O objetivo geral da pesquisa é estudar os critérios utilizados pelas empresas para a escolha dos projetos de artes cênicas patrocinados via isenção fiscal da Lei Rouanet. O objetivo específico é mostrar como os parâmetros de visibilidade midiática, relação custo-benefício, endomarketing, marketing de relacionamento e de negócios e oportunidades de comunicação com públicos de interesse (funcionários, clientes, consumidores, comunidade de entorno) valorizam atores e diretores consagrados pela mídia em detrimento de autores e diretores e atores desconhecidos da mídia, o que dificulta o acesso das produções teatrais experimentais e de pesquisa aos recursos de renúncia fiscal da Lei Rouanet. A Lei Rouanet foi instituída em um contexto neoliberal do Brasil no qual o Estado transferiu à iniciativa privada a viabilização da produção artística que passa a ser avaliada segundo sua potencialidade de se transformar em mercadoria e conquistar novos consumidores com o objetivo de gerar lucro para as empresas. Entrevistamos representantes de empresas privadas e públicas, diretores de projetos patrocinados e inviabilizados por meio da Lei Rouanet e fizemos um levantamento das peças de teatro patrocinadas no ano de 2011 por meio da renúncia fiscal e concluímos que existe uma concentração de recursos de isenção fiscal em produções da Broadway e em atores e diretores consagrados pela mídia em detrimento de autores e diretores e atores desconhecidos da imprensa. Dessa forma, as grandes empresas beneficiam espetáculos que dão retorno financeiro e de marketing institucional, a cultura do entretenimento que busca divertir e agradar ao \"grande público\". Pesquisa do Ministério da Cultura afirmou que existe uma concentração de 50% dos recursos em apenas 3% dos proponentes. Dessa forma, identificamos o conceito de censura de mercado que age em duas vertentes processuais de censura: na primeira, a restrição à produção artística com assuntos polêmicos impede que significados, valores e sentimentos divergentes da convenção social sejam levados ao público, na segunda, exclui as produções teatrais experimentais e de pesquisa do acesso aos recursos públicos da Lei Rouanet, pois essas expressões artísticas possuem imprevisibilidade de bilheteria, de crítica, público e rendimento. / The overall objective of the research is to study the criteria used by companies to the choice of performing arts projects sponsored via tax exemption of Rouanet Law. The specific objective is to show how the media visibility of parameters, cost-effective, internal marketing, relationship marketing and business opportunities and communication with stakeholders (employees, customers, consumers, surrounding community) value embodied by actors and directors media at the expense of authors and directors and media unknowns, which hinders the access of experimental theater productions and research to fiscal waiver resources Rouanet Law. The Rouanet Law was instituted in a neoliberal context of Brazil in which the State transferred to the private sector the viability of artistic production which happens to be evaluated according to their potential to transform into merchandise and win new customers in order to generate profit for companies. We interviewed representatives of private and public companies, sponsored project managers and made impossible through the Rouanet Law and made a survey of theater plays sponsored in 2011 through tax breaks and concluded that there is a concentration of tax exemption resources in production Broadway actors and directors and consecrated by the media to the detriment of authors and directors and unknown actors of the press. Thus, large companies benefit performances that give financial and institutional marketing return, the entertainment culture that seeks to entertain and please the \"general public\". Research the Ministry of Culture affirmed that there is a concentration of 50% of the resources in only 3% of the proposers. Thus, we identified the concept of market censorship acting on two procedural aspects of censorship: first, the restriction of artistic production with controversial issues prevents meanings, values and divergent feelings of social convention are brought to the public. In the second excludes experimental theater productions and research theater access to public resources of the Rouanet Law, for these artistic expressions have unpredictable box office, critical, audience and revenue.

