Cette recherche explore les significations multiples des catastrophes qui ont bouleversé la Colombie dans les années 1980 et 1990, et le rôle des «artistes-historiens» dans la réparation des blessures qu'elles ont entraînées. Nous retracerons ces événements à partir des éléments autobiographiques afin de construire des liens entre la mémoire individuelle et l'Histoire de la Colombie. Nous prendrons appui sur ma pratique artistique ainsi que sur celle d'artistes colombiens nés pour la plupart dans les années 1960, qui ont produit des œuvres fondamentales pour élaborer ce processus de remémoration. Le mot « disparition » dans ce contexte spécifique chemine dans les différents chapitres de !'Histoire récente et réapparaît de façon cyclique à travers le phénomène des «disparitions forcées», qui traverse les différentes périodes de violence en Colombie depuis «l'époque de La Violence» dans les années 1950. Le mot «disparition» va se dessiner en parcourant des événements tels que le destin brisé des «enfants volés» lors de la catastrophe d' Armera ; à travers la disparition mystérieuse de onze personnes lors de la reprise militaire du Palais de Justice à Bogota (les deux événements survinrent en novembre 1985) ; et au travers des milliers de «disparus» anonymes, dont beaucoup ont été emportés par les rivières, laissant la société colombienne dans l'impossibilité d'enterrer ses morts afin d'entamer un processus de deuil et d'amnistie. Enfin, le mot «disparition» fera écho à la «disparition des preuves» et à la «fuite des archives», pratiquées impunément par les institutions colombiennes pour empêcher tout processus de reconstruction de la mémoire collective. / This research explores the multiple possible significations of catastrophes that shook Colombia in the l 980's and the l 990's, and the role of the "artist historians" in the process of healing the wounds it left behind. Traces of these tragedies will be followed up by means of autobiographical elements in order to bridge the gap between individual memories and Colombia's History. The starting point for this enquiry is my persona! artistic work and the work of other Colombian artists, most of them born in the 1960's and having produced fundamental artworks elaborating on the process of remembering. The word "disappearances" in the specific Colombian context steers its way amongst the chapters of recent History and reappears in cyclical fashion as the phenomenon of "forced disappearances", which can be followed up though the periods of violence in Colombia since La Violencia "the period of Violence" in the l 950's. The word "disappearance" will reappear when contemplating events like the fate of the "stolen children'' during the Armero catastrophe, caused by the eruption of a volcano, or the mysterious disappearance of eleven persons during the military takeover of the Palace of Justice in Bogota (both happened in November 1985), or the thousands of anonymous "disappeared", many of which were carried off by the rivers, leaving the Colombian society in the impossibility to bury it's dead in order to start a process of grieving and armistice. Finally the word "disappearance" will echo the "disappearance of evidences" and the "leaking archives" perpetrated with impunity by Colombian officials, thereby intentionally inhibiting the reconstruction of collective memory.

Au-delà de la simple reconnaissance d'une activité artistique, la croyance en l'art participe à la compréhension de l'art, de sa représentation et de la représentation de sa fonction. Cette croyance artistique est muable et réagit aux différentes approches artistiques qui lui sont soumises alors qu'elle se divise aussi en diverses expectatives. Ainsi, il n'est pas étonnant que, dans le contexte de crise relatif à l'émergence de l'art contemporain et de la récupération des problématiques duchampiennes, la croyance en l'art soit appelée à se transformer. En fait, dès Duchamp, le milieu artistique a dû se réajuster face à un nouveau modèle artistique. Le bouleversement engendré par les procédures duchampiennes de la distribution des rôles au sein du système artistique a façonné un nouvel univers de représentation de l'art et de sa fonction. L'activité et la structure de ce nouveau système affectent la croyance en l'art et sa portée subversive en modifiant justement le rapport de celle-ci à l'esthétique, l'histoire de l'art et l'artiste, c'est-à-dire son principal, et sûrement dernier, croyant. La position particulière de l'artiste, telle qu'étudiée dans les cas des artistes Gavin Turk, des QQistes et de Marc-Antoine K. Phaneuf, au sein du système artistique contemporain comporte une promesse de survie pour la croyance subversive. Cependant, il n'accomplit pas son engagement face à la croyance telle qu'elle sera approfondie dans la présente recherche, au contraire, il la déçoit en utilisant sa pratique artistique au profit de la reconnaissance de son individualité. Ainsi, alors que s'effritent dans la déception les derniers espoirs de conservation de la croyance subversive, il est néanmoins envisageable d'évaluer les limites et les possibilités qui s'imposent et s'offrent à la croyance artistique pour former les modèles d'une esthétique, d'une histoire de l'art et d'un rôle pour l'artiste plus près de ce que devrait être une nouvelle croyance en l'art contemporain. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Subversion, Croyance, Art contemporain, Gavin Turk, QQistes, Marc-Antoine K. Phaneuf.

