The American poet Susan Howe (1937-present) began her career as a visual artist, but owing to a dearth of information about her early collages it has been difficult to say anything substantive about how they might have shaped her poetic practice. In 2010, she placed her collages on archive. Along with a number of personal interviews with Howe, this heretofore unavailable material has enabled me to consider Howe's subsequent work in a new light and to establish significant links between her early visual aesthetics and the poetics of bibliography, historiography, and elegy for which she is now known. Howe's collages, like her poetry, focus on details that are at risk of vanishing from cultural memory and printed record. For this reason, I argue that her work evinces an 'elegaic materialism', or a way of reading, viewing, and thinking about texts that is attuned to loss. If “history is the record of the winners,” as Howe says, then one way of rescuing marginalized perspectives is by regarding manuscripts as drawings, thereby rescuing the concrete particulars deemed irrelevant by editors and historians. As Howe's late work turned increasingly toward elegy, her early aesthetic contributed to a nuanced poetics of personal loss and to a series of astonishing new formal tropes. The Introduction to this thesis discusses Howe's materialism in the context of current literary theory and textual scholarship. Chapter 1 concerns itself with Howe's art historical context. Chapter 2 analyses a selection of her word-drawings. Chapter 3 considers Howe's transition to poetry. Chapter 4 addresses her turn to archival documents in her middle period. Chapter 5 looks at the influence on Howe of documentary film, especially in connection with the task of representing a lost loved one, and Chapter 6 discusses her two most recent elegies, The Midnight and THAT THIS. A Coda completes the circle by once more considering Howe in the context of the visual arts at the moment she was selected to exhibit at the 2014 Whitney Biennial.

L’objet de cette thèse est de montrer, dans un corpus français compris entre 1601 et 1675, que l’extase est employée comme la condition du sens de ces discours. La première partie, qui porte sur la fin de l’extase mystique, vise à répondre aux besoins préliminaires d’une définition de l’extase au XVIIe siècle, afin de disposer des outils lexicaux, notionnels et historiques pour mener à bien la recherche poétique. Sont précisés le lexique de l’extase, les conséquences induites par la transformation d’un principe métaphysique en un phénomène humain, et la situation de l’extase face au discernement spirituel qui a abouti à sa faillite. La deuxième partie, qui est consacrée aux récits d’extases, permet de mesurer les conséquences poétiques des premières conclusions, en distinguant la poétique narrative de deux objets qui se trouvent à l’un et l’autre bout des mutations de l’extase au cours du siècle, à savoir l’extase visionnaire dans la Vie de Thérèse d’Avila et l’extase devenue invisible dans les relations spirituelles de Claudine Moine. Ces deux extases sont traitées comme des objets sémiotiques, dont les procédures narratives posent à la narration un problème d’ordre temporel qui a pour effet de faire échec au récit de sainteté que Thérèse d’Avila entend mener, et de rendre impossible dans les écrits de Claudine Moine la conjonction du sujet de l’histoire racontée avec le sujet de la narration. Enfin, la troisième partie traite de l’énonciation de l’extase dans un corpus principalement poétique. Elle isole les figures historiques employées pour représenter une telle énonciation, précise la façon dont l’affectivité extatique s’articule à la parole, et éclaire l’incidence de l’économie affective de sujet extasié sur les modes de figuration objective de l’extase. / This dissertation aims to show, through an analysis of a French corpus dating from 1601 to 1675, that ecstasy is used as the condition of the meaning of these speeches. The first part, which focuses on the end of mystical ecstasy, seeks to meet the primary needs of a definition of ecstasy in the 17th century, in order to gather the lexical, notional and historical tools for poetical research. It clarifies the lexicon of ecstasy, shows the results of the transformation of a metaphysical principle into a human phenomenon, and explains the situation of mystical ecstasy facing the discernment of spirits that led to its fall. The second part, which focuses on the narratives of ecstasy, allows to evaluate the poetical consequences of the previous conclusions. It distinguishes indeed between the narrative poetics of two objects located on both ends of the mutations of ecstasy during the century: the visionary ecstasy in the Life of Teresa of Avila, and the invisible ecstasy in the spiritual relations of Claudine Moine. These two kinds of ecstasies are considered as semiotic objects, whose procedures result in a temporal problem: ecstasy stymies the narrative of holiness that Teresa of Avila intends to tell, and hinders the identification between the subject of the story and the subject of the narration in Claudine Moine’s writings. Finally, the third part deals with the enunciation of ecstasy in a corpus that is mainly poetical. It isolates the historical figures that are used to represent this enunciation, specifies how the ecstatic emotions are linked to verbal expression, and determines the impact of the ecstatic subject’s emotional economy on the objective modes of figuration of ecstasy.

