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El presente trabajo consiste en un estudio sistemático de la importancia del mar en la pintura del norte de España de los últimos 70 años. No se trata de un estudio genérico, sino que busca la concreción, no contemplando las obras y autores en los que el mar es un mero acompañamiento, como podría serlo cualquier otro elemento, o en los que el tratamiento de este género ha sido ocasional o puntual. El mar debe ser el protagonista, aunque en ocasiones sea paralelo -o incluso secundario- a otro posible protagonista, de la misma manera que en un cuadro de paisaje consiste en una representación de la naturaleza con otros elementos posibles, incluso con preeminencia. Así pues, es - haciendo una recopilación de pintores que hayan abordado el tema de la marina, de forma directa y en la pintura figurativa- un análisis de la obra general, y ubicarla en su contexto histórico para poder establecer la dinámica de la creación pictórica en este tema y en esta área.

La tesis se centra en los sistemas de puesta en escena del gesto artístico de van Gogh desde una perspectiva diacrónica de la tradición cinematográfica. La hipótesis del trabajo ha sido que la representación cinematográfica del gesto artístico del pintor se desprende de la leyenda y de ésta, el gesto hereda y recrea unas formas y unos tópicos dados. Debido a la amplia filmografía existente, el hábeas de la investigación se ciñe a aquellas películas que han sido concebidas por directores con formación y experiencia pictórica: donde aparece una obra clásica de la cinematografía americana, Lust for Life, 1956, de Vincente Minnelli y dos de principios de la década de los años noventa, Los Cuervos, episodio n. 5 de Los sueños, 1990, de Akira Kurosawa y Van Gogh, 1991, de Maurice Pialat. Esta delimitación unifica la investigación a las propuestas de unos creadores cinematográficos que comparten afinidad por la práctica plástica y que han sido pintores como el sujeto de su mirada.En la primera parte de la tesis se establece la conformación de la trayectoria que lleva a Vincent van Gogh del anonimato a mito artístico del siglo XX. Con la ayuda de las aportaciones de la historia del arte, de la crítica de la obra y de la antropología cultural de autores como C. Zemel, E. Kris y O. Kurz, N. Heinich, M. Eliade, G. Pollock, P. Bourdieu y M. Delgado, se exponen las bases de esta construcción legendaria dominante. Se contextualiza a continuación la noción gesto del artista que tiene lugar en la práctica pictórica de la estética y autonomía post-renacentista, con autores como E. Ocampo, R. Argullol, R. Debray, Y. Eco y J. Clair entre otros. Para finalizar este estado de la cuestión sobre todos los temas relacionados con el objeto de estudio, la tesis analiza y contrasta la puesta en escena del gesto de la práctica pictórica en la mirada documental -la que cuenta con la presencia de un pintor real delante del objetivo de la cámara- y en la mirada de la ficción en sus dos vertientes: la del pintor del imaginario que solo tiene una existencia en la pantalla y la del pintor del pasado, cuyas obras forman parte de la historia del arte. En la segunda parte de la tesis se analizan y valoran en profundidad las tres películas nombradas en el corpus de la investigación, enmarcando su estudio en la tradición cinematográfica y a su autor en relación a la obra. Se contempla asimismo el tipo de elaboración biográfica, la encarnación del pintor -personaje, actor, interpretación- para finalmente focalizar el modelo de puesta en escena de la práctica pictórica: donde destacan los aspectos de la gestualidad, ritualización, alegorías del gesto artístico, o también su total ausencia, dependiendo de la propuesta. El camino recorrido por la investigación permite concluir que para finalizar el acto de pintar de van Gogh, Minnelli establece un canon en la forma melodramática del clasicismo avanzado, Jurosawa lo retoma para interpretar este canon desde la mirada de la post-modernidad cinematográfica y Pialat pone en escena una antítesis del canon de Minnnelli en la corriente que va del realismo cinematográfico a la modernidad. La vidibilidad del gesto artístico de Vincent van Gogh y su negación se exponen como resoluciones antitéticas, pero las dos debidas a la existencia de la leyenda de van Gogh.

