O objeto desta dissertação são os trabalhos de arte produzidos pelo autor entre 2013 e 2015. Partindo dos próprios trabalhos e dos espaços onde foram apresentados, este ensaio busca articular procedimentos e conceitos recorrentes na produção do artista por meio de imagens, descrições, desenhos, anotações, projetos e interpretações que interroguem a ideia de livro como suporte, matéria-prima e lugar. / The object of this Master\'s thesis is the author\'s works of art produced between 2013 and 2015. Departing from the works of art themselves and from the spaces where they were presented, this essay seeks to articulate recurring procedures and concepts in the artist\'s production through images, descriptions, drawings, notes, projects and interpretations that question the idea of the book as a support, raw material and place.

O presente trabalho se realiza no âmbito estrito da pesquisa imagética, percorrendo uma grande variedade de registros iconográficos, bem como produtos audiovisuais. Tanto em um caso, quanto no outro, o objeto da pesquisa não foi o conjunto dos produtos de origem, mas suas reverberações e, de certa forma, decaimento, nas replicações propiciadas pela internet. Às investigações realizadas interessou, portanto, não a imagem magistralmente produzida, mas seu modo pós-aurático de existência, ou seja, as imagens vadias, sem origem e destino, que a contemporaneidade produz e reproduz ininterruptamente, e que faz circular no mundo digital. Do ponto de vista metodológico, os desenvolvimentos realizados se fundamentam na tradução poética intersemiótica, que determina o valor, o peso e a qualidade do texto, em sua relação com as imagens - constituindose a relação texto/ imagem a problemática fundamental e o terreno das operações realizadas. O efeito que se pretende obter com a tradução intersemiótica é produzir um texto que não explique a imagem e assegurar que aquela não ilustre o texto: têm ambos valor de imagem, são elementos gráficos e, em tal condição, estão apontados para olho e seu permanente estado de prontidão, antes de se dirigirem ao intelecto e sua propensão à reflexão. De transcurso caixa de fundo vazado espera-se um resultado para além das conclusões teóricas. Nascido imagem, só pode retornar imagens. Resulta da operação, portanto, não um produto, mas um operador, um dispositivo cujo modo de ser é a existência replicante. Tal condição não estabelece um divórcio com as disciplinas teóricas, mas, bem ao contrário, institui para com elas um vínculo essencial, respeitadas as distintas naturezas de cada qual: por existir imageticamente, esse trabalho retorna continuamente o que se pode chamar de traços fisionômicos da contemporaneidade. Esses traços interessam tanto à pesquisa social teórica, quanto à pesquisa aplicada, tendo movimentado a filosofia de Walter Benjamin que, juntamente com Gilles Deleuze, são as referências básicas desse trabalho. / This work has been done under a strictly visual research, covering a wide range of iconographic records and audiovisual products. The research has not taken into account the original images, but their reverberations and somehow their decay, once they have been replicated throughout the Internet. The images masterfully produced are not the main purpose of this work, but their post-auratic mode of existence, that is, images without origin and destination which are continuously produced and reproduced by the contemporary society and whose existence occurs in the digital world. From the methodological point of view the developments made are based on intersemiotic translation, which determines the value, weight, and quality of the text in its relationship with the images - the relation text / image is the basic problem and the field where the poetic operations are carried out. The aim of intersemiotic translation is to produce a text that does not explain the image and ensure that image does not illustrate the text: both have image value, graphics elements, and are pointed to the eyes with their permanent state of readiness, instead of focusing on the intellect and its propensity for reflection. From transcurso caixa de fundo vazado one cannot expect strictly intellectual result or theoretical conclusions. Once it is born image, it can only return to images. It results from the operation, therefore it is not a product, but an operator, a device whose mode of being is a replicant existence. This condition does not establish a divorce with the theoretical disciplines, but, on the contrary, establishes among them an essential link, subjected to the different natures of each one. Since this work exists only in the image sphere, it continually returns to what one can classify properly as physiognomy of the contemporary life. These physiognomic traits interest both to the theoretical and applied social research and it is related to the whole philosophy of Walter Benjamin who, along with Gilles Deleuze, is the basic theoretical references of this work.