Paradoxe de la prolepse : en dévoilant par avance un événement de l’histoire, elle risque de ruiner le suspens ; en n’évoquant qu’allusivement ce qui va suivre, elle peut au contraire y contribuer. Le traitement des anticipations a toujours été au cœur des débats sur la tension narrative. L’examen de poétiques et de rhétoriques antiques et classiques, leur confrontation avec les théories contemporaines permettent de retracer la longue histoire d’un procédé à travers les discours contradictoires qui l’ont défini.Lisons les romans de l’Ancien Régime, nous verrons ce paradoxe en action. Au seuil du XVIIe siècle, la prolepse appartient, comme le début in medias res, à la panoplie des artifices visant à maintenir suspendu l’esprit du lecteur et à structurer de grandes machines romanesques ; au siècle suivant, les pseudo-mémorialistes, tout en puisant dans ce fonds, la posent comme le symptôme d’une écriture naturelle, désordonnée, parfois défaite, peu soucieuse de suspens et d’architecture, bref, la marque par excellence d’une écriture du cœur.Tout se joue dans l’appréhension progressive du texte par le lecteur et l’interprétation de la voix narratoriale supposée le guider. Les outils de la narratologie sont réexaminés et affinés pour que puisse être pris en considération le cheminement pas à pas du lecteur ; afin d’étudier des unités plus petites ou des manœuvres narratives particulièrement subtiles, il faut combiner ces outils avec les instruments de la linguistique énonciative (reprises anaphoriques et annonces cataphoriques, usages des temps verbaux, phénomènes polyphoniques liés à la régie narrative). On évalue ainsi la manière dont, au long d’un siècle et demi d’une production romanesque très diversifiée, sont suscitées des attentes, souvent comblées, parfois frustrées : si l’anticipation est d’ordinaire un moment où une voix de régie organise le texte, il arrive en effet que ce procédé provoque des dérèglements dont nous pouvons, critiques embarrassés ou lecteurs amusés, suivre les aléas. / There is a paradox of prolepsis : because it tells in advance an event of the story, it runs the risk of ruining suspense ; because it only evokes this event allusively, it may, on the contrary, help to create suspense. The use of anticipation has always been at the core of the debate on narrative tension. Through the study of ancient and classical poetics and rhetorics, brought in comparison with contemporary theories, this work seeks to retrace the long history of a highly controversial narrative device.Reading the novels of the Ancien Régime, one may see this paradox at work. At the dawn of the seventeenth-century, prolepses belong, along with in medias res openings, to the repertoire of artificial contrivances used in the building of huge novelistic machines, as they keep the reader’s mind suspended ; in the first half of the following century, the Memoir-Novel uses the very same device to establish a new manner of writing : prolepses become the sign of an unsophisticated prose, attuned to the effusions of the heart.At stake here is the reader’s progressive apprehension of the text and the way he interprets the narratorial voice. Narratological tools are re-examined and refined so as to take into consideration the act of reading and its dynamics ; elements of enunciative linguistics are used for the study of small textual units and subtle narrative manipulations. Through this overview of one hundred and fifty years of prose fiction, we trace the different manners in which expectations are aroused, usually fulfilled, and exceptionally frustrated.

