Submitted by Geandra Rodrigues (geandrar@gmail.com) on 2018-10-11T15:12:32Z No. of bitstreams: 1 carloseduardomendesdearaujocouto.pdf: 3542859 bytes, checksum: aebdebd5344f8d870b3cdc89d436ec83 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2018-10-16T14:08:14Z (GMT) No. of bitstreams: 1 carloseduardomendesdearaujocouto.pdf: 3542859 bytes, checksum: aebdebd5344f8d870b3cdc89d436ec83 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-10-16T14:08:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 carloseduardomendesdearaujocouto.pdf: 3542859 bytes, checksum: aebdebd5344f8d870b3cdc89d436ec83 (MD5) Previous issue date: 2018-07-09 / O cinema brasileiro contemporâneo apresenta três aspectos relevantes. Um deles é a presença da Globo Filmes, associada à diversas produtoras independentes, tornando-se a empresa mais poderosa do setor. Outro, a utilização das tecnologias digitais em todos os procedimentos cinematográficos, possibilitando variadas criações visuais. O terceiro aspecto diz respeito às comédias com a marca Globo Filmes, dominando o mercado cinematográfico nacional. A partir desse contexto, a pesquisa busca, em um primeiro momento, tratar do atual mercado brasileiro de pós-produção digital, analisar teoricamente o processo de color grading e compreender a função do colorista na criação da estilística visual dessas comédias. Em um segundo momento, apresentaremos as formas de utilização dos estilos cromáticos das comédias da Globo Filmes no atual cinema brasileiro. Como estudos de caso, analisaremos três recentes obras desse gênero: Se Eu Fosse Você 2 (Daniel Filho, 2009), Qualquer Gato Vira-Lata (Tomas Portella, 2011) e Até que a Sorte nos Separe (Roberto Santucci, 2012). / Contemporary Brazilian cinema presents three relevant aspects. One of them is the presence of Globo Filmes, associated to several independent filming companies, making it the most powerful company in the sector. Another point is the use of digital technologies in all of the cinematographic procedures, allowing a variety of visual creations. The third aspect concerns the dominance of the comedies with the brand Globo Filmes over the national film market. From this context, this study seeks, initially, to deal with the current Brazilian digital post-production market so as to theoretically analyze the process of color grading and understand the function of the colorist in the creation of the visual style of these comedies. Follwoing, the ways of using the chromatic styles of the comedies of Globo Filmes in the current Brazilian cinema are presented. As a case study, three recent works of this genre are analyzed: "Se Eu Fosse Você 2"(Daniel Filho, 2009), "Qualquer Gato Vira-Lata" (Tomas Portella, 2011) and "Até que a Sorte nos Separe" (Roberto Santucci, 2012).

La « critique de la langue » chez Fritz Mauthner (1849-1923), qui se décline comme critique de la presse et de la culture, critique littéraire, critique de la philosophie et des sciences, est une critique, par son style et son écriture, des modes intellectuelles et des idéologies codées par les usages de langue de son époque. Notre travail replace l’ensemble des écrits de Mauthner dans leur contexte d’apparition, le Berlin de la fin du XIXe siècle, et documente l’implication de Mauthner dans le mouvement de la modernité littéraire, autour de la Freie Bühne de Berlin. Ces écrits invitent à interroger les paradoxes constitutifs de la Modernité, et l’articulation entre les notions de crise et de critique qui traversent le champ littéraire, scientifique et philosophique. Il s’agit donc de mettre en évidence une stratégie d’écriture qui, dans le contexte de la spécialisation et de la vulgarisation des savoirs modernes et de leurs terminologies, revêt une dimension polémique et politique. Cette stratégie sert une critique immanente à la langue, qui procède par imitation et détournement des mots-clef, des effets de discours et des formes d’expression de la pensée dominante. Nous montrons enfin de quelle manière cette écriture, avec son recours à des figures ou quasi-figures du discours impropre, exemplifie et alimente une conception métaphorique, contextuelle et dialogique de la langue, approche sémantique visant à exclure les notions d’identité et de propriété et les jugements de valeurs d’une réflexion historique sur la langue et la culture. / This dissertation shows that Fritz Mauthner’s (1849-1923) famous “critique of language” should be understood as a unique mode and style of attack on the literary cultures and ideological codes of his time, characterized by the development of print media. His work was unique because, through his critiques of literary, journalistic, and scholarly writings, Mauthner developed a powerful form of immanent critique of language that engaged typical forms of thought in that period as it was embedded within the topoi of late nineteenth century Berlin practices of writing. By adopting and repeating the period’s chauvinistic and anti-Semitic clichés he exposed – through modes of irony and parody – their failures and anti-modernistic images. By contextualising all of Mauthner’s late nineteenth century writings, in particular his critical approaches to modern literature, this work reconstructs Mauthner’s unmasking of modernity’s constitutive paradoxes through the links that he revealed between literary, scholarly, and philosophical modernity.

