Privilégiant une approche généalogique et intertextuelle, cette étude interroge le dispositif du plan-séquence fixe à travers ses moments phares dans l’histoire du cinéma et démontre que son usage vise autant à renouer avec le cinéma des premiers temps qu’à poursuivre les préoccupations des cinéastes expérimentaux. Chez Andy Warhol, le plan-séquence fixe s’inscrit dans un rapport de redécouverte et d’enchantement du cinéma des premiers temps. Avec Jeanne Dielman, Chantal Akerman prolonge les traits du modernisme bazinien et de l’avant-garde new-yorkaise. Avec l’avènement de la vidéosurveillance, il se transforme en une esthétique carcérale qui pose dès lors des problèmes éthiques et esthétiques (voyeurisme, degré zéro de la mise en scène, etc.), questionnés dans les documentaires News from Home et Délits flagrants. Forme commune et majeure dans le cinéma d’auteur contemporain de même que dans la culture populaire et amateur (web film, série télé, etc.), le plan-séquence fixe permet d’analyser un ensemble de pratiques et de réalités du cinéma, de l’usine Lumière à YouTube. / Favouring an approach at once genealogical and intertextual, this study explores the practice of the "static sequence shot" (plan-séquence caméra fixe) in cinema. It offers an overview of its significant moments in film history. It tries to show how its use since the 70's can be seen as a reappraisal of early cinema technique, and can also find strong echos in the works of experimental filmmakers, in particular structural filmmaking. For Andy Warhol, the static sequence shot was both a rediscovery and an enchantment of early cinema. In Jeanne Dielman Chantal Akerman's static shots extended Bazinian Modernism into the New York Avant-garde. Since the 80's, with the advent of video surveillance, the static sequence shot becomes associated with a carceral apparatus, posing ethical and aesthetic issues (voyeurism, degree zero mechanisms, etc.). These issues are at the core of the documentary films News from Home and Délits flagrants. Today, we can witness that the static sequence shot has become increasingly important and almost dominant in certain branches of auteur cinema as well as in contemporary popular media culture (web films, T.V. series, etc.) This master's thesis thus claims it allows us to analyse current as well as early practices of cinema, from the Lumière' s factory to YouTube. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de ses documents visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Accessible, consultable, lisible, maniable, jouable, opérable, décodable, malléable, toutes ces qualités dessinent en filigrane le film de ces " utopies d'un cinéma interactif ", film aux multiples temporalités, qui se lit, se monte en cours de lecture. Il s'explore, se visite, il est un territoire virtuel, où le spectateur se promène, se déplace, accède à toutes les images, qui viennent à lui comme des souvenirs. Ce film est aussi un grand réservoir, une liste gigantesque de séquences, dont on peut disposer de différentes manières. Le lecteur le met dans sa poche ou le visionne dans son salon transformé en home cinema. L'auteur décide comment en jouer et l'indique au spectateur. Celui-ci est connecté, interfacé. Il chemine mentalement dans l'œuvre constituée d'un réseau de liens, de connexions et en découvre les associations. Il habite pour un temps l'histoire du film et fait aussi son propre cinéma, avec sa machine. Un cinéma qu'il partage ensuite avec d'autres.

Tim Burton est un réalisateur américain qui crée des personnages atypiques, par leur nature, leurs caractéristiques physiques ou mentales. De son premier court-métrage professionnel Vincent à son dernier long-métrage Frankenweenie, il divertit, mais donne sa vision du monde à travers un portrait de la société, du monde réel, qui s'oppose au monde fantastique. Ce dernier correspond au cinéma, mais aussi au rêve, et lui permet de sortir de son quotidien. En créant ses mondes, il s'adresse à un public particulier, qui peut s'identifier dans ses personnages exclus, détachés de la société. Le personnage burtonien est souvent naïf. Il se trouve dans une situation initiale où il n'a pas vécu d'aventures. Il cherche à sortir de son monde, définitivement ou provisoirement. À plusieurs reprises durant le film, il se déplace entre un monde d'origine et un monde à atteindre. Ces déplacements, associés à des ellipses temporelles, des jeux de couleurs et de lumières ou la construction d'une relation avec un allié lui permettent de changer de statut, quel que soit le monde dans lequel il se trouve à la fin du film. Le but de ce mémoire est donc de mettre en avant les caractéristiques récurrentes du personnage principal burtonien à travers trois films qui constituent mon corpus : Edward Scissorhands (Burton, 1990), Charlie and the Chocolate Factory (Burton, 2005) et Alice in Wonderland (Burton, 2010). Il s'agit par la suite de vérifier si cette figure se retrouve dans le reste de la filmographie du réalisateur. Ayant dégagé les éléments qui permettent de montrer l'évolution ou non du personnage principal burtonien au sein du film, je peux mettre en avant la vision du monde de Tim Burton et le message qu'il veut faire passer à son public. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Enfance, Évolution, Famille, Frontière, Quête.

