La investigación se aboca al trabajo paisajista del pintor chileno Agustín Abarca, especificando la importancia del género del paisaje en Chile, y la incidencia de Abarca al interior de esta temática, considerada como una caracterlstica nacional. Se justifica la pertinencia de la investigación sobre este pintor, en tanto no existía un estudio metódico hasta la fecha. El lapso de tiempo definido para la investigación se especifica desde 1904 (inicio de la actividad artística del pintor) hasta 1953, año de su fallecimiento. La metodología de trabajo en la investigación obedece a diferentes perspectivas, iniciándose con una labor exploratoria y de indagación, desarrollándose luego un acercamiento histórico- en la medida de lo necesario- para concluir con lecturas interpretativas de orientación simbolista. Las hipótesis que enmarcan el trabajo son: a) la obra de Abarca constituyó un aporte significativo a la pintura paisajista en Chile; y b) la obra de Abarca es testimonio de la implantación en Chile de movimientos pictóricos europeos, pero con la consecuente transformación que las nuevas condiciones contextuales efectuaron, modificando así sus características originales, y llegando a configurar en la obra de Abarca algo distinto. Se analizan las determinantes de la pintura en Chile desde el siglo XIX importadas del referente europeo: el neoclasicismo y el romanticismo, poniendo énfasis en los conceptos románticos que son reconocidos como fundamentales en la impronta del trabajo de Abarca y de su propia postura como artista. El paisajismo es comprendido al interior de esta dinámica, y se detallan las influencias que recibe el artista del medio, tanto en su formación de las corrientes tradicionales de la pintura del paisaje en Chile-, como en su madurez, donde Abarca se diferencia de las corrientes renovadoras de la plástica en el país, con su insistencia en la temática paisajista sin renunciar a un lenguaje pictórico vinculado al romanticismo y al realismo en la rep / Telias Gutiérrez, EA. (2009). Los paisajes de Agustín Abarca: aportaciones a la pintura chilena [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/4332

La presente Tesis Doctoral (Visiones del entorno: paisaje, territorio y ciudad en las artes visuales) efectúa una aproximación interdisciplinar a las diversas estrategias y concepciones visuales que la cultura occidental ha desarrollado para representar el entorno y transformarlo en un concepto cultural que, a través del proceso de artealización, se califica de paisaje. El trabajo realizado no se ajusta a una metodología historicista ni iconográfica, puesto que la utilización de referentes históricos e icónicos se supedita a la realización de una aproximación conceptual dirigida a entender nuestro entorno "natural y urbano" y ver cómo la noción de espacio está delimitándose en nuestros días. En este sentido, mirar al pasado no es el objetivo de nuestra investigación, ya que lo buscado es poder interpretar nuestro presente y reflexionar de forma global, sistemática y no fragmentaria sobre la evolución del entorno y/o del paisaje urbano dentro de las artes visuales. Frente a la idea restrictiva de un paisaje que sólo se entiende como relacionado con una realidad natural estática, su ampliación a cualquier entorno (dado que los entornos naturales también son elaboraciones culturales cambiantes) y a cualquier mirada (puesto que el paisaje implica el espacio o el territorio que es observado desde una determinada posición o desde un determinado punto de vista), ha propiciado que esta investigación analice no sólo el significado de los nuevos territorios urbanos y periurbanos, sino también las visiones que estos generan, especialmente tras las aportaciones teóricas efectuadas por Charles Baudelaire y Umberto Boccioni (aportaciones que han de ser contextualizadas dentro del papel hegemónico que en la ordenación territorial está asumiendo contemporáneamente el fenómeno urbano). Para efectuar nuestro análisis hemos partido de las críticas culturalistas realizadas sobre la idea de naturaleza, así como de las posiciones fenomenológicas teorizadas por Martin Heidegg. / Santiago Martin De Madrid, P. (2009). Visiones del entorno. Paisaje, territorio y ciudad en las artes visuales [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/7122

La tesis estudia la producción pictórica del brasileño José Pancetti (1902-1958), con una mirada no comprometida con las amarras usuales. Para comprenderla con más profundidad, se analiza la cuestión: ¿La clasificación como pintor marinista, imputada al artista, traduce adecuadamente su obra pictórica? Para responderla, son señaladas y debatidas las incursiones del pintor en los géneros y escuelas por las que pasó, relacionándolos con sus influencias, a fin de proporcionar elementos para un análisis de apoyo más fundamental jamás habido sobre el pintor, cuya fuente más fiable es su propia obra. Los cambios socioculturales de la primera mitad del siglo XX en Brasil son debatidos a la luz de esquemas metodológicos desarrollados por algunos de sus más importantes autores, pero buscando en sus entrelineas una comprensión más allá de su formulario. Con base en esta literatura y matizándola con relatos de figuras remanentes de este momento, fue posible enfocar las acciones artísticas desarrolladas por el Núcleo Bernardelli, el cual integró Pancetti, en la formulación del arte moderno brasileño. La investigación verifica que el pintor ha recorrido un largo camino para edificar su obra, realizando avances y retrocesos, derivados de la propia condición del artista al colocarse ante los obstáculos que le imponen el arte de la pintura. El análisis revela la preocupación social y cultural, y el carácter de la brasilidad que asoman en la obra del pintor, donde se concluye, que la expresividad y la simplicidad son las claves predominantes en su poética. De este modo, la pluralidad y heterogeneidad circunscriben su obra, apartando, por tanto, el estereotipo de pintor marinista, contribuyendo a un mayor y mejor (re)conocimiento de dicha obra pictórica, reclamándole otra dimensión. / Reis De Macedo, FR. (2010). El pintor José Pancetti y su proyección en el arte social [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/7462

