Notre travail consiste en une étude de l’ekphrasis dans l’écriture de Claude Simon. Il part de l’hypothèse selon laquelle la compréhension de sa nature et de son rôle permettrait d’éclairer des aspects fondamentaux du fonctionnement du texte, révélateurs de l’esthétique du roman simonien dans son ensemble. Pour ce faire, nous commençons par mettre en évidence le caractère ambivalent, paradoxal et subversif de l’ekphrasis simonienne, qui ne constitue pas systématiquement une interruption de la narration, ni une description d’oeuvre d’art. Tirant les conséquences du changement de perspective qu’impose le texte de Claude Simon, nous démontrons qu’il est tributaire du rôle crucial joué par le regard dans la détermination des objets ekphrastiques, objets investis de tout le punctum projeté en eux par le sujet. L’importance du motif du passage du temps, de son incidence sur l’ekphrasis en ce qu’il oriente le choix de ses objets et infléchit sa forme, constitue l’étape suivante de notre étude. Nous précisons le lien ontologique unissant temps et ekphrasis en analysant le caractère ruiniforme de cette dernière. Ce cheminement nous conduit enfin à faire apparaître les collisions entre différentes temporalités suscitées par l’ekphrasis, la nature auratique de l’objet ekphrastique ainsi que la façon dont l’ekphrasis crée tout un système de mises en résonnance entre différentes parties du roman. Ainsi se révèle le rôle essentiel de l’ekphrasis dans la structure, la dynamique et la forme du récit. / This work focuses on ekphrasis in Claude Simon’s writings. It is based on the assumption that by analyzing the nature and role of ekphrasis in Simon’s texts, one could reveal some fundamental aspects of the texts’ functioning and shed light on the esthetics of Simon’s novels as a whole. To do so, this thesis first analyzes the ambivalent, paradoxical and subversive nature of Simon’s ekphrasis, which does not necessarily consist in an interruption of the narrative flow or in the description of a work of art. The thesis goes on to try and identify how Simon’s writing forces us to depart from traditional perspectives on ekphrasis. The change is shown to reside in the importance of the subject’s eye when it comes to determining ekphrastic objects and to granting them a certain emotional load, the punctum. Subsequently, the motif of the passing of time is studied, from the point of view of how it impacts ekphrasis, influencing the choice of ekphrastic objects as well as its formal design. The essential relationship between time and ekphrasis is therefore investigated, with emphasis on its connection to ruins and decay. Finally, exploring the clashes between the various temporalities simultaneously called by ekphrasis allows us to identify the element of aura in the nature of ekphrastic objects. This reveals ekphrasis as a coherent system of echoes and relationships between different parts of the novel, a system which plays a crucial role in terms of the structure, the dynamic and the form of the narration.

Cette recherche porte sur l'œuvre d'art comme dispositif, sur le décloisonnement des pratiques artistiques actuelles en tant que facteur déterminant de la réception de l'art. L'hypothèse qui sera explorée dans ce mémoire est que le décloisonnement des pratiques artistiques entraîne une diversification importante des contextes de l'art, ce qui favorise l'élargissement de la notion de public et une réévaluation de son rôle. Si les pratiques artistiques contemporaines nous semblent complexes à définir, ce serait lié à leur hétérogénéité ainsi qu'à la dissémination des contextes de diffusion : les œuvres s'insèrent dans des communautés, elles vont vers des lieux publics, des espaces sociaux et médiatiques rejoignant potentiellement un public plus large et engageant une participation plus directe du public. Nous étudions ici des pratiques artistiques qui soulèvent des questionnements sur la société dans laquelle nous vivons et qui mettent l'accent sur les relations intersubjectives et sur la réception de l'œuvre. Nous croyons que le contexte social de présentation de l'œuvre a un impact déterminant et qu'il peut transformer le rôle du public. Ce que nous voulons démontrer, c'est que l'œuvre d'art ne se conçoit pas comme un simple objet, mais comme un dispositif et que, ce faisant, l'œuvre d'art se dote d'un nouveau potentiel, celui d'élargir le public de l'art, tout en l'obligeant à une forme d'engagement plus complexe. Nous analyserons