Made available in DSpace on 2017-07-10T18:55:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacaoCezarProtegida.pdf: 695069 bytes, checksum: c42ce2ea5d6ede00b65936423d586b76 (MD5) Previous issue date: 2007-03-02 / Os anos 60 e 70 do século XX representam um período de vasta produção artística e cultural no Brasil, contudo a censura foi o maior dilema encontrado pelos artistas, escritores e dramaturgos, que acabavam tendo suas produções proibidas. No teatro, grandes escritores produzem nessa época, como Nelson Rodrigues (1912-1980), Jorge Andrade (1922-1994), e Plínio Marcos (1933 -1999); cada qual em seu estilo, no entanto, censurados por suas produções. Esta pesquisa apresenta um estudo da peça Dois perdidos numa noite suja (1966) de Plínio Marcos, a qual tematiza os conflitos de grupos sociais minoritários e marginalizados na sociedade. Com uma linguagem repleta de gírias e palavras obscenas, as peças do autor chocavam, tanto os que as viam quanto às autoridades, que entendiam tal procedimento como uma afronta ao regime, uma vez que tal situação desvelava um processo de desordem dentro da ordem instituída pelo governo militar. As obras de Plínio Marcos revelam um segmento do Brasil em que os indivíduos precisam encarar um mundo sem perspectiva e esperança. Suas peças criadas para serem transitórias imagens de um momento de turbulência transformaram-se em retratos perenes de uma estrutura social e econômica inexorável. Contudo, deve-se ressaltar que o intuito do dramaturgo, segundo ele mesmo, não era meramente protestar, já que entendia que suas produções mostravam as pessoas como elas eram, o modo como se comportavam e aquilo que diziam. A partir desta reflexão, postula-se nesse trabalho o aspecto contracultural da linguagem explorada em sua obra. Pretende-se, desse modo, refletir como a linguagem tornou-se dentro do texto dramático de Plínio Marcos uma ferramenta de execração de dilemas e conflitos sócio-histórico-culturais do Brasil de 1960 até final dos anos 1970. O processo do desvelamento de uma linguagem crua se apega no uso contínuo de gírias e palavrões, visando atingir o outro ou a própria sociedade. Para se entender esse processo, recorre-se aos conceitos de dialogia, polifonia e carnavalização da teoria bakhtiniana, uma vez que no bojo da linguagem das suas personagens há uma série de vozes, que carregam ideologias asseveradas pela realidade social em que vivem, além de ressaltar o uso da linguagem enquanto uma arma de combate à posição ocupada na sociedade, na qual a gíria e o palavrão objetivam ferir ou rebaixar o outro em um diálogo. Na atualidade, as gírias são enquadradas dentro da perspectiva de linguagens especiais. Metodologicamente, o trabalho se pauta em uma pesquisa bibliográfica e documental, em que jornais e revistas dão suporte para a revisão da fortuna crítica do dramaturgo, e que teóricos do âmbito da linguagem, da sociologia, da antropologia, da literatura e do teatro embasam a fundamentação teórica, a exemplo de Magaldi (1998), Bornheim (1992), Schwarz (1992), Artaud (2006), DaMatta (1997), Preti (1981), Adorno e Horkheimer (1985), entre outros. Feita a revisão bibliográfica e documental, o direcionamento dos conceitos teóricos incide na análise da peça, objeto de estudo, Dois perdidos numa noite suja (1966), de Plínio Marcos. É mister destacar que a análise se pauta e evidencia-se a partir do texto dramático e não em suas vias de encenação e dramaticidade das montagens já feitas. Parte-se do texto para elucidar o quão vasto e completo o mesmo é, embora carregado de uma linguagem coloquial, em que a informalidade e a marginalidade fulguram como eixos centrais.

