Mémoire en recherche-création / Inscrites au sein de notre société actuelle hétéronormée (Butler 1990), les représentations visuelles sont toujours teintées de codes culturels prescrits et genrés dont il est impossible de se défaire. Ces images actualisent et véhiculent des rapports de pouvoir (Foucault 1973) que l’on incorpore à travers nos identifications personnelles et nos pratiques artistiques. Les objectifs de cette maîtrise en études cinématographiques sont d’une part de contribuer au développement d’une méthodologie de recherche-création (Boutet 2018) critique et située (Haraway 1988) comme exercice de recherche académique en questionnant les rapports de pouvoir, et, d’autre part de proposer une alternative à la photographie de nu à travers la conception d’une installation lumineuse et sonore éphémère. Ma question de recherche se déploie à la fois à travers une posture politique et une méthodologie de recherche. D’une part, comment une recherche-création autoethnographique collaborative (Chang, Hernandez et Ngunjiri 2012) permet-elle de réfléchir les rapports de pouvoir au sein d’une pratique artistique afin de créer des images d’un corps féminin sans pour autant reproduire certains réflexes hétéronormatifs ? D’autre part, comment une posture critique et auto-réflexive féministe queer permet-elle de développer des stratégies de résistance et, par le fait même, d’échapper aux codifications culturelles genrées de son contexte ? J’avance l’hypothèse qu’en dématérialisant le corps au sein d’une pratique installative lumineuse et sonore, fondée sur une méthodologie collaborative, il serait possible d’offrir une résistance aux réflexes hétéronormatifs présents dans la représentation visuelle d’un corps féminin. Cette forme artistique qui se détache d’une narration visuelle traditionnelle serait ainsi une manière de résister au Male gaze (Mulvey 1993). Mon projet est une enquête méthodologique qui investigue la démarche intuitive et qualitative de l’autoethnographie collaborative en tant que méthode inclusive qui permet de questionner l’éthique d’une représentation. Au sein d’une recherche-création, le processus créatif est appréhendé comme recherche académique et me permet d’inclure mes autres pratiques artistiques parallèles au sein d’un mémoire protéiforme. / Among our current hetero-normed society (Butler 1990), visual representations are always tainted with prescribed and gendered cultural codes that are impossible to get rid of. These images actualize and convey power relations (Foucault 1973) that we unconsciously incorporate through our personal identifications and artistic practices. This master's degree in film studies aims, on the one hand, to contribute to the development of a critical and situated (Haraway 1988) research-creation methodology (Boutet 2018) as an academic research exercise by questioning power relations, and, on the other hand, to offer an alternative to nude photography through the conception of an ephemeral light and sound installation. My research question includes a political approach and a research methodology. On the one hand, how does a collaborative autoethnographic research-creation (Chang, Hernandez and Ngunjiri 2012) allows us to rethink the power relations within an artistic practice in order to create images of a female body without reproducing some heteronormative reflexes? On the other hand, how does a critical and self-reflexive feminist queer approach can develop strategies of resistance and consequently avoid the gendered cultural codifications of its context? I argue that by dematerializing the body though a light and sound ephemeral installation practice, based on a collaborative methodology, it would be possible to offer resistance to the heteronormative reflexes currently involved in the visual representation of a female body. This artistic form that intentionally stands out from a traditional visual storytelling would thus become a way of resisting the Male Gaze (Mulvey 1993). My project is a methodological inquiry that investigates the intuitive and qualitative approach of collaborative autoethnography as an inclusive method that allows us to question the ethics of representation. Within the framework of a research-creation methodology, the creative process is regarded as an academic research and allows me to include my other parallel artistic practices into a protean master’s thesis.