La presente tesis doctoral es resultado de una investigación sobre la posibilidad de estimular la imaginación a través de la creación de imágenes en la mente, utilizando la Zona de Desarrollo Próximo como espacio de trabajo y la intertextualidad e interdisciplinariedad como recursos didácticos. La intervención didáctica se ha realizado con el álbum ilustrado Concertina y el dragón, creado para esta investigación, y en el cual los diversos textos dialogan con la finalidad de conseguir silencios necesarios para la creatividad (siguiendo la ruta de Barjou). Se han llevado a cabo experiencias grupales con alumnado de Educación Primaria de dos países (España y Marruecos) y diferentes entornos sociales con el objetivo de recabar los dibujos que nos faciliten las distintas informaciones. En este sentido, hemos evaluado los resultados, demostrando así que la creatividad en el modelo interdisciplinar e intertextual determinan la validez de nuestra tesis. / he current doctoral thesis is the outcome of the research about the possibility to encourage the imagination by creating images in somebody’s mind. We would use the Zone of Proximal Development as the work area and the intertextuality and interdisciplinary nature as didactic resources. The didactic intervention has been done using the ilustrated book Concertina y el dragón, purposely created for the investigation. This book’s texts work together to find needed silences to allow creativity (following Barjou’s way). Group experiences have been carried out with pupils from Primary School in two countries (Spain and Marocco) as well as in diverse social enviroments, in order to gather drawings which would give us all different information. In this sense, we have evaluated the results, and can prove that creativity in a interdisciplinar and intertextual model, determine the validity of our thesis.

This thesis is a compilation and a cataloging a series of original artworks decorative type, for murals in different techniques, which have been linked to the inputs of the buildings that support, shape and own part of the architectural ensemble. Currently, this documentation is not closed or completed; new issues have appeared which deserve being catalogued in the future. Fieldwork is the starting point of this investigation, together with a great number of documentary sources, such as artist biographies, catalogs of related works as well as a thorough study of the artistic techniques employed in these works. To understand this type of artistic works is necessary to investigate a series of historical backgrounds. It is also necessary to know the hottest artists and their social, historical and cultural environment, having discovered between these artists collective groupings. Apart from the works to be studied, those located in the lobbies and hallways of private homes, I have contributed with other works from the same period which can be found at the entrance and common areas of public sector buildings. Besides, this research should also contribute to make people feel aware of how important the conservation and protection of our heritage is by recognizing its historic values, no matter how old is. This research is divided into the following three thematic sections: • The first block belongs to the introductory part of a historical nature, which studies the origin of pieces, their classification, cataloging and historical context, and a brief reference to those which have disappeared. It is sub-classified into public and private works. This block comes with a large graphic documentation, support data analysis and a variety of documentary sources. • The second part deals with the artists who created the works that formed this study, from the distant past to the present. This section includes a brief mention of their biographies and the groups these artists belonged to in the mid-twentieth century to explain the reasons that led to these style of works and their common features. • The third section contains a comprehensive study on plastic graphic techniques used to create these pieces, a difficult task because it was conducted in an era of experimental research of artistic techniques. This has led to more freedom in plastic art nowadays. • Finally, the reader would find several sections in Annexes related to these subjects, for example reports on analyzed items, diagrams, chronological axis, maps, and so on. To conclude the thesis, we have reached a number of general conclusions: • The decorative painting has been in the city of Murcia throughout history, and still today we find existing samples, we confirm this. • Far from the pictorial program major commissions, civil and religious, until the twentieth century that were common, comes a new type of job, the individual and private sphere, as well as at the institutional level. • The theme developed is varied, have also used different artistic trends such as figuration, abstraction, cubism and impressionist forms, among others. • These decorative and artistic achievements have used various mural painting techniques and media. • Many artists were the architects of this type of decorations, some had in common the same