Made available in DSpace on 2017-07-10T18:56:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 CEZAR ROBERTO VERSA.pdf: 730379 bytes, checksum: a1a5530745482da3306eae7890027bb3 (MD5) Previous issue date: 2007-03-02 / The 60´s and 70´s of the century XX represents a period of vast artistic and cultural production in Brazil, however the censorship was the largest dilemma found by the artists, writers and playwrights, who had their productions forbidden. In the theater, great writers produce in that time, like Nelson Rodrigues (1912-1980), Jorge Andrade (1922-1994), and Plínio Marcos (1933 -1999); each one in his style, all censured by their productions. This research presents a study about the play Dois perdidos numa noite suja (1966), by Plínio Marcos, which shows the conflicts of the minority and marginalized social groups in the society. With a language full of slangs and obscene words, the plays by Plínio Marcos scared, so much the ones that saw them as the authorities that understood such procedure as an insult to the regime, because such situation revealed a disorder process inside of the order instituted by the military government. His plays reveal a segment of Brazil where the individuals need to face a world without perspective and hope. His plays created to be transitory images of a moment of turbulence became a perennial picture of a social and economical structure. However, it should be emphasized that Plínio Marcos' intention, as the own author says, was not merely to protest, because he understood that his productions showed the people as they were and what they said. Starting from this reflection, it is postulated in this dissertation the countercultural aspect of the language explored in the plays by the playwright. It is intended, this way, to contemplate as the language became inside of Plínio Marcos' dramatic text a tool of execration of dilemmas and social-historical-cultural conflicts of Brazil from the 60´s until the end of the years 70´s. The process of the revealing of a crude language it sustained in the continuous use of slangs and bad words, wanting to reach the other or the own society. To understand that process, it is used concepts like: dialogy, polyphony and carnavalization from the theory by Bakhtin, therefore in the bowl of Plínio Marcos characters' language there is a series of voices, that they carry ideologies asserted by the social reality in that they live, besides emphasizing the use of the language while a combat weapon to the busy position in the society, where the slang and the bad words aim to hurt or to lower the other in a dialogue. Nowadays, the slangs are classified inside of the perspective of the special languages. Methodologically, the work is supported in a bibliographical and documental research, in that newspapers and magazines of the time will serve as mark for the revision of the playwright's critical fortune, and that authors of the extent of the language, of the sociology, of the anthropology, of the literature and of the theater they will base the theoretical basis, like Magaldi (1998), Bornheim (1992), Schwarz (1992), Artaud (2006), DaMatta (1997), Preti (1981), Adorno and Horkheimer (1985), among others. It done the bibliographical and documental revision, the leading of the theoretical concepts will happen in the analysis of the play, study object, Dois perdidos numa noite suja (1966), by Plínio Marcos. It is very important to emphasize that the analysis is based and it is evidenced starting from the dramatic text and not in their staging ways and dramacity of the accomplished editing. Starting from the text to elucidate like the text is vast and complete, although full of a colloquial tone language, in that the informality and the delinquency glow as central axes. / Os anos 60 e 70 do século XX representam um período de vasta produção artística e cultural no Brasil, contudo a censura foi o maior dilema encontrado pelos artistas, escritores e dramaturgos, que acabavam tendo suas produções proibidas. No teatro, grandes escritores produzem nessa época, como Nelson Rodrigues (1912-1980), Jorge Andrade (1922-1994), e Plínio Marcos (1933 -1999); cada qual em seu estilo, no entanto, censurados por suas produções. Esta pesquisa apresenta um estudo da peça Dois perdidos numa noite suja (1966) de Plínio Marcos, a qual tematiza os conflitos de grupos sociais minoritários e marginalizados na sociedade. Com uma linguagem repleta de gírias e palavras obscenas, as peças do autor chocavam, tanto os que as viam quanto às autoridades, que entendiam tal procedimento como uma afronta ao regime, uma vez que tal situação desvelava um processo de desordem dentro da ordem instituída pelo governo militar. As obras de Plínio Marcos revelam um segmento do Brasil em que os indivíduos precisam encarar um mundo sem perspectiva e esperança. Suas peças criadas para serem transitórias imagens de um momento de turbulência transformaramse em retratos perenes de uma estrutura social e econômica inexorável. Contudo, deve-se ressaltar que o intuito do dramaturgo, segundo ele mesmo, não era meramente protestar, já que entendia que suas produções mostravam as pessoas como elas eram, o modo como se comportavam e