Entre os anos de 1960 e 1978, diversos artistas europeus e norte-americanos recorreram em suas obras a práticas que remontam a antigos rituais de sacrifício religioso. Os documentos fotográficos e videográficos que restaram dessas ações chegam ao século XXI exercendo ainda, no encontro com as audiências do presente, uma notável performatividade que envolve a produção de rumores, sensacionalismos e mal-entendidos, mas também a produção de novas e novas performances do sacrifício. Esta tese propõe como ponto de partida metodológico uma arqueologia (Michel Foucault) da massa documental que envolve um nascimento da \"arte corporal\" na França e nos Estados Unidos entre as décadas de 1960 e 1970, afim de deslocar uma ontologia da performance (Peggy Phelan) que, ainda hoje, especialmente no âmbito dessas poéticas, evoca a noção de \"real\" para o centro das discussões que envolvem a relação entre documento e performance. Nesse sentido, a tese apresenta o conceito de monumento sacrificial: a imagem de um corpo sacrificado ou a imagem de um corpo sacrificante que exerce sobre o corpo histórico da performance art uma repetição, ao evocar esse \"real\" enquanto risco, asco, dor, morte, destruição, ferida que fere - sacrifício. Dividida em duas partes, a tese propõe como hipótese uma passagem, no âmbito de uma história primordial destas poéticas, do corpo sacrificante - corpo sob o signo do excesso - para o corpo sacrificado - corpo sob o signo do martírio -, ocorrida na virada dos anos de 1960 para 1970. O conceito de sacrifício, por sua vez, é aqui desenvolvido, de um lado, a partir dos escritos de Georges Bataille e da estranha posição que o escritor ocupa no curso de uma história das teorias do sacrifício religioso modernas; e de outro, a partir dos monumentos sacrificiais produzidos, na década de 1960, por quatro artistas austríacos associados ao chamado Acionismo de Viena. Acredito que a imaginação sacrificial de Bataille e os monumentos sacrificiais de Rudolf Schwarzkogler, Günter Brus, Hermann Nitsch e Otto Muehl propiciam um olhar crítico sobre as poéticas e as políticas do sacrifício ontem e hoje. / Between the years of 1960 and 1978, several European and American artists have employed in their works practices that go back to ancient rituals of religious sacrifice. The photographic and videographic documents that remain of these actions arrive at the 21st century still exerting, in the meeting with the audiences of the present, a remarkable performativity that involves the production of rumors, sensationalisms and misunderstandings, but also the production of new performances of sacrifice This thesis proposes as a methodological starting point an archeology (Michel Foucault) of the documentary mass that involves the birth of the \"body art\" in France and in the United States between the 1960s and 1970s, in order to displace an ontology of performance (Peggy Phelan) which, even today, especially in the context of these poetics, evokes the notion of \"real\" to the center of the discussions that involves the relationship between document and performance. In this sense, the thesis presents the concept of a sacrificial monument: the image of a sacrificed body or the imagem of a sacrificing body which exerts upon the historical body of performance art a repetition, evoking this \"real\" as risk, disgust, pain, death, destruction, a wound which hurts - sacrifice. Divided into two parts, the thesis proposes as a hypothesis a turn point, within a primordial history of these poetics, from the sacrificing body - body under the sign of excess - to the sacrificed body - body under the sign of martyrdom -, that occurred in the early 1970\'s. The concept of sacrifice, for its turn, is developed here, on the one hand, from the writings of Georges Bataille and the strange position that he occupies in the course of a history of theories of modern religious sacrifice; and on the other hand, the concept is developed from the sacrificial monuments produced in the 1960s by four Austrian artists associated with the so-called Viennese Actionism. I belive that Bataille\'s sacrificial imagination and the sacrificial monuments by Rudolf Schwarzkogler, Günter Brus, Hermann Nitsch and Otto Muehl provide a critical gaze on the poetics and politcs of sacrifice of the past and the present.