Nō é uma arte cênica japonesa em que representação, dança e música misturam-se em apresentações estilizadas onde poucos elementos são trabalhados para o aprofundamento de uma unidade imagética. Apesar de encontrarmos seus primeiros registros em documentos da era Heian (794-1185), a complexificação de todos os seus aspectos ocorreu na era Muromachi (1334-1573), com os esforços de Zeami (1363-1443) e de seu pai, Kan\'ami (1333-1384). Além de desenvolver a atuação e a orquestração, ambos fizeram avanços significativos na composição de peças. Felizmente, o maior artista de nō, Zeami, nos deixou muitos escritos críticos em que detalha todas as pesquisas empreendidas durante sua vida. A partir de um desses tratados e trechos de outros dois, este trabalho buscará analisar o método, estabelecido por Zeami, pelo qual a criação dramatúrgica divide-se em três frentes: shu, saku e sho, \"semente\", \"estrutura\" e \"composição\", respectivamente. Shu é o meio pelo qual se trabalha com a fonte que dá origem à peça e que será inevitavelmente revista pela linguagem do nō; saku é a estruturação musical que possibilita o desvendamento da semente; e sho é a junção de palavras e sons que transmitem essa revelação. Com o apoio de estudiosos e poetas recentes, procuraremos identificar os princípios que regem esses três caminhos e os modos pelos quais eles se unem para a formação de um todo orgânico, onde yūgen, a beleza contrária à imitação da realidade externa, nasce da distribuição de qualidades vivificadas por uma abordagem maleável do tempo chamada jo-ha-kyū. No primeiro capítulo, veremos como divisões e subdivisões das matérias-primas musicais do nō, ritmos e melodias, interagem para a estruturação da peça; no segundo, como a fonte e demais citações são rediagramadas para a realização gradual do material original; e no terceiro, como palavras são organizadas em aglomerados de sons e imagens para a estabelecimento de camadas significantes. / Nō is a Japanese performing art in which representation, dance and music blend into stylized presentations where few elements are handled to create and give depth to an imagistic unit. Although we find its first records in documents from the Heian period (794-1185), the increase of its complexity ocurred only in the Muromachi period (1334-1573), through the efforts of Zeami (1363-1443) and his father, Kan\'ami (1333- 1384). In addition to the development of performance and orchestration, both made significant advances in the composition of plays. Fortunately, the greatest n? artist, Zeami, left us many critical writings in which he detailed all the researches undertaken during his lifetime. Based on one of these treatises and on excerpts of two others, this study will analyse the method, established by Zeami, in which the creation of plays is dividided into three areas: shu, saku and sho, \"seed\", \"structure\" and \"composition\", respectively. Shu is the means by which the artist works with the source that gives rise to the play and that will inevitably be revised by the nō language; saku is the musical structuring that enables the seed to be unveiled; and sho is the combination of words and sounds that convey this revelation. Supported by recent scholars and poets, we will try to identify the principles governing these three paths and the ways by which they unite to form an organic totality, where yūgen, a beauty opposed to the imitation of external reality, is born out of the distribution of qualities vivified by a flexible approach of time, called jo-ha-kyū. In the first chapter, we will see how divisions and subdivisions of the musical primal resources of nō, rhythm and melody, interact to structure a play; in the second, how source and citations are reshaped to progressively recreate the original material; and third, how words are arranged in clusters of sounds and images to stablish layers of meanings.

O envelhecimento é um processo inexorável a qualquer ser vivo e, no caso do ser humano, objeto deste estudo, os efeitos são acentuados a partir da faixa etária superior a 60 anos de idade, quando naturalmente se acentua o declínio das capacidades motoras, mentais e sociais de forma contínua, progressiva e inter-relacionada. Este estudo, envolvendo neurociências, artes cênicas e saúde, surgiu da preocupação com a crescente população de idosos hoje no Brasil e no mundo, assim como da busca de recursos que propicie melhor qualidade de vida a essa faixa etária. Para tanto, foi realizado estudo sistemático relacionado à memória, corpo e movimento, envolvendo estratégias de trabalho autobiográfico, literário e cênico, no intuito de compreender a dinâmica de alguns parâmetros cognitivos, físicos e comportamentais dessa faixa etária, assim como verificar sua influência na superação de desafios sociais, conflitos emocionais e eventuais ganhos funcionais. Participaram do estudo, inicialmente, 27 voluntários com idade superior a 60 anos, socialmente ativos, de ambos os sexos, moradores da cidade de São Paulo, SP, Brasil. Os grupos foram denominados Grupo 1 (G1), composto por 12 pessoas, e Grupo 2 (G2), composto por 15 indivíduos. Com o G1 foram desenvolvidas atividades baseadas na memória individual que foi resgatada por diversas abordagens e