Cette thèse d’histoire vise in fine l’amélioration des méthodologies de détermination de l’aléa qui reposent sur les données macrosismiques dans le cas des séismes historiques. A cette fin, l’effort de recherche fondamentale, de même que l’analyse de la vulnérabilité des sociétés du passé face aux aléas naturels passent par la création et l’utilisation d’outils méthodologiques applicables aux séismes historiques (critique historique, lexique, cartographie). La thèse se compose de deux parties à la fois distinctes et indissociables : d’une part la vulnérabilité des populations anciennes aux tremblements de terre, d’autre part celle du bâti ancien. Mêler la mise en contexte des documents disponibles à une recherche archivistique robuste et fine permet d’intégrer le comportement des communautés touchées.Les bornes chronologiques choisies correspondent au développement de la presse et la naissance de la science moderne d’une part, l’entrée dans l’ère de la Révolution industrielle d’autre part. Ce choix est également motivé par la disponibilité restreinte et l’analyse plus complexe des documents pour la période qui précède le XVII e siècle et la naissance de la sismologie pour la seconde partie du XIX e siècle.Trois cas d’études (Bagnères-de-Bigorre, 1660 ; Manosque, 1708 ; Entre-Deux-Mers, 1759) permettent d’explorer bon nombres de pistes de recherches menant à une appréhension, analyse et interprétation desdocuments historiques par l’utilisation d’outils créés spécialement dans ce but. / This thesis of history is ultimately the improvement of the methodologies of hazard based on macroseismic data in the case ofhistorical earthquakes. To this end, the effort of basic research, as well as the analysis of the vulnerability of societies of the past to natural hazards involves the creation and the use of methodological tools applicable to historical earthquakes (historical criticism, lexicon, and mapping). The thesis consists into two parts at once distinct and indivisible: firstly the old vulnerability to earthquakes, secondly the vulnerability of ancient buildings.Mixing the context of the available documents with a robust and thin archival research allows integrating the behavior of affected ommunities.Selected time-series terminals correspond to the development of the press and the birth of modern science a hand, entering the era of the Industrial Revolution on the other. This choice is also motivated by the limited availability and more complex analysis of the documents for the period preceding the 17th century and the birth of Seismology for the second part of the 19th century.Three case studies (Bigorre, 1660; Manosque, 1708; Entre-Deux-Mers, 1759) allow exploring many leads of research leading to a better apprehension, analysis and interpretation of historical documents by theuse of tools specifically created for this purpose.

La thèse a pour objet l'étude approfondie d'une série de huit tableaux monumentaux intitulée "Les Festivités du papegai en 1615 à Bruxelles". Exceptionnelle par le type de sujet et par le format, cette série fut commandée par les archiducs Albert et Isabelle (1598-1621) à leur peintre Denijs van Alsloot (1568 ?-1625/26) afin de célébrer la victoire de l'infante au tir de l'oiseau de bois (le "papegai") du Grand Serment des arbalétriers à Bruxelles. Elle est aujourd’hui incomplète, mais la confrontation des sources écrites avec les tableaux subsistants (en ce compris quelques répliques et variantes) permet d’établir qu’elle se composait à l'origine de six toiles ayant pour objet l’Ommegang communal – qui eut lieu le 31 mai 1615 et fut placé sous le signe de l’exploit de l’infante –, d’une peinture représentant "Isabelle tirant l’oiseau", et d’une toile montrant une "Fête au Vivier d’Oie en présence des archiducs", dans la forêt domaniale de Soignes. <p> Sans doute en raison de leur aspect descriptif, les tableaux conservés n'ont jamais été soumis à une analyse qui prenne en compte leur spécificité artistique, la plupart des chercheurs s'étant contentés jusqu'à présent d'examiner les spectacles dépeints dans une perspective historique. La thèse propose dès lors une étude qui non seulement repose sur une analyse des sources écrites et cherche à identifier les motifs représentés, mais aussi explore les composantes formelles, techniques et conventionnelles des peintures. Ceci afin, précisément, de mieux définir le rapport entre l’image donnée et la réalité des faits historiques. Car si les "Festivités" n'ont nullement valeur de reportage, leur raison d’être n’en a pas moins été de témoigner par le menu détail de certains événements. Et c’est très exactement la nature de ce témoignage, formulé avec les moyens propres à la peinture, qui est au cœur du questionnement. <p> La thèse se compose de deux parties. Dans la première partie, l'attention est portée sur la vie et la production de Denijs van Alsloot en général. Le peintre avait en effet été peu ou mal étudié jusqu’à présent. Or, de toute évidence, une meilleure connaissance