[pt] O trabalho estuda alguns conceitos lançados pelas vanguardas construtivas internacionais e seu impacto no pensamento construtivista brasileiro. Investiga-se a emergência da arte concreta e a estruturação do desenho industrial no Brasil como partes de um projeto de modernização nacional, que ocorreu em meio a tensões, nas décadas de 1950 e 1960. No campo da arte, as discordâncias entre o Grupo Ruptura (1952), de São Paulo, e o Grupo Frente (1953-1954), do Rio de Janeiro, são examinadas, revelando diferentes interpretações acerca das idéias construtivas. Em seguida, discute-se o Manifesto Neoconcreto (1959), como uma reação ao extremado racionalismo da arte concreta, no momento em que o ideário progressista estava em crise. Observa-se, então, que a busca de maior autonomia no processo de criação marcou a produção gráfica de alguns artistas que integraram o Grupo Neoconcreto. Neste contexto, analisa-se meticulosamente a programação visual de Lygia Pape para o Cinema Novo, entre 1961 e 1967, buscando compreender em que medida os pressupostos neoconcretos se refletiram na produção de cartazes e letreiros. Verifica-se que a transgressão de algumas regras do design internacional, a dissolução das fronteiras entre arte, design e cinema, assim como as referências à arte popular brasileira, ao Expressionismo, ao Dadaísmo e à Pop Art são indicadores de que a artista ultrapassou os limites das rígidas teorias concretas. Por fim, o exame da vinheta criada por Lygia Pape para a Cinemateca do MAM-RJ (1963) aponta para o diálogo estabelecido entre sua proposta de anti-filme e as idéias do Cinema Novo. / [en] This work aims to study some concepts discussed by the international constructivist vanguards and their impact on the Brazilian constructive project. The research verifies that the emergence of the concrete art and the establishment of the industrial design as a discipline in Brazil, during the 1950’s and 1960’s, were inserted in a national program of modernization, developed amid tensions. The divergence between the Rupture Group (1952), from Sao Paulo, and the Front Group (1953/1954), from Rio de Janeiro is examined, revealing different interpretations upon the constructive trends. The Neoconcretist Manifest (1959) is analyzed as a reaction to the rationalist exacerbation of the concrete art in a moment that the politics for the country’s development was in crisis. It is noticed that the search for autonomy in the creative process caused an impact in the graphic production of some artists who integrated the Neoconcrete Group. In this context, the dissertation examines closely the Lygia Pape’s graphic design for the New Cinema Movement, between 1961 and 1967, elucidating in which ways the neoconcrete ideals are reflected in her letterings and posters. The transgression of certain international design’s rules, the dissolution of the boundaries between art, design and cinema, and the references to Brazilian popular art, Expressionism, Dadaism and American Pop Art are indications that the artist went beyond the limits defined by the concrete theories. Finally, the investigation of Lygia Pape’s vignette for the Cinematheque of MAM-RJ (1963) reveals a link between her conception of anti-film and the New Cinema Movement’s ideas.

Orientador: Marco Antonio Alves do Valle / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-15T03:31:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gregato_MarciaElisadePaiva_D.pdf: 14762088 bytes, checksum: e0c9ad0964bcf746b913cef35276b5b2 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: A presente tese apresenta como meta o estudo teórico, crítico e histórico da obra do escultor brasileiro Gastão Manoel Henrique, catalogando os trabalhos produzidos pelo artista a partir da década de cinquenta, investigando suas preocupações expressivas no contexto da história da arte na qual se encontra inserido, bem como analisando a organização formal e espacial das obras e seus procedimentos, comparando-as entre si e também alinhando-as aos trabalhos de outros artistas do período a fim de compreendê-las e classificá-las em distintas sete fases que configuram um recorte da obra do artista até o presente momento. A compreensão desse conjunto de obras se dá através do exame inicial de algumas das questões que marcam a introdução da arte moderna abstrata no Brasil dos anos cinquenta, apontando a Semana de Arte Moderna como marco inicial de nossa tradição artística, passando pela intervenção de Lúcio Costa, na tentativa