Ce mémoire est globalement axé sur la légitimité de la notion d'identité dans les contextes postcolonial et postmoderne. Plus précisément, il porte sur le concept de métissage dans l'art actuel à l'heure de la mondialisation culturelle, lieu propice à un renouvellement de l'identité et de l'imaginaire pour les communautés des Premières Nations d'Amérique du Nord. Il est divisé en deux parties. Les deux premiers chapitres énoncent une perspective socio-ethnohistorique autour des notions d'identité et de métissage, alors que le troisième chapitre expose un point de vue analytique à partir d'un corpus d'oeuvres de trois femmes artistes autochtones du Québec et de l'Ontario s'exécutant sur la scène artistique contemporaine, soit Sonia Robertson, Sylvie Paré et Rebecca Belmore. Plus spécifiquement, le premier chapitre fait état des connaissances et des discours sur les définitions même d'identité et de métissage dans les contextes colonial / postcolonial et moderne / postmoderne. Par extension, je pose cette question concernant l'hybridité culturelle: s'agit-il d'un principe d'homogénéisation et d'essentialisation des cultures ou d'un facteur garant d'hétérogénéité, favorable au mélange et aux échanges interculturels ? Le deuxième chapitre, quant à lui, énonce les contextes de dépossession territoriale et d'exiguïté culturelle dans lesquels ont été contraints les peuples des Premières Nations depuis l'époque coloniale. Il fait aussi mention des métissages artistiques (post)postmodernes, qui contribuent à un renouveau de l'imaginaire amérindien. Dans un esprit à la fois de contestation face à l'image folklorisée de l'« Indien » et de transmission des valeurs traditionnelles, les artistes autochtones font place à la réappropriation culturelle. Enfin, le troisième chapitre souligne les parcours identitaires de Sonia Robertson (Ilnue), Sylvie Paré (métisse huronne-wendat) et Rebecca Belmore (Anishinabekwe). À titre de comparaison, j'analyse un corpus d'installations et de performances sous le thème de la mémoire et de l'identité en lien avec les concepts élaborés dans les chapitres précédents. Le choix d'examiner le travail de trois femmes artistes provenant de communautés différentes permet de rendre compte de réflexions personnelles de la part de femmes autochtones face à la culture dominante et par rapport à leur culture d'origine. Ce choix vise par ailleurs à circonscrire, au sein même de leur production, l'importance de la tradition en fonction de leur affirmation identitaire. Je souhaite ainsi étudier comment ces propositions se positionnent dans un contexte de déterritorialisation culturelle en fonction d'une réalité post(néo)colonialiste, corrélative d'un entre-deux mondes. Pour conclure, je reviens sur les questions d'identité, de mémoire et de territoire en soulignant l'importance idéologique du combat identitaire des communautés autochtones, qui vise la mise en échec des préjugés et des constructions mythiques persistantes entre le « Blanc » et l' « Indien ». Je mesure en ce sens l'impact que pourrait avoir la pensée universelle amérindienne sur nos sociétés hypermodernes en crise et en quête de valeurs. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Identité, Métissage, Mémoire, Premières Nations, Néocolonialisme.