Mémoire en recherche-création / Ce mémoire de recherche-création a comme objectif de mieux comprendre les perceptions qu’ont les journalistes sur leur travail quotidien à l’ère numérique. Plus précisément, on tente de comprendre comment ces perceptions ont évolué depuis l’intégration des nouvelles technologies, comme Internet et les réseaux sociaux, au sein des entreprises médiatiques dans les 10 dernières années. En s’inspirant du concept d’accélération sociale d’Harmut Rosa, nous voulions examiner comment l’immédiateté conditionne quotidiennement les perceptions des journalistes sur les pratiques journalistiques. Pour l’illustrer, nous avons interviewé huit journalistes canadiens issus des quatre médiums différents – la télévision, la radio, la presse écrite et le web. D’autres facteurs comme l’âge, l’expérience de travail et le genre ont été pris en considération dans le processus de sélection des participants afin d’obtenir différentes perspectives sur le phénomène à l’étude. Ainsi, les journalistes participants ont été questionnés sur leurs façons de travailler et sur leur production, mais aussi sur leur rythme de travail, leur rapport au temps, l’intégration des technologies dans leur travail et les impacts de celles-ci. Les résultats, présentés sous forme de mise en abîme du journalisme, montrent que les journalistes ont l’impression qu’ils travaillent plus, travaillent plus vite, ont plus de pression, sont plus autonomes et multitâches, mais aussi que l’évolution des méthodes de travail a des répercussions sur la qualité de l’information. Ces sujets sont tous abordés dans les articles d’analyse rédigés pour le site web (Annexe 1) qui a été créé pour la partie créative de ce mémoire. Pour en arriver à ces résultats, nous avons opté pour une analyse thématique. Bien entendu, le faible échantillon de l’étude ne permet en aucun temps de proposer des généralités en la matière. Malgré cela, le nombre d’éléments communs dans chacune des entrevues démontre un raisonnement qui porte à croire que le travail des journalistes a bel et bien évolué depuis le début de l’ère numérique. / This research-creation dissertation aims to better understand the perception that journalists have on the daily work in the digital age. More specifically, we try to understand how these perceptions have evolved since the integration of new technologies, such as the Internet and social networks, within media companies in the last 10 years. Drawing on Harmut Rosa's concept of social acceleration, we wanted to examine how immediacy conditions the perceptions that the press workers have on journalistic practices on a daily basis. To demonstrate this, we interviewed eight Canadian journalists from four different media - television, radio, print and the web. Other factors such as age, work experience and gender were taken into consideration in the selection process of participants in order to gain different perspectives on the phenomenon under study. Thus, the participating journalists were questioned about their ways of working and their production, but also about their pace of work, their relationship to time, the integration of technologies into their work and the impacts of these on their work. The results, presented in the form of a news website, show that journalists are under the impression that they work more, work faster, are under more pressure, are more autonomous and required to multitask, but also that the evolution of working methods has repercussions on the quality of the news. These topics are all covered in the articles written for the website (Appendix 1) that was created for the creative part of this dissertation. To get to these results, we opted for a thematic analysis. Of course, the small sample of the study does not at any time allow us to offer generalities in this area. Despite this, the number of common elements in each of the interviews demonstrates reasoning that suggests that the work of journalists has indeed evolved since the onset of the digital age.

Corps rêvés est un recueil graphique sur la corporéalisation, un terme que j’utilise pour désigner l’action d’être ou de se sentir être un corps, dans un contexte où les idées de dépassement du corps et de projection vers le futur sont omniprésentes – ce que je nomme les imaginaires posthumains. Le recueil se présente sous la forme de onze livrets autonomes, mais interreliés et qui peuvent être lus dans l’ordre souhaité, dans un désordre orchestré. Le Préambule, cependant, sert de guide pour l’entrée dans la lecture. Cette thèse invite le·a lecteur·ice à un plongeon en plein milieu des corps, des rêves, du posthumain et d’un long processus de recherche-création par l’écriture et le dessin. Mêlant fiction, autofiction, écrits phénoménologiques, théoriques et dessins (dont une grande partie à