Dans l’essai de ce mémoire, les propositions théoriques de Paul Ricoeur sur la mise en récit seront reliées à celles d’Édouard Glissant quant à l’émergence d’une littérature de la Relation, entendue comme le déploiement poétique d’un imaginaire fondé sur le rapport à l’autre sans crainte de dilution. Mon corpus est composé de trois textes phares de la littérature québécoise, soit les Relations de Jacques Cartier, les Dialogues avec un Sauvage de Lahontan et Volkswagen Blues de Jacques Poulin. Le rapport à l’autre, qui est au cœur de l’intrigue de chacune des œuvres, permettra d’analyser la progression d’une littérature, mais également d’une culture de la Relation au Québec. Dans le roman Vers Sagana, Rose et Yann décident dès leur première rencontre de voyager ensemble alors qu’ils sont tous deux en perte de repères. Dans un contexte de résurgence du processus de dépossession lié à l’histoire américaine depuis l’arrivée des Européens, les voix des personnages s’enchevêtrent pour donner forme à l’obsession d’un enracinement toujours fuyant. / Throughout the essay component of this master’s thesis, Paul Ricoeur’s theoretical approaches regarding the narrative form will be juxtaposed with those of Édouard Glissant regarding the emergence of a « poetics of relation », understood as the poetic deployment of an imaginary realm based on the relation to the other, without fear of dilution. My corpus consists of three key texts in Quebec travel literature: Jacques Cartier’s Relations, Lahontan’s Dialogues avec un Sauvage, and Jacques Poulin’s Volkswagen Blues. The relation to the other, at the heart of the stories in those three texts will permit the analysis of the progress of a literature, but also that of a culture of the Relation in Quebec. In the novel Vers Sagana, Rose and Yann decide upon their first meeting to travel together, while both at loss for reference points. In a context of the resurgence of the dispossession process related to the American history ever since its genesis, the voices of the characters mingle to give shape to the obsession with ever-elusive roots.

This thesis examines Bonnefoy’s cultivation of the performative aspects of the poetic act in his later collections of poetry. It investigates the poet’s use of the theatrical structures of poetic performance, their temporal and spatial dynamics, to deconstruct conceptual or representative modes of thought. It examines how Bonnefoy uses apostrophes to insentient phenomena and addresses to an unidentified other in his attempts to open language up to the finitude and sharing of existence. Working within language, against language, the poet cultivates what he describes as ‘un savoir, tout négatif et instable qu’il soit, que je puis peut-être nommer la vérité de la parole’. The first chapter of this thesis investigates how the image of the ephemeral flame becomes a model for a finite poetic performance in ‘La Terre’. The second chapter scrutinises how Bonnefoy makes the signifying function of language ‘passive’ to the inappropriable excess of material presence in Début et fin de la neige. The third chapter, analysing ‘La Voix lointaine’, explores how Bonnefoy dramatises the experience of self-presence as the act of listening to a distant voice. The fourth chapter, investigating the relationship between finitude and form in ‘L’Heure présente’, analyses how the dissolution of form gives rise to a form that is always à venir, a dynamic, ‘un possible’.