Ce travail de recherche porte principalement sur l'analyse d'un corpus d'œuvres d'Artemisia Gentileschi et d'Elisabetta Sirani autour de la thématique des « femmes violentes ». Ces deux artistes italiennes ayant pratiqué la peinture au XVIIe siècle comptent parmi les premières femmes à s'être illustrées dans la représentation de sujets issus de l'histoire biblique et parfois même antique, un genre artistique dominé par leurs collègues masculins. En effet, les récits qu'elles interprètent sont parfois issus de la Bible, comme ceux de Judith ou Yaël, ou encore de l'histoire antique, dans les cas de Timoclée, Lucrèce ou Portia. Or, le thème de la violence au féminin s'avère fortement marqué par une tradition iconographique reflétant les angoisses et préoccupations masculines de l'époque, notamment par une emphase sur le potentiel érotique de ces récits. Ainsi, même les personnages autrefois associés à la chasteté se transforment avec l'ère baroque en véritables guerrières sexuelles. L'étude des œuvres de Gentileschi et de Sirani révèle des écarts iconographiques face à cette tradition, traduisant une prise de position des artistes sur leur sujet. Proposant une vision de la féminité active et parfois même féroce, leur interprétation de ces femmes « violentes » questionne la tradition picturale et ses préjugés sur les femmes. La notion « d'agentivité », prenant sa source dans les écrits de Judith Butler, nous permet alors de mettre en évidence la possibilité d'une resignification de la féminité grâce au travail de ces femmes peintres. À la lumière des approches féministes développées par des historiennes contemporaines comme Griselda Pollock, l'étude des œuvres de ces artistes nous permet d'enrichir notre compréhension de la création au féminin. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, histoire des femmes, femmes artistes, violence, peinture biblique, peinture baroque, XVIIe siècle, agentivité, Judith, Yaël, Timoclée, Lucrèce, Portia.

Dernier bastion de la tradition classique, l’Académie de France à Rome connaît, depuis le milieu du XIXᵉ siècle, une forte remise en cause de sa position dominante dans le système des Beaux-Arts français. Le renversement de la hiérarchie des valeurs esthétiques, l’inflation du nombre de créateurs et le changement de leur statut modifient profondément le paysage de l’art et semblent placer à l’arrière-garde du XXᵉ siècle l’institution et ses créateurs. L’État, autorité de tutelle, adopte une position ambivalente dans ses rapports à l’Académie de France : s’il ne l’insère ni dans ses projets de politique culturelle sur le territoire national ni dans sa politique de rayonnement culturel en Italie, il continue à soutenir les Grands Prix par le biais de commandes et d’achats publics. La précipitation de ce système va intervenir dans les années 1960 avec, en premier lieu, la nomination de Balthus à la tête de l’institution par Malraux et les réformes des concours de Rome. Cependant, ce sont les événements du printemps 1968 qui vont marquer un coup d’arrêt à cette organisation en légitimant la suppression des Grands Prix et en dépossédant l’Académie des Beaux-Arts de ses prérogatives, initiant ainsi une refonte complète et durable de l’institution. / Last bastion of the classical tradition, the French Academy in Rome has known, since the 19th century, a strong calling into question of its dominant position in the system of the French Fine Arts. The reversal of the hierarchy of values in art, the increase of the number of creators and the change in their status deeply affected the Art scene and seemed to leave the institution and its creators as the rearguard of the 20th century. The State, supervisory authority, adopted an ambivalent position in its relationship with the French Academy. Although it did not include it neither in its cultural policy projects on the national territory nor in its cultural influence policy in Italy, it still went on supporting the Grands Prix by means of orders and public purchase. The haste of this system will take place in the sixties with, at first, the appointment of Balthus at the head of the institution by Malraux and the reforms of the contests of Rome. However, the events of the Spring of 1968 will put an end to this organization in legitimizing the suppression of the Grands Prix and in dispossessing the Academy of Fine Arts from its prerogatives, initiating a complete and lasting recoinage of this institution.