de façon comparative « La Cantine » de Massimo Guerrera, l'exposition « Keep it slick, Infiltrading capitalism with The Yes Men », de The Yes Men ainsi que « Money-back Products (Produits remboursés) » de Matthieu Laurette. Il est essentiel de noter que les œuvres de notre corpus ont des caractéristiques communes qui ne se situent pas dans leurs objets : elles se déploient dans d'autres espaces - c'est-à-dire l'espace public, social et médiatique; elles proposent des modes de relations nouveaux; et finalement, plus fondamentalement, elles regroupent des hétérogènes. Cette caractéristique est centrale et constitue le fondement de toute la réflexion qui sous-tend notre projet. Le principal problème qui se posait à nous était de trouver comment faire une étude qui porte en partie sur le public - les publics - sans sombrer dans les débats qu'animent les milieux de l'art et de la sociologie de l'art contemporain. Nous avons voulu partir des œuvres elles-mêmes pour comprendre leur potentiel à rejoindre le public. C'est là que la question de l'hétérogénéité s'est posée avec le plus d'acuité. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : dispositif, art actuel, Massimo Guerrera, Matthieu Laurette, The Y es Men, public, hétérogénéité, esthétique relationnelle, intervention en milieu urbain, infiltration médiatique.

Cette thèse examine les convergences et divergences le long de l'histoire de la documentation muséale dans trois galeries nationales en Angleterre, au Canada et aux États-Unis. Elle met en évidence un modèle commun, émanant plus particulièrement des deux types d'institutions apparues en Angleterre au 17e siècle : les musées publics, fondés sur des principes scientifiques et populistes, et la galerie privée, ancrée dans des traditions élitistes. Les galeries nationales analysées constituent un modèle hybride, en conflit avec ces deux formats antagonistes, mais leurs similitudes les plus frappantes résident dans l'évolution de leurs pratiques respectives de la documentation des œuvres d'art. La lutte continue afin d'intégrer véritablement la technologie dans la documentation d'art trahit l'héritage difficile entre ces deux modèles opposés. Tout au long des trajectoires uniques à chacune des institutions étudiées, peu de preuves montrent que les technologies optiques ou numériques ont eu des répercussions importantes sur les méthodologies ou les philosophies de la documentation des œuvres d'art. Au contraire, on observe que la documentation de forme numérique repose toujours sur une approche minimale de recueil de données, sur un groupe restreint de personnes habilitées à les collecter et sur un accès limité à ces données. Cette recherche renforce l'argumentation pour une redéfinition de la documentation des œuvres d'art pour repenser ses stratégies et ses philosophies directrices, pour poser un nouveau regard sur la recherche dans les collections et pour élargir l'intégration des technologies numériques dans ces processus. / This research examines the divergences and convergences across the histories of three national galleries, in England, Canada and the United States, providing evidence of a common model that emanates particularly from two types of institutions that appeared in England during the 17th century: public museums founded on scientific and populist principles, and private art galleries anchored in elitist traditions. The national galleries compared in this study constitute hybrids in conflict with the original antagonistic models. But their most striking similarities reside in the evolution of their respective documentation practices. The continued struggle to truly integrate technologies in the documentation of art betrays the difficult heritage between these two opposing models. Throughout the unique historical trajectories of these institutions, there was little proof that optical or digital technologies had had important repercussions on the methodologies or the philosophies of the documentation of works of art. On the contrary, it was observed that documentation, even in digital form, continued to rely on minimal standards of data gathering, restricted groups of persons trained to collect data, and limited access to any data captured. This research reinforces the need to redefine museum documentation in order to rethink its strategies and guiding philosophies, to enable new research into museum collections, and to enlarge the integration of digital technologies into the process.