L’objectif de la présente étude est de démontrer comment Zola, dans L’Assommoir considère l’alcool et comment le naturalisme est un outil pour faire la leçon sans esthétique, ou plutôt en ayant développé une esthétique nouvelle, dure et brute. Nous avons également essayé d’analyser en quoi l’esthétique de l’alcool épouse ou nuance le message moralisateur de l’auteur dans cette oeuvre. Nous avons mis en relief les relations de cause à effet entre l’alcoolisme et la médiocrité humaine. L’idée directrice est que si la médiocrité peut toucher tous les hommes, quelle que soit leur classe sociale, elle touche plus souvent et plus durement la classe ouvrière, les laissés pour compte, en les conduisant ou en s’ajoutant en plus à la détresse sociale, financière, et la faim. Nous avons ainsi constaté en quoi l’alcoolisme est le principal facteur déclencheur et accélérateur de cette médiocrité, qu’elle brise les rêves et enchaine à la misère. / The purpose of this study is to demonstrate how Zola in L’Assommoir considers alcohol and how naturalism is a tool to lecture without aesthetics, or rather develops a new aesthetic, hard and brutal. We have also tried to analyse how the aesthetics of alcohol marries or nuances the moralizing message of the author in this work. We have highlighted the cause and effect relationship between alcohol and human mediocrity. The guiding line is that if mediocrity can affect all men, it affects the working class more often and harder, leaving them in or adding to a state of social and financial distress, even hunger. We have seen that alcoholism is the main trigger and accelerator of this mediocrity, that it breaks dreams and binds to misery.

Célèbres et reconnus mais peu discutés, les films réalisés par Erich von Stroheim, entre 1919 et 1929 à Hollywood, occupent une place problématique dans l’histoire et la théorie du cinéma. Les discours contradictoires ou paradoxaux qu’ils ont inspirés animent cette recherche. Œuvre à la fois mutilée, reconstruite ou ruinée, elle est indissociable d’une expérience du temps. La versatilité des mondes et les métamorphoses de l’intrigue qu’elle propose, malgré un régime narratif évident, invitent à reconsidérer les catégories de l’histoire du cinéma muet américain. Interrogeant la représentation de l’histoire, ces films donnent à penser l’événement de la Première Guerre mondiale comme un point aveugle, et livrent une historicité composite. Au sein des pratiques du cinéma muet hollywoodien, les films de Stroheim se distinguent par l’invention d’un montage en accolade produisant une continuité qui incite à envisager la question de la durée. Ces films s’écartent de ce qu’à la même époque instaure le naturalisme américain par-delà les modèles littéraires. Pour analyser ce cinéma dans sa complexité, sera examiné l’être stroheimien selon les devenirs qui le font changer dans la durée, différemment de son appréhension dans le temps chronologique. De sorte que leurs devenirs se mesurent relativement aux êtres cédant à l’entropie ou au contraire demeurant des invariants. Selon cette configuration générale, Stroheim crée les conditions d’une expérimentation distincte de celle du naturalisme traditionnel. / The films directed by Erich von Stroheim in Hollywood between 1919 and 1929, though little discussed, are famous and renowned, but they still remain an issue in both film history and film theory. Contradictions and paradoxes that characterize the discourses on these films drive this research. The works of Erich von Stroheim were in turns butchered, reconstructed, destroyed. Our aim is to show that it entails strongly an experience of time. Despite their obvious narrative plots, these films suggest a changeability of worlds and a metamorphosis of plot that lead us to review the standard approaches of American silent film history. While they question the representation of history, these films make the event of World War I appear as a blind spot, and reveal heterogeneous modes of historicity. Within the experiences of Hollywood silent films, the works of Erich von Stroheim are characterized by the creation of a bracket montage (montage en accolade), producing a continuity that invites us to consider the issue of duration. Beyond literary models, these films differ from what is established by American naturalism at the time. In order to make way for their complexity, we will study the Stroheim-being according to what it becomes and changes itself in duration, which is not what we could understand of it in chronological time. So what becomes of it is estimated with regard to its yielding to entropy, or, on the contrary, its remaining invariably the same. In accordance with this general configuration, Stroheim creates conditions that experiments a new way for naturalism.