L’œuvre romanesque d’Amin Maalouf propose un traitement particulier du personnage qui dépasse le cadre habituel de son analyse. Objet de toutes les attentions mais aussi de tous les débordements, le personnage reflète l’ensemble des problématiques qui opèrent à l’intérieur de la fiction. On trouve ainsi dans les romans d’Amin Maalouf une contamination, voire même une dissémination, du personnage vers d’autres instances. Ces instances le prolongent en peuplant, à leur tour, le roman et en se proposant d’y laisser une empreinte poétique.Les métamorphoses et les mutations successives, dont le roman fait l’objet, viennent relayer sa présence, lui octroyant une dimension nouvelle. En multipliant ses appartenances et ses origines, la fiction propose un voyage à travers les multiples facettes du personnage qui lui permettent de renouer avec sa nature originelle. Tourné vers le mouvement, aspirant à se redéfinir au travers des autres instances textuelles, le personnage s’impose comme un véritable agent romanesque. La thèse propose ainsi de révéler précisément les tenants de ces métamorphoses et de ces mutations romanesques, afin de mettre en lumière les infinis prolongements qui concourent à l’élaboration d’une poétique singulière. / Amin Maalouf’s novels offer a special treatment of the character beyond the usual scope of its analysis. The object of all attention and excesses, the character reflects all issues operating within the fiction. Thus we find in Amin Maalouf’s fiction a sort of contamination, even a release of the character to other authorities. Throughout the novel these authorities extend adopt traits of the main character as personifications. They extend its presence their presence, occupy the fiction in their turn and try to leave a poetic mark.Metamorphoses and successive mutations, of which the novel is the subject, just relay its presence, giving it a new dimension. Increasing its appurtenances and its origins, fiction offers a journey through the many facets of character that allow it to return to its original nature. Facing movement, aspiring to redefine itself through other textual authorities, the character stands out as a true romantic agent.The thesis proposes to reveal precisely the proponents of these metamorphosis and mutations of fictions to highlight the infinite extensions that contribute to the development of a singular poetic.

Cette thèse porte sur les caractéristiques du théâtre du monde telles qu’elles se manifestent dans différentes œuvres dramatiques contemporaines francophones. Il s’agit d’envisager sept pièces de ce répertoire comme autant d’images du monde, dans la mesure où elles convoquent les emblèmes de la vie terrestre : humaine, animale, végétale, et problématisent leurs interactions dans un espace-temps universel. Dans une partie introductive, on rassemble et commente les principales contributions universitaires à la réflexion sur la notion historique de théâtre du monde. Dans la partie principale, on observe les prolongements contemporains de la métaphore à travers l’étude des pièces du corpus. Une présentation générale des moteurs et motifs d’écriture des dramaturges introduit chaque analyse de texte, basée sur une grille de lecture calquée sur les catégories constitutives du drame : personnages, espace et temps, actions, didascalies. Le corps de la thèse est ainsi conçu comme l’exploration de sept déclinaisons du théâtre du monde, partant de la représentation la plus abstraite pour aboutir à la plus organique. Une synthèse boucle ce parcours en soulignant que les pièces dépendent de trois modèles de composition, déterminant autant de combinaisons des catégories dramatiques. Cette classification dévoile enfin l’ambition qui génère chaque projet d’écriture. En conclusion, il apparaît que le théâtre du monde dont on s’accorde généralement à penser qu’il est un topos daté évoquant la théâtralité de la vie humaine, est un cadre générique assez fort pour résister à la poétique du drame contemporain, assez vaste pour accueillir les inventions dramaturgiques les plus singulières. / This thesis deals with the characteristics of the theatre of the world metaphor, as they appear in several contemporary french-speaking plays. Seven plays have been selected as images of the world, since they summon various emblematic elements of life on earth: humans, animals and flora, and emphasize their interaction in a universal surroundings. Firstly, the principal academic contributions concerning the historical notion of theatre of the world are gathered and commented. The main part of the research consists of the demonstration of the metaphor's contemporary extensions, through the study of the corpus. The analysis of each play is preceded by a presentation of its author's writing motivations and motives. Then, the play itself is examined carefully with the help of a reading grid which focuses successively on the dramatic categories : characters, space and time, actions, stage directions. Thus, the thesis's body is built as an exploration of seven variations of the theatre of the world, beginning with the most abstract one and leading to the most organic one. A synthesis ends this journey, pointing out that the plays match three composition patterns, which induces many combinations of the dramatic categories. This classification unveils the ambition at the origin of each writing project. In conclusion, it appears that the theatre of the world, generally considered as an old topos which refers to the theatrality of human life, is a framework strong enough to stand up to the poetics of comtemporary drama, and vast enough to house the most singular dramaturgic inventions.