com as quais foi composto por cada participante um livro autobiográfico, enquanto ao G2 foram oferecidos conhecimento e prática da atividade cênica. Os voluntários foram avaliados individualmente no pré- e pós-teste por meio dos questionários: Informações Sociodemográficas, World Health Organization Quality of Life - WHOQOL-Bref e WHOQOL-OLD; Cambridge Cognitive Test CAMCOG; por exames clínicos: medidas antropométricas, dosagem do colesterol total, HDL-colesterol, Colesterol LDL, triglicérides, glicemia, hemograma completo e eletrocardiograma; exames funcionais: Timed Up and Go Test -TUGT, Six-Minute Walk Test, One-Leg Balance Test; entrevistas, fotos, registros em vídeo, depoimentos e questionários de opinião. O Questionário de Avaliação Final da Atividade recorreu à Escala Likert para a estruturação das perguntas. O estudo foi realizado entre agosto de 2011 e janeiro de 2012, no teatro da Estação Ciência - USP, São Paulo. Seus resultados indicaram relativas alterações positivas dentro dos grupos, entre os pré- e pós-testes, e permitem concluir que a atividade autobiográfica e a de artes cênicas, para a população com idade acima de 60 anos, são recursos promotores da saúde e melhor qualidade de vida. Esse estudo, por seus resultados positivos, valida a prática em artes cênicas como proposta de atividade promotora de motivação e sociabilidade em pessoas com faixa etária acima de 60 anos de idade, e, principalmente, por trabalhar aspectos motores do deslocamento, postura e equilíbrio corporais que além de promoverem saúde, adquirem função preventiva à quedas / Aging is an inevitable process for any living being , and in the case of the human being, the object of this study, the effects are accentuated from the age group above 60 years of age, when there is a naturally and continuous decline of motor, mental and social skills, in a progressive and interrelated form. This study, involving neurosciences, performing arts and health, arose from the general concern over the growing elderly population today in Brazil as well as in the world, the search for resources that provides better quality of life for this age group. Therefore, we performed a systematic study related to memory, body and movement, involving strategies autobiographical work, literary and scenic in order to understand the dynamics of some parameters cognitive, behavioral and physical in this age group, as well as determining its influence in overcoming of social, emotional conflicts and possible functional gains. Participants were initially volunteers aged 27 to 60 years old, socially active, of both sexes, residents of the city of São Paulo, SP, Brazil. The groups were designated Group 1 (G1), composed of 12 people, and Group 2 (G2), consisting of 15 individuals. With the G1 activities were developed based on memory that was rescued by several approaches and which was composed by each participant an autobiographical book, while the G2 were offered knowledge and practice of theatrical activity. The volunteers were evaluated individually in pre - and post - test by means of questionnaires: Sociodemographic Information, World Health Organization Quality of Life - WHOQOL - Bref and WHOQOL - OLD; Cambridge Cognitive Test - CAMCOG; clinical examination: Anthropometric measurements, measurement of total cholesterol, HDL cholesterol, LDL cholesterol, triglycerides, glucose, complete blood count and electrocardiogram; functional tests: Timed Up and Go Test - TUGT, Six - Minute Walk Test, One - Leg Balance Test, interviews, photos, video recordings, statements and opinion questionnaires. The Assessment Questionnaire Final Activity resorted to Likert Scale for structuring questions. The study was conducted between August 2011 and January 2012, the theater of the Science Station - USP, São Paulo. Their results indicated positive changes related within groups between the pre - and post - tests, and showed that the autobiographical activity and performing arts, for the population aged over 60 years, are resources that promote health and better quality of life. This study, by its positive results, validates the practice in theater arts as proposed activity to promote motivation and sociability in people aged over 60 years of age, and especially for motor aspects of the work shift, posture and body balance that in addition to promoting health, preventive function acquire the falls

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-06-29T19:52:27Z No. of bitstreams: 1 thiagoluizberzoinimachado.pdf: 2242060 bytes, checksum: e5be95a0a6b81848845c4066ec4da618 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-07-13T15:50:26Z (GMT) No. of bitstreams: 1 thiagoluizberzoinimachado.pdf: 2242060 bytes, checksum: e5be95a0a6b81848845c4066ec4da618 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-07-13T15:50:44Z (GMT) No. of bitstreams: 1 thiagoluizberzoinimachado.pdf: 2242060 bytes, checksum: e5be95a0a6b81848845c4066ec4da618 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-13T15:50:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 thiagoluizberzoinimachado.pdf: 2242060 bytes, checksum: e5be95a0a6b81848845c4066ec4da618 (MD5) Previous issue date: 2012-03-30 / Utilizando como matriz midiática “Espectros – Um drama