Cette thèse examine l’œuvre poétique de Rimbaud et de Laforgue du point de vue de la catégorie de « folie ». La notion de folie a très souvent été mobilisée dans la première réception de tout un pan de la poésie écrite dans le dernier tiers du XIXe siècle, pour étiqueter des textes considérés comme illisibles. À tel point qu’avec ses corollaires d’époques (manie, névrose, dégénérescence, hystérie), elle est devenue un véritable paradigme de lecture du texte poétique. La folie est envisagée ici non pas seulement dans sa définition médicale, mais aussi comme objet hybride, construit par une multiplicité de discours et de pratiques. On commence par une archéologie de ce discours médicalisant qui pathologise la poésie, pour montrer ensuite que la « folie » constitue bien une catégorie valide pour l’appréhension de la poésie rimbaldienne et laforguienne, mais qu’elle nécessite pour cela une théorisation nouvelle, indépendante de toute considération biographique ou psychologique. Part essentielle de l’écriture, la folie chez Laforgue, Rimbaud et leurs contemporains n’est plus la folie romantique – qui s’articulait aux catégories du grotesque ou du magisme inspiré. La folie poétique se fait méthode, « raisonné dérèglement » selon la formule paradoxale de Rimbaud, et traverse, en tant qu’expérience-limite, tout le trajet lyrique. En même temps, elle devient immanente aux corps, et au corps du texte. La folie romantique s’est immanentisée et textualisée. Poétique de la folie désigne ici un fait littéral, la manière dont le texte se trouve altéré par la folie, et réciproquement la manière dont en tant que poème ce même texte reconfigure la langue et la lecture, devenant par là un autre nom de la « folie » comme intempestivité, invention de catégories nouvelles, illisible devenant lisible. La folie ne désigne plus alors une pathologie, mais la force d’évènement de l’écriture même. Chez Laforgue et Rimbaud, cette dimension de bouleversement se déploie particulièrement dans trois champs : comme expérience radicale, la folie opère une altération et une aliénation du sujet ; comme effet rhétorique, elle entraîne un trouble généralisé de la syntaxe et du sens ; en tant que contre-discours et résistance à l’ordre établi (hystérie, idiotie, fureur) enfin, elle possède en elle-même une dimension politique, par laquelle elle s’articule à l’histoire comme événementialité. / This dissertation looks at the poetic works of Rimbaud and Laforgue from the point of view of “madness”. The category served as a label that was often applied by contemporary readers, including medics, to a corpus of poetry they considered to be illegible. Madness and its then quasi synonyms – mania, neurosis, degeneracy or hysteria – thus became no less than a general paradigm for reading poetry. We conceive of madness here not as a mere medical concept, but as a hybrid object, one that is constructed through multiple discourses and practices. The thesis first takes an archaeological look at this medicalisation of the reception of poetry. It then moves on to show that the category of “madness” can indeed be valid when it comes to understanding the lyric of Rimbaud and Laforgue, but needs new theorisation as a concept. Madness should no longer be considered as a biographical or even psychological category, but as pertaining to the text itself. A crucial part of the act of writing both for Rimbaud and for Laforgue, madness at the Fin de siècle had moved away from its definition in French romanticism, which saw it primarily as akin to the category of the grotesque or that of transcendent inspiration. Madness became a paradoxical method for poetry, according to the rimbaudian phrase “raisonné dérèglement” (“reasoned derangement”). As a limit-experience, madness proves to be at the core of a new poetic practice, while becoming immanent to the bodies as well as to the body of the text. Talking about a “poetics of madness,” we therefore conceive of madness as being primarily textual or literal. The poetic text is altered and displaced by madness, and conversely the text itself qua poem transforms the language it is written in and the categories of reading that are applied to it. In that sense, the text is necessarily mad in its essential untimeliness, since it invents the categories in which it can become legible. Madness thus no longer refers to a form of pathology, but rather designates poetic writing itself as a force and an event. Such a disruptive force is studied more particularly in three domains. As a radical experience, madness alters and literally alienates the subject. As a rhetorical effect, it brings about a major trouble within syntax and meaning. As a counter-discourse, finally, and a resistance to social order (in the cases of hysteria, idiocy, or fury), madness has an immediate political dimension to it, which connects it to history qua eventiality.

