of theater in Algeria is analyzed through the prism of two paradigms namely "action" and "speech". "Action" is related to the theater of drama and "speech" is related to what is called "the theater of speech". The notion of speech is predominant in an Algerian society that has developed an oral tradition more than writing. Speech is the determining factor in the modalities of exchange and the transmission of social values. Unlike previous studies in Algerian theater, having given major privileges to the historical perspective, this thesis focuses on the various theatrical expressions written by Algerian writers who have led the Algerian theater since the 1920s till today. The notion of action is investigated through the theories developed by Brecht and Stanislavsky among others. In addition, we study the reception of the Algerian public, an active and dynamic public who like to listen to theatrical discourse.

A dissertação investiga a ação do diretor de teatro no âmbito da criação de imagens, e procura definir um conceito de imagem teatral tendo como modelo artístico e teórico, a fotografia. Em que medida a imagem teatral pode ser pensada a partir da imagem fotográfica? Como diferenciar cena e imagem no teatro? Visando responder a tais perguntas, o trabalho realiza um estudo conceitual das relações entre a fotografia e o teatro, recorrendo à literatura teórica das duas áreas, bem como, a textos psicanalíticos, dando especial atenção à estética da imagem construída, e à presença da encenação na produção fotográfica contemporânea. Além disso, examina o processo criativo de O problema do carteiro chinês, com o objetivo de discorrer e ponderar sobre os procedimentos de criação de uma peça totalmente baseada em imagens fotográficas, bem como, das relações entre teatro e fotografia observadas na prática. A partir do trânsito entre teoria e prática, realiza-se uma reflexão sobre o componente visual do espetáculo teatral na contemporaneidade. / This Master´s dissertation investigates the action of theater director within the scope of image creation, and seeks to define a concept of theatrical image based on the theoretical and artistic model of photography. To what extent the theatrical image can be considered from the photographic image? How to differentiate scene and image in the theater? In order to answer these questions, the work makes a conceptual study of the relationship between photography and theater, using the theoretical literature from both areas, as well as the psychoanalytic texts, giving special attention to the aesthetics of constructed image and the presence of the staging in contemporary photographic production. Furthermore, it examines the creative process of O problema do carteiro chinês (The chinese postman´s problem) in order to discuss and ponder the procedures for creating a play based entirely on photographic images, as well as the relationship between theater and photography observed in practice. From the transit between theory and practice, we reflect on the visual component of the contemporary theatrical spectacle.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-09-23T12:01:45Z No. of bitstreams: 1 alvarodyogopereira.pdf: 3085668 bytes, checksum: b7c1b1aaabf650ec81c7ea27115dcdb5 (MD5) / Approved for entry into archive by Diamantino Mayra (mayra.diamantino@ufjf.edu.br) on 2016-09-26T20:30:30Z (GMT) No. of bitstreams: 1 alvarodyogopereira.pdf: 3085668 bytes, checksum: b7c1b1aaabf650ec81c7ea27115dcdb5 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-26T20:30:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 alvarodyogopereira.pdf: 3085668 bytes, checksum: b7c1b1aaabf650ec81c7ea27115dcdb5 (MD5) Previous issue date: 2016-06-02 / Nesta dissertação, pretendemos discutir a passagem do texto teatral à encenação cinematográfica através da análise da transposição das rubricas teatrais em Boca de Ouro, de Nelson Pereira dos Santos. Para tanto, faremos uma discussão inicial sobre as particularidades do texto teatral, com destaque para as rubricas, e da obra fílmica, pontuando suas especificidades e diálogos. Em seguida, verificaremos os aspectos intersemióticos desta relação e faremos um resgate contextual do nosso estudo de caso. Num segundo momento, nos dedicaremos a discutir os aspectos particulares da encenação nas áreas do teatro e do cinema. Por fim, apresentaremos a metodologia que desenvolvemos para trabalhar especificamente com a transposição das rubricas teatrais à obra fílmica, realizando inferências de ordem quantitativodescritiva e também qualitativa, observando aspectos da incorporação do discurso teatral pela obra fílmica e da transmidialidade verificada. / In this dissertation, we intend to discuss the passage from theatrical text to cinema mise-en-scène by analyzing the transposition of theatrical stage directions in Boca de Ouro, by Nelson Pereira dos Santos. Therefore, we will make an initial discussion on the particularities of the theatrical text, highlighting the stage directions, and of the movie itself, punctuating their specificities and dialogues. Then, we will find the intersemiotic aspects of this relationship and make a contextual rescue of our case study. Secondly, we will be dedicated to discuss particular aspects of the mise-en-scène in theater and cinema. Finally, we will present the methodology that we developed to work specifically with the implementation of theatrical stage directions in the movie, making quantitative-descriptive and also qualitative inferences, observing aspects of incorporation of theatrical discourse by film and checked transmediality.