l’aquarelle), j’explore différents “je”, assumant une posture située, et autant de manières de faire corps, de se corporéaliser. Je convoque des matières, des corps, humains ou non, vivants ou non, des lieux, des mémoires, des éléments – eau, air, feu, terre – qui m’aident à figurer, discuter, imaginer certaines corporéalisations. Je fais appel à une littérature sur le posthumain, des perspectives post-humanistes, phénoménologiques, mais aussi littéraires et graphiques. Je convoque également des théories de la communication médiatique qui m’aident à concevoir les différents livrets comme des milieux, c’est-à-dire des lieux d’émergence de ma thèse. L’idée de milieu parle autant du processus que du contenu. Les rêves sont aussi des milieux ; ce sont eux qui articulent et donnent matière aux intuitions du recueil. Ils sont matérialisés par les fonds de couleur à l’aquarelle sous-tendant tous les textes et dessins. Ces fonds changent de couleur pour rappeler les différents états de mes rêves, comme les impressions colorées laissées sur la peau d’un poulpe en plein rêve. Je vous invite en eaux troubles, en plein brouillard, dans le récit d’une chercheuse-créatrice qui éprouve son corps le plus souvent par la douleur et la fatigue chronique de la fibromyalgie. Ceci n’est pas central, mais constitue plutôt une trame de fond du recueil, tout comme les imaginaires posthumains. Bien que ma posture puisse être qualifiée de queer et phénoménologique, je prends soin de feinter les (mes) éventuelles tentations de la catégoriser. C’est qu’à la manière des furtifs imaginés par Alain Damasio--ces êtres insaisissables par le regard humain, je tente par tous les moyens de rester en perpétuel mouvement, vivante et, surtout, de ne pas me laisser enfermer par mes propres discours. Enfin, ce recueil graphique s’intéresse aussi à ce que son élaboration fait à mon corps. En faisant advenir certains corps, j’ai transformé le mien profondément, et les traces de cette transformation toujours en cours sont présentes à travers les pages colorées de Corps rêvés. / Corps rêvés is a collection of graphic booklets about corporealization, a term that I am using to express the action of being a body, or feeling oneself being a body, in a context where the ideas of going beyond the body and of projection towards the future are omnipresent (what I call posthuman imaginaries). This collection is presented in the form of eleven interrelated yet self-contained booklets, which can be read in the desired order, an orchestrated disorder. The Preamble, however, serves as a guide for the entrance into the reading. This thesis invites the reader to a dive in the middle of bodies, dreams, the posthuman and a long process of research-creation through writing and drawing. Mixing fiction, autofiction, phenomenological and theoretical writings and drawings (a large part of which is done in watercolor), I explore different «I», assuming situated postures as many ways of making a body, of being corporealized. I call upon different materialities, human and non-human, living and non-living, places, memories, elements - water, air, fire, earth - which help me to figure, discuss, imagine certain corporealizations. I call upon a literature on the posthuman, post-humanist and phenomenological perspectives, but also literary and graphic. I also call upon literature on the media that helps me to conceive the different booklets as media, i.e. places of emergence of my thesis. The idea of medium speaks as much about the process as about the content. Dreams are also media; they are the ones which articulate and give substance to the intuitions of the collection. They are materialized by the watercolors grounding all the texts and drawings. These backgrounds change color to recall the different states of my dreams, like the colored impressions left on the skin of an octopus in full dream. I invite you into troubled waters, in the middle of a fog, into the story of a researcher-creator who experiences her body most often through the chronic pain and fatigue of fibromyalgia. This detail is not central, but it constitutes a sort of background to the collection, as the posthuman imaginaries do. Although my posture can be qualified as queer and phenomenological, I take care to feint the (my) possible temptations to categorize it. Like the furtives imagined by Alain Damasio (these beings in perpetual movement, elusive to the human gaze), I try by all means to remain in movement, alive and, above all, not to let myself be locked up by my own discourses. Finally, this graphic collection is also interested in what its elaboration does to my body. By making certain bodies come to life, I have profoundly transformed mine, and the traces of this ongoing transformation are present throughout the colorful pages of Corps rêvés.