Cette étude se fixe un triple objectif. Il s’agira d’abord de décrire les représentations textuelles du rire dans Le Roman comique de Scarron, en établissant d’une part les conditions de possibilité du comique et, d’autre part, en montrant la dette qu’a contractée le genre de l’histoire comique du XVIIe siècle auprès de la poétique de la comédie classique. Nous préciserons ensuite la nature et le sens à donner aux stratégies dramaturgiques mises en œuvre par Scarron pour rendre compte de l’humanité comique, tantôt disqualifiée, toujours remise en question. Nous mettrons enfin en évidence l’originalité de la structure du roman de Scarron qui accueille contradictoirement des esthétiques ennemies. Expérience de l’insubordination et affirmation d’une conscience critique, le rire de Scarron, en même temps qu’il brouille les hiérarchies culturelles, littéraires et idéologiques de l’âge classique, induit une rhétorique de la lecture comique et délivre une vision sceptique du monde. Innervée par ce rire protéiforme et ambivalent, notre étude propose donc une interprétation globale du roman scarronien à partir de l’analyse détaillée de sa poétique. / The following study has three main goals. We will first describe the textual representations of laughter in Scarron’s Le Roman comique, establishing on the one hand the conditions of possibility of the comic and by showing, on the other hand, the debt that the seventeenth century’s comic novels have contracted towards the poetics of the comedy. We will then identify the nature and meaning of the dramaturgical strategies used by Scarron to represent his comical characters, sometimes disqualified but always questionned. Finally, we will highlight the originality of Scarron’s novel structure that hosts contradictory aesthetics. While it blurs the frontiers of cultural, literary and ideological hierarchies, Scarron’s laughter, an experience of insubordination and an affirmation of a critical consciousness, induces a certain way of reading comedy and delivers a skeptical view of classical age’s world. Animated by this protean and ambivalent laughter, our study proposes a global interpretation of Scarron’s novel based on a detailed analysis of his poetics.

Ce mémoire de maîtrise porte sur une poétique de l’excès dans Orlando de Virginia Woolf et Nightwood de Djuna Barnes comme une stratégie combattant la tendance qu’a le modernisme à dévaloriser l’écriture des femmes comme étant trop ornementale. J’expose comment Ezra Pound, T.S. Eliot, et Wyndham Lewis tentent de récupérer la notion du détail afin d’affirmer une poétique masculin. Je fais appel également aux oeuvres de l’architecte autrichien Adolf Loos qui souligne sa dénonciation de l’ornement comme régressif. Dans Orlando et Nightwood, je considère l’excès associé au corps. Je soutiens que, dans ces textes, les corps dépassent les limites de la représentation moderniste. Je considère aussi comment Orlando et Nightwood font apparaître la narration comme ornement et écrivent excessivement l’histoire et le temps. Pour conclure, je propose une façon de lire l’excès afin de reconceptualiser le potentiel de production de la signification dans des textes modernistes. / My thesis explores a poetics of excess in Virginia Woolf’s Orlando and Djuna Barnes’s Nightwood as a strategy through which the authors combat modernism’s devaluation of women’s writing for being overly ornamental, detailed, and/or artificial. I examine how the critical writings of Ezra Pound, T.S. Eliot, and Wyndham Lewis attempt to reclaim the notion of detail for a masculine-oriented poetic project, and I look at how Austrian architect Adolf Loos’s work condemns ornament as backward and regressive. In treating Orlando and Nightwood directly, I consider the novels’ excessive and ornamental construction of bodies and how these bodies exceed the limits of existing modernist paradigms for representation. I also discuss narration as ornamentation in Orlando and Nightwood and how these novels excessively inscribe history and time. My conclusion proposes a practice of reading excess that rethinks this concept and its potential for producing meaning in modernist texts.