Este trabajo de investigación pretende, a través de las metodologías que apuntaremos, adentrarse en un proceso concreto de creación artística en el ámbito de la pintura mural al fresco, para deslindar con la mayor proximidad y precisión posibles, todos aquellos aspectos que lo configuran y permitir así dar paso a la obtención de los objetivos que nos hemos trazado. Por lo tanto, nuestra intención pretende analizar y clarificar la gestación del proceso, conocedores no obstante, de la dificultad que supone acometer una experiencia así, de difícil predicción en sus resultados. Para el estudio propuesto hemos elegido al pintor muralista Josep Minguell i Cardenyes, quien posee acreditada una amplia e intensa actividad en el ámbito de la pintura mural al fresco. Creemos que la mejor contribución al quehacer universitario, vendrá dada por el carácter innovador o diferenciador de sus producciones y en este sentido nuestro propósito esta bien encaminado o cuanto menos somos conscientes de la responsabilidad asumida. En la búsqueda de una complementariedad entre arte y erudición, que no oposición, recordemos no obstante las ¿Cartas Estéticas para la educación del hombre¿ que Schiller nos legara y donde ya se lamentaba de la ruptura entre el conocimiento especulativo y el conocimiento intuitivo - tan propio, este ultimo de la actividad artística - ; ruptura que consolida en definitiva, la división entre el arte y la erudición y que vendría a plantearnos en este sentido un reto añadido. Desde los preliminares del proyecto, incluyendo las imágenes mentales o proto-imágenes, hasta los últimos toques que el artista imprime a su obra, nos hemos propuesto dejar constancia de todo ello, tanto desde las sucesivas imágenes que hemos obtenido del proceso, como de las preguntas que el conjunto genera, concluyendo en una serie de consecuencias y conclusiones de todo orden: proyectuales, procesuales, técnicas y conceptuales, con la esperanza de que configuren un conjunto de conocimientos transmisibles. El pensamiento compartido de nuestro pintor estudiado, Josep Minguell , con el del artista Sol Lewitt, en el sentido de que una obra de arte coaliga el contenido conceptual con la materia y su proceso de ejecución, nos permite con mayor seguridad adentrarnos en su mundo interior. En esa concepción en la que la presencia de la obra (su forma) deviene su propia esencia (el contenido), nuestro proyecto resulta de mayor relieve y utilidad didáctica. Además coincide plenamente con nuestra posición al respecto: nuestro acercamiento a la idea, concepción, proyecto y proceso de ejecución del artista queda plenamente justificado. / Quílez Cepero, N. (2013). "Pintura Mural: Mirando un proceso" [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/31650

El propósito de esta investigación se centra en profundizar en las metodologías y criterios de intervención aplicados a la adhesión y consolidación de capas pictóricas contemporáneas sin proteger, así como en el estudio del comportamiento frente al envejecimiento de diversos polímeros y su posible viabilidad en el tratamiento de pintura vinílica, un tipo de aglutinante muy empleado en pintura actual. Los problemas de estabilidad presentados (levantamientos y pulverulencia) comprometen la integridad de las obras y plantean tratamientos de limitada reversibilidad y elevada complejidad técnica. Además de los cambios de tipo óptico y de la afectación del concepto de la obra, pueden producirse cambios físicos, químicos y mecánicos, pues los polímeros introducidos deben proporcionar uniones adhesivas y cohesivas correctas, compatibles y duraderas. De ahí que debamos seleccionar los sistemas más seguros y los materiales más estables. La parte teórica se inicia con el análisis del estado de la cuestión, el establecimiento de objetivos y la descripción de la metodología. Tras una introducción sobre los materiales, técnicas y acabados en pintura contemporánea, se analizan las principales tipologías y causas de alteración. Los capítulos siguientes están dedicados tanto a los polímeros empleados, como a los principios físicos y químicos implicados, así como a las técnicas y sistemas actuales de intervención. Estos se ilustran con múltiples ejemplos procedentes de las fuentes, del estudio e intervención de obras o de la encuesta realizada a especialistas en la materia. En la parte experimental se lleva a cabo un estudio comparativo de la estabilidad óptica, química (pH) y mecánica frente al envejecimiento acelerado de 16 polímeros naturales y sintéticos. Finalmente, se incluye una sección con la evaluación de los cambios ópticos y del grado de adhesión y cohesión obtenidos antes y después de envejecer, tras la aplicación de tres consolidantes y tres adhesivos sobre probetas que simulan pulverulencia (estrato con alto PVC: medio vinílico, blanco