familiar” (Gengangere, 1881) de Henrik Ibsen, esta dissertação analisa a expansão do universo ficcional de uma peça teatral por diversas plataformas de mídia. A montagem da obra foi desenvolvida através da aplicação de estratégias transmídia com base nas explanações de Henry Jenkins e Stephen Dinehart, teóricos dessa nova forma de utilização da narrativa perante a era da “Cultura da Convergência”. O projeto apresentou ao espectador uma obra que possui vários “pontos de entrada” no universo ficcional da trama de Ibsen, acessíveis através de um conteúdo distribuído eletronicamente: vídeos, áudio-teatro, história em quadrinhos, um jornal fictício que contém informações sobre o programa da peça e um dossiê contra um dos personagens centrais da trama. A experiência também foi levada para um ambiente imersivo - o Second Life –, apresentando uma assembleia virtual que reuniu o elenco e o público atingido pela divulgação do evento nas redes sociais e sítio de hospedagem do material produzido. Com a aplicação dessa estratégia, o espectador é motivado a organizar mentalmente os fragmentos narrativos de situações pulverizadas através de canais de distribuições complementares, proporcionando a continuidade de imersão no universo ficcional mesmo após o término da experiência. / Using as a media-matrix “Ghosts – a family drama” (Gengangere, 1881) by Henrik Ibsen, this work analyzes the expansion of the fictional universe of a play by various media platforms. The composition of the play was developed through the application of strategies based on the explanations of Henry Jenkins and Stephen Dinehart, theorists of this new way of using the narrative according with the era of “Convergence Culture”. The project presented a work in which the viewer has multiple “entry points” into the fictional universe of Ibsen’s plot, accessible via electronically distributed content: videos, audio dramas, comic, a fictional newspaper which contains information about the program of the play and a dossier against one of the central characters of the plot. The experience was also taken to an immersive environment – the Second Life – featuring a virtual meeting that gathered the cast and the audience reached by the advertisement of this event through social networking and hosting website with the material produced. With the implementation of this strategy, the viewer is encouraged to mentally organize the narrative fragments of situations sprayed throughout additional distribution channels to provide continuous immersion in the fictional universe even the ends of the experiment.

Ao final do século XX, o teatro de pesquisa como prática artística tornou-se teatralmente verossímil, culturalmente aceitável e economicamente possível na cidade de São Paulo. Esta dissertação de mestrado procura investigar que condições possibilitaram a consolidação de tal expediente teatral. Uma geração de criadores jovens formados no final dos anos 1980 contribuiu para instaurar novos modos de produção cênica na cidade. Para realizar a análise da cena paulistana na década de 90 do século XX, detenho-me em dois grupos formados no período: o Teatro da Vertigem e a Cia. de Teatro Os Satyros. Analiso a trajetória de cada um dos grupos e busco evidenciar como contribuíram, cada um a seu modo, para a organização de determinadas práticas teatrais na capital paulistana: o Teatro da Vertigem como grupo originado na universidade, e a Cia de Teatro Os Satyros engajada na manutenção empresarial de suas atividades. Ao longo dos anos 1990 e 2000, foi elaborada uma estrutura de modo a assegurar o teatro da pesquisa: políticas de financiamento público; criação de universidades em artes cênicas; definição de uma agenda para pesquisa de linguagem... Experiência social e convenções teatrais misturaram-se, então, num sistema que se modifica constantemente, gerando novos padrões de criação e de produção artística. / At the end of the 20th century, the research theater as an artistic practice became theatrically plausible, culturally acceptable and economically viable in the city of São Paulo. This masters dissertation tries to investigate what were the conditions that enabled the consolidation of such theater resource. A generation of creators young people graduated at the end of the 1980s helped introduce new scenic production techniques in the city. To analyze the São Paulo scene in the last decade of the 20th century, I focus on two groups from the period: Teatro da Vertigem and Cia. de Teatro os Satyros. I analyze the trajectory of each group and try to show how they contributed, each in its own way, to the organization of certain theater practices in the capital city of São Paulo: the theater group Teatro da Vertigem, coming from the university environment, and the theater group Cia de Teatro os Satyros, engaged in the business management of its activities. Over the years 1990 and 2000, a structure was developed so that research could be done: public funding policies; creation of colleges in performing arts; definition of an agenda for language research and so on. Social experience and theatrical conventions were then combined to form a system that is continuously changing and generating new patterns of creation and artistic production.

