O presente estudo volta-se para a construção estética do drama documental O Inferno (1967) de Bernardo Santareno. Esta peça tem por argumento outra peça, de fato encenada empiricamente nas barras de um tribunal do júri que, em 1966, acusa, julga e condena os réus Ian Brady e Myra Hindley, etiquetados pelas mídias por \"amantes diabólicos\". Ambos foram protagonistas de malfadados sucessos ocorridos na Grã-Bretanha, daquela época. Com zelo cruel, eles assassinaram o adolescente homossexual Edward Evans, de 17 anos, e duas crianças: uma judia Lesley Ann Downey de 10 anos e, outra negra John Kilbride de 12 anos. Que forças teriam, pois, motivado esse fatídico casal inglês a cometer tais atrocidades? Essa pergunta animou a enunciação das mídias inglesas, que exploraram à farta esses episódios no fito de noticiar espetacularmente os fatos empíricos. Assim, na medida em que as histórias sobre as perversidades macabras dos \"nascidos para matar\", Ian Brady e Myra Hindley, eram divulgadas, acendia-se a comoção e o clamor da opinião pública, que recobriu essas figuras com a película da monstruosidade. Esse processo de patemização ajudou a tingir os fatos empíricos com a coloração ideológica, que deles abstraiu o caráter histórico-social e circunstancial do fenômeno. Será, portanto, navegando a contrapelo da patemização midiática e, ao mesmo tempo, incorporando-o de forma paródica que Santareno reconstruirá, em O Inferno, o julgamento dos ilustres amantes Moors Murderers. Dessa maneira, um dos interesses deste estudo é compreender as relações estabelecidas entre o fato empírico e o processo de modelização semiótica por ele sofrido ao ser apropriado pelas mídias. Outro elemento a permitir a interpretação dessa apropriação - forte influenciadora da transformação do casal de amantes em mito na sociedade unidimensional - é a (re)contextualização crítica do mito de Orfeu e Eurídice, de modo que se buscará analisar essa (re)contextualização a partir da leitura dos MoorsMurderers em chave mítica, bem como a persistência desse topos literário na tradição artística ocidental. Por último, pretende-se estudar a construção estética da peça e suas raízes em determinadas convenções estéticas e coordenadas históricas, somadas ao seu cariz metateatral, considerando que os trabalhos do tribunal do júri são reconfigurados, em O Inferno, como uma encenação forense de um drama positivista/naturalista, que enreda e contém outras formas dramáticas, literárias e sociais. As chaves teóricas mestras para a realização deste trabalho são as teorias da linguagem (lingüístico-literária) do Círculo de Mikhail Bakhtin, especialmente no que concerne às concepções dialógica e social da linguagem, associadas aos conceitos de dialogismo, modelização semiótica, polifonia e carnavalização. Acrescenta-se, também, a esse escopo teórico alguns dos postulados teóricos de Theodor Adorno e Horkheimer, de Guy Debord e de outros que discutem a onipresença e o papel das mídias na sociedade unidimensional, assim como os postulados teóricos de Peter Szondi a respeito do drama como forma teatral. / This research has set out to investigate the aesthetic construction of the documental drama O Inferno (1967), by Bernardo Santareno. The plot of this play is based on another play that has in fact been empirically staged in the bars of a jury court, which, in 1966, accuses, judges and condemns the defendants Ian Brady and Myra Hindley, labeled by the media as the \"diabolic lovers\". Both of them were the protagonists of unlucky happenings occurred in the Great Britain of that time. With cruel care, they murdered Edward Evans, a 17-year-old homosexual adolescent, and two children: one black, Lesley Ann Downey, 10 years old, and the other Jewish, John Kilbride, 12 years old. What forces would have, then, motivated this fatidic English couple to commit such atrocities? This question enlivened the English media headlines that intensely explored these episodes; with the purpose of spectacularly inform the empirical facts. Thus, as the stories about the macabre perversity of the \"born to kill\", Ian Brady and Myra Hindley were spread, people were filled with commotion and the clamour of the public\'s opinion