« Pour arriver, voyez-vous, il n’y a que le théâtre… ». C’est ce conseil, adressé par Janin aux frères Goncourt en décembre 1851, qui oriente rapidement ces jeunes écrivains vers le chemin épineux du théâtre et de la mise en scène. Le Journal des Goncourt raconte durant quarante-cinq ans la relation tumultueuse des écrivains d’Henriette Maréchal avec la scène. Néanmoins, l’œuvre dramatique d’Edmond et de Jules de Goncourt est très peu étudiée et attire rarement les éditeurs. En témoigne l’absence de toute édition moderne de cette œuvre. Ce travail propose une édition électronique de quatre pièces écrites par les Goncourt : deux pièces originales signées par les deux frères : Henriette Maréchal (1865) et La Patrie en Danger (1889) et deux adaptations de romans réalisées par Edmond de Goncourt : Germinie Lacerteux (1888) et Manette Salomon (1896). Il s’agit à la fois d’une édition critique enrichie par des notes et des fiches thématiques, lexicales et biographiques, d’un espace interactif où les chercheurs pourraient à la fois puiser des ressources relatives à l’expérience dramatique des frères Goncourt et compléter les notes et textes annexés à cette édition, et enfin d’une illustration de l’apport des nouvelles technologies à l’édition et à l’étude des textes littéraires. La recherche témoigne d’une expérience d’exploration assistée par ordinateur d’un corpus littéraire et d’une réflexion sur la particularité et les limites d’une telle expérience. / « To succeed there is only drama ... » This is how Janin advice the Goncourt brothers in December 1851, which quickly directs these young writers to the tricky path of theater and drama. The Journal des Goncourt tells for forty-five years the tumultuous relation of the writers of Henriette Maréchal with the stage. However, the drama of Edmond and Jules de Goncourt is little studied and rarely attracts editors. The absence of any modern edition of their work is a proof to that. This work suggests an electronic version of four plays written by the Goncourt: two original works signed by the broth-ers themselves: Henriette Maréchal (1865) and La Patrie en Danger (1889) and two ad-aptations of novels by Edmond de Goncourt: Germinie Lacerteux (1888) and Manette Salomon (1896).It is both a critical edition enriched by notes and fact sheets, lexical and bio-graphical. That is an interactive space where researchers could both draw resources for the dramatic experience of the Goncourt brothers and complete texts and notes attached to this issue, and finally an illustration of the contribution of new technologies to the edition and study of literary texts. It is a computer-based research of a literary corpus and a reflection on the particularity and the limits of such an experiment.