de modernização da Escola Nacional de Belas Artes, que foi um dos primeiros atos do Governo Vargas com a nomeação dos diretores da área da cultura. Foram analisadas também, por sua relevância, as duas vertentes presentes e formadoras do Movimento Modernista no Brasil, sendo a primeira delas, representada por Graça Aranha, e identificada na obra de Ismael Nery no que diz respeito à aproximação dos artistas cariocas do surrealismo e dadaísmo internacionais; e a segunda, identificada na obra de Candido Portinari e representada por Mário de Andrade, tornando-se hegemônica com a revolução de 1930 e sua vinda para o Ministério da Educação e Saúde Pública - MESP, na gestão Gustavo Capanema. O estudo dessas duas vertentes possibilita a identificação de suas distintas conceituações teóricas, estéticas e ideológicas, bem como o reconhecimento da proximidade que há entre o Modernismo representado por Graça Aranha e os primeiros trabalhos de Gastão Manoel Henrique, nos quais se percebe a relação com outros artistas pioneiros do modernismo internacional, entre os quais se destaca Giorgio de Chirico, de onde se atribui a presença dos motivos arquitetônicos encontrados nos desenhos dos anos cinquenta. Foram também incorporados à tese os relatos do artista acerca das influências recebidas de seu pai, Elmano Henrique, cartazista de profissão e responsável pela educação estética do jovem Gastão, principalmente no que diz respeito ao rigor na fatura artística e conceitual, características identificadas em toda sua produção. Para a compreensão e argumentação das diversas fases, foram necessários ainda o estudo das participações do artista em exposições chaves da neovanguarda brasileira introdutora da arte contemporânea no Brasil; os diálogos múltiplos estabelecidos a partir de meados da década de sessenta entre artistas e espectadores, identificados também na obra de Lygia Clark e iniciados pelo filósofo Merleau-Ponty; e ainda, a partir dos anos oitenta, a influência de Constantin Brancusi, que produziu reverberações tanto em Gastão Manoel Henrique quanto em seu amigo Sergio Camargo. As sete fases identificadas e analisadas a partir desta pesquisa constituem um trabalho inédito que pretende inaugurar na Universidade Brasileira o estudo da obra deste escultor, apontando caminhos para novas pesquisas que possam surgir nacional e internacionalmente / Abstract: A study of the work of Gastão Manoel Henrique: a hypothesis about the different phases The present thesis presents as its goal, the theoretical, critic and historic study of the work from the Brazilian sculptor Gastão Manoel Henrique, cataloguing the works produced by the artist since the fifties, investigating his expressive concerns in the historical context of the art in which he is inserted, as well as analyzing the formal and spatial organization of the works and its procedures, comparing them among themselves and also aligning them with the works of other artists of the same period in order to understand and classify them in seven distinct phases which configure an indention of the artist work until the present moment. The understanding of these set of works is done through the initial examination of some questions that characterize the introduction of the abstract art in Brazil during the fifties, taking the "Semana de Arte Moderna" (Modern Art Week) as the initial landmark of our artistic tradition, passing through the intervention of Lúcio Costa in his attempt to modernize the "Escola Nacional de Belas Artes" (Arts National School), which was one of the first acts of the Vargas Government with the nomination of a director in the area of culture. It was also analyzed, because of its relevance, the two streams present in the formation of Modern Movement in Brazil. The fist one is represented by Graça Aranha, and it is identified in the work of Ismael Nery with respect to the approximation of the artists from Rio de Janeiro to the international Surrealism and Dadaism. The second one is identified in the work of Cândido Portinari and represented by Mário de Andrade, becoming hegemonic with the 1930 Revolution and his coming to the Ministry of Education and Public Health, in the administration of Gustavo Capanema. The study of these two streams made possible the identification of its distinct theoretical conceptions, esthetics and ideologies, as well as the recognition of the proximity between the Modernism represented by Graça Aranha and the first works of Gastão Manoel Henrique, in which