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 MARIA TRINDADE MARTINS DOS SANTOS.pdf: 1369350 bytes, checksum: af191198cadea63691f1a871e3a71299 (MD5) Previous issue date: 2007-02-01 / Universidade Federal do Pará / The purpose of this dissertation is to study the poetic creation process in the book of short stories Quarto de Hora by Maria Lúcia Medeiros, published in 1994 in Belém do Pará, Brazil. It is a fictional process that, in view of the multiple stylistic marks, has similarities with the oral speech while legends or children s stories, beyond its own literary limits, in the realm of the visual arts. Two hypotheses were operated in this investigation: one relative to the ambivalent nature of the discourse in first person; the other relative to the presence of the memorialist narrative in the poetic essay. Both of them are supported on theories of the Russian Formalists, Paul Zumthor, Henri Bergson, Maurice Halbwachs, Gaston Bachelard, chiefly. The study of short stories was based on the analysis and construction of cinematographic procedures that blow up images processed as recollections of the oral illusional report. The time-space interrelation is operated in the narrative sequence by the imagination and memory, in the three chapters, as a complementary relation that results in the grasping of a fragmented and plural narrative, as a spiral figure, that has no beginning, no middle, and no end incomplete. The memory space provides the principle of creation of the legend s image in Quarto de Hora, which finds its representation in the origin of the human language, in the voice, and in gesticulations of the poetic expression at the threshold of prose / O propósito desta dissertação é estudar o processo de criação poética no livro de contos Quarto de Hora de Maria Lúcia Medeiros, publicado em 1994, em Belém do Pará, Brasil. É um processo ficcional que, em vista das múltiplas marcas estilísticas, apresenta similaridades com o discurso da oralidade, enquanto lendas ou histórias infantis, além das próprias fronteiras literárias, no domínio das artes visuais. Duas hipóteses foram trabalhadas nesta investigação: uma referente à natureza ambivalente do discurso em primeira pessoa; outra referente à presença da narrativa memorialista no ensaio poético. Ambas são fundamentadas nas teorias dos Formalistas Russos, Paul Zumthor, Henri Bergson, Maurice Halbwachs, Gaston Bachelard, principalmente. O estudo dos contos foi baseado na análise e construção de procedimentos cinematográficos, que sugerem imagens processadas como recolhas do relato da ilusão oral. A inter-relação tempo-espaço é trabalhada na seqüência narrativa pela imaginação e memória, nos três capítulos, enquanto uma relação complementar que resulta na apreensão de uma narrativa fragmentada e plural, como uma figura espiral, que não tem início, meio e fim inconclusa. O espaço da memória fundamenta o princípio da criação da imagem da lenda em Quarto de Hora, que encontra sua representação na origem da linguagem humana, na voz, e nas gestualidades da expressão poética, nos limites da prosa

Este estudo propõe uma leitura sobre a poética arquitetônica nas obras de Luis Barragán, Alvaro Siza e Tadao Ando, a partir do elo que estabelecem no binômio construção-natureza.Tomando de suas produções projetos emblemáticos dessa relação, encontramos \"lugares arquitetônicos puros\" (HUET, 1979) que restituem o caráter ontológico da disciplina ao evocarem, nessa fronteira última da arquitetura, questões primordiais da existência humana. No diálogo que propõem entre localidade e síntese moderna, essas \"construções do lugar\" nos revelam, mais do que posturas críticas, inquietudes - ou obsessões - de seus criadores, as quais se concretizam na experiência