de l’ensemble des activités artistiques de Van Alsloot permet d’aborder avec plus de justesse l’étude des "Festivités". Plusieurs éléments de la carrière de l'artiste furent en outre déterminants dans le choix d’Albert et Isabelle de faire appel à ses services pour la réalisation de la série. <p> La seconde partie se concentre sur l'examen des "Festivités". Le premier chapitre fait le point sur ce que les archives nous apprennent à propos de la commande et de l’historique des peintures originales comme des répliques et des variantes. Le second chapitre analyse la technique et le style de chacun des tableaux. Il vise également à reconstituer les étapes préparatoires dans la réalisation des peintures et à définir la nature des rapports entre les tableaux du point de vue de l’exécution. Une attention particulière est en outre portée à l'intervention comme sous-traitant du peintre Antoon Sallaert (1594-1650). <p> La signification politique des tableaux constitue le thème du troisième chapitre. Sont étudiés d'abord les circonstances historiques qui amenèrent Isabelle à participer au tir du Grand Serment et la cour à commander la série peinte des "Festivités". Le cadre d’origine des toiles est examiné ensuite, afin de mesurer l’influence potentielle de ce cadre sur la forme et le contenu des œuvres. Car si celles-ci contiennent une foule de renseignements valables sur les célébrations, il n’en demeure pas moins qu’il ne peut s’agir d’images objectives. Les "Festivités" servaient des intentions particulières qui ont amené les artistes à opérer des choix et à soumettre les scènes à des structures iconographiques signifiantes. C’est donc à déchiffrer et à interpréter la "rhétorique de l'image" que la thèse s'attache en dernier lieu. <p> En définitive, par la réévaluation d'un type particulier d'iconographie politique, l'auteure de la thèse espère contribuer aux travaux toujours plus nombreux sur le rôle de l'image dans l'élaboration du discours princier.

Le changement religieux que connaît la Bohême au XVIIe siècle est sans équivalent à l’époque : un royaume tout entier, où les fidèles de Rome n’étaient que très minoritaires, bascule dans le camp catholique. Ce phénomène est examiné dans cette thèse sous son aspect concret : la façon dont le paroissien de l’archidiocèse de Prague a pu le vivre, ce qui a amené à l’étude de l’action du clergé paroissial. La stratégie de conversion mise en place au lendemain des discussions du concile de Trente sur la concession du calice a généralisé dans les paroisses de Bohême une situation de flou confessionnel, mais il faut attendre la victoire catholique de la Montagne Blanche pour que Rome consente enfin, pour des raisons pastorales, à modifier sa position. La réforme que connaît le royaume au moment de la guerre de Trente ans trouve ses origines dans l’élan missionnaire catholique du début du XVIIe et les théories théologico-politiques du temps. Elle est fortement marquée par l’empreinte de la guerre, qui a joué en outre un rôle de catalyseur alors que les autorités politique et religieuse défaillaient. Les régnicoles, dont le catholicisme est à l’origine souvent purement formel, se l’approprient peu à peu dans le courant du XVIIe siècle. La mort de la dernière génération ayant connu une autre situation religieuse dans les années 1670, l’essor de la ferveur à la fin du siècle vont de pair avec la naissance du danger hérétique, maintenant que l’hérésie a cessé de faire partie du quotidien, désormais rythmé par une vie liturgique et sacramentelle ayant son caractère propre. / The religious change that happens in Bohemia in the 17th century has no equivalent in the Europe at this time: the whole country, where Catholics were in a very minority, comes back to the roman Church. This evolution is here seen from a very prosaic point of view: how lay people live this change, and so how acts the parish clergy in this matter. Conversion’s strategy, at the end of the Council of Trent, was to permit the use of the chalice to the laity. The consequence of this permission was a very hazy situation in the parishes, but Holy See did nothing before the battle of White Mountain, and after the battle, he suppressed chalice, mainly for pastoral reasons. During the Thirty years War, the kingdom is the place of a general reform, which has its origins in the catholic missionary movement of the beginning of the century and in the political theories of this time. Bohemia is strongly marked by the war that acts as a catalyst; at the same time political and religious authorities were lacking. The inhabitants, usually just formal Catholics at the beginning, convert themselves more and more deeply during the 17th century. The eldest, who remembered the non-Catholics services, died during the 1670’s and at the end of the century, the fervour is general. Heretics, who are nearly inexistent at the end of the period, are seen now like a danger because they are out of everyday life, which is punctuated by an original liturgy and sacramental life.