re-covered these characters with a pellicle of monstrosity. This pathos-driven process helped to dye the empirical facts with the ideological colours that abstracted the historical-social and circumstantial characters of the phenomenon. It will be, therefore, by sailing against the pathos-driven media, and, at the same time by incorporating it in a parodic manner that Santareno shall reconstruct, in O Inferno, the judgment of the illustrious lovers Moors Murderers. In this way, one of the interests of this study is to understand the established relationships between the empirical fact and the semiotic modelization process suffered by such fact when appropriated by the media. Another element to permit the interpretation of such appropriation -strong influencer of the lovers transformation into a myth in the one-dimensional society - is the critical (re)contextualization of the myth of Orpheus and Euridice. Thus, it will be attempted to analyse such (re)contextualization from the mythical key reading of Moors Murderers, as well as the persistence of such literary topos within the artistic western tradition. Finally, it is intended to investigate the aesthetic construction of the play and its roots in specific aesthetic conventions and historical co-ordinations, added to its metatheatre complexion, considering that the work of the Jury Court is reconfigured in O Inferno as a forensic acting of a positivist/naturalist drama that elaborates and contains other dramatic, literary and social forms. The theoretical master keys for the accomplishment of this work are the language theories (linguistic-literary) from the Mikhail Bakhtin?s Circle, specially in respect to the dialogic and social concepts of language, associated to the concepts of dialogism, semiotic modelization, polyphony and carnivalization. It is added to this theoretical skopos some of the theoretical postulations of Theodor Adorno and Horkheimer, Guy Debord and of others who discuss the omnipresence and the role of media in the one-dimensional society, as well as the theoretical postulations of Peter Szondi in respect to drama as a theatrical genre.

Este estudo pretende levantar as influências contidas na trilogia de Folheto de Cordel de Chico de Assis. Para tanto combinou a pesquisa sobre o folheto de cordel de modo geral com o estudo da formação do Teatro de Arena, do Seminário de Dramaturgia (SEMDA) conduzido pelo então diretor do grupo Augusto Boal, ambos em São Paulo e, a fundação do CPC da UNE no Rio de Janeiro. O autor, além de ter passado por todas essas atividades como integrante ativo, escreveu os três textos durante esses período (1954-1964). Foi também levantado o aproveitamento das propostas contidas no teatro épico de Brecht, utilizadas nos dois primeiros textos da trilogia; O Teatamento do Cangaceiro e As Aventuras de Ripió Lacraia e, por fim o levantamento das características do terceiro texto, a comédia de costumes Farsa com Cangaceiro, truco e Padre (Xandú Quaresma), todos esses elementos criaram um referencial possível para a análise da trilogia, que vai dos nomes dos episódios à função da música no trabalho de entrelaçamento das peças. / This survey wishes to raise the influences gained in these sustained cheap literature (Cordel) trilogy. In order to produce, it combined a survey on Brazilian cheap (Cordel) literature in general, with the formation of Teatro de Arena and the Drama seminary (SEMDA) conducted by the director of the group Augusto Boal, in São Paulo. And, studying of the settlement of the CPC- da UNE foundation (Popular Cultural Center of National Students Union) in Rio de Janeiro. The author besides passing through all these actions as an active member, created the three plays during this period (1954-!964). At last, the utilization of the purposes enclosed in Brecht epic theatre, in the first two plays; O Testamento do Cangaceiro and As Aventuras de Ripió Lacraia. Also raised the main characteristics of the third play Farsa com Cangaceiro, truco and Padre, (Xandú Quaresma). All these elements created a possible condition to analyze the trilogy, which goes from the name of the episodes to the music function interlacing the work of the plays.