artistic interests, reaching thereby form a number of groups. • We know that you know works may appear today, but we must make clear the possibility of a successful expansion of this research present here • At the end of this work we have followed knowing data, as some unknown authorship. Thus this thesis is open to research, with the intention to continue researching and cataloging these works. / Trata de una recopilación y catalogación de una serie de obras artísticas originales de tipo decorativo, a modo de murales en variadas técnicas, que han quedado vinculadas a las entradas de los edificios que las sustentan y configuran así parte del propio conjunto arquitectónico. Actualmente esta catalogación no está cerrada ni concluida, pues a día de hoy siguen apareciendo nuevos ejemplares que merecen ser registrados en un futuro. El trabajo de campo es el detonante de esta investigación, acompañándolo de numerosas fuentes documentales, como biografías de artistas, catálogos de obras relacionadas, así como un minucioso estudio de las técnicas artísticas empleadas en dichas obras. Para entender este tipo de obras artísticas es necesario investigar una serie de antecedentes históricos. También es necesario conocer a los artistas del momento así como su contexto social, histórico y cultural, habiendo descubierto agrupaciones colectivas entre estos artistas. A parte de las obras a analizar, las situadas en los vestíbulos y zaguanes de las viviendas particulares, se han complementado con otras obras de la misma época, que están situadas en las entradas y en los espacios comunes de edificios de ámbito público. En parte, otro de los objetivos de este estudio de investigación, debería ser sensibilizar y concienciar al ciudadano de la importancia de la tarea de conservación y protección del patrimonio, del valor que tienen al presente y que pueden llegar a tener esta serie de obras en un futuro, y en conclusión, de saber valorar y reconocer su pasado histórico artístico aunque sea relativamente reciente. El trabajo de investigación aquí presente, se encuentra dividido en tres bloques temáticos, relacionados entre sí: El primer bloque pertenece a la parte introductora de carácter histórico, donde se estudia el origen de las piezas, su clasificación, catalogación y contexto histórico, así como una breve alusión a diferentes obras ya desaparecidas. Se encuentra subdividido entre obras de ámbito público y obras de ámbito privado. Este bloque viene acompañado de numerosa documentación gráfica, análisis de datos y apoyo en diversas fuentes documentales. El segundo bloque trata sobre los artistas creadores de las obras que comprenden el estudio de investigación, desde los más lejanos en el tiempo hasta los contemporáneos nuestros. Este bloque abarca una breve mención de sus biografías, las cuales nos relatan su vida y su trayectoria artística. También incluye este bloque las diferentes agrupaciones de dichos artistas, de tipo reivindicativo en su mayoría, las cuales surgieron sobre todo a mediados del siglo XX. Estudiando las razones que dieron lugar a este tipo de obras y sus características comunes. El tercer bloque contiene un amplio apartado dedicado a las técnicas grafico plásticas con las que se realizaron estas piezas, siendo muy variado debido a que se realizaron en una época de investigación experimental de las técnicas artísticas, que es el antecedente que ha dado lugar a que hoy podamos tener una mayor libertad en cuanto a la técnica plástica en el arte de hoy. Trata de un estudio de dichas técnicas y soportes, avalado por diferentes fuentes documentales. Finalmente en los anexos, encontraremos varios apartados relacionados con el tema a analizar. Así como los informes de las piezas analizadas, esquemas para una mayor comprensión, ejes cronológicos, mapas donde aparece la ubicación de las piezas, etc. Para concluir la tesis doctoral, hemos llegado a una serie de conclusiones generales: La pintura decorativa ha estado presente en la ciudad de Murcia a lo largo de la historia, y todavía hoy encontramos muestras vigentes, que nos lo confirman. Lejos de los grandes encargos de programas pictóricos, civiles y religiosos, que hasta el siglo XX eran habituales, nace un nuevo tipo de encargo, el particular y de ámbito privado, así como en el ámbito institucional. La temática desarrollada es variada, también se han utilizado diferentes tendencias artísticas, como la figuración, la abstracción, las formas cubistas e impresionistas, entre otras. En estas realizaciones decorativas y artísticas se han utilizado variadas técnicas pictóricas murales y soportes. Fueron muchos artistas los artífices de este tipo de decoraciones, algunos tenían en común las mismas inquietudes artísticas, llegando a formar por ello una serie de colectivos. Sabemos que pueden aparecer obras que desconocemos a día de hoy, pero hay que dejar claro la posibilidad de una fructífera expansión de esta investigación aquí presente Al cierre de este trabajo hemos seguido conociendo datos, como alguna autoría desconocida. Por ello esta Tesis Doctoral queda abierta a la investigación, con la intención de seguir investigando y catalogando este tipo de obras.