L’objectif principal de ce travail est d’établir le sens attribué à la science de l’expression et de préciser comment elle est identifiée à la linguistique générale, dans l’Esthétique de Benedetto Croce. Adversaire de l’intellectualisme et du rationalisme, Croce a éprouvé au plus profond de lui-même les questions que l’homme se pose. C’est dans l’expérience du langage que l’homme expérimente la profondeur de son existence au monde. Il s’agit de l’essence du langage comprise comme expression dans laquelle l’intuition se réalise intégralement. D’où, le langage est le résultat de la création irremplaçable de chaque expression singulière. C’est le langage non répétitif et intraduisible de l’œuvre d’art. Le langage est un art, il prend son sens dans l’art et se comprend par rapport à l’art. Philosophie du langage et philosophie de l’art sont la même chose. C’est selon cette perspective que l’art pour Croce est expression. C’est l’expression de l’intuition comme faculté de la transposition esthétique qui occupe la première position de la vie de l’esprit. Il en sera différemment pour la place de l’oeuvre d’art. Débat qui se prolongera sur la question de l’art abstrait, contemporain de l’Esthétique de Croce. / The goal of my research is to establish the meaning given to the science of expression and specialy how it is identified to general linguistic, in Benedetto Croce’s Aesthetics. Against Intelectualism and rationalism, Croce felt deep inside him, the questioning of Man. It is in the experience of language that Man experiments the depth of his being to the world. The essence of language, understood as expression, is in which intuition realises itself, totaly. Therefore, language is the result of an irreplaceable creation of each single expression. It is a non repetitive and untranslatable language of the work of art. Language is art, it takes its meaning in art and is understood in regard to art. Philosophy of language and philosophy of art are alike. It is in this perspective that art for Croce is expression. It is the intuition’s expression as the faculty of aesthetic transposition that is in first position of the mind. It will be different for the work of art. This debate will continue on the question of abstract art, contemporary to the Aesthetics of Croce.

En analysant les processus dialectiques par lesquels l’art repense le passé, Between Truth and Trauma : The Work of Art and Memory work in Adorno traite du concept adornien de la mémoire. Je postule que l’œuvre d’art chez Adorno incarne un Zeitkern (noyau temporel). Je démontrerai que l’immanence réciproque de l’histoire dans l’œuvre d’art et l’immanence de l’œuvre d’art dans l’histoire permettent de repenser le passé. Le premier chapitre examine la manière par laquelle le passé est préservé et nié par l’œuvre d’art. Le deuxième chapitre montre comment, à l’aide du processus interprétatif, le passé est transcendé à travers l’œuvre d’art. Le dernier chapitre évoque la lecture adornienne d’écrits de Brecht et de Beckett dans le but d’illustrer la capacité de l’œuvre d’art à naviguer entre la vérité et le trauma. / Analyzing the dialectical processes through which art works through the past, Between Truth and Trauma: The Work of Art and Memory in Adorno examines Adorno’s concept of memory. I argue that, for Adorno, the work of art both has and is a Zeitkern (temporal nucleus). I demonstrate that the reciprocal immanence of history in the work and immanence of the work in history allows for the past to be worked through. The first chapter examines how the past is preserved and negated by the work of art. The second chapter examines how the past is transcended through the work of art via the interpretive process. The final chapter looks at Adorno’s reading of work by Beckett and Brecht in order to illustrate the ability of the work of art to navigate between truth and trauma.