De 1669 à 1765, 476 hommes ont reçu une commission du roi ou de son plus haut représentant pour exercer les fonctions d’officier de Plume des colonies américaines. De la fondation du département de la Marine à la réforme de Choiseul, ils ont incarné l’État dans des territoires qui connaissent des évolutions importantes pendant ces 96 années : les guerres mais aussi les découpages administratifs après le traité d’Utrecht (1713) et celui de Paris (1763). Pour comprendre cette administration, nous avons choisi d’en étudier ses éléments et d’analyser conjointement les transformations du ministère de la Marine ainsi que celles des colonies. A partir de ce contexte permettant de connaître les structures administratives, nous avons montré l’évolution des pratiques administratives, de la fonction et des hommes eux-mêmes. Le profil de ces hommes montre que l’officier de Plume des colonies est devenu, pendant ces années, un fonctionnaire colonial. / For almost a century, 476 men embodied the offices of the Pen in the colonies of French America. They received a royal commission or one from his highest colonial representative. From the foundation of the department of The Marine to the reform of Choiseul, they represented the State in territories which underwent major evolutions during these 96 years: the wars but also the administrative apportionments after the treaties of Utrecht (1713) and Paris (1763). To understand this administration, we chose to study its elements and at the same time to analyze the transformations of the navy ministry as well as those of the colonies. From this context, which enabled to know the administrative structures, we showed the evolution of the administrative practices and also the duty in itself. The profile of these men shows that the Officer of Feather in these colonies became during this century, or approximately, a colonial state employee.

Ce travail propose de replacer l’œuvre dramatique de Shakespeare au sein des débats suscités par les jeux dans la première modernité anglaise. Soucieux de catégoriser l’ensemble des pratiques ludiques – alors désignées par les termes interchangeables « sport », « game », et « play » – selon des critères éthiques et religieux, de nombreux moralistes, que nous qualifions de « ludophobes », fustigent les passe-temps « malhonnêtes » au premier rang desquels figurent le théâtre commercial et les jeux de hasard. Face à ces attaques, on voit se dessiner dans l’œuvre de Shakespeare une défense des jeux et d’un homo ludens plus humaniste, affirmant un franc instinct de jouer qui n’est pas pour autant idéalisé. Si ce positionnement est parfois explicite, à travers la satire de personnages ludophobes comme Malvolio dans Twelfth Night par exemple, il se dévoile le plus souvent de biais, à travers une poétique des jeux qui parcourt l’ensemble de ses pièces. Car les références aux jeux et les métaphores ludiques sont nombreuses chez Shakespeare. Elles s’inscrivent dans une esthétique baroque qui s’accompagne aussi d’une vision sceptique et machiavélienne du monde politique dans les pièces historiques. Ce scepticisme laisse toutefois place à une vision pragmatique plus optimiste lorsque le dramaturge met en scène le triomphe de joueurs audacieux qui savent ruser avec les règles et parviennent à dominer, voire à abolir le hasard. À la lumière de ces métaphores émerge alors une conception des jeux qui repose en très large partie sur l’idée de maîtrise que Shakespeare place au cœur d’un art dramatique qui valorise le rapport ludique au théâtre et l’art de l’acteur. / This research places Shakespeare’s plays within the wider historical context of the debates on sports and games of early modern England. Moralists of the time sought to categorise all ludic practices – indifferently referred to as “sport”, “game”, or “play” – along ethical and religious lines and denounced those that were thought to be “dishonest sports”. Chief amongst their concerns were the dangers represented by commercial theatres and games of chance. In light of these attacks, Shakespeare’s plays offer a defence of games and a humanist version of a homo ludens who is a cheerful player, although he is not idealized. Although this defence is at times explicit – as is the case with the satirical portrayal of the game-hating Malvolio in Twelfth Night – more often than not it is suggested through a poetics of games that pervades the plays. For references to and metaphors of games are recurrent in Shakespeare plays. They serve a baroque aesthetic which goes hand in hand with a sceptical and Machiavellian vision of politics in the histories. However, Shakespeare also offers elsewhere a much more optimistic and pragmatic world view when he stages the triumph of audacious players who know how to play with the rules and seem to conquer, or even abolish, chance itself. The ludic metaphors finally help us define Shakespeare’s own conception of games, one which relies on the idea of mastery; but it is also this idea of mastery that lies at the core of his own dramatic art, which celebrates a ludic relation to theatre and glorifies the art of acting.