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Notre recherche s’est intéressée au cinéma amazigh (berbère), apparu durant la période du terrorisme en Algérie, en tant qu’émanation de la revendication de la reconnaissance de l’identité amazighe. Il consacre l’entrée de la langue berbère dans la cinématographie algérienne.Ce cinéma émerge parallèlement à la fin l’hégémonie du secteur d’État sur les entreprises de cinéma et de l’entrée de ce pays dans l’économie de marché. Toutefois, étudier le cinéma amazigh en tant que genre revient à valider l’existence de la classification idéologique des films algériens par thèmes : films de la guerre de libération et films sociaux, films de la révolution agraire et films urbains. Nous empruntons ce biais pour démontrer que ces catégorisations ont ignoré la valeur esthétique des films et proposons une approche théorique qui intègre les dimensions thématique et esthétique de ce cinéma au même titre. Ce qui a pour effet de changer la configuration de cette cinématographie. / During the years of terrorism, a new form of the Algerian cinema appeared and soak us about theDark Years. It is the Amazigh Cinema. It’s also a claim for an Amazigh identitary recognition. The studied works has not only put focus on that claims, but it brought a linguistic dimension as well: Thamazighth entered in fact to the cinematographical landscape of Algeria. However, these works are another demonstration of the Algerian state domination in the field.To study this variation of the Algerian cinema means to admit that an ideological classification by theme has to be brought : independence war films, social ones and agrarian and urban films are so concerned by the classification. The latters show an ignorance to the esthetic regards and values of the concerned films Which integrate the thematic and esthetic dimensions. By the way, it can change the cinematographic configuration of the studied subject.

Ce n'est que parce que nous existons corporellement que la connaissance est possible. Cependant, dans l'expérience éducative, la puissance épistémique du corps est négligée, ce qui tend à l'appauvrissement des registres de l'intelligible. Cette thèse propose alors de se pencher sur ce problème en diagonal : à partir d'une Philosophie du Corps et de l'Image qui, dans la modernité - comprise non pas en tant que périodisation, mais comme une qualification de nos négociations entre le réel et l'intelligible -, a dévoilé d'autres façons de faire et d'effectuer ces registres. Ces moyens sont explorés à travers l'ouverture apportée par les travaux de Merleau-Ponty et Foucault, illustratifs de ce nouveau commerce du réel. Pour aborder le problème, la visibilité et le mouvement du corps dans le cinéma ont été pris comme objet d'analyse. Ce dernier est analysé à travers un corpus de films dont les intrigues se concentrent sur l'éducation formelle et, plus ou moins intensément, demandent l'engagement des personnages et des spectateurs dans une performance visuelle. Pour s'approcher de cet objet, les questions suivantes ont été posées : comment le phénomène de l'éducation est montré par le cinéma ? Quel corps y est montré ? Comment les spectateurs peuvent-ils le voir ? À partir de l'examen du corpus filmique et de l'articulation théorique entre les philosophies de Merleau-Ponty et de Foucault, il est ainsi devenu possible d'affirmer la thèse du cinéma en tant qu'éducation du regard. L'objectif général de cette thèse est de dévoiler le potentiel éducatif de l'expérience filmique, qui fournit un autre régime d'intelligibilité pour l'éducation. Dans ce régime, le corps en tant qu'opérateur visuel élargit la capacité de compréhension du réel. Pour atteindre cet objectif, le travail s'est composé en trois chapitres. Dans le premier, nous abordons l'approche méthodologique : tout d'abord, la pertinence de l'articulation théorique entre les deux philosophes a été définie ; puis, l'utilisation des images comme langage indirect qui participe à la description de la réalité a été expliquée ; une présentation du corpus filmique a suivi cette étape ; finalement, les critères du choix des films ont été décrits et ont donné lieu à une explicitation de l'instrument adopté pour l'analyse de l'objet. Le deuxième chapitre débat, au préalable, de l'incapacité de l'Occident à formuler discursivement le réel. Ensuite, en même temps que la visualisation des scènes de films, nous explorons la contribution de Merleau-Ponty et Foucault sur la performance visuelle, déclenchée par les images. Dans le troisième, les implications de l'éducation du regard faculté favorisées par l'expérience filmique sont développées, en particulier, en ce qui concerne la nouvelle place accordée à la visibilité dans la formulation du réel. Ces développements permettent, de ce fait, la construction d'un script favorisant la visibilité de l'éducation. C'est ainsi qu'en prenant le regard en tant qu'expérience de la connaissance, ce script se propose de montrer d'autres façons d'être, de voir, de penser et de sentir le monde, en reconfigurant, par conséquent, des protocoles épistémiques et de subjectivation présents dans le contexte éducatif. / The knowledge is only possible due to we exist bodily. However, during the educational experience, the epistemic potency of the body is neglected, declining the registers of the intelligibility. The current thesis approaches that problem obliquely: from a body and image philosophy which has revealed other ways of doing those registers in the modernity – understood not as period itself, but as a qualification for the negotiations between the real and the intelligible. The referred ways are explored through Merleau-Ponty's and Michel Foucault's works, which offer a spectrum about that new negotiation of the real. In order to approach the studied problem, the visibility and the human body motricity in the cinema are taken as analysis object. The mentioned objects have been analyzed through a corpus of movies of which plots are centered at the formal education and they require from the characters and the spectators