L’enfant, en dessinant, crée et organise son monde, il y inscrit son identité. L’expression de l’inconscient exige cette nécessité de mise en forme que les productions picturales viendront étayer, notamment dans le champ clinique et thérapeutique de l’enfant. L’acte sublimatoire se révèle être un acte de détournement pulsionnel de son but premier : la satisfaction immédiate à même le corps. Les tableaux de peintres accueillent cette dynamique sublimatoire dont font preuve les artistes. Le dessin de l’enfant pour sa part, se fait support de cette symbolisation, c’est en mettant dehors, en donnant forme à ce qui échappe, en le regardant de loin que l’enfant arrive à le réintégrer et le rendre sien, toujours soutenu par une relation transférentielle, dans un lien à l’autre. Les apports théoriques illustrés par les vignettes cliniques nous amènerons finalement à répondre à notre interrogation première : l’enfant sublime-t-il en dessinant ? / The child, when he draws, creates and organizes his world, he inscribes his identity. The expression of the unconscious requires this need of formatting which will underpin pictorial productions, particularly in the clinical and therapeutic field of children. We will talk about imaginarisation, symbolization and especially sublimation. The act of sublimation proves to be an act of avoids the “pulsion”’s primary goal: the immediate satisfaction on the body. The paintings demonstrate this dynamic process. The work of art itself is a sort of a story of life, survival times, presentation, subject to the gaze of the other, without being made to please. The picture is more than a mere attempt of symbolization. The drawing of the child for its part is supporting this symbolization, always supported by a transference relationship. The theory illustrated by clinical vignettes will bring us finally to answer our first question: is it a question about sublimation when the child draws?

S'inscrivant dans le champ en construction de la géographie de l'art, cette thèse traite de l'œuvre artistique de Christo et de Jeanne-Claude connue du public par The Pont-Neuf Wrapped ou Surrounded Islands, par exemple. Elle investit la dimension spatiale de la production artistique et la dimension spatiale de la réception esthétique d'un objet d'art textile in situ outdoors. Elle met en œuvre pour ce faire, d'une part, des références conceptuelles aux théories de l'action telles qu'elles se développent en géographie depuis une dizaine d'années et, d'autre part, une approche phénoménologique telle qu'elle s'est imposée en géographie depuis une trentaine d'années. En travaillant les articulations entre objet textile, objet d'art et œuvre d'art, elle montre que la dimension spatiale de l'objet-lieu d'art, sa monumentalité physique et symbolique, n'est pas pensable indépendamment de la dimension spatiale de l'œuvre d'art, celle qui est construite dans l'action artistique. Elle montre, par ailleurs, que l'objet textile est utilisé par le spectateur dans une expérience esthétique qui n'est pas seulement visuelle mais tactile et dans le cadre de l'objet-lieu d'art. Cette relation entre espace et utilisation d'objet explique la transposition et l'interprétation géographique d'un appareil théorique issu de la psychanalyse transitionnelle pour qualifier la dimension spatiale de l'expérience esthétique de l'objet d'art. Cette thèse est donc très fortement inscrite dans la pluridisciplinarité : géographie, esthétique et psychanalyse. En mettant en avant les rapports entre terrain, image et action, en replaçant cette relation dans le champ de l'expérience et en la rendant homogène à l'expérience esthétique, cette thèse est par ailleurs conçue comme le fondement d'une réflexion sur les relations entre terrain et image en géographie.

L'esthétique analytique telle qu'elle s'est développée en France au courant des années 1990 est certes en rupture avec les principes généraux de la philosophie continentale, mais elle se différencie également de la tradition anglo-saxonne par des renouvellements théoriques qui permettent de penser les termes d'un tournant épistémologique. Notre recherche vise à repérer et analyser les paramètres thématiques et méthodologiques qui participent de ce tournant épistémologique et contribuent à caractériser l'esthétique analytique française. Notre hypothèse implique le réinvestissement des thématiques de l'ontologie de l'oeuvre d'art et du plaisir esthétique, et cible des applications méthodologiques spécifiques, suivant les principes de la reconduction conceptuelle et de l'interdisciplinarité. La mise en contexte théorique, qui dégage les enjeux épistémologiques et stylistiques de la philosophie analytique, permet d'observer les implications du décloisonnement de la discipline sur l'esthétique analytique française. Une des ouvertures méthodologiques générées par ce décloisonnement est l'approche de la reconstruction rationnelle entendue comme une démarche à la fois historique et analytique. Celle-ci sera déterminante pour établir les motivations critique et méta-esthétique prévalant aux engagements théoriques de notre corpus, composé des textes de Gérard Genette, Roger Pouivet, Jean-Marie Schaeffer et Rainer Rochlitz. La question de l'ontologie de l'oeuvre d'art, qui constitue notre première étude de cas, est abordée à partir des contributions de Gérard Genette et de Roger Pouivet. Nous y distinguons d'une part les filiations conceptuelles entre ces auteurs et les esthéticiens anglo-saxons et, d'autre part, la manière dont leurs approches ontologiques modérées contribuent à leur spécificité théorique. Notre seconde étude de cas cible la problématique du plaisir esthétique et sa portée conflictuelle dans l'esthétique française de type analytique. L'analyse des positions respectives de Jean-Marie Schaeffer et de Rainer Rochlitz met en évidence une rupture de paradigme soutenue par des approches interdisciplinaires différenciées. Dans l'ensemble, notre corpus participe de la démarche argumentative, autoréflexive et critique de l'esthétique analytique tout en innovant certains de ses paramètres épistémologiques. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Esthétique, Philosophie analytique, Épistémologie, Ontologie de l'oeuvre, Plaisir esthétique.