Tels que l’historiographie de l’art les a enregistrées, l’œuvre de Paul Rebeyrolle et sa carrière (1945-2005) posent question au-delà de cette définition stricte, base factuelle d’une hypothétique notice d’encyclopédie : qu’est-ce qu’un peintre français des IVe et Ve républiques ? Paul Rebeyrolle est connu pour être méconnu, reconnu, toujours, comme un excellent peintre, loué par certains comme l’un des plus importants de la période, en France, mais demeure réduit à la portion congrue de l’histoire de l’art contemporain français, lorsque celle-ci juge bon de le mentionner. Il a pourtant bénéficié d’un succès précoce, dans les années 1950, dans le sillage d’un Bernard Lorjou ou, surtout, d’un Bernard Buffet, avant de subir un désaveu équivalent. Un marchand aussi important qu’Aimé Maeght et des préfaciers aussi renommés que J.-P. Sartre ou M. Foucault n’y auront rien changé. En cela, il est exemplaire de tout un pan de l’art français qui, avec la Ve république et sa politique culturelle, semble avoir été déclassé pour un certain nombre de raisons qu’il reste encore à évaluer : différends esthétiques, mésententes plastiques, dénis hérités de la querelle des abstraits et des figuratifs, non-dits liés à la question de l’engagement politique de l’artiste, imprécisions ou partis-pris critiques et légèreté des commentaires journalistiques friands de poncifs... Autant de malentendus qui ont contribué à brouiller la juste appréciation de son œuvre et l’ont tenu éloigné d’une véritable reconnaissance institutionnelle. / The way they’ve been retained by Art historiography, Paul Rebeyrolle’s work and his carreer (1945-2005) appear to be problematic beyond this strict definition, factual basis for an hypothetical encyclopedia entry : what defines a French painter under the 4th and 5th republics ? Paul Rebeyrolle is well-knowed for being under-estimated, always acknowledged as a great painter, sometimes even praised as one of the most important painters of that period, in France, but still limited to the smallest share of the French history of contemporary art, when this one finds it appropriate to mention it.Yet he benefited of an early success, during the 50’s, in the wake of painters such as Bernard Lorjou and especially Bernard Buffet, before enduring a similar disavowal. An art dealer as important as Aimé Maeght and preface writers as renowned as Jean-Paul Sartre or Michel Foucault didn’t make any difference. Thus, he appears to be paradigmatic of an entire part of French art which, under the 5th republic and its cultural policy, seems to have been downgraded for a certain number of reasons that still needs to be evaluated : aesthetic disagreements, plastic discords, denial inherited from the abstract and figurative painters’ quarrel, unsaid things about the artist’s political commitment, art critics’ vagueness and preconceived opinions, journalistic frivolity fond of clichés... As many misunderstandings that led to interfere with a fair appraisal regarding his work and prevented him from ever getting a real institutional recognition.

This research-creation thesis describes and analyzes the dramaturgical methodologies of verbatim theatre – a form of documentary theatre that uses transcripts as the dominant source of its dialogue – through the practical exercise of play writing. This paper marks the theoretical component of my thesis, which analyzes both the dramaturgical process and the historical context of my play Exhibit A. Using verbatim transcripts from legal evidence for its dialogue, the play examines the psychology of two teenage boys responsible for the brutal rape and murder of an 18-year-old Canadian woman in 2010. As documentary theatre emphasizes socio-political themes, this thesis considers the dramaturgical, aesthetic, and ethical considerations of verbatim theatre through my experience as a playwright and researcher. Acknowledging both the historical antecedents of documentary theatre and its contemporary examples, this thesis will define an original typology of verbatim theatre entitled the “Subcategories of Verbatim Theatre”. These subcategories are identified as Tribunal, Literary, Historical Drama, Expository and Participatory. Each privileges different types and usages of documents, which are further defined as being primarily related to “text” or “aural” based testimony. The thesis relates the dramaturgical principles of each subcategory to artistic choices made in Exhibit A. A description of the various incarnations of verbatim and documentary theatre, as well as an analysis of my experience as a documentary playwright examines the dramatic representation of reality as highly constructed in this form of theatre where the selection and editing of a documentary play's archive is a creative process that is not dissimilar from the creation of fictional drama. In that sense, the documentary genre can be said to present a dramatic representation of the playwright's subjective version of the truth. Exhibit A thus stands as my creative reconstruction of the evidence presented in the Kimberly Proctor murder trial.