Mémoire en recherche-création. / Mon mémoire de recherche-création est un essai qui découle de mes réflexions entourant la création du court-métrage documentaire elle disait je suis eau imprécise (2023). Composée de quatre études de cas sur des films portant sur les grands-mères des cinéastes, la recherche se penche sur la manière dont un film sur une proche « fait mémoire ». J’y analyse les topos communs qui m’ont permis de mieux saisir ce qu’est faire un film sur sa grand-mère. Je m’intéresse ainsi à la façon dont la mémoire parvient à être fixée dans les films par le filmage des gestes des grandsmères (inventés, remaniés) et de leur demeure (maison, jardin), ainsi que par la place que prennent leurs voix. Dans un second temps, guidée par la lecture d’Au bonheur des morts. Récits de ceux qui restent, où la philosophe Vinciane Despret explore les relations entre vivant.es et non-vivant.es, mes analyses se font sous l’angle de la mort au sein de la création. J’évoque la possibilité que, par la fabrication de leur film, les cinéastes construisent des fantômes, puisqu’elles créent des lieux où présence et absence des grands-mères cohabitent et, toujours en suivant une proposition de Despret, je trace les réseaux de collaboration entre grand-mère-personnage et petite-fille-cinéaste. / My creative research thesis is an essay that stems from my reflections surrounding the making of the documentary short "elle disait je suis eau imprécise" (2023) [she said I am imprecise water]. Through an exploration of four distinct film case studies centered on filmmakers' relationships with their grandmothers, my investigation delves into the nuanced process by which a film about a loved one "creates memory." I analyze the common themes that have allowed me to better understand the process of making a film about one's grandmother. I am thus interested in how memory manages to be captured in films through the capturing of the grandmothers' gestures (invented, reworked) and their living spaces (home, garden), as well as the space their voices occupy. In a second step, guided by the reading of "Au bonheur des morts. Récits de ceux qui restent," where the philosopher Vinciane Despret explores the relationships between the living and the non-living, my analyses are conducted from the perspective of death within the realm of creation. I discuss the possibility that through the creation of their films, filmmakers construct ghosts, as they create spaces where the presence and absence of the grandmothers coexist. Towards the end of my thesis, again following a proposal by Despret, I map out the intricate network of collaboration that intertwines the grandmother-character and the filmmaker-granddaughter.

Thèse en recherche-création. En parallèle de cette version officielle, un site Web a été conçu pour la thèse et est accessible à l’adresse suivante : https://paume.page. / Noué autour de la question de la matérialité de l’inscription, le présent travail de recherche-création vise à comprendre comment les réalités matérielles s’agencent et font émerger les réalités culturelles de la littérature, soit comment le fait littéraire est une composition de rapports déterminée par les caractéristiques du support, qu’on le nomme média, machine ou plus largement environnement d’écriture. Qu’il s’agisse de la nouvelle architecture de l’information qu’implémente le Codex, de la plume que Flaubert taillait comme processus rituel de création, de la « délicate » machine à écrire d’un Nietzsche condamné à l’aveuglement, ou de l’ambiguïté des termes computer et « typewriter » qui peuvent autant désigner les femmes qui utilisaient des machines spécifiques que les machines en elles-mêmes, ces échos d’une culture littéraire sont autant de témoignages de l’importance des incidences matérielles dans l’écriture et dans le geste d’inscription en tant que tel. Où s’arrête la détermination de l’écriture ? Où se pose la frontière entre elle et le reste du monde ? dans nos cadres formatés, nos pratiques propres, ou nos regards ? Au travers d’études théoriques et d’explorations techniques, le corps de l’écriture sera décliné en cinq angles, cinq extensions d’une main qui souhaite saisir une épaisseur : fabrique, média, machine, page et matière. Cette thèse développe une méthodologie d’écriture propre qui ne distingue plus recherche et création pour redéfinir des contours du fait littéraire. / Tied up around the issue of the matter of inscription, this research-creation study aims to understand how concrete realities interact and lead to the emergence of a cultural phenomenon in literature, i.e., how the literature phenomenon is a composition of mattering defined by the specifications of the support, whether we call it a medium, a machine or, more broadly, a writing environment. From the new information architecture embodied by the Codex, to the writing feather of Flaubert ritualized as a creative process, to the “delicate” typewriter of a soon blind Nietzsche, or the ambiguity of the terms computer and typewriter, which may refer both to the women who used specific machines and to the machines themselves, these echoes of a culture of literature all illustrate the importance of material incidences in writing and in the very act of inscription itself. Where does the determination of writing end ? Where do we draw the line between it and the world beyond ? in our formated frames, our own practices, or the way we look at things? With theoretical analysis and technical exploration, the writing mattering will be investigated from five angles, five extensions of a hand that seeks to grasp depth : factory, media, machine, page and matter. This thesis sets out a writing methodology that no longer distinguishes research from creation, redefining the outlines of literature phenomenon.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal. / Ce mémoire de maîtrise présente une analyse des quatre œuvres qu j’ai composées entre l’automne 2007 et l’automne 2008, au cours du programme d’études : Deux tempêtes et une langueur (violoncelle et piano), Sept gestes ludiques (violon, cor et piano), Azabache (musique pour danse contemporaine, six musiciens) et Landocinógena (orchestre). Il s’agit de quatre projets aux concepts compositionnels différents ayant en commun, la plupart d’entre eux, une ligne directrice se traduisant par un lien avec des sources musicales de tradition orale. Ce volet m’a amené à développer un projet de maîtrise reposant sur une codirection entre composition et ethnomusicologie. Ces analyses seront précédées d’une introduction contextuelle. La dernière partie présentera des conclusions à caractère réflexif. / This Memory of Master Degree presents the analyses of the four works composed during the program (from Autumn 2007 to Autumn 2008): Two Storms and a Languor (cello and piano), Seven Playful Gestures (violin, horn and piano), Azabache (music for contemporary dance, six musicians) and Landocinógena (orchestra). Those projects have different compositional concepts. Nevertheless, the sources of oral musical traditions are the common link between the most of them. This view has conducted my interest to develop a co-direction in the field of Compositions and Ethnomusicology. These analyses will be preceded by a contextual Introduction and will close with some reflexives conclusions.