de titanio y azul ultramar) y falta de adhesión (estrato con bajo PVC: pintura vinílica comercial blanco titanio). Esta investigación ha sido desarrollada gracias a la Fundación ICO a través de una beca de postgrado en el Área B Arte Contemporáneo (2003-2004 y 2004-2005), al Instituto Valenciano de Conservación y Restauración de Bienes Culturales (IVC+R) y la colaboración del Museu d'Art Contemporani Aguilera Cerni de Vilafamés, Fons Artístic de la Universitat Jaume I, Colección Patronato Martínez-Guerricabeitia-UV, Departamento de Química Inorgánica y Orgánica de la Universitat Jaume I (UJI) e Instituto de Tecnología Cerámica (ITC). / Pastor Valls, MT. (2013). Estudio de sistemas y tratamientos de estabilización de capas pictóricas no protegidas en pintura contemporánea. Criterios y metodologías de actuación [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/34784 / Premios Extraordinarios de tesis doctorales

[EN] This thesis is the result of the need to research on treatments about stone consolidation support with cave art. The research focuses on the study and the search of certain guidelines that can guarantee a correct intervention of consolidation in the stone supports with rock art manifestations, taking as main reference coverts and the most important enclaves of Valencia, especially with detailed case of Cova Remígia, one of the most important places with Levantine cave painting demostrations. Firstly it has been made a documentary analysis of the historical tour of the coverts with rock art representations, focusing on key decisions that led to policy changes at the national level and influenced to a greater or lesser extent in Valencia and therefore in Cova Remígia. After assessing the condition of the work, it has proceeded to the evaluation of materials and consolidating processes. It has been made an assessment of the state of this particular topic, so that it has been analyzed and described the different materials and consolidation methods so far it has been used in this type of cave painting. Subsequently, it has been collected and analyzed the results from the experimental study devoted to characterize the behavior of the materials and consolidating selected products. To execute this evaluation, inorganic nature products commonly used in the scope of mural painting and stone materials based on nanoparticles and whose marketing has developed very widely in recent years have been chosen. These commercial products are based on traditional and regular materials used in restoration work, but their nanometric size gives them the ability to improve their properties and provide better results in the consolidation processes. The Cova Remígia has very particular issues about consolidation (fixation,stabilization). To resolve or at least alleviate these problems, including peeling and widespread decohesion, it has been selected multiple consolidating nanoparticle products. One is Nanorestore and other six different products of CaLoSiL range, synthesized in the laboratory from calcium hydroxide to treat problems of conservation and consolidation of calcareous rocks, among others. These consolidating have been chosen because of the advantages they bring, but also for their compatibility with the components of the substrate intended for the application, the stone stand of Cova Remígia. After the chemical and petrological characterization of stone material, it has been generated a total of 53 specimens, which were subjected to tests for water absorption by capillary action, accelerated aging, cycles of polluted atmosphere with SO2 and penetration tests of consolidant by staining with or without fluorescence. They were then analyzed by optical microscopy, with fluorescent light microscopy, and scanning electron microscopy SEM-EDX. Finally the results obtained from the study were assessed to establish conclusions set out in detail in the memory of this thesis. / [ES] Esta tesis doctoral es fruto de la necesidad de investigar sobre los tratamientos de consolidación de soporte pétreo con manifestaciones de Arte Rupestre. La investigación, se centra en el estudio y la búsqueda de ciertas pautas que puedan garantizar una correcta intervención de consolidación en los soportes pétreos que presentan manifestaciones de Arte Rupestre, tomando como principal referencia los abrigos más importantes de la Comunidad Valenciana y, en especial, la Cova Remígia, uno de los enclaves más importantes con manifestaciones de pintura rupestre de estilo Levantino, en el que se profundiza con un análisis detallado y exhaustivo. En primer lugar se ha efectuado un análisis documental sobre el recorrido histórico de los abrigos con representaciones de arte rupestre, centrándonos en las principales decisiones que generaron cambios normativos a nivel nacional e influyeron en mayor o menor medida en la Comunidad Valenciana y, por ende, en Cova Remígia. Una vez realizada la evaluación del estado de conservación del abrigo, se ha procedido al análisis de los materiales y procesos consolidantes que hasta la fecha se han utilizado en este tipoi de manifestaciones de pintura rupestre. Posteriormente se han recogido y analizado los resultados obtenidos tras el estudio experimental dedicado a caracterizar el comportamiento de los materiales y productos consolidantes seleccionados. Para llevar a cabo esta evaluación se han escogido productos de naturaleza inorgánica utilizados habitualmente en el campo de la pintura mural y los materiales pétreos, a base de nanopartículas