engagement into a visual performance. Aiming to approach the object, it is questioned how the Education phenomenon is represented by the cinema; how the body is exposed and how spectators can see it. Analyzing the corpus and articulating Merleau-Ponty's and Michel Foucault's theories, it has been possible to state the following thesis: the cinema as an education of the gaze. The general objective of this study is to reveal the educational potency of the filmic experience, which provides a new path of intelligibility for Education. In that sense, the body as a visual operator widens the capacity of understanding the real. The current work is divided in three chapters. The first one brings the methodological approach: it is pointed how the theoretical articulation is properly arranged; it explains the method of using the images as indirect language as part of the reality description; the filmic corpus is presented, as well the criteria for the films choices and for the construction of instrument adopted during the object analysis are described. In the second chapter, it is problematized the incapacity of the western society of formulating the real discursively by debating Merleau-Ponty's and Foucault's theoretical contributions about the visual performance displayed on the images while the films are watched and analyzed. In the third chapter, the implications of the education of the gaze provided by the cinema are developed, mainly concerning about the place attributed to the visibility during the formulation of the real. Finally, paths are designed for the construction of another approach for the visibility in Education. Assuming the gaze as an experience of knowledge, this study aims to present other ways of being, seeing, thinking and feeling the world. Therefore, it is a proposal to reset the epistemic and subjectification patterns at the educational context.

LIMA, Beatriz Furtado Alencar. Abril Despedaçado transmutado para o cinema: da Albânia ao Brasil a tragédia em cena. 2008. 174f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Estadual do Ceará, Curso de Mestrado em Linguística Aplicada, Fortaleza (CE), 2008. / Submitted by anizia almeida (aniziaalmeida80@gmail.com) on 2016-06-21T11:57:56Z No. of bitstreams: 1 2008_dis_bfalima.pdf: 4291048 bytes, checksum: 19c68427369c3f4e1c101f92b0de1482 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2016-06-27T20:57:35Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2008_dis_bfalima.pdf: 4291048 bytes, checksum: 19c68427369c3f4e1c101f92b0de1482 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-06-27T20:57:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2008_dis_bfalima.pdf: 4291048 bytes, checksum: 19c68427369c3f4e1c101f92b0de1482 (MD5) Previous issue date: 2008 / No presente trabalho, pesquisamos o processo tradutório do livro Abril Despedaçado, de Ismail Kadaré, para o filme homônimo do diretor Walter Salles. Partindo do pressuposto de que as duas obras possuíam muitas características que as ligavam à tragédia, nos propusemos a analisar a tradução dos elementos trágicos presentes no romance de Kadaré para o filme de Salles. Para isso, nos baseamos em: Burke (2006), especificamente em seu conceito de tradução cultural, uma vez que estamos analisando duas obras de culturas aparentemente diferentes; em Carvalhal (2003), no que diz respeito à Literatura Comparada; e, em Avellar (2007) que trata sobre a teoria do cinema. Este concebe, em alguns aportes das estratégias cinematográficas e em estudos sobre a mitologia e a tragédia gregas, o processo de tradução de criações em livros para o cinema como uma imagem/reflexão e não como uma imagem/reflexo. Com base nesse suportes identificamos os elementos trágicos presentes no livro e traçamos comparações desses elementos com obras da Antiguidade. Estas também detentoras de elementos trágicos. E, por fim, verificamos como essas comparações foram trabalhadas na obra cinematográfica. A partir desse método, três elementos trágicos foram identificados com suas respectivas traduções para o filme: o coro trágico, o sangue como um miasma e o conflito trágico. Nosso estudo levou-nos a observar que os elementos trágicos analisados sofreram ressignificações culturais no pólo-receptor para o qual foram traduzidos, possibilitando que a cultura albanesa e a brasileira se recriassem uma na outra, perfazendo um movimento circular constantemente renovado. / Dans ce travail nous avons recherché le processus de traduction du livre Avril Brisé, de Ismail Kadaré au film homonyme du directeur Walter Salles. Tenant compte des nombreuses caractéristiques tragiques des deux uvres, nous offrons ici l analyse de la traduction de ces éléments tant du roman de Kadaré comme du film de Salles. Cettte analyse est fondée: dans le concept de traduction culturelle de Burke (2006) et d autres théoriciens étant donné le fait que les deux uvres que nous travaillons appartiennent à des cultures apparamment differentes; dans les caractéristiques de la littérature comparée travaillée par Carvalhal (2003); et dans la perspective adoptée par Avellar (2007) qui, dans quelques appports des stratégies cinématografiques et dans des études sur la mythologie et la tragédie grecque a conçue le processus de traduction de livres pour le cinéma comme image/reflexion plutôt que image/reflexe. A partir de cette idée nous avons identifiée l élément tragique présent dans le livre et elaborer des comparaisons de cet élément avec des uvres de l Antiquité qui detiennent aussi des éléments tragiques. Ensuite ces comparaisons sont travaillées dans l uvre cinématografique. A partir de cette méthode, trois éléments tragiques sont identifiés avec leur respectives traductions pour le film: le c ur tragique, le sang comme un miasme et le conflit tragique. Notre étude nous a fait observer que les éléments tragiques analisés ont souffert des ressignifications culturelles dans le pôle-recepteur pour lequel ont été traduits en faisant que tant la culture albanaise comme la brésilienne se récréent l une dans l autre dans un mouvement circulaire constamment renouvelé.