it is noticed the relationship with other pioneer artists of the international Modernism, among whom we find Giorgio de Chirico, from whom it is attributed the presence of the architectural motifs found in the drawings of the fifties. It was also incorporated in the dissertation the reports of the artist about the influence he received from his father, Elmano Henrique, cartoonist as a profession and responsible for the esthetic education of the young Gastão, especially in respect to the strength in the artistic fatura and conceptual, identified characteristics in his production. In order to understand and argue the many phases, it was necessary the study of the artist participation in key Brazilian neo-vanguard expositions which were the beginning of the contemporary art in Brazil; and the multiple dialogues initiated in the mid sixties between artists and the audience, also identified on the work of Lygia Clark, and started by the philosopher Merleau-Ponty; and also, beginning in the eighties the influence of Constantin Brancusi, who produced reverberations not only in Gastão Manoel Henrique but also in his friend Sérgio Camargo. The seven phases identified and analyzed on this research constitute a singular work that pretend to inaugurate in the Brazilian University the study of the work of this sculptor, showing ways for new research that might come in the national and international scenario / Doutorado / Doutor em Artes

Esta pesquisa trata da contribuição de Mário Pedrosa e de Ferreira Gullar para o ambiente artístico brasileiro na década de 50 e início da década de 60. Para esse empreendimento, não nos limitamos à transposição literal de registros sobre a produção artística naquele período, mas implementamos uma análise do ideário dos críticos. Assim, houve uma tentativa de esclarecimento tanto dos posicionamentos de Pedrosa e de Gullar como do valor atribuído por eles à nossa produção artística. Em suma, a pesquisa se dirigiu para uma apreciação histórica das idéias dos críticos como ponto dialogador e de tensão com a produção plástica / -

[pt] Reunir Amilcar de Castro e João Cabral de Melo Neto, que, embora contemporâneos e compartilhantes de gostos artísticos, jamais se conheceram, é corrigir um projeto que a História se esqueceu de terminar. Entre os aspectos que aproximam João Cabral de Amilcar de Castro está o privilégio da visualidade em sua poesia, que toma as palavras por sua materialidade de tinta sobre papel. Amilcar, por sua vez, também explora a metalinguagem da escultura, fazendo saltar à percepção aspectos como o peso e a conquista da terceira dimensão. O método comparativo, que é a própria técnica das símiles cabralinas, nos serve ainda para confrontar o projeto construtivo presente em ambos, mas que em Amilcar toma as peculiaridades da ruptura neoconcreta. Finalmente, a abordagem fenomenológica nos leva a descobrir na dobra - literal em Amilcar e sob a forma de um desmonte interno da palavra em Cabral - a contribuição fundamental para o projeto compartilhado de desnaturar a percepção humana. Promover tal encontro, entre esse escultor e esse poeta, é, deixadas de lado as notórias diferenças, sobretudo asseverar as semelhanças que o minucioso Cabral, crítico do museu de tudo e todos, descuidou-se em realizar. / [en] Bringing together Amilcar de Castro and João Cabral de Melo Neto, who never met, although contemporaries and who shared tastes in art, is to correct a project that History forgot to finish. One of the aspects that bring João Cabral closer to Amilcar de Castro is the privilege of the visual in his poetry, which takes the words because of their materiality of pen on paper. Amilcar, in turn, explores the metalanguage of sculpture, bringing to the fore aspects such as weight and achievement of the third dimension. The comparative method, which is the very technique of Cabralian similes, helps us to match the constructive project present in both, but which in Amilcar adopts the peculiarities of neo-concrete rupture. Finally, the phenomenological approach leads us to discover in the fold - literal in Amilcar and in the form of an inner dismantling of the word` in Cabral - the fundamental contribution for the shared project of perverting human perception. To promote such a meeting between this sculptor and this poet is, first and foremost, and ignoring the notorious differences, to assert the similarities that the hairsplitting Cabral, critic of the museum of everything and everyone, failed to make.