Este trabalho apresenta a tradução dos fragmentos supérstites do poema épico Anais de Quinto Ênio (239 ca. 169 a. C.). Uma seção introdutória trata de discutir o que se sabe sobre o poeta, partindo das citações dos autores antigos que a ele se referiram. Faz ainda parte dessa seção inicial um estudo sobre os Anais, observando o poema segundo as visões dos antigos e também de acordo com o que é hoje, na forma fragmentária em que chegou a nós, cujo elemento unificador se centra no trabalho filológico de críticos de todo o mundo. O cerne do trabalho consiste na tradução e anotação dos 420 fragmentos tomados à edição italiana de Valmaggi (1945). Os comentários se baseiam sobretudo nas reflexões de Skutsch (1985), Steuart (1976), Warmington (1988) e Vahlen (1967), partindo da contextualização de cada fragmento, assinalando o tema a que esteja ligado e, por conseguinte, explicando por que tal fragmento foi incluído no canto de que faz parte. Em seguida, ocupamo-nos de analisar o fragmento, ressaltando motivações estilísticas e empregos lingüísticos, em busca do significado do texto-fragmento, o que se faz com o uso de recursos diversos, como o auxílio de diferentes dicionários, a comparação da mesma palavra em distintos fragmentos dos Anais ou de outras obras enianas, ou ainda o estudo do emprego de uma palavra em contextos semelhantes de outros autores, ou em diferentes contextos de autores contemporâneos de Ênio. / This thesis presents the translation of the remaining fragments of the epic poem Annals by Quintus Ennius (239ca. 169 BC). An introductory section discusses what is known about the poet, taking the ancient authors quotes that refer to him as a starting-point. In this initial section a study on the Annals is also included; it observes the poem according to the ancients point of view and to what it is today, in the fragmentary form in which it has come down to us, the philological work of critics from all over the world being its unifying element. The kernel of this text consists of the translation and commentary of the 420 fragments taken from the Italian edition of Valmaggi (1945). The comments are based primarily on the contributions of Skutsch (1985), Steuart (1876), Warmington (1988) and Vahlen (1967), and the contextualization given to each fragment, since such procedure aids and enables my search for the theme it is connected with and thus explains why each fragment was included in the book it is part of. I then analize the fragments one by one, mark its stylistic motivations and linguistic uses, and search for the meaning of each text-fragment, which is done through diverse resources, such as the help of different dictionaries, word comparison in distinct fragments either of the Annals or other Ennius works, and the study of a words usage in similar contexts found in other authors, and in different contexts of Ennius contemporary authors.

Reading David Jones’s The Anathemata, William Carlos Williams’s Paterson, and Charles Olson’s The Maximus Poems as epics, this doctoral dissertation challenges the old but persistent notion that epic poetry ceased being written at a particular point in the past and instead examines the particular formal, philosophical and political difficulties writers of this genre had to confront in the second half of the twentieth century. Twentieth-century epic poetry will primarily be defined in terms of its purpose or function, which is the representation of the identity of a ‘community’, while the literary period beginning with the end of the Second World War will be defined as late modernism. Chiefly inspired by Anthony Mellors’s Late Modernist Poetics: From Pound to Prynne, late modernism will be discussed as an aesthetico-political challenge with which writers had to come to terms in the wake of twentieth-century European totalitarianism. Georges Bataille’s philosophy of community, it will be argued, paradigmatically illustrates these aesthetico-political difficulties in philosophical terms, and the discussions of the three epic poems are therefore preceded by an analysis of Bataille’s Summa Atheologica, which constitutes the core of his philosophy of community.