y cuya comercialización se ha desarrollado muy profusamente en los últimos años. Estos productos comerciales parten de los materiales tradicionales y habituales empleados en restauración, pero su tamaño nanométrico les confiere la capacidad de mejorar sus propiedades y ofrecer mejores resultados en los procesos de consolidación. La Cova Remígia presenta unas problemáticas muy particulares en cuanto a consolidación (fijación, estabilización). Para resolver o al menos paliar estos problemas, que incluyen descamaciones y descohesión generalizada, se han seleccionado varios productos consolidantes nanoparticulados. Uno de ellos es Nanorestore y otros seis productos diferentes de la gama CaLoSiL, sintetizados en laboratorio a partir del hidróxido cálcico para tratar problemas de conservación y consolidación de rocas calcáreas, entre otros. Estas sustancias consolidantes han sido elegidas por las ventajas que aportan, pero también por su compatibilidad con los componentes del sustrato al cual va destinada la aplicación: el soporte pétreo de la Cova Remígia. Tras la caracterización química y petrológica del material pétreo, se han generado un total de 53 probetas, que fueron sometidas a ensayos de absorción de agua por capilaridad, envejecimiento acelerado, a ciclos de atmósfera contaminada con SO2 y a ensayos de penetración del consolidante mediante tinción, con y sin fluorescencia. Posteriormente, se analizaron mediante microscopía óptica, microscopía con luz fluorescente y microscopía electrónica de Barrido SEM-EDX. Finalmente, los resultados obtenidos tras el estudio fueron valorados para poder establecer unas conclusiones que se exponen con detalle en la memoria de esta tesis. / [CA] Aquesta tesi doctoral és fruit de la necessitat d'investigar sobre els tractaments de consolidació de suport petri amb manifestacions d'Art Rupestre. La recerca, es centra en l'estudi i la cerca de certes pautes que puguin garantir una correcta intervenció de consolidació en els suports petris que presenten manifestacions d'Art Rupestre, prenent com a principal referència els abrics més importants de la Comunitat Valenciana i, especialment, la Cova Remígia, un dels enclavaments més importants amb manifestacions de pintura rupestre d'estil Llevantí, en el qual s'aprofundeix amb una anàlisi detallada i exhaustiva. En primer lloc s'ha efectuat una anàlisi documental sobre el recorregut històric dels abrics amb representacions d'art rupestre, centrant-nos en les principals decisions que van generar canvis normatius a nivell nacional i van influir en major o menor mesura a la Comunitat Valenciana i, per tant, en Cova Remígia. Una vegada realitzada l'avaluació de l'estat de conservació de l'abric, s'ha procedit a l'anàlisi dels materials i processos consolidants que fins avui s'han utilitzat en aquest tipus de manifestacions de pintura rupestre. Posteriorment s'han arreplegat i analitzat els resultats obtinguts després de l'estudi experimental dedicat a caracteritzar el comportament dels materials i productes consolidants seleccionats. Per a dur a terme aquesta avaluació s'han escollit productes de naturalesa inorgànica utilitzats habitualment en el camp de la pintura mural i els materials pétris, a base de nanopartícules i la comercialització dels quals s'ha desenvolupat molt profusament en els últims anys. Aquests productes comercials parteixen dels materials tradicionals i habituals empleats en restauració, però la seua grandària nanométrica els confereix la capacitat de millorar les seues propietats i oferir millors resultats en els processos de consolidació. La Cova Remígia presenta unes problemàtiques molt particulars quant a consolidació (fixació, estabilització). Per resoldre o almenys pal·liar aquests problemes, que inclouen descamacions i descohesió generalitzada, s'han seleccionat diversos productes consolidants nanoparticulats. Un d'ells és Nanorestore i altres sis productes diferents de la gamma CaLoSiL, sintetitzats en laboratori a partir de l'hidròxid càlcic per a tractar problemes de conservació i consolidació de roques calcàries, entre uns altres. Aquests consolidants han sigut triats pels avantatges que aporten, però també per la seva compatibilitat amb els components del substrat on va destinada l'aplicació, el suport petri de la Cova Remígia. Després de la caracterització química i petrològica del material petri, s'han generat un total de 53 provetes, que van ser sotmeses a assajos d'absorció d'aigua per capil·laritat, envelliment accelerat, a cicles de atmosfera contaminada amb SO2 i a assajos de penetració del consolidant mitjançant tinció, amb i sense fluorescència. Posteriorment es van analitzar mitjançant microscopia òptica, microscopia amb llum fluorescent i microscopia electrònica de Barrido SEM-EDX. Finalment els resultats obtinguts després de l'estudi van ser valorats per poder establir unes conclusions que s'exposen amb detall en la memòria d'aquesta tesi. / Barreda Usó, G. (2016). Consolidantes para soportes pétreos con manifestaciones de Arte Rupestre en la Comunidad Valenciana. Análisis práctico en Cova Remígia (Barranc de Gassulla-Ares del Maestre) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63280