En analysant les processus dialectiques par lesquels l’art repense le passé, Between Truth and Trauma : The Work of Art and Memory work in Adorno traite du concept adornien de la mémoire. Je postule que l’œuvre d’art chez Adorno incarne un Zeitkern (noyau temporel). Je démontrerai que l’immanence réciproque de l’histoire dans l’œuvre d’art et l’immanence de l’œuvre d’art dans l’histoire permettent de repenser le passé. Le premier chapitre examine la manière par laquelle le passé est préservé et nié par l’œuvre d’art. Le deuxième chapitre montre comment, à l’aide du processus interprétatif, le passé est transcendé à travers l’œuvre d’art. Le dernier chapitre évoque la lecture adornienne d’écrits de Brecht et de Beckett dans le but d’illustrer la capacité de l’œuvre d’art à naviguer entre la vérité et le trauma. / Analyzing the dialectical processes through which art works through the past, Between Truth and Trauma: The Work of Art and Memory in Adorno examines Adorno’s concept of memory. I argue that, for Adorno, the work of art both has and is a Zeitkern (temporal nucleus). I demonstrate that the reciprocal immanence of history in the work and immanence of the work in history allows for the past to be worked through. The first chapter examines how the past is preserved and negated by the work of art. The second chapter examines how the past is transcended through the work of art via the interpretive process. The final chapter looks at Adorno’s reading of work by Beckett and Brecht in order to illustrate the ability of the work of art to navigate between truth and trauma.

Cette thèse propose de renforcer les liens entre les études sur l’œuvre d’art et les recherches sur le curatorial par le biais des études en communication, et plus précisément de l’analyse des interactions qui se déroulent entre les acteur·e·s humain·e·s et autre qu’humain·e·s composant le processus de conception et de réalisation d’une exposition d’arts. L’exposition Femynynytees, dont j’étais la co-curatrice, a été à l’affiche durant l’été 2018 à Montréal et fut spécialement conçue comme le terrain de recherche de cette expérience. Tout au long de la création de Femynynytees, j’ai pu observer un phénomène que j’ai appelé le devenir-œuvre d’art, auquel cette thèse consacre une attention particulière. Il s’agit d’un phénomène relationnel dans le cadre duquel l’œuvre, telle que créée par l’artiste, est mise en relation avec le « curatorial » (von Bismarck et Rogoff, 2012 ; Martinon, 2013), envisagé ici comme les connaissances produites pendant la réalisation d’un projet curatorial spécifique. Ces rencontres engendrent des transitions qui permettent que l’œuvre soit comprise non pas comme un objet, mais comme un trajet (Souriau, 2009), devenant ainsi un processus qui peut donc être défini comme étant, en même temps, œuvre et curatorial. Pour observer ce phénomène, j’adopte une approche théorique liée aux nouveaux matérialismes, en proposant que le curatorial soit conçu comme un ensemble de « pratiques matérielles-discursives » (Barad, 2003). Ces pratiques sont à l’origine des changements qui se produisent avec l’œuvre lorsqu’elle est mise en contact avec un processus curatorial. Selon cette perspective, les artistes, les curateur·e·s, les visiteur·e·s, les choix d’installation, les espaces d’exposition, et tout autre élément lié à la mise en branle d’un tel évènement, font partie du curatorial et sont ainsi parties prenantes de ses pratiques matérielles-discursives. Par ailleurs, cette recherche se concentre sur les pratiques en arts médiatiques, des œuvres envisagées comme matériellement plus perméables au curatorial par la relative flexibilité de leur processus de matérialisation, ainsi que par l’aspect collaboratif du système dans lequel elles sont généralement produites. Le terme « arts médiatiques » est prédominant au Québec et fait référence aux pratiques mobilisant des