L’Idiot de la famille est complément de Questions de Méthode. Sartre demande dans Questions de Méthode un changement de langage. Il s’agira dans cette thèse de déchiffrer l’écriture sartrienne en ses nuances, détails et couleurs. En d’autres mots, il s’agira d’étudier les livres de Sartre pour trouver un sens qui nous parle, là où sa parole se contredit et s’affirme en même temps. Notre tâche de relecture dans L’Idiot de la famille est ainsi d’expliciter l’axe central de la psychanalyse existentielle et d’aller chercher le sens le plus caché de la philosophie de la vie. Dans la mesure où Sartre va montrer que nous devons décider du genre de vie que nous voulons avoir, cette étude vise à éclairer pourquoi Sartre est un penseur nécessaire pour l’homme d’aujourd’hui. Il s’agira ainsi de traiter L’Idiot de la famille comme une œuvre d’apprentissage. Dans ce sens, le sens et la signification de notre recherche ne sont pas fermés et continuent ouverts à des nouvelles relectures. Notre principal objectif est aussi bien d’expliciter quel a été le fil conducteur de Sartre pour écrire L’Idiot de la famille que de vérifier si l’essence de l’écrivain peut être définie par ses écritures. Autrement dit, est-ce que les écritures montrent qui est l’auteur en tant qu’homme, ou bien pouvons-nous plutôt voir son double, celui qui parle à sa place et qui devient parole écrite ? / The Fool of the family is complement to the book of philosophy Questions of Method. Sartre asks in Questions of Method a change of language. It will be in this thesis to decipher Sartre writing in its nuances, details and colors. In other words, it is designed to study books from Sartre in order to find a meaning that makes sense for us, where his words are full of statements and their contrary at the same time. Our task of re-reading in The Fool of the family is to clarify the central axis of the existential psychoanalysis and point the most hidden of the philosophy of life. Insofar as Sartre will show that we must decide on the kind of life we want to have, this study aims to illuminate why Sartre is an indispensable thinker for the man of today. Thus, it will be necessary to treatThe Fool of the family as a work for learning. In this sense, the meaning and significance of our research are not closed and still opened to new readings. Our main objective is to clarify what has been the main theme of Sartreto write The Fool of the family and to check if the essence of the writer can be defined by his writings. In other words, do the writings show us who is the author as a man, or else can we rather see his double, one who speaks at his place and then become written word?

Cette thèse étudie comment la critique humoristique de l'actualité dans les médiasaudiovisuels de masse français est devenue un genre médiatique à part entière. Le travail« sérieux », « invisible », aux finalités « visibles », parfois surexposées, des « humoristesd'actualité », s'inspirant de la tradition des bouffons d'antan, revisite quotidiennement lesmises en récit journalistiques en les décalant, par « déboîtement ». Le croisement de troisspécialités sociologiques (des médias, du travail et de la critique), le recours à des entretienssemi-directifs (n=43) et à des corpus médiatiques conséquents (presse écrite et séquencesaudiovisuelles) permettent de décrire des trajectoires, des statuts, des savoirs-faire et des rôlesconstitutifs d'une expérience artistique et professionnelle. En interaction avec leurs deuxprincipales sources d'inspiration (professionnels de la politique et journalistes), les humoristesd'actualité produisent une critique réflexive, contestataire ou dénonciatrice. Cette critiquespécifique, méthode de dévoilement aux règles implicites et explicites, constitue une « carteblanche » pour aller le plus loin possible, malgré les risques (pressions, licenciements, procès,etc.), les polémiques régulières, les tentatives de construction de « lignes jaunes »(philosophique, politique, journalistique), et les controverses à la visibilité parfois maximale(affaire Strauss-Kahn), qui pèsent plus ou moins sur la définition des normes du travail(censure, autocensure, etc.). L'imagination créatrice des humoristes d'actualité participepleinement du processus de « publicisation critique » de la démocratie, et teste son idéal deliberté d'expression. / This thesis explores how the news humorous critic in the French audiovisual mass media hasbecome a media genre in its own right. The "serious", "invisible" work, made for "visible"ends, sometimes overexposed, of these "news humorists" who are inspired by the tradition ofjesters of old, regularly revisits journalistic narratives, and shifting them by "pulling-out"(déboîtement). The crossing of three sociological literatures (media, work and criticism),semi-structured interviews (n = 43) and a substantial media corpus (print media andaudiovisual sequences) allows us to describe the trajectories, statutes, know-how andconstituent roles of an artistic and professional experience. Interacting with their two mainsources of inspiration (elected officials and journalists), news humorists are producing a criticthat can be reflexive, protestive or reprobative. This specific critic, unveiling method, withimplicit and explicit rules, constitutes a "carte blanche" to go as far as possible, despite therisks (pressures, layoffs, lawsuits, etc.), regular polemics, attempts to set "yellow lines"(philosophical, political, journalistic), and controversies with high visibility (the Strauss-Kahncase), all of this weighing more or less on the definition of work standards (censorship, selfcensorship,etc.). The creative imagination of news humorists then fully participates in theprocess of "critical publicisation" of democracy, and tests its ideal of freedom of expression.