[pt] O objetivo desta dissertação é analisar a relação entre a obra de arte, o artista e o espectador a partir da produção de Lygia Clark e Hélio Oiticica. Esses dois artistas foram escolhidos como objeto de estudo por terem direcionado sua pesquisa no sentido de incluir o espectador como agente modificador e até mesmo criador da obra de arte. Ambos são reconhecidos por propor novas questões a respeito ocupação do espaço real pela obra de arte e pela busca da libertação da bidimensionalidade da tela e da moldura. Esta pesquisa se baseia na idéia de que os dois pintores se tornaram referência para a história da arte no Brasil e investiga suas trajetórias desde a participação no grupo Neoconcreto até seus últimos trabalhos, estudando os problemas propostos na produção de cada um, em especial, no que se refere ao diálogo que estabelecem com o público. / [en] The goal of this dissertation is to analyse the existing relationship between the art work, the artist and the spectator within the context of Lygia Clark s e Hélio Oiticica s work. These two artists were chosen as the object of this study because both were committed to proposing new issues regarding the inclusion of the spectator as a direct agent in the modification and even creation of the art work. They stood out in the artistic world by proposing innovating issues, searching to occupy the real space and free themselves from the bidimensionality of the canvas and the easel. The research is based on the premise that both are current references in the history of Brazilian art and investigates the span of their trajectory, from their participation in the Neoconcrete group up to their last pieces, stressing the problematics involved in each one s work and, specially, to what point they were able to establish a direct dialogue with the public.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Intituto de Ciências Sociais, Departamento de Sociologia, 2011. / Submitted by Luciana Pontes Lemos (lucianalemos@bce.unb.br) on 2012-02-17T13:24:17Z No. of bitstreams: 1 2011_MarcioHagihara.pdf: 1632170 bytes, checksum: f9d4f234a0eceb58d29c6d58b65975e1 (MD5) / Rejected by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br), reason: Luciana, Por favor, proteger o arquivo. Grata, Jacqueline on 2012-02-17T13:52:13Z (GMT) / Submitted by Luciana Pontes Lemos (lucianalemos@bce.unb.br) on 2012-02-17T13:55:13Z No. of bitstreams: 1 2011_MarcioHagihara.pdf: 1632170 bytes, checksum: f9d4f234a0eceb58d29c6d58b65975e1 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2012-02-17T14:10:53Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2011_MarcioHagihara.pdf: 1632170 bytes, checksum: f9d4f234a0eceb58d29c6d58b65975e1 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-02-17T14:10:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2011_MarcioHagihara.pdf: 1632170 bytes, checksum: f9d4f234a0eceb58d29c6d58b65975e1 (MD5) / O advento das instalações e de obras que visam à interação com o público, criando ambientes que envolvem percepções sinestésicas, estão presentes nas mais célebres bienais e exposições de arte pelo mundo. A arquitetura e a arte brasileiras contribuíram bastante para a mudança espacial da obra de arte. O modernismo brasileiro forjou o discurso de ampliação dos princípios das artes plásticas para a construção da cultura nacional. A dimensão construtiva das artes plásticas refletiuse na ampliação da criação plástica dos singelos quadros de cavalete burgueses para os murais sociais de Portinari e para a nacional e monumental arquitetura do Grupo Carioca. Oscar Niemeyer e Lucio Costa projetaram a pretensão máxima de ampliação de escala da obra de arte: Brasília. Frustrada a utopia, irrompe o Movimento Neoconcreto, cuja crítica infligiu-se contra a arquitetura, o espaço clássico e o conceito de cultura nacional, por meio da quebra da tradicional associação simbólica entre arte e cultura. A ligação entre a arquitetura e o Movimento Neoconcreto só faz sentido se ligada à análise iconográfica, pois o exame do discurso escrito – que é uma das obsessões de nossa cultura pela palavra – é insuficiente para estabelecer tal ligação. Entre maquetes e instalações labirínticas de Hélio Oiticica, observa-se a crítica visual da coerência espacial imposta pela política cultural das elites brasileiras. Mais do que isso, a arte brasileira deu sua contribuição, modificando a configuração espacial da obra de arte. Foi preciso destruir a última grande regra da arte, através da morte do Plano. ___________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The advent of installations and artworks that aims interaction with the public by creating environments that involve synesthesic perceptions are present in the most famous biennial art exhibition around the world. Brazilian art and architecture contributed enough for the change of the spatial notions of work of art. Brazilian modernism created a speech which aimed to extend the principles of art for the construction of national culture. The constructive dimension of art reflected on an expansion: from the creation of single plastic easel paintings of bourgeois, to the social murals of Portinari, and to the national and monumental architecture of Carioca School. Oscar Niemeyer and Lucio Costa projected the intention of extending the maximum scale of the work of art: Brasilia. The utopia was over, and then the Neo-concrete Movement breaks with its criticism against the architecture, classical space and the concept of national culture, destroying the traditional symbolic association between art and culture. The connection between architecture and Neo-concrete Movement only makes sense if it is related to the iconographic analysis, because the examination of written speech – which is one of the obsessions of our culture – is not enough to establish