aquilo que diziam. A partir desta reflexão, postula-se nesse trabalho o aspecto contracultural da linguagem explorada em sua obra. Pretende-se, desse modo, refletir como a linguagem tornou-se dentro do texto dramático de Plínio Marcos uma ferramenta de execração de dilemas e conflitos sócio-histórico-culturais do Brasil de 1960 até final dos anos 1970. O processo do desvelamento de uma linguagem crua se apega no uso contínuo de gírias e palavrões, visando atingir o outro ou a própria sociedade. Para se entender esse processo, recorre-se aos conceitos de dialogia, polifonia e carnavalização da teoria bakhtiniana, uma vez que no bojo da linguagem das suas personagens há uma série de vozes, que carregam ideologias asseveradas pela realidade social em que vivem, além de ressaltar o uso da linguagem enquanto uma arma de combate à posição ocupada na sociedade, na qual a gíria e o palavrão objetivam ferir ou rebaixar o outro em um diálogo. Na atualidade, as gírias são enquadradas dentro da perspectiva de linguagens especiais. Metodologicamente, o trabalho se pauta em uma pesquisa bibliográfica e documental, em que jornais e revistas dão suporte para a revisão da fortuna crítica do dramaturgo, e que teóricos do âmbito da linguagem, da sociologia, da antropologia, da literatura e do teatro embasam a fundamentação teórica, a exemplo de Magaldi (1998), Bornheim (1992), Schwarz (1992), Artaud (2006), DaMatta (1997), Preti (1981), Adorno e Horkheimer (1985), entre outros. Feita a revisão bibliográfica e documental, o direcionamento dos conceitos teóricos incide na análise da peça, objeto de estudo, Dois perdidos numa noite suja (1966), de Plínio Marcos. É mister destacar que a análise se pauta e evidencia-se a partir do texto dramático e não em suas vias de encenação e dramaticidade das montagens já feitas. Parte-se do texto para elucidar o quão vasto e completo o mesmo é, embora carregado de uma linguagem coloquial, em que a informalidade e a marginalidade fulguram como eixos centrais.

Cette recherche est consacrée à l’évolution de la représentation théâtrale immédiatement contemporaine, à l’aune de mutations induites par un ensemble de croisements interartistiques, intermédiaux et, plus largement, interdisciplinaires. Elle est fondée sur l’analyse d’un corpus de créations mixtes et récentes, qui opèrent un recentrement sur leurs dispositifs, c'est-à-dire un agencement matériel, spatialement installé et multimédiatique. Généralement immersifs, ces derniers provoquent, chez le spectateur, une expérience esthétique individualisée de l’ordre de l’activation physique, de la participation ou de la mise en jeu. Par tropisme langagier, ces créations sont fréquemment désignées comme des "dispositifs", terme qui émerge dès lors que les spécificités théâtrales se voient déplacées, sous l’effet d’hybridations multiples. La thèse s’élabore dans un double mouvement : elle distingue différents usages du "dispositif", dans les discours théâtraux, qui traduisent, à plusieurs niveaux, une mise en tension du dispositif théâtral, alors considéré comme un cadre de référence ; conjointement, la recherche examine ce qui "fait dispositif" au sein de ces pratiques, observant l’articulation entre organisation matérielle et expérience esthétique, au cours de l’évènement. Mêlant étude des discours et approche esthétique, la thèse considère le dispositif sous l’angle d’une dynamique de la variation, et comme le signe d’un repositionnement théorique, focalisé sur enjeux relationnels à l’oeuvre dans ces propositions artistiques. / This Ph.D. dissertation examines the evolution of the theatrical performance – in its most immediately contemporary state – in light of the mutations engendered by a variety of inter-artistic, intermediary and interdisciplinary exchanges. The study is founded on the analysis of a corpus of recent productions that effectuate a conscious re-centering of their own dispositif: namely through establishing a multi-media and spatially-installed material layout. Often immersive, these productions provoke an individualized aesthetic experience in the spectator, materializing in different kinds of physical activation, participation, or direct involvement. By tropism, these creations are frequently designated as "dispositifs", a term that is often applied when the theatrical specificities of a production are displaced, especially after having undergone multiple hybridations. The dissertation proceeds in a double trajectory. First, it distinguishes different uses of "dispositif" in theatrical discourses, which translates on multiple levels into placing the theatrical apparatus under question – much in contrast to theater as a frame of reference. In parallel, the study examines what at the heart of these creative practices actually constructs "dispositif", thus observing the articulation between material organization and aesthetic experience that occurs during the course of the theater event. Mixing the study of discourses and aesthetic approaches, this dissertation considers the dispositif as a dynamic of variation and as the sign of a theoretical repositioning, focusing on the relational positions highlighted in the art work by these different artistic propositions.