fenomenológica das obras, por meio da \"desmaterialização\" da própria arquitetura.Barragán, em Los Clubes (1964-1968) - Cuadra San Cristóbal e a Fuente de los Amantes -, impõe agudos contrastes à paisagem para então dissolvê-los, numa \"realidade fantástica\" que consuma a improvável comunhão entre fé católica e desejo erótico; na Piscina de Leça da Palmeira Siza narra o retorno do Homem à Natureza, num \"discurso da técnica\" que desfaz, no caminho entre a cidade e a praia, o muro de concreto em areia e pedra; no Templo da Água, Tadao Ando estabelece um percurso do profano ao sagrado - da razão ocidental à espiritualidade oriental -, pela transmutação simbólica da forma geométrica, regida por vazios radicalmente disponíveis (Ma).Cada capítulo circunscreve individualmente um arquiteto e sua obra por meio de três aproximações sequenciais: inicia com as impressões da visita à obra; passa a pela genealogia da imaginação e formação da linguagem; e fecha o ciclo retornando ao projeto, analisado a partir dos desenhos e dos dados coletados ao longo da pesquisa. Pretendemos, assim, criar uma ponte entre o desígnio projetivo e a expressão obra, para identificar, nesse trajeto, os recursos poético-arquitetônicos utilizados. Na conclusão, são gerados cruzamentos horizontais entre as diferentes manifestações desses recursos nas obras - percurso, muro, água, luz etc. - como tentativa de contribuir para o léxico poético da disciplina. / This study proposes a reading of architectural poetics on the works of Luis Barragán, Alvaro Siza and Tadao Ando, departing from the link that each of them establish on the binomal construction-nature. Considering among their productions the emblematic projects of such a relationship, we can find pure architectonic places (HUET, 1979) that restore the ontological character of the discipline, evoking, through this last frontier of architecture, universal issues of the human existence. In the dialogue they propose between place and modern synthesis, those \"site constructions\" thus reveal rather than critic positions, but basic and primordial disquietudes - or obsessions - from their creators. Those disquietudes become concrete in the phenomenological experience of the place, in the very same \"dematerialization\" of architecture.Barragán, in Los Clubes (1964-1968) - Cuadra San Cristóbal and Fuente de los Amantes -, imposes sharp contrasts to the landscape to then dissolve them in a \"fantastic reality\" that consummates the unlikely match between catholic faith and erotic desire; in Leça da Palmeira Swimming Pool, Siza tells, by a \"technical speech\", the return of Man towards Nature, in a liturgic procedure that undoes, between the city and the beach, the concrete wall into sand and stone; on the Water Temple, Tadao Ando establishes a path from the profane towards the sacred - from the occidental reasoning to the oriental spirituality -, through the symbolic transmutation of the form along radically available spaces (Ma). Each chapter individually circumscribes one architect and his work through three sequential proxies: it begins with the impressions obtained in site visits; then goes through a genealogy of the imagination and the formation of the language; and closes the circle returning to the project, aproached through the drawings and data collected during the research. The goal then, is to create a bridge between the project intentions and the expression of the work, to identify, along this path, the poetic architectural resources that were used. In the conclusion, horizontal crossings are created between different expressions of those resources on the constructions - pathway, wall, water, light etc. - as a way to try to contribute to the poetic lexicon of the discipline.