La critique récente sur Aphra Behn (1640-1689) a montré d’une part que ses courts romans entretiennent des liens privilégiés avec le champ de la philosophie naturelle montante et d’autre part, que le monstrueux ou l’exotique sont des motifs privilégiés de ses œuvres. Ce travail vise à mettre en lien ces deux différentes approches, en établissant la centralité de la notion de curiosité dans la fiction d’Aphra Behn. La curiosité est une notion ambivalente au XVIIe siècle qui, bien qu’elle continue à porter des connotations négatives d’origine chrétienne et médiévale, s’est vue revalorisée par la philosophie naturelle. A la même époque, la notion de curiosité suscite également un regain d’intérêt de la part des théoriciens du roman ; Behn se positionne dans le débat esthétique et épistémologique de son temps en revendiquant une mimesis originale du vrai absolu, qui refuse d’intéresser son lecteur par une curiosité pour les choses familières, et choisit de représenter l’extra-ordinaire. Behn tente de discriminer entre une « bonne » et une « mauvaise » curiosité, pour se poser en curieuse et en collectionneuse avisée, mais continue d’entretenir des liens avec une culture plus populaire de la curiosité, celle des spectacles de foires. Le « cabinet de curiosité littéraire » que construit Aphra Behn privilégie des figures de monstres atypiques, qui permettent d’inventer une forme romanesque curieuse et transgressive. / Recent research on Aphra Behn has shown the link between the scientific prose of the period and Behn’s narrative fiction, while other scholars have underscored the importance of bodily and moral deformity in her works. Drawing on these apparently heterogeneous studies, this project aims at providing a global aesthetic framework for Behn’s fiction. The epistemological context of the late seventeenth century offers a stimulating insight in Behn’s fiction, especially through the notion of “curiosity”. This notion is at the centre of both the scientific and literary concerns of the period; the growing interest in natural philosophy progressively rehabilitates curiosity – which had been an object of scorn in the Augustinian tradition – first by valuing curiosity as the ideal attitude of the “scientist”, and by having curiosities as its major object of study – the rare, new, and unusual objects of the Wunderkammern replacing the “universal” objects of study of the Medieval and Renaissance science. At exactly the same time, in the literary field, the notion of curiosity undergoes a redefinition, in a somewhat similar fashion to that which occurs in the scientific field, shifting from the “generalities” of idealized romance to a new conception of curiosity in the emerging genre of the novel. Behn advocates for a radical mimesis of truth and extraordinary curiosities. At the time when Aphra Behn writes her fictional texts, curiosity is therefore a polysemic notion, whose unity can nonetheless be found in a set of specificities: curiosity is concerned, both in science and in literature, with the emotions/reactions of the “curious” scientist or reader; it is what leads us to experiment, and it comes from a desire for knowledge. But curiosity is also a transgressive desire: the distinction between two types of curiosity, a “good” and a “bad” curiosity, is central in Behn’s discourse. The parallel between Behn’s fascination with curiosities and the scientific episteme of her time is obvious in the numerous descriptions of exotica in Oroonoko, as the narrator explicitly compares the objects she shows to those which form part of the Royal Society repository, but the rest of Behn’s fiction is also concerned with this preoccupation with curiosity: in several of her other works, moral irregularities are conjoined with ‘natural’/physical irregularities which belong to the realm of curiosities. The various transgressions depicted in Behn’s fiction can therefore be seen as “curiosities”; Behn’s work can be read as a sort of Wunderkammern, as she herself seems to suggest when she wishes her novels were “esteem’d as Medals in the Cabinets of Men of Wit” – novelists collect and experiment on human nature just as natural philosophers do with nature (and art) in the cabinets of curiosities. But in her fiction Behn actually goes beyond the conventional notion of the cabinet of curiosities, by insisting on moral and physical monstrosity. In underlining the importance of the realm of curiosity in Behn’s fiction, this study aims at showing the specificity of her aesthetics and the originality of her conception of the novel; as she states in the preface to Oroonoko, writers, like painters, are supposed to “erase” defects: by deliberately choosing not to idealize nature, men, or society, and by choosing to systematically depict deformity and exceptions instead (rather than exemplary individuals), Aphra Behn invents her own conception of the novel, a sensationalist aesthetic of the “strange and novel”.