Among the many readings of this painter, I try to draw up a narrative reading of his work, taking into account the Jewish tradition in which both his biography and his artistic work were deeply involved. Once I have discussed this point in the first part of my doctoral thesis, I suggest the possibility of developing a hermeneutic narrative in painting, with the help of other contributions. Chagall is an artist who passes on and expresses experiences, recreates moments of his childhood, constantly expressing love for his hometown, Vitebsk; he narrates building and making fiction of images and pictorial metaphors / Dentro de las muchas lecturas de este pintor, intento hacer una lectura narrativa de su obra, teniendo en cuenta su integración en la tradición judía en cuya atmósfera pervive tanto su biografía como su producción artística. Una vez trabajado este primer espacio concreto de mi tesis, insinúo la posibilidad de elaborar con más ayudas y otras colaboraciones una hermenéutica narrativa en pintura. Chagall es un artista que transmite experiencias, recrea momentos de su infancia, trasmitiendo constantemente el amor a su pueblo natal, Vitebsk; narra construyendo y ficcionando imágenes y metáforas pictóricas

El objetivo fundamental de esta Tesis es describir y monitorizar el efecto de diversas concentraciones de ácido nítrico en la degradación del color de once pigmentos de uso común en obras de arte pictóricas. Así mismo se busca conocer cuál es el efecto de los parámetros tiempo de exposición y temperatura ambiental. Finalmente se efectúa una comparación entre la degradación del color inducida por ácido nítrico y la que provocan el ozono y el ambiente real urbano. El cambio de color de los pigmentos se valora de manera cuantitativa, cualitativa y gráfica, siguiendo el sistema CIELAB. Para la consecución de estos objetivos se han efectuado una serie de experimentos de laboratorio y ensayos de campo. En el laboratorio se han recreado diferentes condiciones ambientales controladas de exposición por medio de un sistema dinámico de exposición para el ácido nítrico y el ozono respectivamente. Los resultados experimentales muestran que todos los pigmentos expuestos al ácido nítrico, al ozono y al ambiente real urbano sufren variaciones en su color original en dependencia del tiempo durante el que las muestras están sometidas a la acción del ácido nítrico, la concentración del ácido nítrico y la temperatura ambiental. El cambio es diferente según la naturaleza de cada uno de los pigmentos, por lo que es razonable pensar que otros colorantes estrechamente relacionados con los de este estudio sean sensibles al ácido nítrico de una manera similar. / The main objective of this Thesis is to describe and detail the effect of different concentrations of nitric acid in the fading of eleven pigments commonly used in art works. Likewise the study try to know what is the effect of the parameters time of exposure and environmental temperature on fading. Finally we made a comparison between color degradation induced by nitric acid and which cause the ozone and the real urban environment. Fading is valued using the CIELAB system quantitatively, qualitatively and graphically. Different laboratory experiments and field trials have been carried on for the achievement of these objectives. In the laboratory, several controlled environmental conditions of exposure have been recreated ,by the use of a dynamic system of exposure to nitric acid and ozone respectively. Results show that all the pigments exposed to nitric acid, ozone and to a real urban environment suffer variations in its original color, depending on time during the samples are exposed to the action of nitric acid, concentration of nitric acid and temperature. Fading is different according to the nature of each pigment, so it is reasonable to think that other pigments closely related of the ones studied are sensitive to nitric acid in a similar way.

El treball de tesi ha tingut per objectiu estudiar les pintures rupestres del Zemmur, al Sahara Occidental. El Zemmur és una regió muntanyosa molt rica en abrics, que s'obren a les cingleres dels seus turons de gres baixos, aplanats i allargassats. Aquestes pintures foren descobertes al 1995, quan el personal del ministeri de Cultura de la República Àrab Sahrauí i Democràtica les va mostrar a un equip d'arqueòlegs i antropòlegs de la Universitat de Girona. Les campanyes d'estudi continuades que s'han realitzat en aquests jaciments de pintura rupestre prehistòrica des d'aleshores han proporcionat les dades per aquesta investigació. En total es tracta d'un conjunt de 2734 figures repartides en 130 abrics de 5 jaciments diferents: Uad Ymal, Uadi Kenta, Rekeiz Ajahfun, Rekeiz Lemgasem i Asako.Les hipòtesis a contrastar eren dues. La primera que al Zemmur hi havia diversos estils de pintura rupestre. La segona que la majoria d'aquests estils dataven de la prehistòria. Ambdues