such connection. Between Helio Oiticica’s models and neo-concretist labyrinthine installations, there is the criticism against visual spatial coherence imposed by the cultural policy of the Brazilian elites. More than this, the Brazilian arts contributed with the changing of the spatial scope of work of art. It was necessary to destroy the last great rule of the art, through the death of the Plan. ___________________________________________________________________________________ RESUMÉ / L'avènement de l’installation et d’ oeuvre d’art qui visant à l'interaction avec le public à travers de la création des environnements qui impliquent des perceptions synèsthesique sont présentes dans la plus célèbre exposition biennale d'art dans le monde. L'art et l'architecture brésilienne ont contribué suffisamment à la transformation spatiale de l'oeuvre d'art. Le modernisme brésilien a établi un discours de vulgarisation des principes de l'art pour la construction de la culture nationale. La dimension constructive de l'art reflète dans l'expansion d’oeuvres d’art plastiques: de la peintures de chevalet de bourgeois, à travers les peintures murales de Portinari et jusqu’à social et national monumentale l'architecture d’École Carioca. Oscar Niemeyer et Lucio Costa ont conçu l'intention d'étendre la maximale l'échelle de l'oeuvre d'art: Brasília. Frustré l'utopie, le Mouvement Neo-concrète a provoqué des critiques contre l'architecture, l'espace classique et le concept de la culture nationale, a travès de la rupture de la traditionnelle association symbolique entre l'art et culture. Le lien entre l'architecture et le Mouvement Neo-concrète n'a de sens que si liées à l'analyse iconographique, parce que l'examen du discours écrit – qui est l'une des obsessions de notre culture, le mot – est insuffisante pour établir tel lien. Entre les labyrinthiques et rhizomateuses maquettes et installations de Hélio Oiticica, il y a une critique de la cohérence dans l'espace visuelle imposée par la politique culturelle de l'élite brésilienne. Plus que cela, l'art brésilien donnait sa contribution, la modification de la notion spaciale de l’oeuvre d'art. Il faut détruire la dernière grand règle de l’art, à travers de la mort du Plan.

O presente trabalho levanta questões sobre algumas formas particulares de estruturação de um sistema profissional de produção cultural para as artes plásticas no eixo Rio de Janeiro São Paulo no período que coincide com um momento de florescimento político e econômico e se fortalece a partir da segunda metade dos anos 1940 e ao longo das décadas de 1950/1960. No que concerne especialmente aos museus de arte moderna, observou-se um fortalecimento institucional em torno do qual o sistema artístico brasileiro se estruturou. Para se chegar a essa conclusão foram analisados os aspectos estruturais (econômicos e políticos) centrados no eixo Rio de Janeiro São Paulo, e conjunturais, a partir das particularidades do fenômeno da arte da vanguarda construtiva brasileira. Foram consideradas as visões dos artistas nacionais em relação tanto à questão da arte de vanguarda como na sua relação com o museu. Consideramos, também, a Bienal como instituição, seu vínculo com os artistas e com o próprio MAM/SP no processo de divulgação da arte. Avaliamos a ação artística, peculiar pela presença das vanguardas construtivas, que envolvia grande participação dos artistas no cotidiano museológico. Além disso, consideramos o estreito diálogo que havia com os críticos que atuavam em veículos de comunicação. Como parte fundamental do estabelecimento de um sistema profissional de produção cultural, avaliamos a consolidação de um mercado de arte com base na atuação de marchands e na criação de galerias privadas em uma ação ainda não muito distinta daquela dos museus. Os movimentos concreto e neoconcreto, na medida em que se caracterizam como vanguardas artísticas e sua atuação permitiu a mobilização do suposto sistema em torno das discussões sobre suas novas propostas éticas e estéticas, foram considerados pontualmente. / This thesis raises issues on some specific ways of structuring a professional system of cultural production for the arts in the circuit Rio de Janeiro São Paulo coincident to a moment of political and economical emergence that gets stronger from the middle of the 1940s and during the 1950/1960 decades. Regarding in special the museums of modern art, it was observed an institutional strengthening around which the Brazilian artistic system was structured. To reach that conclusion structural aspects the economics and politics in the circuit Rio de Janeiro São Paulo as well as situational ones were considered on the specificities of the phenomenon of the Brazilian constructive vanguard art. We also considered the vision of the national artists on the art of vanguard and its relation to the museum. Also, we considered the Bienal and its relation with the artists and with the Museum of Modern Art of São Paulo itself in the process of divulging the art. We evaluate the artistic action, peculiar because of the presence of the constructive vanguards, and that involved a great participation of the artists on the museum day-to-day. Besides that we consider as well the close dialogue with the critics who worked on the vehicles of mass communication. As a fundamental part of the establishing of a professional system of cultural production, we evaluate the consolidation of an art market based on the activities of the dealers and the creation of private galleries in one action not yet very much distinct from that of the museums. The concrete and neoconcrete movements were specially considered because as artistic vanguard, their performances enabled the mobilization of the supposed system around the discussions on its new ethical and aesthetic proposals.