Cette thèse porte sur le traitement de la folie à l’Époque Moderne étudiée à la lumière du Droit pénal et inquisitorial. Elle s’attache à analyser la façon dont la folie a été appréciée pour chaque type de délit. Le corpus est constitué de l’ensemble des relations de causes des quatorze tribunaux inquisitoriaux péninsulaires, à savoir Barcelone, Cuenca, Cordoue, Grenade, Llerena, Logroño, Madrid, Murcie, Santiago, Saragosse, Séville, Tolède, Valence et Valladolid, ainsi que de quelques procès et de la correspondance échangée entre le Tribunal de la Suprême et ces tribunaux au cours de la période allant de 1537 à 1700.Ces recherches, menées dans une perspective novatrice et interdisciplinaire qui convoque l’anthropologie, l’histoire du Droit et celle des mentalités, ont vocation à permettre d’étudier les relations complexes que l’Inquisition entretient avec la folie. / This dissertation deals with the treatment of madness in the early Modern period. In the light of criminal and inquisitorial law, it aims at analysing how madness was assessed for each type of crime. The corpus of this dissertation is based on the Relations of causes of the fourteen peninsular inquisitorial tribunals, i.e. Barcelona, Cuenca, Cordoba, Grenada, Llerena, Logroño, Madrid, Murcie, Santiago, Zaragoza, Seville, Toledo, Valencia and Valladolid, as well as on some lawsuits and the correspondence exchanged between the Tribunal of the Suprema and these tribunals from 1537 to 1700.This research, carried out in an innovative and interdisciplinary perspective which used anthropology, the history of Law and the history of mentalities, has allowed me to study the complex relations between Inquisition and madness.

La poésie d'éloge est particulièrement fréquente au début du XVIIe siècle et se publie sous diverses formes. Or le lieu n'est pas indifférent quant à la lecture des pièces, notamment lorsqu'il s'agit de recueils collectifs. Ces recueils sont nombreux au début du siècle, mais ceux édités par Toussaint Du Bray ont une organisation particulière, les pièces étant regroupées par auteur avec un paratexte important. Ce mode de diffusion contribue à désancrer les textes du contexte de leur écriture pour les réinscrire dans un cadre poétique. L'équilibre des trois grandes fonctions (sociale, politique et poétique) de la poésie d'éloge en est modifié. La relation mécénique n'apparaît plus que dans les mises en scène qui en sont faites. La fonction politique s'infléchit en une réécriture des événements politiques et en la fixation d'un récit, la fonction idéologique perdurant dans la célébration des dédicataires et par la démarcation implicite entre ce qui est loué ou non. Surtout, la publication en recueil redonne la primauté au caractère poétique des pièces ; elle permet aussi de lire ce qui restait plus discret lorsque les poèmes étaient dispersés : parce que le poète doit justifier sa parole laudative, parce que la valeur de l'éloge ne dépend pas seulement de celui qui est loué mais aussi de la qualité du chant, les pièces font entendre un discours identitaire et métapoétique qui s'interroge sur le rôle du poète, la force de sa parole et son statut social, en ces années où les écrivains recherchent une plus grande autonomie. Dans les recueils collectifs, la poésie d'éloge valorise tout autant le poète que le grand.