Submitted by Nathalya Silva (nathyjf033@gmail.com) on 2017-06-06T17:57:13Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_TreinamentoAnatomiaActancial.pdf: 9184260 bytes, checksum: a043ce4b9100ac45ba3244e69c089838 (MD5) / Approved for entry into archive by Edisangela Bastos (edisangela@ufpa.br) on 2017-06-09T15:37:59Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_TreinamentoAnatomiaActancial.pdf: 9184260 bytes, checksum: a043ce4b9100ac45ba3244e69c089838 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-09T15:37:59Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_TreinamentoAnatomiaActancial.pdf: 9184260 bytes, checksum: a043ce4b9100ac45ba3244e69c089838 (MD5) Previous issue date: 2016-06-28 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Este trabalho de investigação artístico-científica cria um treinamento corporal baseado no estudo anatômico e cinesiológico efetuado pela autora, de alguns teóricos da dança e do teatro do século XX referentes a: Vsévolod Meyerhold, Étienne Decroux, Tatsumi Hijikata, Kazuo Onho, Eugenio Barba e Pina Bausch, mormente no que tange as suas ferramentas didáticas voltadas ao desempenho dessa arte cênica, o qual permita aperfeiçoar as capacidades físicas do atuante compreendidas como a força-resistência, flexibilidade e elasticidade, objetivando dirimir ou prevenir as lesões apresentadas no âmbito do sistema músculo-esquelético das costas. O texto apresenta estudos comparativos de anatomia, feitos pela autora, ligados aos conceitos de anatomia actancial e da adaptação patológica social. Ademais, os temas encontrados e criados durante a investigação apontam para o fato de que as ferramentas de ensino, quando inerentes ao trato de peculiaridades anatômicas, vinculam-se aos sistemas psicofísicos e de energia originados, açambarcados e nutridos pelo organismo em treinamento. A partir desses sistemas, surgem prospectos alicerçados na anatomia do movimento, nas lesões da coluna vertebral e a pedagogia e a didática da formação actancial no treinamento de teatro e de dança, em um contexto examinado acorde a sua integralização orgânica psicofísica. Em seu maior escopo, aqui, empenha-se, por meio da linguagem cênica e da pedagogia do treinamento actancial, lidar como tratáveis as lesões músculo-esqueléticas das costas, assim como preveni-las durante o desempenho, exploração, laboratório e trabalho cênico do atuante. / This artistic and scientific research creates a corporal expression, based on the systematic study of the anatomy and kinesiology of some theorists of the twentieth century, they are: Vsevolod Meyerhold, Etienne Decroux, Tatsumi Hijikata, Kazuo Onho, Eugenio Barba and Pina Bausch, implemented by the researcher, highlighting in the process of analysis the didactics tools focused on scenic performance of the actant, allowing to perfect the physical abilities, understood as: strength - resistance, flexibility and elasticity; aiming to reduce the injuries presented in the musculoskeletal system back. The text contains comparative studies of anatomy, made by researcher, they are linked to the concepts of actantial anatomy and pathological social adaptation. So the issues found and created during the research aim to the factor that the didactic tools of the performing arts, when included or related to anatomical peculiarities, they concern to the psychophysical and energy systems, they are caused, covered and nourished by the body in training. From these systems of training, appeared evident linked to the anatomy of movement, the injuries of the spine, the pedagogy and the didactics of the Actantial formation; in a context that integrates the psychophysical and organic qualities of Actantial training. Finally, here, it insists through the scenic language and pedagogy of Actantial training, cope with treatable the skeletal muscle back injuries, as well as prevent them in the performance, exploration, laboratory and stage work of actant.

This research has started on pondering over the scenic area in contemporary dance real-time composition. The scenic area, while articulating the scene, congregates architectural space, scenic space and bodies-spaces (interpreters) interdependently. This makes this interrelation as a condition for the outcome of choreographic layers produced in the creation process in the real-time composition, which are also necessary as an artistic object. Thus, the research aims at contextualizing and conceptualizing in a interdisciplinary way the research areas (scenic area and real-time composition) using theoretical remarks on research methodology in arts, contemporary dance, architecture, visual arts and scenography. In practice, this research has pondered overan experience, the performance Sobre pontos, retas e planos [About points, lines and planes], created by the Dramaturgia do Corpo- Espaço e Territorialidade research group [Body-space Dramaturgy and Territoriality], which was presented in five different places in the city of Uberlândia / Essa pesquisa tem como ponto de partida uma reflexão acerca do espaço cênico na composição em tempo real em dança contemporânea. O espaço cênico enquanto articulador da cena congrega espaço arquitetônico, espaço cenográfico e corposespaços (intérpretes) de forma