O presente trabalho levanta questões sobre algumas formas particulares de estruturação de um sistema profissional de produção cultural para as artes plásticas no eixo Rio de Janeiro São Paulo no período que coincide com um momento de florescimento político e econômico e se fortalece a partir da segunda metade dos anos 1940 e ao longo das décadas de 1950/1960. No que concerne especialmente aos museus de arte moderna, observou-se um fortalecimento institucional em torno do qual o sistema artístico brasileiro se estruturou. Para se chegar a essa conclusão foram analisados os aspectos estruturais (econômicos e políticos) centrados no eixo Rio de Janeiro São Paulo, e conjunturais, a partir das particularidades do fenômeno da arte da vanguarda construtiva brasileira. Foram consideradas as visões dos artistas nacionais em relação tanto à questão da arte de vanguarda como na sua relação com o museu. Consideramos, também, a Bienal como instituição, seu vínculo com os artistas e com o próprio MAM/SP no processo de divulgação da arte. Avaliamos a ação artística, peculiar pela presença das vanguardas construtivas, que envolvia grande participação dos artistas no cotidiano museológico. Além disso, consideramos o estreito diálogo que havia com os críticos que atuavam em veículos de comunicação. Como parte fundamental do estabelecimento de um sistema profissional de produção cultural, avaliamos a consolidação de um mercado de arte com base na atuação de marchands e na criação de galerias privadas em uma ação ainda não muito distinta daquela dos museus. Os movimentos concreto e neoconcreto, na medida em que se caracterizam como vanguardas artísticas e sua atuação permitiu a mobilização do suposto sistema em torno das discussões sobre suas novas propostas éticas e estéticas, foram considerados pontualmente. / This thesis raises issues on some specific ways of structuring a professional system of cultural production for the arts in the circuit Rio de Janeiro São Paulo coincident to a moment of political and economical emergence that gets stronger from the middle of the 1940s and during the 1950/1960 decades. Regarding in special the museums of modern art, it was observed an institutional strengthening around which the Brazilian artistic system was structured. To reach that conclusion structural aspects the economics and politics in the circuit Rio de Janeiro São Paulo as well as situational ones were considered on the specificities of the phenomenon of the Brazilian constructive vanguard art. We also considered the vision of the national artists on the art of vanguard and its relation to the museum. Also, we considered the Bienal and its relation with the artists and with the Museum of Modern Art of São Paulo itself in the process of divulging the art. We evaluate the artistic action, peculiar because of the presence of the constructive vanguards, and that involved a great participation of the artists on the museum day-to-day. Besides that we consider as well the close dialogue with the critics who worked on the vehicles of mass communication. As a fundamental part of the establishing of a professional system of cultural production, we evaluate the consolidation of an art market based on the activities of the dealers and the creation of private galleries in one action not yet very much distinct from that of the museums. The concrete and neoconcrete movements were specially considered because as artistic vanguard, their performances enabled the mobilization of the supposed system around the discussions on its new ethical and aesthetic proposals.