Cette thèse a pour but d’identifier, dans la mise en scène européenne des années 1990-2000, les pratiques de la frontalité et d’en déterminer les enjeux en termes de mise en scène, de jeu et de présence de l’acteur et de réception du spectateur. L’analyse distingue trois modalités d’intervention de la frontalité, chaque fois remises dans leur perspective historique. La première est celle de l’interpellation, dans l’héritage du théâtre de foire ou d’intervention. La frontalité y est le support d’un acte de communication. Deuxièmement, la frontalité prend une dimension cérémonielle et devient le fondement de l’acte théâtral pour élaborer, cette fois, une relation indirecte avec les spectateurs. Dans sa troisième modalité, la frontalité dépasse le face-à-face entre acteurs et spectateurs, soit par le recours à l’image vidéo, créant un face-à-face médiatisé, soit par l’extension de la frontalité à l’ensemble de la scène. Finalement, l’usage de la frontalité témoigne d’une nouvelle économie de la représentation fondée sur un principe de réciprocité entre le geste du metteur en scène, l’engagement de l’acteur, la production scénique et l’individu spectateur. Au-delà du souci de conduire le spectateur à une activité critique ou à une participation fusionnelle, la frontalité invite à interroger sa position de retrait et sa passivité extérieure. / This thesis aims at identifying the practices of frontal acting in the European performances between the 1990’s and the 2000’s in order to define its challenges with regards to the staging, the acting, the actor’s presence on stage as well as in terms of spectator’s perception. Our analysis distinguishes three modes of frontal acting, by replacing each of them in its historical context. The first one is “interpellation” inherited from the Theatre performances at fairs and the Agit-Prop Theatre. In this case, frontal acting is considered as a medium for communication. The second mode, frontal acting takes a ceremonial dimension and becomes the basis of the theatrical moment in order to create, this time, an indirect relationship between actors and spectators. In its third mode, frontal acting exceeds the face-to-face between actors and spectators either thanks to the use of the video – creating media attention around the face-to-face – or thanks to the extension of frontal acting to the full stage. Finally, the use of frontal acting indicates the emergence of a new performance mode based on a reciprocity principle between the gesture of the director, the commitment of the actor, the performance and the spectator as an individual. Beyond the willingness to lead the spectator to a critical thought processor to a fusional participation, frontal acting invites to question his distant position and his external passivity.

Les mises en scène de Brigitte Haentjens placent la corporéité de l’acteur au centre de la représentation théâtrale et le travail sur le corps qu’elle opère transforme ce dernier en un matériau précis et original, touchant directement le spectateur. Afin de dégager une poétique du travail de la metteure en scène, trois transpositions scéniques partageant le thème de l’oppression féminine – La cloche de verre (2004), Malina (2000), Tout comme elle (2006) – sont analysées pour cerner les procédés scéniques grâce auxquels Brigitte Haentjens fait du corps un vecteur de signifiance. Un chapitre sera consacré à chacune des mises en scène afin de démontrer l’hypothèse avancée, qui veut que le contact créé entre le corps des acteurs et les spectateurs viendrait de la vulnérabilité des corps en scène. Ainsi, ce sont des corps féminins dispersés, opprimés et libérés qui seront ici scrutés. La vectorisation proposée par Patrice Pavis permettra de parcourir chacune des productions théâtrales, l’anthropologie théâtrale d’Eugenio Barba servira à nommer l’énergie déployée en scène et la sociologie servira à lier la soumission des personnages féminins aux règles instaurées par la société. Au terme de cette recherche, une poétique de la représentation des corps vulnérables mis en scène par Brigitte Haentjens sera tracée. / Body movement is at the centre of Quebec director Brigitte Haentjens’ theatical productions. Through her direction, the body becomes an instrument which has a profound effect on the audience. The purpose of this research is to determine how this director is able to establish a strong link with her audience through the use of the female body. We discuss three works having similar themes of women’s oppression, La cloche de verre (2004), Malina (2000) and Tout comme elle (2006). Our hypothesis is that the connection between the audience and the bodies on stage depends on the vulnerability of these bodies. Each production is looked at through the lens of Patrice Pavis’ vectorization method. In addition, we employ Eugenio Barba’s theater anthropology to identify the energy on stage and sociological theories to link the female characters’ submission to the rules established by society. Throughout this paper, we provide a detailed review of Brigitte Haentjens’s representations of the vulnerable body.