Pour minoré et ignoré qu’il fût, le roman policier est désormais légitimé par l’institution littéraire. À parcourir les livres publiés dans la Caraïbe francophone, le genre demeure dans la marge de cette production [issue de la Caraïbe francophone (Haïti, Guadeloupe, Guyane française, Martinique)]. Quoiqu’il en soit, on notera que les années 1990 ont inauguré une véritable éclosion de publications de polars. Tout cela augure d’une acclimatation de ce genre qui ne s’accompagne pas moins de questionnements sur les spécificités éventuelles du polar caribéen francophone. Se situe-t-il dans la convention? Tente-il au contraire d’établir une distanciation avec la norme? C’est pour répondre à ces interrogations que cette thèse se propose d’explorer les enjeux de l’appropriation du polar provenant de cette aire géographique. À l’aune de la poétique des genres, de la sociocritique et de l’intermédialité, un corpus composé de quatorze romans fait l’objet d’une étude approfondie. Dans le premier chapitre, un bref récapitulatif permet de situer les œuvres à l’étude dans l’histoire littéraire du genre tout en soulignant l’adaptation du polar dans la Caraïbe de langue française. Il en ressort qu’un nombre significatif d’écrivains, attentifs à la latence du magico-religieux dans leur société, mettent en scène le surnaturel alors que le roman policier conventionnel plébiscite la méthode logico-déductive. C’est la raison pour laquelle le second chapitre s’intéresse à l’usage de l’inexplicable et son rapport avec le cartésianisme. Quant au troisième chapitre, il se penche sur un topos du genre : la violence telle qu’elle surgit dans ses dimensions commémoratives et répétitives de l’histoire tumultueuse de la Caraïbe. Notre corpus tend à relier la notion du crime, fut-il d’emprise originelle, à l’histoire post-coloniale. Dans la mesure où les personnages constituent un élément clé du genre, ils sont sondés, dans un quatrième chapitre, en regard de la critique sociale qu’ils incarnent et véhiculent. Le dernier chapitre cherche à circonscrire l’intermédialité qui structure et qualifie l’œuvre au sein du roman policier depuis sa genèse. Somme toute, ces divers axes contribuent à mieux comprendre le phénomène de transposition du polar dans cette région du monde. / Although long looked down on and given short shrift by the literary establishment, the detective novel now enjoys legitimacy. Yet a survey of such books published in the French-speaking Caribbean (Haiti, Guadeloupe, French Guiana, Martinique) indicates that this genre remains marginalized there. Be that as it may, the 1990’s ushered in a publishing surge on detective novels. While this attests to the genre’s acculturation, it nevertheless raises questions about which, if any, characteristics distinguish the Caribbean, francophone detective novel. Does it fit mould, or conversely seek to establish distance between itself and the norm? To answer such questions this thesis will explore the dynamics of appropriating the detective novel in said geocultural space. And in-depth study of fourteen novels in light of the poetics of genres, sociocriticism, and intermediality, forms the body of this thesis. Its first chapter sets out a brief overview so as to contextualize these fourteen novels within the literary history of this genre, while at the same time highlighting the detective novel’s adaptation to the French-speaking Caribbean. This overview demonstrates that a significant number of writers pay heed to the magic and sorcery implied in their society so that they incorporate the supernatural, whereas the standard detective novel overwhelmingly adopts the logico-detective mindset. This explains why the second chapter addresses the use of the inscrutable and its relationship to Cartesianism. Meantime, the third chapter focuses on a topos of the genre, namely violence, with its commemorative and recurring manifestations in the Caribbean’s tumultuous history. Regardless of its immediate cause, the fourteen novels tend to conceive crime as linked to postcolonial history. Those characters who prove key to the genre make up the fourth chapter which examines them from the perspective of the social critique the articulate and personify. The final chapter endeavours to delineate the intermediality that structures the detective novel and has constituted its touchtone from the start. In short, the different avenues of inquiry enable one to grasp the confrontation between this genre’s traditional canon and its creative variants. This contributes to a better understanding of the phenomenon of transposing the detective novel to this region of the world.

This thesis presents the work of a contemporary German playwright Roland Schimmelpfennig in a wider context. In the main chapter, the author focuses on the analysis of five Schimmelpfennig's plays that have been performed also on Czech theatre stages. The analysis emphasizes the elements of a dramatic structure that Schimmelpfennig uses in an innovative way: epization of texts, unrealistic treatment of dramatic time, elements of magic realism etc. The author also pays attention to a general characteristic of a contemporary German-speaking theatre with respect to the topics that it deals with. A significant part of the work is devoted to classifying Roland Schimmelpfennig's work in the historical and theoretical context of a contemporary German-speaking theatre. A book called Die Rückkehr der Helden by a German author Nikolaus Frei, which questions some opinion on the recent development of theatre presented in a book Postdramatisches Theater by Hans Thiese Lehmann, has become a crucial source for this thesis. Nikolaus Frei copes with the question of animateness/inanimateness of theatre and by using extracts from particular dramatic texts by contemporary authors proves a possible continuity of mimesis, realistic acting and conflicts on the stage until the 21st century. In conclusion, it is possible...