La transsexualité et son image représentent pour plusieurs une subversion ou une transgression de la binarité du genre. L’image de la transsexualité est souvent considérée en termes de représentation. Afin de questionner cette image transsexuelle, sa subversivité, sa transgressivité et même sa représentabilité, on tentera de la regarder autrement. Ce mémoire propose d'étudier l'image audiovisuelle de la transsexualité comme figure. Pour définir la figure, on la distinguera d'un autre concept esthétique : la représentation. Par l'analyse d'un film, Transamerica (2005), réalisé par Duncan Tucker, on verra comment certaines modalités donnent à voir la figure trans. Suite à cette analyse de la figure au cinéma, on rendra compte de la manière avec laquelle on a poursuivi, au moyen de la vidéo, la recherche qui concerne la question de la figure trans. / Transsexuality and its depiction represent for many a subversion or transgression of gender binarity. Transsexuality’s depiction is oftenly regarded as representation. In order to question this transsexuality's depiction, its subversivity, its transgressivity, and even its representability, we will attempt to look at it otherwise. This thesis discusses transsexual audiovisual image as figure. To define what figure is, a distinction will be made between this term and another concept of aesthetics: representation. By means of a filmic analysis of Transamerica, directed by Duncan Tucker, we shall see how some modalities allow trans figure to appear. After this cinematic figure's study, we will give an account of the manner by which we pursued in a video production the research concerning the question about trans figure.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Cette thèse est basée sur une approche méthodologique hybride relevant de recherche-création en musique et de musicologie appliquée à l’interprétation. Elle s’intéresse à cette question centrale : « Quels rôles l’interprète-chercheur occupe-t-il dans un contexte de création ou de re-création (ou d’interprétation) musicale » ? Pour y répondre, l’auteure examine et rend compte du processus créateur et re-créateur de deux œuvres significatives dans son parcours en tant qu’interprète, soit Kathinkas Gesang als Luzifers Requiem (1983-1984) de Karlheinz Stockhausen et La Machi, rituel pour flûtes, électronique et regards (2007-2011) d’Analía Llugdar. Le travail de ces œuvres mixtes qui comportent toutes deux une dimension théâtrale tout en mettant en scène des personnages instrumentaux l’amène aussi à traiter des problématiques de l’appropriation de l’œuvre par l’interprète-chercheur et de la liberté de celui-ci face aux œuvres présentant un haut degré de déterminisme notationnel. La première partie situe les contextes disciplinaires et théoriques des recherches de l’auteure. Le premier chapitre permet de comprendre comment s’exerce la recherche de l’interprète en musique et de situer les différentes modalités dans lesquelles ce type de recherche s’effectue. Le deuxième chapitre explique les notions d’interprétation, d’improvisation et de composition et il situe l’interprète par rapport à ces trois champs d’activités. L’auteure y compare aussi les modes créatifs du théâtre à ceux de la musique tout en s’intéressant aux divers types d’authenticité inhérents au travail d’interprétation. Le troisième chapitre pose le principal angle d’investigation et d’analyse adopté dans cette thèse, soit celui du timbre instrumental. La deuxième partie porte sur Kathinkas Gesang de Stockhausen. Le quatrième chapitre présente une chronologie récapitulative des différentes grandes périodes d’appropriation de l’auteure. Le cinquième chapitre présente et met en contexte le symbolisme du cycle Licht, die sieben Tage der Woche (1977-2003), dans lequel Kathinkas Gesang s’insère. Le sixième chapitre est voué à une analyse du symbolisme attribué au timbre des principaux instruments que l’on retrouve dans Licht. Le septième chapitre évalue l’impact de la présence des interprètes dans le processus compositionnel chez Stockhausen tout en traitant de la question du casting dans