La présente recherche interroge l'écriture littéraire de la Grande Guerre et de la guerre Iran-Irak, vecteurs de choc et de bouleversement, qu'a racontée maint récit et roman, partagés entre restitution et invention. L'enquête porte sur la capacité de la fiction à dire le phénomène guerrier. Après avoir démêlé les contextes littéraires, elle établit les tendances majeures de la poétique du genre du récit de guerre et scrute alors les récits du front. Dans le feu de l'action, une première vague de textes est marquée du souci de témoignage dans une optique réaliste. Malgré leurs divergences de style et d'axiologie, Le Feu de Barbusse, récit à la fois concret et symbolique, et Le Voyage de Déhghân, plus sommaire et documentaire, traduisent le même désir à dire l'indicible du feu et de l'horreur. Ces récits proprement mimétiques suivent la logique linéaire du souvenir et se veulent lisibles. Mais une deuxième vague de textes, postérieure aux combats, privilégie le fictionnel sur le factuel. Cris de Gaudé et Le Scorpion d'Abkénar, avec leur approche post-apocalyptique de l'événement, renouvellent le genre. La mise en scène de la guerre, loin d'être véridique ou vérifiable, est ici fragmentaire, voire lacunaire, avec des éléments de rupture et d'incohérence. Le soldat progresse dans un monde d'errance et de cauchemar. Plus ou moins adossée à une nouvelle image de la guerre, la narration contemporaine défie la possibilité de totaliser l'expérience de guerre et dénonce le vide qu'elle a causé. Mais la fiction romanesque table sur ce vide pour renouveler l'esthétique du sujet. / This research investigates the literature of the Great War as well as Iran-Iraq war, instigators of shock and disruption, narrated by a myriad of novels and fictions which are shared between restitution and invention. It focuses on the expressive capacity of fiction to illustrate the phenomenon of war. By unraveling contexts of the comparing literatures, the major tendencies of poetic of the novel of war are established first. Then the frontline stories are studied. In the core of the action, the first movement of the texts has testimonial and realistic concern. Under fire of Barbusse is a realistic and symbolic novel, while Journey of Dehghan is more brief and documentary. Despite their differences in terms of style and axiology, both have been contributed with the same desire to demonstrate inexpressible fire and horror of war. This part of literary war novels follows the mimetic pattern of the logic of memories and expected to be legible. But the second movement of texts – written following the end of main battles - favors the fictional to factual form. Screams of Gaudé and The Scorpion of Abkénar with their post-apocalyptic perspective comprise a new kind of fiction. The staging of war - far from being accurate and verifiable - is fragmented and even lacunar with signs of bursting and incoherency. The soldier rises through wandering and nightmare. Almost based on the new image of war, the contemporary narratives challenge the possibility of depicting a complete panorama of war and denounce the vacuum it leaves behind. The novelistic fiction, however, avails itself of such vacuum to revive the aesthetics of the subject.