Cette Thèse est une étude des dynamiques qui entrainèrent la construction du marché de l'art aux États-Unis entre les années 1800 et 1930. Elle se veut être une analyse des transformations qui permirent la construction d'un réseau national à partir de réseaux régionaux. Plus précisément, elle traite de la manière dont les Beaux-Arts se développèrent à Boston, Philadelphie et New York à partir d'idéologies et d'idéaux religieux et pastoraux, ainsi qu'à partir des concepts et des stéréotypes socio-culturels attachés à l'art et à l'artiste au sein de la société. Cette thèse montre la manière dont les origines sociaux des mécènes et la restructuration social du dix-neuvième siècle jouèrent un rôle central dans cette construction. L'arrivée de nouveaux groupes sociaux provenant de l'industrialisation du pays influencèrent le rôle de l'artiste au sein de la société, ainsi que sa mission culturelle et sa relation avec le public. Cette étude montre aussi comment de nouvelles catégories socio-professionnelles, comme les critiques et les illustrateurs, émergèrent de ce nouveau contexte économique et alternèrent la position social de l'artiste lors de la montée de la diffusion de la presse écrite. Le pouvoir économique des mécènes les poussèrent à utiliser leurs investissement dans les Beaux-Arts pour justifier et affirmer leur nouvelle position sociale. Cette thèse analyse aussi la manière dont le mécénat industriel intègre au marché de l'art des stratégies et des logiques issues de leurs affaires, influençant le fonctionnement de tout le système. / This dissertation is a study of the dynamics behind the growth of the US art market from the 1800's to the 1930's. Its main goal is to analyze the transformations which allowed the passage from local and regional networks into a national one. More specifically, it deals with how the development of the fine arts in Boston, Philadelphia and New York were based on religious and pastoral ideas and ideologies, as well as on social and cultural stereotypes and conceptions which defined art and the artist. This dissertation shows how the social origins of patrons and the restructuring of society in the nineteenth century played a pivotal in this construction. The arrival of new social groups originating from the industrialization of the country affected the role of artists inside society, as well as their cultural mission and their relationship with the public. This study also shows how new socio-professional categories, such as critics and illustrators, emerged from this new economic context and altered the position of the artist in society with the rise of the printed press. The economic power of these industrial patrons also enabled them to use their investments inside the fine arts to justify and affirm of their new social positions, while also injecting inside the art market strategies and logics from their businesses, thus affecting the functioning of the system.

Mon travail de création à la maîtrise a principalement été de réaliser des vidéos contemplatives et des collages en modifiant des images. À l’aide de différents logiciels ou techniques de montage, j’ai modifié des photographies, des séquences de films, des images tirées de webcam, des reproductions de même que mes propres captations. Ce texte présente mon travail artistique en venant établir des liens entre mes projets de création, des œuvres et des notions théoriques qui touchent à différentes idées de l’image singulière. Ce texte divisé sous cinq thèmes qui se sont dégagés de mes recherches — dévier, appropriation, montage, singularité et temps — permet de rendre compte de mes réflexions sur mon travail de l’image. Plus précisément, je spécifierai en quoi remanier une image est pour moi la manière de la rendre singulière.

À l’heure où l’industrie de l’enregistrement sonore connait un certain nombre de bouleversements, Internet apparait à la fois comme un responsable d’une crise du disque et comme une plate-forme de diffusion et de promotion de la musique enregistrée. C’est dans ce contexte de mutations des industries culturelles que sont les industries de la musique que les labels indépendants voient les possibilités liées à la promotion se multiplier. Notamment par le biais des sites internet que j’envisage ici comme discours encodé et diffusé. Ce mémoire explore deux sites internet officiels de labels indépendants de rap québécois à l’aide de la proposition de la présence du mythe dans le discours de promotion. S’appuyant sur la théorie de Barthes, mon analyse s’articule autour de l’étude de la signification afin de mettre en lumière la façon dont le mythe fonctionne dans le discours. En m’intéressant principalement à l’image et au texte, je mets notamment en valeur le traitement de l’artiste, de la création musicale et du label dans le discours. / At a time when the music recording industry is going through some shake ups, Internet is seen both as a responsible for a disc crisis and as a plateform for diffusion and promotion of recorded music. This cultural industries' mutations context is now revealing multiple promotion opportunities for independant labels, as part of the music industries. This can be seen through websites which I consider to be a broadcasted, encoded and decoded discourse. This master thesis explore two independant record companys’ websites, both producing rap music in Québec, with the proposal of the presence of the myth in the promotionnal discourse. Based on Barthes' theory, my analysis is built around the study of the signification in order to outline the way the myth works in the discourse. While focusing on images and text, I mainly emphasize the treatment of the artist, the musical creation and the record label in the discourse.