[pt] Com a análise das produções e das trajetórias acadêmicas de dois expoentes da Vanguarda Construtiva Brasileira – Décio Pignatari e Lygia Pape – o presente trabalho discute a relação entre arte e indústria a partir dos anos 1950. Ambos trabalharam como artistas, designers e professores universitários. Acreditavam que o artista moderno devia integrar-se à coletividade de diversos modos, incluindo a participação nos meios de produção e nas mídias de massa. Como docentes, iniciaram suas carreiras ministrando semiótica. Posteriormente, Pignatari caminhou para as teorias da literatura e da comunicação enquanto Pape se dedicou ao ensino de linguagem visual. Tanto um quanto o outro lecionaram em cursos de graduação e pós-graduação. Seus textos acadêmicos, embora pouco examinados em profundidade como parte do Projeto Construtivo, trazem importantes reflexões acerca da crise da arte na era da reprodutibilidade técnica, propondo saídas para este impasse. Por esta razão, são analisados os ideais expostos na tese de doutorado Semiótica e Literatura (USP-1973), de Décio Pignatari, e na dissertação de mestrado Catiti-Catiti, na terra dos brasis (UFRJ-1980), de Lygia Pape. Busca-se compreender seus posicionamentos perante o questionamento do belo como categoria central da estética, observando os reflexos da Semiótica de. C. S. Peirce nos temas abordados por Pignatari e as marcas da Fenomenologia de M. Merleau-Ponty no pensamento de Pape. Investigam-se, então, suas posturas em defesa da invenção artística, considerando as duas diferentes perspectivas sobre este conceito. Livros de W. Benjamin, M. Bense e M. Pedrosa estão entre referenciais teóricos centrais das duas pesquisas. / [en] This research verifies the connections between constructive arts and industries after the 1950 s. Particularly, the work aims to inquire the productions and the academic trajectories of two important members of the Brazilian Constructive Vanguard – Décio Pignatari and Lygia Pape. Both of them were artists, designers and professors. In their view, the modern artist should contribute to industrial society in many different ways, because all creative activities were related. As college members, they began teaching semiotics. Lately, Pignatari dedicated his career to literature and communication theories and Pape became interested in visual linguistics education. It is worthwhile to mention that they were educators in graduation and post-graduation courses. Their academic papers discuss the art crisis in the age of mechanical reproduction, proposing ways to overcome this challenge. However, these texts were rarely mentioned as a part of Brazilian Constructive Project. Therefore, this investigation analyses Décio Pignatari s PHD Thesis called Semiótica e Literatura (USP-1973), and Lygia Pape s Masters Dissertation untitled Catiti-Catiti, na terra dos brasis (UFRJ-1980). Initially, their arguments lead to the questioning of the beauty concept as a central aesthetic category. In this sense, C. S. Peirce s semiotics impacts Pignatari s thoughts, and M. Merleau-Ponty s phenomenology marcs Pape s ideals. Lately, this work examines their claims for artistic invention, revealing two different perspectives on this concept. Books written by W. Benjamin, M.Bense and M. Pedrosa integrate their theoretical frameworks.

Submitted by ROBERTA COSTA SEGURA null (segura.roberta@gmail.com) on 2017-11-28T23:37:00Z No. of bitstreams: 1 Mestrado Roberta Segura.pdf: 26981106 bytes, checksum: 5b4738b02941beb1cde1bb6dc90999ba (MD5) / Approved for entry into archive by Mariana Borges Gasparino null (mariana.borges@ia.unesp.br) on 2017-11-29T19:16:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 segura_rc_me_ia.pdf: 26981106 bytes, checksum: 5b4738b02941beb1cde1bb6dc90999ba (MD5) / Made available in DSpace on 2017-11-29T19:16:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 segura_rc_me_ia.pdf: 26981106 bytes, checksum: 5b4738b02941beb1cde1bb6dc90999ba (MD5) Previous issue date: 2017-10-17 / A dissertação tem como objetivo traçar um paralelo entre a obra da artista e a casa de uma moradora em situação de rua, que sob o seu olhar, possuía um interesse estético, assim como em uma escultura, instalação ou objeto tridimensional, com forma, volume e relevo diferenciados. Para criar maneiras de aproximar essa casa a processos de representações artísticas, será proposto uma comparação entre as montagens da moradora e aspectos formais presentes no construtivismo geométrico brasileiro (1950/70), nas artes e arquitetura, já que se pode ver, em ambos os casos, uma síntese organizacional por meio da geometria, mesmo que em propostas diferentes. A dissertação busca também discutir a influência da paisagem urbana na obra de artistas contemporâneos e da autora, aqui comentados nesse estudo. / The dissertation aims to draw a parallel between the work of the artist and the house of a homeless woman who, under her eyes, had an aesthetic interest, as well as a sculpture, installation or a three-dimensional object, regarding shape, volume and other forms. In order to create ways to bring this house closer to the processes of artistic representations, a comparison will be made between the dweller's montages and the formal aspects presented in Brazilian geometric constructivism (1950/70), in the arts and architecture, since some elements can be seen in both cases - an organizational synthesis through geometry, even in different proposals. The dissertation also seeks to discuss the influence of the urban landscape on the work of contemporary artists and the author, commented here in this study.