interdependente, fazendo com que essa inter-relação seja condicionante para o resultado das camadas coreográficas produzidas no processo de criação na composição em tempo real, que também se impõem enquanto objeto artístico. Assim, a pesquisa busca contextualizar e conceitualizar de forma interdisciplinar as áreas de investigação (espaço cênico e composição em tempo real), utilizando teóricos das áreas de metodologia de pesquisa em artes, dança contemporânea, arquitetura, artes visuais e cenografia. Em termos aplicados, a pesquisa apresenta reflexões desenvolvidas sobre uma experiência prática, o espetáculo Sobre pontos, retas e planos, trabalho criado pelo Grupo de Pesquisa Dramaturgia do Corpo-Espaço e Territorialidade, que para essa investigação, foi apresentado em cinco lugares diferentes na cidade de Uberlândia / Mestre em Artes

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-27T21:42:29Z No. of bitstreams: 2 ELEMENTOS PRETEXTUAIS_final revisado 15abr2013.pdf: 151459 bytes, checksum: 7f22b52092feb4cceafb79049b5abace (MD5) A PARTITURA DE AÇÕES COMO DISPOSITIVO_Dissertação Final Revisada 15abr2013.pdf: 1269922 bytes, checksum: d53bdc1fe1690436b4a4f77e19325aca (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-08-28T19:00:20Z (GMT) No. of bitstreams: 2 ELEMENTOS PRETEXTUAIS_final revisado 15abr2013.pdf: 151459 bytes, checksum: 7f22b52092feb4cceafb79049b5abace (MD5) A PARTITURA DE AÇÕES COMO DISPOSITIVO_Dissertação Final Revisada 15abr2013.pdf: 1269922 bytes, checksum: d53bdc1fe1690436b4a4f77e19325aca (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-28T19:00:20Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ELEMENTOS PRETEXTUAIS_final revisado 15abr2013.pdf: 151459 bytes, checksum: 7f22b52092feb4cceafb79049b5abace (MD5) A PARTITURA DE AÇÕES COMO DISPOSITIVO_Dissertação Final Revisada 15abr2013.pdf: 1269922 bytes, checksum: d53bdc1fe1690436b4a4f77e19325aca (MD5) / Esta dissertação se inscreve no campo das artes cênicas, debruçando-se sobre o trabalho do ator por meio da análise de Partituras de Ações, aqui consideradas como dispositivo de criação e composição. A pesquisa descreve e analisa um processo no qual a pesquisadora está inserida como atriz, portanto, não se faz de maneira distanciada e impessoal, embora mantenha o rigor acadêmico necessário à sua realização. Para tanto, foi realizado um estudo de caso, tomando o espetáculo Dorotéia do grupo Panacéia Delirante sob direção de Hebe Alves, obra que tem como um de seus pilares o desempenho cênico das atrizes por intermédio desse dispositivo. Duas unidades de análise foram utilizadas visando demonstrar como o dispositivo Partitura age no desempenho das atrizes no espetáculo: a Corporalidade posta em evidência no espetáculo e o Estado de Jogo que se estabelece entre as atrizes em cena. Além disso, foram analisados registros em fotografia e vídeo do espetáculo, bem como depoimentos concedidos pelo elenco de Dorotéia. Entrecruzando esse material com aspectos conceituais da pesquisa, pretendeu-se chegar a respostas para as perguntas Como o jogo e a corporalidade servem à estruturação da partitura entendida como um dispositivo? e De que maneira esses dois elementos são articulados na composição de desempenho das atrizes?. O objetivo da pesquisa foi analisar o espetáculo sob a lente do dispositivo – com suas linhas de força e curvas de visibilidade, tal como apresentado por Michel Foucault e desenvolvido por Gilles Deleuze. Este esforço se justifica na medida em que uma compreensão não-cartesiana, rizomática e que, portanto, evita a rigidez de conceitos preestabelecidos é importante ferramenta para compreender a práxis do artista, no caso, o artista cênico. Desse modo, torna-se possível abrir novas leituras que incluam os aspectos de risco, improvisação, tensão, prazer, interatividade, imaginação e subjetividade, sem cair em formulações baseadas apenas no senso comum ou amparadas numa concepção de partitura entendida como puramente instrumental. Dentre os resultados alcançados destacam-se a compreensão da corporalidade e do estado de jogo como curvas de visibilidade e linhas de força do dispositivo, responsáveis por possibilitar a ação dos processos de sobredeterminação funcional e preenchimento estratégico que ocorrem na partitura; e o entendimento de que, por meio da ótica do dispositivo, a partitura pode ser discutida de maneira mais rigorosa e sistematizada em estudos sobre o desempenho do artista cênico. / This work falls within the field of performing arts, leaning over the actor's work by analyzing Action Scores, considered here as a device for creation and composition. The research describes and analyzes a process in which the researcher is insertedas an actress. Therefore, it is not a distanced and unbiased one, but still maintains the necessary academic rigour for their production. To this end, we conducted a case study, using the play Dorotéia, by the Panacéia Delirante group, under the direction of Hebe Alves, a work that has, as one of its pillars, the scenic performance of the actresses through this device. Two analysis units were used in order to demonstrate how the Score device works regarding the performance of the actresses in the show: the Corporality evidenced in the show, and the Game State established between