Licht. Le huitième chapitre s’articule en un lexique timbral présentant une exégèse des techniques de jeu employées dans Kathinkas Gesang pour produire divers types de timbres. La troisième partie porte sur La Machi d’Analía Llugdar. Dans le neuvième chapitre, l’auteure présente la structure générale de l’œuvre et son synopsis et elle traite du rôle qu’elle a joué dans le processus de création de cette œuvre. Le dixième chapitre prend la forme d’un lexique timbral présentant une exégèse des différentes techniques de jeu employées dans l’œuvre pour produire divers types de timbres. Dans la conclusion, trois sphères d’action et six rôles-types de l’interprète-chercheur en création et en re-création musicale sont identifiés. De plus, des réponses aux problématiques de l’appropriation de l’œuvre et de la liberté de l’interprète sont apportées. L’auteure y suggère également des pistes de réflexion pour la recherche- création en musique et elle y présente les principales retombées de la thèse. / This dissertation is based on a hybrid methodological approach belonging to research-creation in music and musicology applied to performance. It explores the following central question : “What roles are occupied by the performer-researcher in a context of musical creation or re-creation (or performance)” ? In response, the author examines and relates the creative and re-creative process for two significant works in her practice as a performer : Kathinkas Gesang als Luzifers Requiem (1983- 1984) by Karlheinz Stockhausen and La Machi, rituel pour flûtes, électronique et regards (2007-2011) by Analía Llugdar. The work on these mixed electroacoustic music pieces that both include a theatrical dimension and the staging of instrumental characters also leads her to consider issues of appropriation of the piece by a performer-researcher and their freedom when faced with pieces involving a high level of notational determinism. The first part lays out the discipline-based and theoretical contexts of the author’s research. Chapter 1 provides insight into how a performer’s research is carried out in music and situates the different ways in which this type of research is undertaken. Chapter 2 explains the notions of performance, improvisation and composition, and it positions the performer in relation to these three fields of activity. The author also compares creative approaches in theatre to those in music, while exploring different types of authenticity inherent in the interpretive process. Chapter 3 presents the principal angle of investigation and analysis adopted in this dissertation, that of instrumental timbre. The second part focusses on Kathinkas Gesang by Stockhausen. Chapter 4 presents a recapitulative chronology of the different major periods of the author’s performance. Chapter 5 presents and contextualizes the symbolism of the cycle Licht, die sieben Tage der Woche (1977-2003), from which Kathinkas Gesang is taken. Chapter 6 is devoted to the analysis of the symbolism attributed to the timbre of Licht’s main instruments. Chapter 7 evaluates the impact of the performer’s presence during the compositional process for Stockhausen, while exploring the question of casting in Licht. Chapter 8 is articulated around a lexicon of timbre presenting an exegesis of the playing techniques used in Kathinkas Gesang to produce various types of timbres. The third part focusses on La Machi by Analía Llugdar. In Chapter 9, the author presents the general structure of the piece and its synopsis, and she explores the role she played in the creative process of this piece. Chapter 10 takes the form of a lexicon of timbre presenting an exegesis of playing techniques used in the piece to produce various types of timbres. In the conclusion, three spheres of action and six archetypal roles of the performer-researcher in musical creation and re-creation are identified. Furthermore, answers to the issues of appropriation of the piece and the performer’s freedom are proposed. The author also suggests reflections for research-creation in music and she presents the main outcomes of the dissertation.