Le présent travail explore un ensemble de textes peu étudié. L’hétérogénéité générique et chronologique de cet ensemble étant évidente, l’objectif visé est d’aller au-delà des différences formelles et de se concentrer sur les interférences entre les deux grands genres narratifs du XVIIe et du XVIIIe siècle : le roman, premièrement, et l’histoire, en tant qu’élément constitutif de la codification du sous-genre des Vies, secondement. À ce titre, les outils analytiques de la théorie de l’écriture romanesque et de l’historiographie y sont mobilisés simultanément et, parfois même, se recouvrent. Ainsi, au lieu de privilégier une étude thématique, philologique ou historico-biographique, l’analyse menée consiste en une étude parallèle des deux genres narratifs, des principes de leur composition et de leur rapport avec la tradition écrite antique. Car il n’y a pas de doute que ce qui est homogène dans les textes tient essentiellement à leur ascendance gréco-romaine, voire à leur attachement à une vision du monde « traditionnelle » et « héroïque » – d’où, finalement, leur qualification en tant que « narrations héroïques ». Autosuffisants au niveau sémantique et symbolique, les protagonistes des textes étudiés obéissent à une vision du monde selon l’idée, accueillante à leur héroïsme ontologique. C’est la raison pourquoi, même si les Philippe, Épaminondas et Scipion mis en récit ne se fixent pas les mêmes objectifs, ils remplissent la même fonction. / The present work explores a corpus of texts that has been very little studied. The generic and chronological heterogeneity of these texts being evident, the objective of this study is to go further than the mere formal differences and to focus on the interferences between the two prominent narrative genres of the 17th and 18th centuries: on the one hand, the novel and on the on the other, history as a constituent element of the codification of the subgenre of Lifes. For the accomplishment of this task, the analytical auxiliaries of Romanesque writing theory and historiography are simultaneously mobilised, in some cases overlapping each other. Hence, instead of a thematic study, philological or historico-biographical, the analysis followed consists in a parallel study of the two narrative genres, of their composition principles and their relations with the ancient writing tradition. For, most probably, what is homogeneous in these texts derives essentially, from their Greco-Roman ascendance, and more precisely from their attachment to a “traditional” and “heroic” vision of the world – from which their qualification as “heroic narratives” is finally derived. Self-sufficient as far as the semantic and symbolic levels are concerned, the texts studied here present heroes who obey to a vision of a world based on the idea of their ontological heroism. This is the reason why even though the tales of Philip, Epaminondas and Scipio do not set the same objectives, the heroes nevertheless do fulfil the same functions.