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Les deux premiers chants de Lucain témoignent d’une utilisation novatrice des discours directs dans l’épopée. Présentés sous forme de triades de paroles juxtaposées –le dialogue n’est plus possible dans le monde du De bello ciuili- dont l’objectif et le genre sont similaires, ils incitent le lecteur-auditeur de l’Antiquité, rompu aux joutes oratoires des concours de déclamation, à les comparer. L’examen de deux de ces groupes de discours sert de préliminaire à une enquête plus large sur la parole rhétorique, puis sur la parole poétique.Dans la confrontation des discours de la première triade (Curion / César /Laelius, au chant I) se lit la condamnation de l’éloquence traditionnelle fondée sur des valeurs éthiques universellement partagées. Elle est supplantée par une rhétorique sophistique qui redéfinit, exclusivement en fonction des intérêts personnels de l’orateur, tout ce qui a trait au droit, au juste ou à la citoyenneté, notions problématiques dans le contexte de perversion morale du bellum ciuile. L’efficacité de cette nouvelle éloquence est signalée par le succès des trois suasoires qui sont à l’origine des grands tournants narratifs de l’œuvre : Curion décide César à entrer définitivement dans l’affrontement civil (Chant I), Cicéron pousse Pompée à donner le signal du début du combat à Pharsale (Chant VII) et Pothin persuade Ptolémée d’assassiner Magnus (Chant VIII).Dans la comparaison des trois paroles prophétiques de la fin du livre I auxquelles répondent les trois discours du début du chant suivant, effusions angoissées de Romains anonymes (les femmes, les hommes et le vieillard), se dessine un art poétique destiné à justifier les choix génériques du poète pour traiter son sujet. Conformant son œuvre à la médiocrité humaine des masses, il doit renoncer au genre tragique (discours des femmes) ainsi qu’à la célébration épique des héros (discours des hommes) et s’efforcer de proposer, à l’instar du vieillard qui se remémore le passé pour anticiper le futur (le plus long discours de l’épopée, rappelant, par sa place et son sujet, l’ilioupersis d’Enée), une épopée historique qui cherche à percer l’opacité du monde de la guerre civile, dans lequel les dieux ne sont plus anthropomorphes. Empruntant leur esthétique du déchiffrement du réel aux Piérides ovidiennes, ces poétesses humaines, rivales des divines Muses (Métamorphoses V), Lucain refonde alors la persona de son uates. Chantre d’un genre nouveau, pour une épopée renouvelée, le ‘piéridique’ uates du De bello ciuili qui ne peut plus être omniscient –puisque les pensées et les actions des superi lui sont inconnaissables- refuse le patronage des divinités traditionnelles de la poésie, promet à son ‘héros’ César, non la gloire mais l’exécration éternelle et proclame avec défi, qu’il ne devra lui-même l’éternité qu’à la seule puissance de son talent personnel, divines Muses et grands guerriers héroïques des œuvres du passé ayant été congédiés par la guerre civile. / The first two books of Lucan reveal an innovative use of direct speech in epic. Presented as contiguous speech triads – dialogs being impossible in the realm of De bello ciuili – whose purpose and genre are similar, they lead the ancient reader-listener, used to oral debates typical of declamation contests, to compare them. The investigation of two of these speech groups is our first step to a larger inquiry on rhetoric speech, then on poetic speech.Confronting the speech of the first triad (Curion/Caesar/Laelius in book I) reveals the end of traditional eloquence based on universal ethic values. It is superseded by a sophistic rhetoric that redefines (exclusively according to the speaker's private interests) whatever relates to law, justice or citizenship – problematic concepts in the perverse moral context of bellum ciuile. The efficiency of this new eloquence is highlighted by the success of the three suasory performances which cause the work's main narrative turns: Curion convinces Caesar to definitely take part to the civil war (book I), Cicero leads Pompeus to launch the battle at Pharsalia (book VII) and Pothinus persuades Ptolemy to murder Magnus (book VIII).Comparing the three prophetic speeches at the end of book I (which mirror the three speeches at the beginning of the following book), anxious complains of anonimous Romans (the women, the men and the elderly), we identify an ‘art of poetry’ aimed at motivating the generic choices made by the poet to handle his subject. Working along the lines of the human depravity of masses, he may not employ neither the tragic style (the speech of women) nor the epic celebration of heroes (the speech of men), but must suggest – as the old man remembers the past to anticipate the future (the longest speech of the epic reminds Eneas’ Ilioupersis by means of its place and subject) – an historical epic aiming at enlightening the opaque world of civil war, in which the gods are no longer anthropomorphic. Borrowing their deciphering aesthetic to Ovids’ Pierides, human female poets rivaling the godly Muses (Metamorphosis V), Lucan reinvents the persona of his uates. Promoting a new genre, for a renewed epic, the 'pieridic' uates of De Bello Ciuili, which can no longer be omniscient – since the superi's thoughts and deeds are out of his reach – refuses to worship the traditional poetry deities, swears to his 'hero' Caesar not the glory but the eternal hatred and defiantly proclaims that he himself will deserve eternity only through his own talent, the godly Muses and great heroic warriors of ancient works having been dismissed by civil war.