Cette thèse-filmique s'articule autour de deux questions principales : comment aborder l’articulation des différences (qu’elles soient d’ordre genré, sexuel, culturel, racial, physique ou subjectif) telles qu'elles se retrouvent spécifiquement dans certains films québécois ; et, dans quelle mesure l’étude critique des différences permettent-elles de concevoir le cinéma comme un régime de la représentation (Hall 1997a) québécois articulé autour de certaines normativités (Butler, 2004)? On retrouve dans la littérature sur le cinéma québécois des préoccupations sur les questions associées à l’identité nationale liées avec des pratiques de différenciations identitaires et sociales (Poirier, 2004a, 2004b; Boulais, 2006; Barrette, 2009; Juteau et Fontaine, 1996) renvoyant à une opposition entre « nous/soi » et « l’Autre ». Afin de répondre à une urgence politique de considérer autrement ces questions, j’ai adopté une posture intersectionnelle (Bilge, 2009). L’intersectionnalité me permet d’aborder les différences de façon inductive afin d’ouvrir une discussion intégrée sur les rapports de pouvoir et l’articulation des oppressions. À ce sujet, je considère qu’une lutte de pouvoir autour de la représentation (Hall, 1997a; du Gay et al., 1997) s’inscrit dans une lutte plus large concernant des rapports de force dans la société québécoise. Inspirée par les théories queer et féministes, les études cinématographiques et les Cultural Studies, j’ai développé une méthodologie autoethnographique au sein d’une méthodologie de recherche-création (Sawchuk et Chapman, 2012). L’intermédialité de mon projet permet de nouvelles possibilités (Mariniello, 2000) notamment en créant un espace de réflexion favorisant l’échange entre diverses voix et expériences, mais également en brouillant les frontières méthodologiques et médiatiques de ma démarche, permettant d’approfondir de façon intuitive et exploratoire le concept de la rencontre. En effet, la rencontre et l’expérience de la rencontre ont joué un rôle à la fois conceptuel et personnel dans ce projet. Elle me permet d’éviter de fixer la différence, et plutôt de l’aborder dans son processus de reconnaissance et d’émergence d’une identité. / This thesis-film explores two core questions: First, how can we understand the articulation (Slack, 1996) of gender, sexual, cultural, or racial, physical, or subjective differences in certain Québec films? And second, how can a critical study of differences facilitate a conceptualization of Québéc cinema as part of a « regime of representation » (Hall, 1997) articulated around certain norms (Butler, 2004)? There is a recurring preoccupation in the scholarly literature on Québec cinema concerning questions of national identity, a preoccupation closely associated with practices of differentiation between “us” and “the Other” (Poirier, 2004a, 2004b; Boulais, 2006; Barrette, 2009; Juteau et Fontaine, 1996). In response to the political urgency of developing new ways of understanding these questions, I adopt an intersectional approach (Bilge 2009) that allows me to explore differences in an inductive manner in order to develop an integrated discussion of power relations and the articulation of different forms of oppression. I argue that power struggles over representation (Hall, 1997; du Gay et al., 1997) are articulated with broader power relations in Québec society. Inspired by queer and feminist theories, film studies and cultural studies, I develop an autoethnographic method (Maréchal, 2009) in the context of a research/creation process (Sawchuk and Chapman, 2012). My intermedial project allows for new possibilities (Mariniello, 2000), notably in facilitating dialogue between different voices and experiences, blurring the boundaries between different media and methods, and allowing me to develop the concept of the encounter. In fact, the conceptual exploration of the encounter and the personal experience of encounters were crucial to my project. An ethical and intermedial exploration of the encounter permits me to to avoid fixing differences, and rather to explore differences in a process of recognition and the emergence of identity.

La transsexualité et son image représentent pour plusieurs une subversion ou une transgression de la binarité du genre. L’image de la transsexualité est souvent considérée en termes de représentation. Afin de questionner cette image transsexuelle, sa subversivité, sa transgressivité et même sa représentabilité, on tentera de la regarder autrement. Ce mémoire propose d'étudier l'image audiovisuelle de la transsexualité comme figure. Pour définir la figure, on la distinguera d'un autre concept esthétique : la représentation. Par l'analyse d'un film, Transamerica (2005), réalisé par Duncan Tucker, on verra comment certaines modalités donnent à voir la figure trans. Suite à cette analyse de la figure au cinéma, on rendra compte de la manière avec laquelle on a poursuivi, au moyen de la vidéo, la recherche qui concerne la question de la figure trans. / Transsexuality and its depiction represent for many a subversion or transgression of gender binarity. Transsexuality’s depiction is oftenly regarded as representation. In order to question this transsexuality's depiction, its subversivity, its transgressivity, and even its representability, we will attempt to look at it otherwise. This thesis discusses transsexual audiovisual image as figure. To define what figure is, a distinction will be made between this term and another concept of aesthetics: representation. By means of a filmic analysis of Transamerica, directed by Duncan Tucker, we shall see how some modalities allow trans figure to appear. After this cinematic figure's study, we will give an account of the manner by which we pursued in a video production the research concerning the question about trans figure.