Com base na investigação prática \"INCUBADORA\", que ocorreu concomitantemente ao estudo teórico, esta dissertação tem o objetivo de confrontar teatro com games, usando como referência o jogo de simulação The Sims. O foco do experimento foi estudar a apropriação dos mecanismos de jogabilidade na dramaturgia, na encenação e na atuação. Esse procedimento se deu por meio de um software especialmente desenvolvido, que permitiu aos espectadores - usando seus próprios aparelhos celulares - interagir com o jogo cênico, o que foi denominado interfaceamento da cena. Esta proposta teve por objetivo perturbar o espaço do \"espectadorcontemplador\" e testar a possibilidade de um \"espectador-interator\". A fim de refletir a respeito do teatro no contexto cultural de mídias digitais, são propostos, então, os conceitos de \"drama gamificado\" e \"espetáculo-game\". / Based on the practice research \"INCUBADORA\", which occurred concomitantly with the theoretical study, this thesis aims to confront theater with games, using the simulation game The Sims as reference. The focus was to study the mechanisms of appropriation of gameplay by dramaturgy, staging and performance. This procedure was done through a specially developed software that allowed viewers to interact with the scenic game using their own mobile phones. This procedure was called interfacing scene. This proposal aimed to disrupt the space of \"spectator-beholder\" and test the possibility of a \"spectator-interactor\". In order to rethink the theater in the cultural context of digital media, it is proposed the concepts of \" gamificated drama\" and \"gamespetacle\".

Esta dissertação, que tem como objeto o processo de criação do espetáculo teatral Miopia, investiga as tensas relações entre forma teatral, abordada em suas diversas e contraditórias dramaturgias, e o tecido histórico. Procuramos reler tal experiência estética questionando se é possível enxergar nas cicatrizes, limitações e contradições do espetáculo teatral e do seu processo de criação índices da realidade histórica, caracterizada pelo estágio tardio do sistema capitalista de produção. Para conceituar esta experiência artística, que representou algumas possibilidades de suspensão dialética (sacrifício, aniquilamento, conservação e superação) dos pressupostos do teatro épico sistematizados por Bertolt Brecht, criamos o conceito de labirinto. Utilizamos este conceito porque categorizações geralmente utilizadas na descrição do teatro contemporâneo, como a de teatro pós-dramático, também não se ajustavam ao objeto, já que este levantava questões ligadas à tentativa de configurar características próprias da formação social brasileira. Esta forma do labirinto é caracterizada em Miopia por uma utilização sistemática da alegoria de difícil decifração, entendida aqui em sua aproximação da ruína, do enigma e da incompletude. Apresentada em uma Usina de Compostagem de Lixo, a peça teve sua encenação construída por meio de detritos de formas e procedimentos teatrais tradicionais e a partir do lixo, expondo na própria cena o inacabamento de seu processo de criação. O fracasso das intenções iniciais presentes neste processo pôde ser revelado nesta dissertação como possibilidade de construção de sentido, em que a crise de compreensão em Miopia inseriu o público como criador e consumador do espetáculo teatral, dissolvendo o conceito de obra artística e substituindo-o pela ideia de um ensaio em perpétuo devir. / In this dissertation our object of study is the creative process of the theater performance Miopia. It investigates the tense relations between the theatrical forms, approached by its diverse and contradictory dramatic structures, and the historical weaving. We aim to review this aesthetical experience by questioning the possibility of finding indexes of the historical reality, characterized by the late capitalist production system, as we look into the scars, limitations and contradictions of the theater performance and its creative process. In order to conceptualize this artistic experience, that has presented some possibilities of \"dialectical suspension\" (sacrifice, annihilation, conservation and overcoming) from the Bertolt Brecht\'s epic theater presuppositions, we have come up with the concept of \"labyrinth\". We stick to this concept because the categorizations that are currently used to describe contemporary theater, as the \"postdramatic\" one, cannot fit in our object of study, as it has brought up questions that are connected to the attempt of configuring specific characteristics of the Brazilian social development. The labyrinth set-up is characterized in Miopia by a systematic use of the allegory of the hard deciphering, here understood by approaching the ideas of ruin, enigma and incompleteness. The performance took place in a Garbage Composting Plant, and the staging was set up from the debris of traditional theatrical forms and procedures and from garbage, exposing on stage the undone characteristic of its own creative process. The failure of the initial intentions of the process could be analyzed in this dissertation as a possibility of constructing meaning, in which the crises of understanding Miopia has brought the audience to the role of creator and consummator of the theatrical performance, dissolving the concept of \"work of art\" and replacing it by the idea of a \"perpetual becoming rehearsal\".