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Comment concilier le récit d’une expérience personnelle qui met le “moi” écrivain au coeur de l’entreprise auctoriale avec le désir d’intervenir dans la chose publique et politique ? Et comment réunir ces deux dimensions dans l’espace poétique de la fiction afin que ni la biographie ni l’idée ne prennent le pas sur le romanesque ? C’est ce que nous nous sommes proposé d’étudier à travers les exemples de cinq oeuvres : La Maison du peuple de Louis Guilloux, L’Espoir d'André Malraux, La Conspiration de Paul Nizan, Les Mandarins de Simone de Beauvoir et Le Premier Homme d’Albert Camus. Il est apparu que nos auteurs n’ont pas seulement leur amitié ou leurs conflits en commun, mais également une vision convergente sur la manière de conjuguer leur vécu et les causes de leur temps, avec çà et là, les particularités propres à chacun, que nous avons tenté de mettre en lumière. La période que couvre le corpus allant de la fin des années 1920 jusqu’à la fin des années 1950, sa confrontation avec des théories littéraires qui ont fleuri à partir des années 1970 manifeste la pertinence des questions que continue à soulever une littérature engagée dont on a sonné le glas, et pas seulement sur le plan formel. Prenant ce corpus pour matériau d’analyse sans nous y restreindre, nous détaillons les questions de poétique et de genres littéraires que soulève la désignation “roman autobiographique”, les techniques de représentation et de transposition ainsi que la part de subjectivité qui préside à une écriture en situation, afin de déterminer comment une expérience personnelle se transforme en exercice esthétique pour aboutir à une éthique de l’action. / How do authors reconcile the desire to share their personal experience — where the “I” is the heart of the work — with the desire to participate in public and political life ? And how can they bring together these two dimensions in the poetic space of fiction, so that neither their biography nor their main thesis end up of overshadowing the work’s novelistic qualities? These are the questions we proposed to examine through five novels: La Maison du Peuple by Louis Guilloux, L’Espoir (“Man’s Hope") by André Malraux, La Conspiration (“The Conspiracy”) by Paul Nizan, Les Mandarins (“The Mandarins”) by Simone de Beauvoir, and Le Premier Homme (“The First Man”) by Albert Camus. We found that, beyond their friendship and their shared battles, these authors also shared similar views on how to reconcile their personal experiences and the causes of their time — with, here and there, their own particularities, which we examined. The confrontation of these works, which range from the 1920s to the late 1950s, with the literary theories that emerged starting in the 1970s attests to the pertinence of questions raised by this socially-conscious literature (and not only on the formal level). Using this corpus for analysis, but without restricting ourselves to it, we examined the questions of poetics and genre raised by the term “autobiographical novel”, techniques of representation and transposition, and the subjectivity inherent to engaged writing. This will lead us to understand how a personal experience can be transformed into an aesthetic exercise and result in an ethics of praxis.