How we approach a poem changes it. Recently, it has been suggested that one readerly approach - a bodily orientation characterised by distance, suspicion, and resistance - risks becoming reflexive, pre-conscious, and predominant. This use-oriented reading allows us to destabilise, denaturalise, dissect, defend, and define poetic texts through its manifestation in contemporary literary critique, yet it is coming to be regarded as the sole manner and mood of intelligent, intellectual engagement. In this thesis, I demonstrate the need to pluralise this attentive orientation, particularly when it comes to contemporary lyric poetry. I suggest how an overlooked mode of response might foster a more receptive mode of approach: the 'co-creative' response. Lyric poems mean to move us, and they come to mean by moving us. Recent 'simulation theories of language comprehension', from the field of cognitive neuroscience, provide empirical evidence that language processing is not a product of a-modal symbol manipulation but rather involves 'simulations' by certain classes of neurons in areas used for real-world action and perception. As habituation and abstraction increase, however, these embodied simulations 'streamline', becoming narrow schematic 'shadows' of once broad, qualitatively rich simulations. Poems, I suggest, seek to reverse this process by situationally novel variations of language, coming to mean in the broadly embodied sense in which real-world experiences 'mean'. Readers are asked to 'enact' the poem, to 'co-create' its meaning. Where critique traditionally requires that readers resist enactive participation in the aim of objective analysis, the co-creative response - a response 'in kind' by imitation, versioning, or hommage - asks readers to receive and carry forward the enactive unfolding of a poem with a composition of their own. I assert that, by thus responding with - rather than to - poems, we might foster an attentive stance of active receptivity, thereby coming to understand poems as the enactive phenomena they are.

A presente tese apresenta uma análise das relações entre três novelas de João Guimarães Rosa e o veículo que lhes serviu de suporte, a revista Senhor, publicada entre março de 1959 e março de 1964. O objetivo é propor uma interpretação de A simples e exata estória do burrinho do Comandante, Meu tio o Iauaretê e A estória do Homem do Pinguelo, que vieram a compor o póstumo Estas estórias, à luz de uma poética cultural, a que vigorou no período da construção e inauguração de Brasília. O discurso cultural que caracteriza a era de Juscelino Kubitschek pauta-se pelas ideias de desenvolvimento, modernização e integração. A revista Senhor é ícone dessa era, e reuniu em suas páginas o que era sinônimo de novidade, sem deixar de ser brasileira. Como ocorre com os textos publicados pela revista, a obra de Rosa compõe parte desse discurso cultural, na medida em que o projeto literário do autor tem o dialogismo, uma forma de integração, como pilar central. Os lugares tanto da revista quanto do autor no campo literário são considerados para se veja neles uma convergência, e para que se os considere como partes constituintes de um mesmo discurso. / This thesis presents an analysis of the relationship between three of João Guimarães Rosas stories and the communication vehicle that served them as support, the Senhor magazine, published from March, 1959 up to March 1964. The main objective is to propose an interpretation of A simples e exata estória do burrinho do Comandante Meu tio o Iauaretê and A estória do Homem do Pinguelo, stories which would compose the post-mortem Estas estórias, under the light of a poetics of culture, considering the years of construction and inauguration of Brasília. During the Juscelino Kubitschek era, the cultural discourse is based on the ideas of development, modernization and integration. Senhor is an icon of said era, and compiled within its pages what was synonym of news, while never setting aside its Brazilian nature and origin. Rosas work configures as part of that cultural discourse, as it occurred with the texts published by the magazine, for the authors literary project has the dialogism, a means of integration, as its central foundation. The positions of both artist and magazine in the literary field are considered so that a convergence is possible to be identified between them, and in order for them to be seen as pieces of an one, common discourse.