technologies médiatiques – soit des technologies électriques, électroniques ou numériques – dans la création d’une œuvre. D’un point de vue méthodologique, le devenir-œuvre d’art est analysé à partir d’une perspective ventriloque (Cooren, 2013) de la communication, une approche permettant d’identifier la complexité des voix (Mazzei et Jackson, 2012) qui participent de ce phénomène. Suite à l’examen des conversations tenues pendant les visites d’atelier et les réunions organisées entre curatrices et artistes, des courriels échangés entre artistes et curatrices et des entretiens réalisés avec une trentaine de visiteur·e·s, cette thèse montre comment s’opèrent concrètement les mises en relation du devenir-œuvre dans le cas d’une exposition d’arts médiatiques. Il s’agit donc d’une recherche située (Haraway, 1988), relationnelle et processuelle qui positionne la communication comme constitutive de toute réalité (Cooren, 2012). / This dissertation aims to strengthen the existing dialogue between art studies and curatorial studies through communication sciences, and more precisely, through the analysis of the interactions that take place between human and other-than-human actors composing the process of conception and realization of an art exhibition. The exhibition Femynytees, that I co-curated, was on display during the summer of 2018 in Montreal and was specially conceived as the fieldwork for this experience. Throughout the creation of Femynytees, I was able to observe a phenomenon that I propose to call the becoming-artwork, to which this dissertation devotes particular attention. By this, I mean a relational phenomenon by which the work, as created by the artist, is put in relation with the "curatorial" (von Bismarck and Rogoff, 2012; Martinon, 2013), considered here as a mode of knowledge engendered during the production of a specific curatorial project. This encounter generates transitions in the work that allow it to be understood as a path (Souriau, 2009), thus becoming a process that can be defined as both artwork and curatorial at the same time. To observe this phenomenon, I adopt a theoretical approach, inspired by the new materialisms, which proposes that the curatorial be conceived as a set of “material-discursive practices” (Barad, 2003). These practices are at the origin of the changes that occur with the artwork when it is brought into contact with a particular curatorial process. According to this perspective, artists, curators, visitors, installation choices, exhibition spaces, and any other element related to the setting in motion of such an event, are part of the curatorial and are thus taking part in its material-discursive practices. Moreover, this research focuses on media art practices, as this type of art is considered to be more permeable to the curatorial because of the relative flexibility of its materialization process, as well as the collaborative aspect of the system in which it is generally produced. The term "media arts" refers here to practices that mobilize media technologies – that is, electrical, electronic or digital technologies – in the creation of an artwork. From a methodological point of view, the becoming-artwork is analyzed from a ventriloqual perspective on communication (Cooren, 2013), an approach that makes it possible to identify the complexification of voices (Mazzei and Jackson, 2012) that participate in this phenomenon. Following an analysis of conversations held during studio visits and meetings between curators and artists, emails exchanged between artists and curators, and interviews with 30 of the visitors, this dissertation shows how the fundamental relationships at the heart of the becoming-artworks concretely operate in the case of a media art exhibition. It is thus a situated (Haraway, 1988), relational, and processual research that positions communication as constitutive of all reality (Cooren, 2012).