Cette thèse propose une approche globale des Déserts de l’Amour de Rimbaud. Étant donné les nombreuses incertitudes véhiculées par l’œuvre, une étude de son manuscrit autographe s’impose tout d’abord, étude visant à établir l’ordre des feuillets, l’établissement du texte, la date de transcription par une expertise en écritures, mais encore à évaluer son degré d’achèvement, l’éventualité de détenir en l’état un manuscrit complet et déterminer enfin l’auteur de la numérotation atypique des feuillets. L’approche générique, après être revenue sur la notion même de genre et ses implications, s’appliquera à définir le caractère générique du récit de rêve puis problématisera le genre formel des Déserts de l’Amour à partir d’une réflexion sur le poème en prose. Dans le souci d’une approche générique contextuelle seront abordés plusieurs auteurs représentatifs de nos deux genres (Nodier, Bertrand, Nerval) et plus particulièrement le Baudelaire des Petits Poëmes en prose. Nous proposerons enfin une lecture, un commentaire littéraire détaillé des Déserts de l’Amour. / This thesis proposes a global approach to The Deserts of Love. Given the many uncertainties surrounding this text, the prerequisite for its analysis is the exploration of Rimbaud’s manuscript, to prove the order of the folios, to provide an accurate text, to establish its date of transcription by a diachronic study of the poet’s handwriting ; the ambition is also to judge the extent to which this is a finished work, whether the known text is complete and, lastly, to determine the source of the untypical numbering of the folios. After examining the concept of genre and its implications, the generic approach will seek to define the generic status of the dream narrative and then problematise the formal genre of The Deserts of Love on the basis of a reflexion on the subject of the prose poem. The need to contextualise this generic approach requires the analysis of several representative authors in the two generic fields involved (Nodier, Bertrand, Nerval) and in particular of the Baudelaire of the Petits Poëmes en prose. The thesis concludes with a detailed literary commentary of The Deserts of Love.

Howard Barker fait ses armes de dramaturge en composant en 1971 une pochade sur Henry V de Shakespeare et signe trente ans plus tard l’un de ses textes les plus aboutis avec Gertrude – The Cry, variation sur le thème d’Hamlet. À la faveur de ces réécritures et de quelques autres (notamment Seven Lears en 1989), décrire le dramaturge contemporain comme le « Shakespeare de notre époque », expression attribuée à Sarah Kane, s’est rapidement imposé comme un lieu commun, relayé tant par la presse que par la critique. Pourtant, en dépit de certaines caractéristiques communes, leurs œuvres apparaissent d’abord comme radicalement différentes, ne serait-ce qu’en raison du statut marginal que Barker occupe au sein du paysage théâtral anglais. Dès lors, si Shakespeare se manifeste dans son œuvre, ce sera sous une forme altérée, méconnaissable, transformée, autrement dit sous forme de spectres. Pourquoi l’œuvre de Barker a-t-elle suscité de façon si insistante la comparaison à celle de Shakespeare ? Et que révèle cette comparaison, non seulement de la pratique critique, mais surtout des enjeux poétiques du théâtre de Barker ? Cette étude s’efforce de répondre à ces questions en examinant d’abord les modalités d’élaboration de l’œuvre de Barker, et la manière dont celle-ci place le spectre, figure majeure du doute, au cœur de son esthétique. Elle se penche ensuite sur les critères qui ont pu justifier le rapprochement entre les deux dramaturges, notamment l’histoire et l’écriture, pour montrer que Shakespeare est toujours convoqué sur le mode paradoxal du leurre, modèle avancé pour être mieux rejeté. De la sorte, elle essaie de dégager non pas les traits que partagent les deux dramaturges, mais la manière dont Barker tente d’exorciser la présence étouffante du dramaturge élisabéthain en élaborant une poétique singulière. / From his earliest efforts to his latest and most accomplished plays, Howard Barker has often confronted Shakespeare, be it with his irreverent parody of Henry V in Henry V in Two Parts (1971) or with his variations on Hamlet in Gertrude – The Cry (2002). These rewritings, along with some others (notably Seven Lears in 1989) have prompted many, both in the media and in academia, to call him, as Sarah Kane allegedly did, “the Shakespeare of our age”. In spite of a number of common features, their works do however appear as radically different, if only because of Barker’s marginal status within the landscape of contemporary English drama. If Shakespeare manifests himself in Barker’s work, it will therefore be in an altered and possibly unrecognizable form, in other words as a spectre. Why is it that Barker’s work has been so insistently compared to that of Shakespeare? What does this comparison reveal both about critical practice and about the aesthetics of Barker’s theatre? In order to answer these questions, this dissertation first examines the overall design of Barker’s work and the way in which it endeavours to place the figure of the ghost, as an embodiment of doubt, at its core. It then moves on to consider the criteria that have been invoked to draw a parallel between both playwrights, especially their focus on history and poetic writing as the basis of drama, to show how Shakespeare is always paradoxically summoned as a lure, an empty model that both suggests and contradicts modes of interpretation. In doing so, it strives to bring out not the traits shared by both playwrights but Barker’s effort to thwart the haunting and overwhelming presence of Shakespeare by giving birth to his own original voice.