Les enjeux de ce travail sont multiples et s’inscrivent dans le renouvellement de la recherche sur la peinture hollandaise. S’il est courant d’opposer un peu rapidement la Flandre catholique d’une part, associée à une production importante de peinture religieuse, et la Hollande calviniste de l’autre, cantonnée à la peinture de genre, on sait à quel point la situation historique et sociale des Pays-Bas était plus complexe. L’existence de milieux catholiques dans les provinces protestantes a entraîné la production non négligeable de peinture : tableaux religieux pour les églises ou pour la dévotion privée ; portraits de clercs ou de laïcs affichant leur confession ; peintures représentant des allégories de la foi catholique. C’est à l’étude de l’ensemble de cette production que je me suis consacrée, en tentant de cerner les besoins et usages des milieux catholiques, ainsi que les réponses des peintres. Je me suis en particulier efforcée de rendre compte le plus précisément possible de la diversité des situations rencontrées et de la difficulté à les faire entrer dans des schémas. Ainsi en est-il par exemple de la question des liens entre l’appartenance confessionnelle des artistes et celles des commanditaires comme des rapports entre sentiments religieux et production artistique ou encore de l’interprétation catholique d’une œuvre. Mon étude vise à enrichir la connaissance du regard des milieux catholiques sur la peinture à l’âge de la Contre-Réforme, par la mise en lumière d’une situation géographique et socio-politique très singulière, et à nuancer l’opposition traditionnelle entre les Pays-Bas du Sud et du Nord en matière d’œuvres d’art. / This research intends to be part of the Dutch art historiography’s renewal. The traditional opposition between North and South, Calvinism and Catholicism, History painting and Genre painting is no longer relevant. Although the Reformed church was the public church, the choice of personal religion permitted « sects », like Catholicism, Anabaptism, Lutheranism, to remain active. The presence of Catholics in the calvinist Dutch Republic during the 17th century maintains a demand for paintings : religious art works for churches or private devotion, portraits of the clergy or catholic lay, allegory of the catholic faith. I considered not only the expectations of Catholics in terms of painting, but also the responses of the painters whether they were Catholic or not. My aim is to extend the knowlegde of the production and reception of paintings during the age of the Counter-Reformation in an uncommon political and geographic situation.

Sculpteur du règne de Louis XIV, Jean-Baptiste Théodon (1645-1713) se rattache à l’école française autant qu’à l’école romaine de sculpture. Formé auprès de Charles Le Brun à la Manufacture royale des Gobelins, il y rencontre Jean-Baptiste Colbert qui devient son premier mécène. Protégé par ce dernier qui l’envoie en Italie, Théodon rejoint en 1677 l’Académie de France à Rome où il sculpte pour Louis XIV et le château de Versailles. Parallèlement il prend part à la vie académique romaine. Membre actif de l’Accademia di San Luca et de la congrégation des Virtuosi al Pantheon, Théodon devient l’un des sculpteurs les plus recherchés de la Rome de la fin du Seicento, sollicité par les papes Innocent XII et Clément XI à Saint-Pierre de Rome et au Latran, et par les congrégations et les ordres religieux au Gesù et au Monte di Pietà. Appelé par Louis XIV, il revient à Paris en 1705 et contribue, durant ses dernières années, à la décoration des Maison royales de Marly et de Meudon. Abordant avec brio l’allégorie et la sculpture animalière pour Colbert, la mythologie et le genre historique pour Louis XIV, la sculpture funéraire et l’art du portrait pour Christine de Suède, le sculpteur s’illustre avant tout dans l’art religieux. Brillante personnalité artistique du XVIIe siècle, Théodon méritait une étude. Nous avons considéré sa vie et sa carrière, analysé sa manière et établi le corpus exhaustif de son œuvre. / Jean-Baptiste Théodon (1645-1713) was a French sculptor of the reign of Louis XIV who belonged both to the French and Italian schools of sculpture of the Seventeenth-Century. In the 1670’s during his training at the ‘Manufacture des Gobelins’ he worked under the supervision of Charles Le Brun and met the minister Jean-Baptiste Colbert. In 1677 he joined the French Academy in Rome where he carved garden sculptures for royal estates and for his protector Colbert. Early in his Roman carrier he was made member of the Academy of St Luke and member of the Congregazione dei Virtuosi al Pantheon where he met Bernini, the architect Carlo Fontana and the painter Carlo Maratta. Appreciated by the Pope Innocent XII he obtained several commissions at Saint-Peter’s (Baptismal chapel, Monument to Christine of Sweden) and at the same time he worked for the Jesuits at the Sant’Ignazio chapel at the Gesù. As one of the most significant sculptors of the end of the Roman Seicento he dedicated his last years in Rome to the pope Clement XI and the papal basilica before his return to Paris in 1705 where he worked for the Sun King and the ‘Maisons’ of Meudon and Marly. With the same maestria Jean-Baptiste Théodon carved allegories for Colbert, mythological and historical figures for Louis XIV, funeral sculptures and portrait for Christine of Sweden as well as works of art for Roman churches. The Ph.D. dissertation consists of a study of the career of the sculptor with an analysis of his artistic manner and its evolution from Paris to Rome. In addition the thesis includes the complete ‘catalogue raisonné’ of his works, sculptures and drawings.