Dos Cantos 6 a 13 da Odisseia, Homero narra a estada de Odisseu em Esquéria, a terra dos feácios. Durante a recepção de Alcínoo ao herói, uma tensão sutil se desenvolve: enquanto o anfitrião deseja descobrir a identidade de seu misterioso convidado, o herói luta para manter-se anônimo e garantir sua condução para casa. Essa tensão se desenrola num jogo de palavras sutil e elegante, no qual se digladiam o mestre da astúcia, o polúmetis Odisseu, e aquele de forte mente, alkí-nóos, o perspicaz Alcínoo. A essa disputa dou o nome de jogo do discurso. Conforme aqui defendo, tal jogo toma forma abaixo da superfície das palavras, e seus dois participantes conversam muito mais por meio do não-dito do que pelo que de fato dizem. Para que uma análise desse jogo intelectual seja possível, proponho um resgate da figura de Alcínoo, cujo nome defendo significar alkí-nóos, força-mente, como figura astuta e perspicaz, o que vai de encontro à opinião difundida de que o rei dos feácios é anódino ou pouco inteligente. Conforme argumento, ele permanece atento às manobras retóricas de seu convidado, o qual busca a todo custo tecer discursos agradáveis e proveitosos (meilíkhioi kaì kerdaléoi mûthoi), num processo que culmina com sua cartada final: a narrativa das aventuras. Alcínoo, mesmo percebendo os recursos astuciosos e manipulativos de seu convidado, rende-se a seus talentos e regozija-se com sua performance. / From Book 6 till the beginning of Book 13 in the Odyssey, Homer tells us of Odysseus sojourn in Scheria, the land of the Phaeacians. During Alcinous reception of the hero, a subtle tension develops between the two: while the host wishes to discover the identity of his mysterious guest, the hero strives to remain anonymous and secure his conveyance home. This tension unfolds in a subtle and elegant game of words in which the two oponents meet: the master of of tricks, Odysseus polúmetis, and the one of a strong mind, alkí-nóos, shrewd Alcinous. I call this contest the discourse game. As I wish to defend, such game takes place beneath the surface of words, and the participants maintain a conversation in which what remains unexpressed communicates more than what is actually said. For such an analysis to be possible, I propose to rescue Alcinous, whose name I claim to mean strength-mind, from the widespread opinion that the king is foolish or unintelligent. As I argue, he is very attentive to the rhetorical maneuvers of his guest, who is trying to fabricate pleasing and profitable speeches (meilíkhioi kaì kerdaléoi mûthoi), in a process that culminates with his final play: the narrative of the adventures. Alcinous, although detecting and understanding the crafty and manipulative purposes of his guest, surrenders to his talents as a storyteller and enjoys his performance.

Análise interpretativa do texto dramatúrgico Mão na Luva (ou Corpo a Corpo - 1966), de Oduvaldo Vianna Filho (1936-1974). São analisados, entre outros aspectos, as rubricas que dizem respeito à estrutura temporal e ao recurso do play-back como índices da presença dos gêneros épico e lírico junto ao dramático; assim como buscamos identificar relações estéticas deste texto com peças de outros autores. / This work has, as its main goal, the interpretative analysis of the play Mão na Luva (or Corpo a Corpo - 1966), from Oduvaldo Vianna Filho (1936-1974). Among other aspects, we will analyze the rubricas about time structure and play-back as signals of epic and lyric genres presence, joined to the dramatic; as well as we will search for the esthetic relation between this play and other authors\' works.