Les mises en scène de Brigitte Haentjens placent la corporéité de l’acteur au centre de la représentation théâtrale et le travail sur le corps qu’elle opère transforme ce dernier en un matériau précis et original, touchant directement le spectateur. Afin de dégager une poétique du travail de la metteure en scène, trois transpositions scéniques partageant le thème de l’oppression féminine – La cloche de verre (2004), Malina (2000), Tout comme elle (2006) – sont analysées pour cerner les procédés scéniques grâce auxquels Brigitte Haentjens fait du corps un vecteur de signifiance. Un chapitre sera consacré à chacune des mises en scène afin de démontrer l’hypothèse avancée, qui veut que le contact créé entre le corps des acteurs et les spectateurs viendrait de la vulnérabilité des corps en scène. Ainsi, ce sont des corps féminins dispersés, opprimés et libérés qui seront ici scrutés. La vectorisation proposée par Patrice Pavis permettra de parcourir chacune des productions théâtrales, l’anthropologie théâtrale d’Eugenio Barba servira à nommer l’énergie déployée en scène et la sociologie servira à lier la soumission des personnages féminins aux règles instaurées par la société. Au terme de cette recherche, une poétique de la représentation des corps vulnérables mis en scène par Brigitte Haentjens sera tracée. / Body movement is at the centre of Quebec director Brigitte Haentjens’ theatical productions. Through her direction, the body becomes an instrument which has a profound effect on the audience. The purpose of this research is to determine how this director is able to establish a strong link with her audience through the use of the female body. We discuss three works having similar themes of women’s oppression, La cloche de verre (2004), Malina (2000) and Tout comme elle (2006). Our hypothesis is that the connection between the audience and the bodies on stage depends on the vulnerability of these bodies. Each production is looked at through the lens of Patrice Pavis’ vectorization method. In addition, we employ Eugenio Barba’s theater anthropology to identify the energy on stage and sociological theories to link the female characters’ submission to the rules established by society. Throughout this paper, we provide a detailed review of Brigitte Haentjens’s representations of the vulnerable body.

Submitted by Kely Elias De Castro (kelydecastro@gmail.com) on 2018-06-26T20:59:32Z No. of bitstreams: 1 TESE Kely E. de Castro.pdf: 10542537 bytes, checksum: 7f2cbd6c409ccb3cddc7f3fb3b3d3e1b (MD5) / Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2018-07-03T00:07:40Z (GMT) No. of bitstreams: 1 castro_ke_dr_ia.pdf: 10542251 bytes, checksum: 99128fe6aecb04a61a84d12c9226e474 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-03T00:07:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 castro_ke_dr_ia.pdf: 10542251 bytes, checksum: 99128fe6aecb04a61a84d12c9226e474 (MD5) Previous issue date: 2018-04-13 / O grupo Sobrevento é um dos grandes expoentes do Teatro de Animação brasileiro e, em 2016, completou 30 anos de história conduzido por uma ideologia particular que preconiza a busca pelo constante desafio artístico. Por mais de duas décadas, o coletivo dedicou-se ao estudo de diferentes técnicas de manipulação de bonecos, com o intuito de reinventar seu teatro a cada espetáculo, e se tornou referência na arte da animação. Contudo, após 25 anos, passou a se dedicar ao Teatro de Objetos, vertente que utiliza o objeto puro, abandonando o boneco e o intuito de conferir-lhe vida. O presente trabalho propõe uma investigação da trajetória do grupo Sobrevento com o objetivo de evidenciar as motivações estéticas e ideológicas que causaram a transição do Teatro de Bonecos ao Teatro de Objetos. Para tanto, analisa a primeira década da companhia, abordando os principais aspectos que influenciaram sua formação e suas escolhas estéticas. Examina as técnicas utilizadas no decorrer da carreira do grupo, destacando o estudo da Manipulação Direta, inspirada no Bunraku, bem como as experiências realizadas com o Boneco de Luva Chinês e com o Mamulengo. A discussão sobre o abandono da animação