[EN] We are proposing a personal itinerary based on a large number of artists in order to set out forms and attitudes that merge 'painting' and 'landscape' as fibres of a very same thread. In that process, in its evolution and itinerary, we find an essential and strategical line for analysing the idea of the monochrome in its full extent. A path that seems to take its first and last steps within the idea of the landscape. Thus, this will be the main object of study in this work, in which although in its development the personal production has been essential, this should not be considered as the focus but as the substratum which provides the possibility of talking about ourselves without actually doing it. / [ES] Proponemos un recorrido personal que se apoya en numerosos artistas para plantear formas y actitudes que entremezclan «pintura» y «paisaje» como fibras de una misma cuerda. Y en ese desarrollo encontramos en el proceso y el recorrido una línea estratégica fundamental para analizar la extensión de la idea de monocromo, un camino que parece dar sus primeros y sus últimos pasos en el paisaje. Este será, pues, el objeto último de estudio en este trabajo, en el que si bien en su desarrollo ha sido fundamental la producción personal, no se sitúa ésta como centro visible sino como sustrato que nos brinda la posibilidad de hablar de nosotros mismos sin llegar a hacerlo realmente. / [CA] Proposem un recorregut personal que es recolza en nombrosos artistes per a plantejar formes i actituds que entremesclen «pintura» i «paisatge» com a fibres d'una mateixa corda. I en eixe desenvolupament trobem en el procés i el recorregut una línia estratègica fonamental per analitzar l'extensió de la idea de monocrom, un camí que sembla donar els seus primers i els seus últims passos en el paisatge. Aquest serà, doncs, l'objecte últim d'estudi en aquest treball, en el que si bé en el seu desenvolupament ha sigut fonamental la producció personal, no es situa aquesta com a centre visible sinó com a substrat que ens brinda la possibilitat de parlar de nosaltres mateixos sense arribar a fer-ho realment. / Grau Garcia, I. (2016). The Painter on the Road. De la pintura de paisaje a pintar en el paisaje. La importancia del proceso y el recorrido en la extensión de la idea de monocromo [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63462

[EN] Scientific methodology for the preparation of authentication. The pictorial technique of Amedeo Modigliani. The pictorial work of Amedeo Modigliani is scarce. Only 337 pictures are preserved. After his tragic death his figure became legendary, and his pictures gradually in-creased their market value. These facts led to the existence of a multitude of forgeries that started around the 1920 s. The auction sales have reached world records in recent years. This thesis presents a model of scientific expertice of the pictorial work of Amedeo Modigliani. It is based on the combination of historic/stylistic studies used by historiagrafy of traditional art and the analysis of the physical-chemical techniques used in documentation and modern restoration. By means of the compilation of a wide investigation on numerous works of the artist of undisputable authenticity, belonging to international, public and private collections, a method of exclusive authentificaction is prepared for this painter and it is applied on six cases, six works attributed to the artist, three of which were found to be fakes: Portrait of Hanka Zborowska, (private collection, Bilbao), Portrait of a woman (private collection, Vitoria), Little girl, (private collection, Florence). One was inconclusive due to lack of comparative analysis of works: Portrait of a woman (private collection, Paris). And two were authentics: The patrone (private collection, Mexico D.F.), and Portrait of Guillaume Apollinaire, (private collection, Osaka). The designed protocol is practised and demonstrates the utility for the hypothetical employment during a future review of the reasoned catalogue of the artist, making it a useful tool to help in the middle of the panorama of disorientation and discredit in the expert assessment of his works. / [ES] Metodología científica para la realización de expertizaciones. La técnica pictórica de Amedeo Modigliani. La obra pictórica de Amedeo Modigliani es escasa. Se conservan apenas 337 cua-dros. Tras su trágica muerte su figura se convirtió en mítica y sus cuadros fueron aumentando poco a poco su valor de mercado. Estos hechos provocaron la existencia de multitud de falsificaciones ya desde 1920. Los remates de sus ventas han alcanzado en los últimos años records mundiales. La presente tesis doctoral muestra un modelo de expertizaje científico de la obra pictórica de Amedeo Modigliani basado en la combinación de los estudios histórico-estilísticos clásicos empleados por la historiografía del arte tradicional, y las técnicas de análisis fisicoquímicas. Mediante la recopilación de una amplia investigación sobre numerosas obras del artista, de indiscutible autenticidad, pertenecientes a colecciones internacionales, públicas y privadas, se ha elaborado un método de autentificación exclusivo para este pintor y se ha aplicado sobre seis obras atribuidas al artista, de las cuales tres resultaron ser falsas: Retrato de Hanka Zborowska, (colección particular, Bilbao), Retrato de mujer, (colección particular, Vitoria) y Retrato de niña (colección particular, Florencia). En uno de los casos, los resultados no fueron concluyentes, por falta de análisis de obras de comparación: Retrato de mujer, (colección particular, París). Por último, dos obras fueron autentificadas como realizadas por Modigliani: La patrone (colección particular, México D.F.) y Retrato de Guillaume Apollinaire (colección particular, Osaka). Con ello se ensaya la idoneidad del protocolo diseñado y se demuestra la