the actresses on scene. In addition, we analyzed the play’s photo and video recordings, as well as testimonies given by the cast of Dorotéia. By combining this material with the research’s conceptual aspects, we intended to answer the questions: How do the game and corporality serve to structure the Score as a device? and How are these two elements articulated in the composition of the actresses’ performance?. The objective of the research was to analyze the performance under the scope of the device – with its lines of powerand curves of visibility, as presented by Michel Foucault and developed by Gilles Deleuze. This effort is so far justified as a non-Cartesian, rhizomatic understanding – that therefore escapes the rigidity of pre-established concepts. Such is an important tool for understanding the artist's (in this case, the scenic artist’s) praxis. Thus, it becomes possible to open new interpretations to include the aspects of risk, improvisation, tension, pleasure, interactivity, imagination and subjectivity without falling into formulations solely based on common sense or supported by a concept of an Action Score understood as purely instrumental. Among the achieved results, the understanding of corporality and the game state as visibility curves and power lines of the device stand out. They are responsible for possibilitating the action of the processes of functional overdetermination and strategic filling that occur in the Action Score. Another conclusion that can be taken from this case study is the understanding that, through the optical device, the Action Score can be discussed in a more rigorous and systematized method regarding the scenic artist’s performance.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-31T17:42:54Z No. of bitstreams: 1 Dissertação -corrigida.doc: 5920256 bytes, checksum: 604e54be81ceb145ebc722fadf310e4d (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-09-10T21:04:47Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação -corrigida.doc: 5920256 bytes, checksum: 604e54be81ceb145ebc722fadf310e4d (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-10T21:04:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação -corrigida.doc: 5920256 bytes, checksum: 604e54be81ceb145ebc722fadf310e4d (MD5) / Esta pesquisa consiste principalmente na análise da dramaturgia na dança do espetáculo O Santo Inquérito, apresentado na Cidade de Belém, na década de 80, e, encenado pelo Grupo Coreográfico da Universidade Federal do Pará, sob a direção geral e coreográfica da bailarina, coreógrafa e professora Eni Corrêa. Para entender de que maneira se inscreve a dramaturgia na dança, que tem como pretexto uma dramaturgia que foi escrita especificamente para a encenação teatral, iniciamos a coleta de dados, através de entrevistas com a diretora do espetáculo, a qual se permitiu voltar a duas décadas em sua memória, para rememorar seu processo de encenação, numa mistura de sentimentos entre: a saudade, felicidade e a excitação de trazer em seu pensamento imagens dos bailarinos, figurantes e equipe técnica do teatro, nos permitindo investigar seu processo de concepção coreográfica, para atingir o nosso objetivo de analisar a dramaturgia na dança. Além das entrevistas, partimos para a análise do espetáculo, através da observação da fita de vídeo, da coleta de dados, como os desenhos do figurino, da cenografia, do cartaz, das fotografias e documento enviado ao dramaturgo Dias Gomes. Nesse sentido, percorremos cena a cena deste espetáculo coreográfico, que nos forneceu uma multiplicidade de material cênico, como a música, o cenário, a coreografia, o texto e a iluminação, que materializados na cena, indicavam a autonomia de suas linguagens artísticas, mas, ao mesmo tempo concorriam para a tessitura da dramaturgia do espetáculo aqui em questão. Para o dramaturgo e ator Eugênio Barba, uma dramaturgia geral, ou seja, a reunião de vários elementos materializados na cena, que concorrem para a construção de uma dramaturgia que se insere no todo da montagem da obra cênica. Neste contexto, esta pesquisa se configura em uma abordagem qualitativa baseada em estudo de caso. / This research consists principally in a dance dramaturgical analysis, of the O Santo Inquérito spectacle, presented at Belém City, in the 80’s, staged and exhibited by the Coreografic Group of the Federal Uni versity of Pará, under the choreographic and general direction of the dancer, choreograph ant teacher, Eni Corrêa. To understanding the way in which inscribes the dramaturgy in the dance, who has as pretext, a dramaturgy writen specifically to the theatrical staging. We began collecting data through interviews with the spectacle director, whom allowed herself returning two decades behind in her memory, to remember her staging processes, in a feelings mixture between: longing, happiness and excitation of bringing in her thinking dancers images, figurants, and technical theatrical team, allowing us to investigate her choreographic conception process, to reach our objectif to analyse the dance dramaturgy. Beyond the interviews, we start to analyse the spectacle, through the videotape observation, the data collection, like the dress models, the scenography, the poster, the photographies and the document sent to the dramaturge Dias Gomes. In this way, we roamed about scene by scene of that choreographic spectacle, which gave us a scenic material multiplicity, like the music, the scenery, the choreography, the text and the ilumination, which materialized in scene, indicated its artistic languages autonomy, but, in the same time, coming together to the spectacle dramaturgy tissue, here being studied. To the dramaturge and actor Eugênio Barba, a general dramaturgy, in other way, the reunion of various elements or ingredients materialized in scene, that concur to the dramaturgy construction, which inserts in the whole of the scenic mounting work. In this context, this investigation configures in a qualitative approach based in the study of a case.