Os Discorsi dellarte poetica, ed in particolare sopra il poema eroico são um texto de preceptiva poética relativa ao gênero épico escrito por Torquato Tasso. Sua primeira edição foi publicada em Veneza no ano de 1587, porém sua produção data da década de 1560, durante a qual o poeta dava curso a sua formação humanista junto a letrados proeminentes das academias de Pádua, como Sperone Speroni e Scipione Gonzaga. O texto situa-se no âmbito das discussões quinhentistas acerca do poema épico, em que a retomada dos estudos aristotélicos, em meados daquele século, ensejou a recodificação dos romanzi, narrativas em língua vulgar versificadas sobre os feitos de cavaleiros andantes. A Gerusalemme liberata, obra-prima de Tasso, representa a consubstanciação desse processo. Para este trabalho, ao lado da tradução integral em língua portuguesa das três partes que compõem os Discorsi, apresentamos um estudo monográfico, abrangente, porém não exaustivo, de interfaces possíveis entre o texto italiano e os escritos críticos de alguns dos mais representativos letrados portugueses do século XVII, como Manuel de Faria e Sousa, Manuel Severim e Faria, Manuel Pires de Almeida e João Franco Barreto. Desejamos com isso evidenciar a presença de ideias italianas entre os leitores seiscentistas de Camões e a existência de uma pauta de discussões comum, em Itália e Portugal, referente à constituição do poema épico, considerado, nos séculos XVI e XVII, o mais elevado entre as espécies de poesia. / The Discorsi dell\'arte poetica, ed in particolare sopra il poema eroico are a text by Torquato Tasso regarding poetic precepts of the epic genre. It was first published in Venice, in 1587, although its production dates back to the decade of 1560, a period in which the poet cultivated his humanistic formation along with prominent literates from the academies of Padua, such as Sperone Speroni and Scipione Gonzaga. The text is situated in the scope of 15th century discussions about the epic poem, in which the resume of the Aristotelian studies, in the middle of that century, gave rise to the recodification of the romanzi, versified narratives in vernacular on the achievements of knights-errant. Gerusalemme liberata, Tasso\'s masterpiece, represents the consubstantiation of such process. For this work, along with the literal translation to Portuguese of the three parts that compose the Discorsi, we present a monographic study extensive, but not exhaustive of possible interfaces between the Italian text and the critical writings of some of the most representative Portuguese literates of the 17th century, such as Manuel de Faria e Sousa, Manuel Severim e Faria, Manuel Pires de Almeida and João Franco Barreto. Thus we aim at evidencing the presence of Italian ideas among the 16th century readers of Camões and the existence of a common agenda of discussions, in Italy and in Portugal, concerning the constitution of the epic poem, considered in the 16th and the 17th centuries the most elevated among the species of poetry.

Made available in DSpace on 2015-03-05T17:20:08Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 29 / Nenhuma / A presente dissertação tem por objetivo a afirmação do Direito como “escritura”, que é ao mesmo tempo transgressora e conservadora da tradição jurídica. Para tanto, parte-se da aproximação do direito à literatura, investigando-se, mais precisamente, as relações que se estabelecem entre a tragédia grega e o direito. Nessa senda, investiga-se o panorama geral em que se inserem os estudos que aproximam o direito da literatura e vice-versa, e visita-se a poética aristotélica para, então, examinarem-se as características do gênero e do homem trágicos. São investigados conceitos básicos da Grécia Antiga – os conceitos de physis, ethos, nomos, hamartia, hybris, themis e diké - e, então, a passagem das estruturas de pré-direito ao direito que se desvela nos mitos gregos e, por conseqüência, no gênero trágico, com base nos estudos de Louis Gernet e Vernant.vIdentificada, a partir da Poética Aristotélica, a mimesis ínsita à literatura, e, reconhecida a tragédia como evento que coincide com a afirmação da democracia gre / The main objective of the present dissertation is the affirmation of the Law as “scripture”, which is, at same time, transgressor and conservative of the juridical tradition. In order to state so, one has to approach the Law to the Literature, more precisely investigating the relations that have been established between the Greek tragedy and the Law. This way, one has to investigate the general panorama in which the studies that approximate law and literature (and vice-versa) are inserted, and the Aristotelic poetics is visited in order to allow the gender and the tragic man characteristics to be examined. Basic concepts of the ancient Grece are herewith investigated – such as physis, ethos, nomos, hamartia, hybris, themis e diké – as well as the passage of the pre-law structures to the law itself which are unveiled in the Greek myths and, consequently, in the tragic gender based on studies signed by Louis Gernet and Vernant. Identified since the Aristotelic poetics, the mimesis inserted into Literature, and