utilidad, a efectos de su hipotético empleo durante una futura revisión del catalogo razonado del artista, como una herramienta que puede ser clave para ayudar, en medio del panorama de desorientación y descrédito en el que se encuentra la expertización de sus obras. / [CA] Metodologia científica per a la realització d'expertizacions. La tècnica pictòrica d'Amedeo Modigliani. L'obra pictòrica d'Amedeo Modigliani és escassa. Es conserven a penes 337 quadres. Després de la seua tràgica mort, la seua figura es va convertir en mítica i els seus quadres van anar augmentant a poc a poc el seu valor de mercat. Estos fets van provocar l'existència de multitud de falsificacions ja des de 1920. Els acabaments de les seues vendes han aconseguit en els últims anys rècords mundials. La present tesi doctoral mostra un model d'expertizaje científic de l'obra pictòrica d'Amedeo Modigliani basat en la combinació dels estudis històrics-estilístics clàssics empleats per l'historiografía de l'art tradicional, i les tècniques d'anàlisis fisicoquími-ques. Per mitjà de la recopilació d'una àmplia investigació sobre nombroses obres de l'artista, d'indiscutible autenticitat, pertanyents a col.leccions internacionals, públiques i privades, s'ha elaborat un mètode d'autentificació exclusiu per a este pintor i s'ha aplicat sobre sis obres atribuïdes a l'artista de les quals tres van resultar ser falses: Retrat de Hanka Zborowska (col.lecció particular, Bilbao), Retrat de dona (col.lecció particular, Vitoria) i Retrato de xiqueta (col.lecció particular, Florencia). Una no va ser concloent per falta de analisis d¿obres de comparació: Retrat de dona (col.lecció particular París). Per últim, dues obres van ser autenticades com realitzades per Modigliani: La patrone (col.lecció particular, Mèxic D.F.) i Retrat de Guillaume Apollinaire (col.lecció particular, Osaka). Amb això s'assaja la idoneïtat del protocol dissenyat i es demostra la utilitat a l'efecte de la seua hipotètica ocupació durant una futura revisió del catàleg raonat de l'artista, com una ferramenta ue pot ser calu per ajudar, enmig del panorama de desorientació i descrèdit en el qual es troba l'expertització de les seues obres. / García Hernández, MG. (2016). METODOLOGÍA CIENTÍFICA PARA LA REALIZACIÓN DE EXPERTIZACIONES. LA TÉCNICA PICTÓRICA DE AMEDEO MODIGLIANI [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/68511

The present dissertation ("Hybridisations between music and painting: the relationship of Morton Feldman and Mark Rothko in Rothko Chapel") has as main objective to examine the technical approach, the stylistic resources and the degree of interdisciplinary relation that establishes between the work of the American composer Morton Feldman (1926 - 1987) Rothko Chapel (1971) and the work of the same painter, also American, Mark Rothko (1903 - 1970), realized in Houston, Texas. By linking the pictorial and architectural work with the musical - due to the "autobiographical character" attributed by the composer to his piece - the research addresses its degree of hybridization, the rhetorical, narrative or imitative processes used and the possibility of classification of This interdisciplinary convergence within the scope of musical ekphrasis. Because of this, the work developed, which has a transdisciplinary character, focuses basically on the study, analysis and comparison - through similarities and / or references - of the musical and pictorial work within the North American artistic and sonorous context of Mid twentieth century. However, while the musical proposal is approached with a technical and systematic criterion of analysis of the score - from a melodic, harmonic, organological, agogical, dynamic and structural point of view, the pictorial intervention is examined not only as a site project -specific - number of paintings or panels, size, shape and technique of the same, arrangement in the architectural space, specific treatment of light - but also as a plastic disc inserted in the artistic and vital trajectory of its author. The comparative study is completed with textual and biographical contributions, especially related to Morton Feldman, given the importance they have in order to locate Rothko Chapel in a context that, beyond strictly musical, reflects the pictorial influence that the work had Of Rothko in the compositional methods of our musician. Finally, the thesis is accompanied by a self-recorded CD on Rothko Chapel, a recording that is also accessible through an online platform. Through the same it is wanted that the interpretation made allows to contrast the proposals, the results and the conclusions obtained during the investigation process. / La presente tesis doctoral ("Hibridaciones entre música y pintura: la relación de Morton Feldman y Mark Rothko en Rothko Chapel") tiene como objetivo principal examinar el planteamiento técnico, los recursos estilísticos y el grado de relación interdisciplinar que se establece entre la obra del compositor estadounidense Morton Feldman (1926 - 1987) Rothko Chapel (1971) y el trabajo homónimo del pintor, también estadounidense, Mark Rothko (1903 - 1970), realizado en Houston, Texas. Al vincular la obra pictórica y arquitectónica con la musical -debido al "carácter autobiográfico" que el mismo compositor le atribuye a su pieza-, la investigación aborda su grado de hibridación, los procesos retóricos, narrativos o imitativos utilizados y la posibilidad de clasificación de esta convergencia interdisciplinar dentro del ámbito de la écfrasis