Orientador: Ernesto Giovanni Boccara / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-22T12:47:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Oliveira_MariaSilviade_M.pdf: 48527171 bytes, checksum: 669545299ee1899c435ca675ae113d43 (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo dissertar sobre "Étant Donnés: 1º la chute d'eau, 2º le gaz d'éclairage", uma poderosa criação realizada silenciosamente ao longo de 20 anos e eternizada através da sobrevivência das idéias de Marcel Duchamp. Espelho ou porta, o fato é que entre nós e as formas irreais que esfolam o olhar com suas arestas, há uma sala escura, tornando-nos sujeitos irremediavelmente cinematográficos. Aqui o cinema, mais especificamente o documentário, por registrar parcialmente a representação de fatos, envidou noções de verdade e realidade, abrindo um espaço privilegiado ao ser utilizado como fonte na sua forma mais envolvente e instigadora, alavancando dados norteadores para o desenvolvimento cognitivo do raciocínio. Ao atravessarmos a quietude de Étant Donnés vemos a "falta", um pedaço de tempo detido na mise-en-scène "feita para não ver" e somos transformados, à revelia, em voyeurs. Diante de tal espetáculo voyeurístico, embaraçoso e revelador, nossa culpabilidade é de quem surpreendeu um segredo. Partindo para novos padrões de interpretação desta obra inusitada, eclipsada e essencialmente carnal, vimo-nos forçados a passar pelo emaranhado tecido da memória de Marcel Duchamp. Enfim, saciando a fome de nossas almas famintas, Duchamp concretiza sua imagem cenográfica nesta iluminura tridimensional e nos permite colher, de um jardim medieval, a "Rosa de um Romance" e encontrar um banquete anadiômeno de maravilhas, onde, através de sonhos e espelhos, somos colocados frente a frente a nós mesmos / Abstract: This research had his focus on the study of "Étant Donnés: 1º la chute d'eau, 2º le gaz d'éclairage", a powerful creation performed silently for 20 years and immortalized through the survival of the Marcel Duchamp ideas. Mirror or door, the fact is that between us and the unreal forms that hurt the eyes with its edges, have a dark room, making us subject hopelessly cinematographic. Here the film, specifically the documentary, that made the partly record of the representation of facts and showed notions of truth and reality, opened a privileged space to be used as a data source in its most engaging and instigator, that guided us to the development of the cognitive reasoning. When we go through the stillness of Étant Donnés see the "lack", a piece of time detained in mise-en-scène "made not to see" and we are processed, involuntarily, in voyeurs. Faced with such a voyeuristic spectacle, embarrassing and revealing our guilt are some who surprised a secret. Leaving for new Standards of interpretation of this unusual masterpiece, eclipsed and essentially carnal, we found ourselves forced to pass through the tangled memory texture of Marcel Duchamp. Finally, satiating the hunger of our hungry souls, Duchamp realizes his scenographic image in this three-dimensional miniature and allows us to reap, of a medieval garden, the "Rose of a Romance" and find an anadyomene banquet of wonders, where, through dreams and mirrors, we are placed face to face ourselves / Mestrado / Multimeios / Mestra em Multimeios