Desenvolvemos aqui um estudo comparativo entre as epopéias gregas, Ilíada e Odisséia, e as indianas, Mahbharata e Ramayana. Analisamos, primeiramente, similitudes existentes entre essas obras. Nessa primeira etapa, mostramos que elas utilizam procedimentos literários semelhantes, têm os mesmos objetivos e apresentam aspectos mitológicos semelhantes: heróis descendentes de deuses, conformidade nas características dos deuses e temas análogos, além de detalhes análogos relativos ao gênero épico clássico, tais como o tempo pretérito arquetípico, a narração em terceira pessoa e estruturas discursivas semelhantes. Após o desenvolvimento dessa análise, voltamos nossa atenção para a atitude de súplica dos personagens, com o objetivo de demonstrar algumas diferenças significativas entre as atitudes de súplica exibidas pelos heróis gregos e pelos heróis indianos. Podemos observar em todas essas epopéias um quadro semelhante referente à atitude de súplica que busca restabelecer a ordem alterada: o herói ora ao seu deus para obter proteção e força que o tornem capaz de derrotar o inimigo, causador da desordem. Para além desse quadro, no entanto, com análise mais atenta, podemos verificar que o suplicante revela também intenções mais íntimas, ligadas aos anseios referentes à sua vida futura e cujo estudo nos leva a conhecer concepções teológicas e filosóficas da sociedade da época de produção dessas obras. Com o conhecimento das diferenças entre certos conceitos pertinentes à cultura grega e cultura indiana, obtemos elementos para a compreensão das diferenças entre as atitudes de súplica apresentadas pelos heróis dos épicos referentes a essas culturas. Assim, esse relacionamento entre deuses e homens é um aspecto fundamental nessas obras. Faz parte dos valores determinados de antemão pelo destinador sóciohistórico, com os quais o sujeito da enunciação constrói esses discursos. Nessas construções lingüísticas da Antigüidade há um contrato veridictório proposto e assumido referente à exposição alegórica do poder de atuação dos heróis. Nesse contrato, o enunciatário aceita a proposta de que esse poder é conferido pelos deuses. Desse modo, o sujeito da enunciação se desdobra em enunciador e enunciatário, cujas caracterizações nos permitem ter acesso à enunciação. O estudo das diferenças entre as atitudes de súplicas dos heróis gregos e dos heróis indianos foi levado a cabo através de um exame da construção dos sujeitos, em que analisamos marcas diversas existentes no texto - que nos permitem recuperar a enunciação - e também temas sustentados por formações ideológicas. Assim, após inserir cada texto no contexto de sua formação ideológica, examinamos o sentido construído pelo sujeito do discurso de cada obra, e procuramos mostrar essas diferenças / The aim of this thesis is to present a comparative study between the Greek epic poems The Iliad and The Odyssey, and the Indian epics The Mahabharata and The Ramayana. In a first instance we shall analyze some of the several similarities occurring within these epic poems. During this first stage, we shall highlight how these poems make use of similar literary elements; have similar objectives, present similar mythological aspects (i.e. heroes descending from gods; resemblances in the characteristics of the gods) and present similar themes. We also point out similarities in regard to the genre, such as the use of archetypal past tenses and of a third person narrative, as well as of similar discursive structures. After this first analysis we direct our attention to the pleading attitude of the characters in order to highlight some of the significant differences between the attitude of supplication exhibited by the Greek hero and the attitude of supplication exhibited by the Indian hero. Similar scenarios can be recognized in the body of all these epic poems in regard to this attitude of supplicating for the power to re-establish a harmony that has been disrupted: in all of them a hero prays to his god with the hope that he will be granted the protection and strength with which he will be able to defeat the cause of disturbance, depicted as the enemy. However when a more careful analysis is carried out we verify that the supplicant sometimes is also manifesting personal objectives, which are connected to his own expectations about his future. The study of these more subtle personal intentions took us to a thorough study of both the theological and philosophical thought processes of the Greek and Indian societies during the historical periods when these poems were produced. This study of the differences found within the above mentioned thought processes provided relevant information which in turn enabled us to better understand the subtle differences found in the pleading attitudes of the epic heroes related to these cultures. These relationships between gods and men are a fundamental aspect of these writings. They are directly linked to values previously established by the social and historical determiners, with which the subject of the enunciation builds up these discourses. In these linguistic structures of ancient times we find what can be referred to as a pre-established agreement between the enunciator and the enunciater. This agreement is directly connected to the allegorical exhibitions of the acting powers of the heroes, i.e. the enunciater accepts without questioning the proposal that the heroes\' superhuman powers are granted by the gods. Thus the subject of the enunciation unfolds itself between the enunciator and the enunciater, whose characterizations allow us to have access to the enunciation. In summary this study of the differences between the pleading attitude of the Greek hero and the Indian hero was undertaken through examining the construction of the subjective. We analysed several different elements of the texts - this allowed us to recover the enunciation - and we also analyzed themes supported by the ideological backgrounds of the texts. In this way, after inserting the text within the context of the specific historical ideological scenario of each one, we were able to examine the linguistic meanings brought up by the subjective of the discourses and subsequently seek to clarify the resulting differences

Tradução e estudo do discurso \"Contra Timarco\", de Ésquines. O estudo se concentra na condição tríplice do texto, como discurso jurídico, retrato do comportamento sexual masculino da Atenas do Período Clássico e exemplo da recepção primitiva da obra homérica em uma situação distante do contexto dos festivais e simpósios. / Translation and study of the speech \"Against Timarchos\", by Aeschines. The analysis focus on the trifold condition of the text, as a juridical speech, a portrait of the male sexual behavior in Classic Athens and an example of early reception of Homer\'s poetry, in a condition that differs from festivals and symposiums.