Le thème de la recherche est né d'un constat : il existe un lien intime entre le droit d'auteur et le financement de l'oeuvre cinématographique. En effet, le producteur délégué, garant de la bonne fin de la fabrication et de la livraison du film, délivre à ses partenaires des autorisations d?exploitation en contrepartie desquelles il obtient des concours qui assurent la structuration financière du film. Coproducteurs, distributeurs, télédiffuseurs et autres exploitants sont ainsi, selon des formules diverses, autant de partenaires industriels et commerciaux, ayants droit et contributeurs financiers du film. A la question de la couverture financière d'un devis de fabrication, vient s'ajouter celle du financement de la trésorerie du film. Les bailleurs de fonds limitent habituellement leur risque à la commercialisation et n?entendent pas assumer le risque de fabrication. Le recours au crédit est, par conséquent, un aspect fondamental du financement du film. La propriété intellectuelle constitue alors la principale forme de valeur dans la composition des garanties et des moyens de paiement du cinéma. De fait, le droit d'auteur est la cause et l'objet des grands édifices juridiques et financiers du cinéma. A partir de ce constat, l'étude a pour ambition de rechercher l'aptitude du droit d'auteur à se dédoubler pour constituer une forme de propriété adaptée au financement des films tout en assurant la protection efficace des auteurs des oeuvres cinématographiques. Les difficultés de cette ubiquité résident dans le rapport d'opposition entre les fonctions assignées au droit d'auteur : l'intégrité artistique de l'oeuvre cinématographique procède de la préservation de la personne du créateur et dicte, en conséquence, une vision personnaliste du droit d'auteur ; les impératifs de la fabrication financière du film commandent de protéger la mission de production et reposent, en conséquence, sur une vision propriétariste du droit d'auteur. En réalité, le droit d'auteur français est avant tout un ensemble d'attributs d'ordre moral, intellectuel et patrimonial sanctionné par l'ordre public de protection de l'auteur. Un équilibre des protections de l'auteur et du producteur reste à trouver. Le contrat, comme outil d'anticipation, en est l'un des instruments. / The theme for this research originated in the realization that there is an intimate link between the author's rights and the financing of a feature film. Indeed, the "delegate" producer, as guarantor of the completion and delivery of the film, passes on to its partners the consents necessary for the exploitation of the film in consideration for the contributions which insure the financial structuring of such film. The co-producers, distributors, broadcasters and other exploitants are thus, so many industrial and business partners, rights holders and financial contributors to the film. To the issue of the financing of a budget must be added that of the cash flow. The fund providers usually limit their risks to the distribution of the film and do not intend to take on a production risk. Using credit is consequently a fundamental aspect of the financing of the film. In that context, intellectual property constitutes the principal form of asset to substantiate the securities and the means of payment of the film industry. The author's rights is thus the cause and subject matter of the great legal and financial structures of the film industry. From that realization, this research ambitions to / aspires to study the ability of the author's right to divide to form a sort of proprietary right fit for the financing of the films while insuring an efficient protection of the authors of cinematographic works. The complexity of such ubiquity resides in the opposing forces of the set functions of the author's rights: the artistic integrity of the work derives from the preservation of the creator and dictates a personal vision of the author's right. The constraints of the financial production of the film impose to protect the producer's mission and are grounded on a proprietary vision of the author's rights. In reality the French author's rights is above all an ensemble of moral, intellectual, financial features sanctioned by the public order of the protection of the author. The balance between the protection of the author and the producer remains to be found. The agreement, as an anticipation tool, is one of its instruments.

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