musical. Debido a ello, el trabajo desarrollado, que posee un carácter transdisciplinar, se centra básicamente en el estudio, análisis y comparación -a través de similitudes y/o referencias- de la obra musical y de la pictórica dentro del contexto artístico y sonoro norteamericano de mediados del siglo XX. Ahora bien, mientras que la propuesta musical es abordada con un criterio técnico y sistemático de análisis de la partitura -desde un punto de vista melódico, armónico, organológico, agógico, dinámico y estructural-, la intervención pictórica es examinada no solo como proyecto site-specific -número de cuadros o paneles, tamaño, forma y técnica de los mismos, disposición en el espacio arquitectónico, tratamiento específico de la luz-, sino también como discurso plástico inserto en la trayectoria artística y vital de su autor. El estudio comparativo realizado se completa con aportaciones textuales y biográficas, especialmente vinculadas a Morton Feldman, dada la importancia que estas poseen de cara a ubicar Rothko Chapel en un contexto que, más allá de lo estrictamente musical, recoge la influencia pictórica que tuvo la obra de Rothko en los métodos compositivos de nuestro músico. Finalmente, la tesis se acompaña con una grabación propia en CD de Rothko Chapel, grabación que también es accesible través de una plataforma en línea. A través de la misma se desea que la interpretación efectuada permita contrastar las propuestas, los resultados y las conclusiones obtenidas durante el proceso de investigación. / La present tesi doctoral ("Hibridacions entre música i pintura: la relació de Morton Feldman i Mark Rothko en Rothko Chapel") té com a objectiu principal examinar el plantejament tècnic, els recursos estilístics i el grau de relació interdisciplinària que s'estableix entre l'obra del compositor nord-americà Morton Feldman (1926 - 1987) Rothko Chapel (1971) i el treball homònim del pintor, també nord-americà, Mark Rothko (1903 - 1970), realitzat en Houston, Texas. En vincular l'obra pictòrica i arquitectònica amb la musical -a causa de el "caràcter autobiogràfic" que el mateix compositor li atribueix a la seua peça-, la recerca aborda el seu grau d'hibridació, els processos retòrics, narratius o imitatiUs utilitzats i la possibilitat de classificació d'aquesta convergència interdisciplinària dins de l'àmbit de la écfrasis musical. A causa d'açò, el treball desenvolupat, que posseeix un caràcter transdisciplinar, se centra bàsicament en l'estudi, anàlisi i comparació -a través de similituds i/o referències- de l'obra musical i de la pictòrica dins del context artístic i sonor nord-americà de mitjan el segle XX. Ara bé, mentre que la proposta musical és abordada amb un criteri tècnic i sistemàtic d'anàlisi de la partitura -des d'un punt de vista melòdic, harmònic, organológico, agógico, dinàmic i estructural-, la intervenció pictòrica és examinada no solament com a projecte site-*specific -nombre de quadres o panells, grandària, forma i tècnica dels mateixos, disposició en l'espai arquitectònic, tractament específic de la llum-, sinó també com a discurs plàstic inserit en la trajectòria artística i vital del seu autor. L'estudi comparatiu realitzat es completa amb aportacions textuals i biogràfiques, especialment vinculades a Morton Feldman, donada la importància que aquestes posseeixen de cara a situar Rothko Chapel en un context que, més enllà de l'estrictament musical, arreplega la influència pictòrica que va tenir l'obra de Rothko en els mètodes compositius del nostre músic. Finalment, la tesi s'acompanya amb un enregistrament propi en CD de Rothko Chapel, enregistrament que també és accessible través d'una plataforma en línia. A través de la mateixa es desitja que la interpretació efectuada permeta contrastar les propostes, els resultats i les conclusions obtingudes durant el procés de recerca. / Cerveró Beta, JJ. (2017). Hibridaciones entre música y pintura: la relación de Morton Feldman y Mark Rothko en Rothko Chapel [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90572

[ES] Investigación teórica y reflexión artística acerca del grupo Oulipo (acrónimo de Taller de Literatura potencial). Reunión de matemáticos y escritores que nace en Francia a mediados del s. XX con el objetivo de crear literatura potencial mediante la utilización de trabas matemático-literarias auto-formuladas para ser impuestas en sus obras. Estudiamos la metodología de creación y aplicación de las trabas oulipianas con la intención de realizar una transposición pictórica desde el ámbito de la literatura. Es así como nace el Oulipeinpo (Taller de literatura y pintura potencial) término de creación propia que alude a la fusión del Oulipo con la pintura y propone un inventario de trabas oulipeinpianas que promuevan la creación de obras pictóricas potenciales. Al igual que los textos del Oulipo estos cuadros se caracterizan por un componente lúdico que incita al espectador/lector a entrar en el propio juego de la obra descubriendo, desenmascarando, las trabas utilizadas. Semejante premisa de aplicación de trabas crea dos series pintadas: Autorretrato oulipeinpiano vs. Especies de espacios y Retrato oulipeinpiano vs. Ejercicios de estilo. Aludiendo ya desde el título a obras de los máximos representantes del Oulipo: Georges Perec y Raymond Queneau, respectivamente. Tanto el Oulipo como el Oulipeinpo son muestra de la complejidad creativa que se alcanza a través de la unión de distintas disciplinas que en primera instancia parecen disociadas. Interés creativo que nos