Este trabalho tem como ponto de orientação a relação da Teoria do romance de Lukács com a filosofia da arte de Hegel. O confronto com Hegel se coloca como tentativa de aclarar conceitualmente as relações da obra do jovem Lukács com as suas categorias estético-filosóficas, na medida em que essas últimas apontam para o problema da arte na experiência moderna. A relação entre as duas reflexões estéticas se apresenta entrecortada pelos diálogos do autor húngaro com o círculo weberiano historicista, que evidenciam certa divergência da Teoria do Romance com os Cursos de Estética de Hegel. O trabalho busca mostrar um conflito interno à Teoria do romance entre a perspectiva histórico-dialética, que demarca a retomada por Lukács da unidade hegeliana entre forma artística e conteúdo histórico, e o uso metodológico, de inspiração antidialética, do método típico-ideal, que se constitui a partir do corte epistêmico entre os planos dos conceitos e o da realidade. Esse conflito tem como ponto de partida a divergência de Lukács acerca da valoração positiva por Hegel da experiência moderna, valoração que se articula ao diagnóstico hegeliano do fim da arte como forma de exposição da verdade moderna e sua substituição pela verdade mediada da filosofia, capaz de apresentar a liberdade moderna como experiência de totalidade figurada no Estado. Lukács, com Hegel, aponta o princípio da subjetividade como fundamento constitutivo da modernidade e do romance. O romance, contudo, em oposição a Hegel, é entendido como a exposição verdadeira da nova relação do homem com a liberdade. Isto se dá porque, segundo Lukács, o princípio constitutivo da subjetividade romanesca coincide com a experiência fragmentada do mundo moderno. A liberdade subjetiva demarca, como para Hegel, uma experiência do homem que rompe com as experiências pré-modernas. Ela permanece todavia, para Lukács, caracterizada pela fragmentação, pelo isolamento do homem em relação às estruturas sociais. A totalidade do romance, assim, é entendida, por ele como a expressão do caráter formal da busca de superação da fragmentação pelo sujeito isolado da modernidade. / This work takes as its point of orientation the relation between Lukács The Theory of the Novel and Hegel\'s philosophy of art. The confrontation with Hegel arises as an attempt to conceptually clarify the relationship of the work of the young Lukács with their aesthetic-philosophical categories to the extent that the latter point to the problem of art in modern experience. The relation between the two aesthetic reflections is presented with intersected dialogues by the hungarian author with the weberian historicist circle, which show some disagreement between The Theory of the Novel and the Aesthetics Course by Hegel. The work seeks to show an internal conflict in The Theory of the Novel between the historical-dialectic perspective, which marks the resumption from Lukács of the hegelian unity between artistic form and historical content, and the methodological use, anti-dialectical inspired, of the ideal-typical method, which is constituted from the epistemic cut between the plans and concepts of reality. This conflict has as its starting point the divergence of Lukács on the positive evaluation by Hegel of modern experience, valuation which is linked to the diagnosis of the hegelian end of art as a way of exposing the truth and its replacement by truth mediated from philosophy, able to present the modern freedom as an experience of totality figured in the State. Lukács, with Hegel, points the principle of subjectivity as a basis which constitutes modernity and the novel. The novel, however, in opposition to Hegel, is understood as the true exhibition of the new relation between man and freedom. This is because, according to Lukács, the constitutive principle of subjectivity romanesque coincides with the fragmented experience of the modern world. Freedom subjective marks, as for Hegel, a man\'s experience that disrupts the pre-modern experience. It remains, however, for Lukács, characterized by the fragmentation, by the isolation of man in relation to social structures. The totality of novel is then understood by him as the expression of the formal character in a search to overcome the fragmentation of the isolated subject of modernity.