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-09-10T18:34:58Z No. of bitstreams: 1 A VISITA DO DIVINO.doc: 286200832 bytes, checksum: 1505bc8da18b882d8a9b6c298e27f465 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-11T13:13:15Z (GMT) No. of bitstreams: 1 A VISITA DO DIVINO.doc: 286200832 bytes, checksum: 1505bc8da18b882d8a9b6c298e27f465 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-11T13:13:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 A VISITA DO DIVINO.doc: 286200832 bytes, checksum: 1505bc8da18b882d8a9b6c298e27f465 (MD5) / Esta tese teve como principal objetivo a explicação das significações éticas, estéticas e histórico-religiosas das Folias do Divino no Entorno Goiano do Distrito Federal, e seu sentido matricial da cultura cênica contemporânea. A pesquisa foi desenvolvida a partir de três visões distintas sobre o universo das folias: a visada de seus estrangeiros, alguns daqueles que já refletiram sobre o assunto em outros estudos, compreendida por uma investigação bibliográfica que privilegiou desde manuscritos e pequenas monografias até publicações acadêmicas de várias áreas dos saberes humanos; a opinião de seus próprios atores, refletindo aquilo que eles acreditam estar fazendo, e para quê, levantada através de conversas e entrevistas não dirigidas; e a do pesquisador que, em pousos e visitas a fazendas e sítios nos municípios de Novo Gama, Santo Antônio do Descoberto e Luziânia, num período de onze dias, por registros aproximados das metodologias etnográficas, descreve a manifestação nas minúcias de seu trajeto, um círculo simbólico denominado giro. Em perspectiva multirreferencial, tendo como base a etnocenologia e seus diálogos multi, inter e transdiciplinares sobre as práticas e comportamentos humanos espetaculares organizados, consubstanciou-se em dados oferecidos pela Folia de Roça do Novo Gama (GO), nas saídas de suas bandeiras nos anos de 2003 e 2004. Buscando a superação das dicotomias impostas pela utopia da criação de Brasília, num espaço em que seus idealizadores se propunham como fundadores da cultura, esta tese apresenta as folias como relacionadas a um catolicismo não oficial advindo de uma circularidade social que as colocam, nos dias de hoje, no universo das pessoas comuns. Extrapolando a referência de matriz cênica, são práticas que ultrapassam o sentido estrito da religiosidade de adoração ao sagrado para se inscrever, como uma autêntica manifestação da cena contemporânea, no lato sensu da religação ao outro, comunhão do estar juntos societal característico da pós-modernidade. / Ce travail a comme objet les significations éthiques, esthétiques et historique-religieuses des Folias du Divin au Entorno Goiano du District Fédéral et le sens matriciel des manifestations avec les caractéristiques des folias dans la culture scénique contemporaine. La recherche a été développée à partir de trois visions distinctes sur cet univers. Premièrement, la visée des étrangers, certains dont ils déjà ont reflété sur le sujet dans autres études. Pour ceci on a eté réalisée une révision bibliographique qui a privilégié depuis manuscrits et de petites monographies jusqu'à des publications académiques de plusieurs secteurs de la connaissance. Ensuite, l'avis des acteurs eux-mêmes de la manifestation, en reflétant cela que ils croient être en faire et pour quoi. Ces avis ont été soulevés à travers des conversations et interviews non dirigées avec les appelés foliões et ceux qui les reçoivent dans leurs maisons. Et, finalement, la vision construite par le chercheur à partir de la recherche bibliographique et du champ réalisé dans les pousos et visites dans des grandes fermes et sites dans les municipes de Novo Gama, Santo Antônio do Descoberto et Luziânia, tous dans la frontière du District Fédéral avec l'état de Goiás. Sur base de méthodologies ethnografiques, ce travail décrit la manifestation dans les minuties de son passage, un cercle symbolique appelé giro da folia. Son principal référentiel théorique est l'ethnocenologie et leurs dialogues avec plusieurs secteurs des savoirs sur les pratiques et comportements humains spectaculaires organisés. Cette thèse présente les folias dans le contexte d'un Catholicisme non officiel arrivé de la circularité social qui les place, actuellement, dans l'univers de l’homme ordinaire. Les folias extrapolent la référence de matrice scénique et le sens strict de la religiosité d'adoration au sacré pour s'inscrire comme des authentiques manifestations de la scène contemporaine.