hace trasladar el Oulipeinpo al aula, para llevar a cabo dos proyectos artístico-educativos que, con el Arte como vehículo transdisciplinar, atravesarán las matemáticas, la lengua, la literatura, los idiomas, la ciencia y la filosofía, y las aunarán. Con el primero se incitará al alumno a la reflexión sobre el "yo" y los "otros" a través del retrato oulipeinpiano. Con el segundo, los alumnos crearán "sardinosaurios oulipeinpianos", híbridos de animales imaginarios que habitan los mares de la Luna. Ambos proyectos fueron llevados a cabo, como artista habitante, en el CEIP Heroínas de Sálvora de Aguiño (Ribeira). Se trata de una investigación basada en la teoría y en la práctica que sigue una metodología activa y vivencial. Pues suscribiendo a Arnheim, una buena teoría del Arte ha de oler a taller. / [CA] Recerca teòrica i reflexió artística sobre el grup Oulipo (acrònim de Taller de Literatura potencial). Reunió de matemàtics i escriptors que naix a França a mitjans del s. XX amb l'objectiu de crear literatura potencial mitjançant la utilització de normes matemàtic-literàries auto-formulades per a ser imposades en les seues obres. Estudiem la metodologia de creació i aplicació de les normes oulipianes amb la intenció de realitzar una transposició pictòrica des de l'àmbit de la literatura. És així com naix l'Oulipeinpo (Taller de literatura i pintura potencial); terme de creació pròpia que al·ludeix a la fusió de l'Oulipo amb la pintura i proposa un inventari de normes oulipeinpianes que promoguen la creació d'obres pictòriques potencials. De la mateixa manera que els textos de l'Oulipo, aquests quadres es caracteritzen per un component lúdic que incita a l'espectador / lector a entrar en el propi joc de l'obra, descobrint, desemmascarant les normes utilitzades. Aquesta premissa d'aplicació de normes crea dos sèries pintades: Autoretrat oulipeinpiano vs. Espècies d'espais i Retrat oulipeinpiano vs. Exercicis d'estil. Al·ludint ja des del títol a obres dels màxims representants de l'Oulipo: Georges Perec i Raymond Queneau, respectivament. Tant l'Oulipo com l'Oulipeinpo són la mostra de la complexitat creativa que s'aconsegueix a través de la unió de diferents disciplines que, en primera instància, semblen dissociades. Per açò l'Oulipeinpo entra a l'aula, per a dur a terme 2 projectes artístic-educatius que amb l'art com a vehicle transdisciplinar travessaran les matemàtiques, la llengua, la literatura, els idiomes, la ciència i la filosofia, i les conjuminaran. Amb el primer s'incitarà a l'alumne a la reflexió sobre el "jo" i els "altres", mitjançant el retrat oulipeinpia. Amb el segon, els alumnes crearan "sardinosaures oulipeinpians", híbrids d'animals imaginaris que habiten els mars de la Lluna. Tots dos projectes van ser duts a terme, com a artista habitant, en el CEIP Heroínas de Sálvora de Aguiño (Ribeira). Es tracta d'una recerca basada en la teoria i en la pràctica que segueix una metodologia activa i vivencial. Així doncs, subscrivint a Arnheim, una bona teoria de l'Art ha de fer olor de taller. / [EN] Theoretical research and artistic reflection on the Oulipo group (acronym for French: Ouvroir de littérature potentielle; roughly translated: "workshop of potential literature"). Oulipo is a gathering of mathematicians and writers born in France in the middle of the 20th century with the aim of creating potential literature by using constrained writing techniques, based on literary-mathematical self-formulated rules to be imposed on his works. Methodology of creation and application of oulipian rules is studied with the intention of execute a pictorial transposition from the field of literature. This is how Oulipeinpo (Workshop of potential literature and painting) is born. The Oulipeinpo is a self-created term which alludes to the fusion of Oulipo with painting and proposes an inventory of oulipeinpian rules that promote creation of potential pictorial works. Like the Oulipo texts, these paintings are characterized by a ludic component that encourages the viewer/reader to enter the play of the work, discovering, unmasking the rules used. Such a premise of application of these rules creates two series of paintings: Self-portrait oulipeinpiano vs. Species of spaces and Portrait oulipeinpiano vs. Exercises style. From the title onwards, they alluded to works of the most important representatives of the Oulipo: Georges Perec and Raymond Queneau, respectively. Both Oulipo and Oulipeinpo are samples of the creative complexity that is reached through the union of different disciplines that in the first instance seem dissociated. That is why Oulipeinpo enters the classroom to carry out two artistic-educational projects that, with art as a transdisciplinary vehicle, will cross and unite mathematics, language, literature, languages, science and philosophy. With the first, the student will be encouraged to deep think about the "I" and the "others" through the Oulipeinpiano portrait. With the second the students will create "oulipeinpian sardinosaurs", hybrids of imaginary animals that inhabit the seas of the Moon. Both projects were carried out, as a resident artist, at the CEIP Heroínas de Sálvora de Aguiño (Ribeira). It is a research based on theory and practice that follows an active and experiential methodology. Subscribing to Arnheim, a good theory of Art must smell like a workshop. / Pardo Basanta, A. (2019). OuLiPo RETRATADO: Juego y transdisciplina. Un proyecto pictórico y educativo [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/134013