Cette thèse présente une étude historique des traductions et imitations britanniques du livre IV de l’Énéide de Virgile aux XVIe et XVIIe siècles, depuis l’Eneados de Gavin Douglas [1513] jusqu’au Dryden’s Virgil de 1697. À travers une étude comparative des traductions successives de l’épisode, on y dégage les transformations de la notion d’ imitation comme modèle de la traduction littéraire au cours de la période. À une conception de la traduction dominée au XVIe siècle par le modèle rhétorique antique de l’imitatio, et par le souci de développer l’épopée vernaculaire sur le modèle virgilien, succède dans la première moitié du XVIIe siècle une définition spécifique de l’imitation comme modalité de la traduction libre. Dans un contexte de crise politique et de compétition entre les différentes versions de l’épisode, les “imitations” deviennent le lieu de prises de position idéologiques et esthétiques, dans des interprétations contrastées du modèle épique virgilien. Les réécritures du livre IV de l’Énéide qui marquent le second XVIIe siècle témoignent d’un certain éclatement de la notion d’ imitation, qui désigne à la fois les réécritures satiriques et parodiques de l’épisode, et l’entreprise de fondation culturelle et esthétique de l’âge “augustéen”. Au modèle herméneutique hérité des traducteurs humanistes se substitue alors avec Dryden une conception esthétique de la traduction littéraire comme mimesis artistique. L’étude associe l’analyse des stratégies formelles et interprétatives propres à chaque traduction à une réflexion sur la réception britannique de l’Énéide et offre des éléments de méthode pour l’analyse historique des traductions sur la longue durée. / This thesis consists in a historical study of the translations and imitations of Virgil’s Aeneid IV in XVIth- and XVIIth century Britain. Through a comparative analysis of the many translations of the episode between Douglas’s Eneados [1513] and Dryden’s 1697 Virgil, this study highlights the main transformations of the notion of imitation as a central concept in Early Modern translation theory and practice. First dominated by the Classical model of rhetorical imitatio and by the Humanist fashioning of the vernacular epic after Virgil’s Aeneid, the concept of imitation is reinterpreted in the first half of the XVIIth century as an form of free translation. In a context of political crisis, of competing translations of the episode, and of clashing interpretations of the virgilian epic model, the practice of imitation reads as an assertion of the translators’ aesthetic and political agendas. In the second half of the XVIIth century, the rewritings of Aeneid IV reveal a paradoxical reappropriation of the notion of imitation, which is used at once to define the satirical parodies of Virgil’s epic, and to establish the political and cultural foundations of the “Augustan age”. With Dryden’s Virgil, the hermeneutic model of translation inherited from the Humanists is replaced by a specifically aesthetic theory of literary translation modelled on the neoclassical discourse on mimesis. The aim of this study is to combine a detailed analysis of the literary and interpretive strategies at work in each translation with a broader discussion of the reception of Virgil’s Aeneid, and to develop a method for the historical analysis of the translations of a given text over a long period of time.