han pogut ser verificades i s'han aportat arguments que demostren que eren certes.El treball de tesi ha consistit en fotografiar les pintures, digitalitzar-les, reproduir-les i estudiar-les. Concretament l'estudi ha consistit en descriure-les, classificar-les estilísticament i datar-les. La classificació s'ha realitzat a partir d'una sèrie de criteris morfològics i tècnics. Posteriorment les imatges han estat atribuïdes a diversos estils, que també havien estat definits amb criteris morfotècnics a partir de l'observació de les imatges. La seva existència, i per tant la verificació de la primera hipòtesi, es dedueix de la presència de recurrències morfotècniques en les representacions. Més tard aquests estils han estat ordenats de manera relativa tot estudiant les seves superposicions. La seqüència dels cinc estils identificats, de més antic a més recent és: Balladors, Modelats, Tracejats, Figures Fosques i Linial.Posteriorment s'ha intentat datar cadascun dels estils a partir de les representacions ja que les anàlisis efectuades indicaren que no era possible datar les imatges per tècniques radiomètriques a causa de la manca de matèria orgànica en les pintures. En qualsevol cas, gràcies a les representacions d'armes, d'animals i els textos escrits hem pogut verificar que la majoria d'elles són prehistòriques, tal com apuntàvem en la nostra segona hipòtesi. Finalment s'ha arribat a la conclusió que l'estil dels Balladors data, de manera molt aproximada, d'ara fa entre 3800 i 3200 anys tal com indiquen les representacions d'alabardes. L'estil Linial, el més recent, data d'entre ara fa 2400 i 2000 anys perquè és acompanyat de textos líbico-berbers però no de representacions de camells. Els estils Modelat, Tracejat i Figures Fosques es daten entremig.A part de les conclusions obtingudes, un dels resultats més importants d'aquest treball ha estat la realització del corpus de pintura prehistòrica del Zemmur que consta, com ja hem dit, de milers d'imatges. Per tant aquesta recerca, a més de tractar sobre un material inèdit i d'un gran interès històric, hauria d'ésser útil per a la gestió de tot aquest patrimoni. / The goal of the PhD is to study the rock-paintings of the Zemmur (Western Sahara). The Zemmur is a hilly area with many rock-shelters, which are pierced in the slopes of his sedimentary, low, flat and long hills. These paintigs were discovered in 1995 when the staff of the Ministry of Culture of the Sahrawi Democratic and Arabic Republic show them to a team of archaeologists and antrophologists from the Girona's University. The continued research campaigns have provided the data for this research, that is, 2734 images found in 130 rock-shelters of 5 different sites: Uad Ymal, Wadi Kenta, Rekeiz Ajahfun, Rekeiz Lemgasem and Asako.The hypothesis to contrast along this reserach were two. The first was that in the Zemmur several painting styles existed. The second was that most of these styles belong to prehistoric ages. Both have been verified as true and several arguments have been presented in order to support them.The research developed in making photos to the paintings, scanning, reproduce and study them. The study consisted in describing the paintigs, classify them in styles and dating the styles. The classification has been done in basis a morphological an technical criteria. After that, the images have been assigned to several styles, which had also been defined by morphotechnical criteria. The existence of these styles, and so the verification of the first hypothesis, is deduced from the presence of morphotechnical recorrences in the representations. Later those styles have been arranged in basis to the superpositions of images. The sequence of the five indentified styles, from the most ancient to the most recent, is: Dancers', Shaped, Stroked, Dark Figures, and Linial.At the end an attempt to date those styles has been done. Previous analisis had proven that radiometric datations were not possible due to the lack of organical remains in the paintigs. However the depictions of weapons, animal beings and texts have been useful in proving that most of these images belong to prehistoric ages, as our second hypothesis proposed. Finally we have reached the conclusion that the Dancers' style is dated, in a very aproximate way, between 3800 and 3200 years before us, as the depictions of hallebards prove. The Lineal style, the most recent, dates between 2400 and 2000 years before us because the presence of lybico-berber texts and the absence of camels. The Shaped, Stroked and Dark Figures styles should be between 3200 and 2400.Besides those conclusions, one of the most important results from this research has been the creation of the corpus of prehistorical rock-paintigs of the Zemmur, with thousands of reproduced images. So this research, besides having a great historical interest and bringing new data, should be useful to manage this archeological heritage.