Cette thèse de doctorat s’articule autour de trois axes. Elle a trait d’abord à la configuration de la sexualité féminine dans l’œuvre des Rougon-Macquart et dans son adaptation cinématographique. La recherche est ainsi centrée sur la représentation du corps féminin et de sa métamorphose dans l’œuvre romanesque zolienne ainsi que dans l’œuvre filmique correspondante. Quant au deuxième axe de recherche, il se rapporte à l’étude des photogrammes, des lexies au niveau de l’incipit et de l’excipit des romans zoliens et à partir de l’ouverture et du dénouement des adaptations qui en ont été faites. Les divergences entre les romans et leur mise en scène interrogent par ailleurs la question de la fidélité du cinéma à la littérature dont il s’inspire, qui reste jusqu’au jour d’aujourd’hui une question assez problématique. Une analyse des seuils filmiques et romanesques a été jugée ainsi fort utiles. Ces seuils s’avèrent un espace où le sens de la créativité et le don artistique du concepteur de l’œuvre filmique ou romanesque voient le jour. Au terme de notre recherche, nous avons constaté que la femme zolienne évolue dans un milieu où interfèrent le réel, l’imaginaire et le symbolique. Et c’est à à travers son rapport avec les lieux et les objets que cette femme accède au rang de figure. La métaphore animalière constitue ainsi l’essence même de la figuralité zolienne qui met en relief ces corps féminins et les dotent d’une présence mythologique. Finalement le naturalisme zolien est-il d’une veine expressionniste / This doctoral thesis is structered around three axes. It deals with the configuration Of the female sexuality in the work of Rougon-Maquart and it its film adaptation. The research is centered on the representation of the female body and its metamorphosis in Zola’s novel works as well as in the corresponding film works. As for the second axis of research, it relates to the study of photograms in the incipit and excipit of Zola’s novels and from the opening and settlements that have been made. The divergences between the novels and their staging also question the question of the film’s fidelity to the literature on which it is based , which remains a rather problematic issue until today. An analysis of filmic and novel thresholds was found to be very useful. These thresholds turn out to be a space where the creativitity and artistic gift of the designer of the filmic or romantic work are born . At the end of our research, we have noticed that Zola’s female evolves in a background where the real , imaginary and symbolic interfere. And it is through her contact with the settings and objects that she reaches the rank of a figure. The animal metaphor thus constitutes the very essence of Zola’s figurality which hilghlights these female bodies and endows them with a mythological presence. Finally is Zolian naturalism an expressionist vein ?

Die Arbeit fragt zunächst nach der Existenz von Wissenschaftsphilosophie in Hegels System, da sie traditionellerweise von denjenigen geleugnet wird, die fest an den naturalistischen Wissenschaftsbegriff glauben. Es wird zwischen zwei Konzeptionen von epistemologischen Untersuchungen unterschieden, nämlich einer positivistischen-objektorientierten und einer selbstreflexiven. Hegels Wissenschaftslehre entspricht der letzteren, d.h. einer Art noesis noeseos, denn Wissenschaft ist für ihn das Selbstwissen des kollektiv verstandenen Geistes. In diesem Sinne kann Hegel als Mitbegründer der modernen Wissenschaftsphilosophie avant la lettre angesehen werden. Die Kernbestimmung von Hegels Metawissenschaft wird dann im Lichte der vor kurzem entfachten Debatte um seinen angeblichen Naturalismus des Geistes untersucht, weil auch diejenigen neueren angelsächsischen Hegelinterpretatoren, die einen epistemologischen Diskurs in Hegels System durchaus anerkennen, irreführend behaupten, dass Hegel die Geistaktivitäten und Geistentäußerungen naturalistisch auffasst. Es folgt die kritische Analyse von vier exemplarischen naturalistischen Hegellektüren und die Rekonstruktion von Hegels Argumentation für einen nichtnaturalistischen Geistbegriff sowie Naturbegriff. Im Gegensatz zu diesen Auslegungen, welche vom Menschen als bloßem Bedürfniswesen ausgehen, macht die Analyse der Hegelschen Texte deutlich, dass für Hegel der Geist nicht durch irgendein biologisches Interesse oder Organ allein bedingt ist, sondern vielmehr durch eine sozialkulturelle Seinsweise und dabei besonders durch sprachlich vermittelte generische Formen eines Wir-Subjekts. Hegel nimmt die Aufgabe auf sich, der Philosophie zu einer selbstbewussten Wissenschaft zu verhelfen, da er die gravierenden Probleme von rein empirischen, rein rationalistischen sowie romantischen „unmittelbaren“ Wissenskonzepten identifiziert und beheben will. Es wird gezeigt, dass trotz massiver Kritik der posthegelianischen Philosophie, sowohl der analytischen als auch der kontinentalen, Hegels Idee von Philosophie als Wissen des Wissens keinesfalls blinde Orientierung an der Methodologie gegebener Sach-Wissenschaften bedeutet. Vielmehr entwickelt Hegel eine allgemeine, begriffsorientierte und nichtformalistische Logik, die als innovative Theorie der Geisteswissenschaften verstanden werden soll.