Brian Castro, écrivain australien contemporain d’origine chinoise, auteur de dix romans, a été souvent appréhendé par la critique littéraire par le seul biais de ses origines. La lecture de son oeuvre, pourtant, révèle une esthétique et une puissance poétique qui dépassent largement cette catégorie réductrice.Afin d’établir les contours de cette esthétique, le présent travail s’est intéressé à quatre romans qui synthétisent un travail d’écriture de trente années : Birds of Passage (1989), After China (1992), The Garden Book (2005) et The Bath Fugues (2009). Nous brossons tout d’abord un historique de la littérature australienne et des enjeux sociétaux et culturels qui la sous-tendent pour déterminer quelles stratégies l’auteur met en oeuvre pour affirmer une identité littéraire singulière, ni totalement nationale, multiculturelle, ou (post)moderne.Cette singularité posée, nous avons recours à des outils d’analyse empruntant à divers courants de critique littéraire pour dégager les lignes de force esthétiques de l’oeuvre de Castro. La forme musicale de la fugue est en ce sens une clé d’entrée essentielle en ce qu’elle structure autant qu’elle inspire l’écriture de l’auteur, tant au niveau de la caractérisation, du récit ou encore de la diégèse, donnant ainsi naissance à une prose dont la force créatrice n’a rien à envier à la poésie. Pour le lecteur, le résultat en est une expérience de déstabilisation qui vise à l’amener à se questionner sur la perméabilité et la futilité des préjugés et catégories, qu’ils soient sociétaux, culturels ou littéraires / Australian writer Brian Castro is the author of ten novels, among which Birds of Passage (1989), After China (1992), The Garden Book (2005) and The Bath Fugues (2009) – the four works at the core of the present study. Owing to his Chinese origins and his elaborate style, literary criticism in Australia has labelled him an ethnic writer whose novels are deemed overly – and overtly – complex and opaque.Our thesis aims at establishing why Castro’s works, precisely because of their sophistication, deserve an alternate approach. We start with a historical survey of Australia’s “national” and “multicultural” literature. This will bring to light how Castro, being well aware of his nation’s love for social, cultural and literary categorizations, strives to break free from them.This desire permeates the whole of his literary endeavour, and our analysis borrows from several traditions of literary criticism to determine the characteristics of Castro’s unique aesthetics. To achieve this, the musical form of the fugue is a particularly powerful analytic tool, in that this musical genre allows us to better understand the elaborate mechanisms at work in the way the author approaches, among others, characterization, plot and diegesis.Far from the easy reads that Australia’s literature market promotes, Brian Castro’s unique works of fiction are an invitation to embrace destabilization in order to examine a prose whose poetic force will help the reader liberate themselves from established racial, cultural and literary categories.

Through critical urban spatial intervention and close attention to multispecies relationality, this project report documents the designerly exploration of a ‘plats-specifik’ (place-specific) ontology of becoming through polyvocal authorship, sticking with the trouble of anthropocentric urban development and temporalities of change. ‘JAG ÄR DU’ is a triad composition of trellises that grow scarlet runner beans, giving an architectural frame for the beans to grow into a hybrid typography and co-authored speculative poetics. Two metres tall and one and a half meters wide, each letter is built with vestigial matters of the past and present. Placed in a newly regenerated meadow in the northern parts of central Växjö, the intervention invites curiosity, reflection and abundant meetings between diverse thought worlds, species and generations of inhabitants. As a ‘plats-specifik’ project, this work demonstrates ways to make collective, public, and critical connections to placeness; the thick, implicated and multisensorial. It is to intervene in capatriarchalonialist (capitalist, patriarchal and colonialist ideological) politics of urban space, and to offer an alternative imaginary to the ways we see ourselves participating in the performing and making of multispecies publics.