Orientador: José Leonardo do Nascimento / Banca: Sérgio Niculitcheff / Banca: Maria Elisa Linardi de Oliveira Cezaretti / Banca: Omar Khouri / Sérgio Mauro Romagnolo / Resumo: No texto Visconti diante das modernas gerações (1950), o crítico Mário Pedrosa sugere que os primeiros artistas modernos brasileiros deveriam ter aprendido a comunicabilidade entre o homem e a natureza com as pinturas de Eliseu Visconti e não apenas ter importado ideias da Europa, pois no Brasil já haviam aprendizados indispensáveis na obra desse artista. Partindo do referido texto de Mário Pedrosa, esta pesquisa desenvolve uma reflexão sobre os contextos que tocam diretamente ou não a trajetória e a produção de Eliseu Visconti, mais especificamente suas pinturas de paisagem. Procuramos compreender as experiências viscontianas que o levaram a desenvolver o ensinamento contido nas suas pinturas de paisagem a partir de uma leitura que se beneficia das contribuições de abordagens históricas, filosóficas e antropológicas, incluindo preocupações estéticas. Os contextos são reconstruídos e discutidos, no intento de melhor entender a relação de Eliseu Visconti com a experiência de ser ou não ser um homem moderno em tempos de múltiplas modernidades. Considerando os conceitos de modernidade, transitoriedade e mundo vivido, repensamos o "lugar" de Eliseu Visconti na nossa memória. Revisamos os modos de conceber a natureza e a paisagem na arte, para no estudo elaborar as noções de pintor inabitante e pintor habitante. Discorremos sobre os modos pelos quais Eliseu Visconti deixa de ser um pintor inabitante para se tornar um pintor habitante ao revelar no conjunto de suas pinturas de pais... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Résumé: Dans le texte Visconti face aux générations modemes (1950), le critique Mário Pedrosa suggérait que les premiers artistes modernes brésiliens auraient dO étudier la communicabilité entre l'homme et la nature à partir des peintures de Eliseu Visconti et non uniquement avec les idées importées de l'Europe, puisque au Brésil il existait déjà des enseignements en relation aux reuvres de cet artiste. À partir du texte de Mário Pedrosa, cette recherche développe une réflexion sur les contextes qui touchent directement le parcours et la production de Eliseu Visconti, mais plus spécifiquement ses peintures de paysages. Nous cherchons à comprendre les expériences viscontiennes qui lui ont mené à développer les leçons que l'on peut tirer des paysages, à partir d'une lecture qui s'enrichie des contributions des éléments historiques, philosophiques et anthropologiques. Vient s'y rajouter les préoccupations esthétiques. Les contextes sont reconstitués et discutés, dans l'intention de mieux comprendre la relation de Eliseu Visconti avec l'expérience d'être ou de ne pas être un homme moderne en période de modernités multiples en tenant compte des concepts de modernité, transitoire et monde vécu, nous avons repensé le "lieu" de Eliseu Visconti dans notre mémoire. Nous relisons la façon de concevoir la nature et le paysage dans l'art, pour élaborer les notions de peintre habitant et de peintre non habitant dans cette étude. Nous réfléchissons sur la maniêre dont Eliseu Visconti cesse d'être ... (Résumé complet accès életronique ci-dessous) / Doutor

Orientador: José Leonardo do Nascimento / Banca: Omar Khouri / Banca: Oscar D'Ambrosio / Resumo: A dissertação em questão aborda a relação entre Arte e Religião. Por ser este assunto bastante amplo, a relação pesquisada afunila-se na análise da religiosidade presente nas obras dos seguintes artistas naïfs brasileiros: Heitor dos Prazeres, José Antonio da Silva, Antonio Poteiro e Waldomiro de Deus. Para a compreensão da relação existente entre Arte e Religião nas obras desses artistas fez-se necessário o levantamento do contexto histórico, social e religioso em que estão inseridos por meio da investigação da cultura popular brasileira; da relação entre Arte e Religião no contexto popular brasileiro e do contato com os artistas, suas realidades e suas obras. Assim o estudo aborda a Arte Naïf sob o aspecto histórico-social, compreendendo a cultura por meio das concepções que apontam para conhecimento, ideias e crenças de um povo / Abstract: The present paper deals with the relationship between Art and Religion. Since this is a vast subject, the discussed relationship narrows in the analysis of the religiosity presented in the work of four Brazilians naïve artists: Heitor dos Prazeres, Antonio José da Silva, Antonio Poteiro and Waldomiro de Deus. To understand the relationship between art and religion in the work of these artists it became necessary to make a survey of the historical, social and religious context that they are inserted, therefore, an investigation of the Brazilian popular culture; an discussion of the relationship between art and religion in the Brazilian popular context and a contact with the artists, with their work and realities. Thus the present study addresses the naïve art in its historical and social aspects, and understands the culture through the concepts that point to knowledge, ideas and beliefs of a nation / Mestre