na história da companhia ocorre por meio do estudo dos espetáculos São Manuel Bueno, Mártir (2013), Sala de Estar (2015) e Só (2016). À luz da trajetória do objeto no teatro moderno e contemporâneo, pretendemos revelar fatores expressivos da cena do Sobrevento decorrentes de uma maneira própria de utilizar o objeto em seus espetáculos, enquanto reflexo da busca pela originalidade poética, característica do grupo desde sua criação. / Sobrevento theater group is one of the great exponents of the Brazilian Puppet Theater. In 2016, it has completed 30 years of history driven by a particular ideology that advocates the search for constant artistic challenge. For more than two decades, this group has dedicated itself to the study of different puppet manipulation techniques. Its intention has always been the reinvention of its own theater in each play, and it has become an important reference in the art of puppetry. However, after 25 years, the group began to explore the Theater of Objects, which uses the pure object, abandoning the puppet and the purpose of giving life to it. The present work proposes an investigation about the trajectory of Sobrevento group in order to highlight the aesthetic and ideological motivations that caused the transition from Puppet Theater to Theater of Objects. Therefore, it analyzes the first decade of the company, addressing the main aspects that influenced its formation and its aesthetic choices. All techniques handled during the group's career are considered, but there is further explanation about the study of Direct Manipulation, inspired by Bunraku, as well as the experiments with Chinese Glove-Puppet and Mamulengo. The discussion about the abandonment of puppetry in the company's history happens through the study of three plays, Saint Manuel Bueno, Martyr (2013), Living Room (2015) and Alone (2016). In the light of object trajectory in modern and contemporary theater, we intend to reveal scenic expressive factors of Sobrevento, as they result from a particular way of using the object in its plays. Therefore, it demonstrates the search for poetic originality that has characterized the group since its creation.

Cette étude se propose d’examiner les questions que soulève l'opéra de Pékin contemporain de Taïwan à travers deux exemples : Le Roi Lear mis en scène par Wu Hsing-Kuo et Orlando mis en scène par Robert Wilson. Ces deux spectacles en solo sont fondés sur des textes occidentaux traduits en chinois. Pour mettre en scène ces textes traduits, Wu Hsing-Kuo et Robert Wilson ont eu recours aux conventions et au jeu de l’acteur de l’opéra de Pékin. En dépit d’éléments similaires, les textes scéniques tissés par ces deux metteurs en scène diffèrent profondément. Dans le but de trouver une manière appropriée de décrire et d’analyser ce genre de spectacles métis qui sortent de leur cadre traditionnel, tout en gardant en même temps certains traits spécifiques, nous avons commencé par creuser les conceptions qui sous-tendent la forme de l’opéra chinois. Ensuite, nous avons approfondi les questions liées à la pratique ainsi que ses rapports avec les conceptions esthétiques chinoises. Dans la dernière partie de cette étude, nous nous appuyons essentiellement sur les conceptions développées dans les deux premières parties de cette thèse plutôt que sur les discussions sur la nature du théâtre interculturel pour les chercheurs occidentaux auxquelles se sont déjà référés beaucoup de chercheurs taïwanais. À travers l’analyse des deux spectacles, nous proposons une voie différente pour discuter des représentations « interculturelles », tels que les spectacles de l’opéra de Pékin contemporain de Taïwan, qui échappent aux règles et aux conventions bien établies et qui ne peuvent être jugés selon les standards habituels. / This thesis aims to examine the questions suggested by two contemporary Peking opera productions in Taiwan: “King Lear” directed by Wu Hsing-Kuo and “Orlando” by Robert Wilson. These two adaptations are both based on Western masterpieces and each of them is performed by one trained Peking opera actor. Despite the similarities that appear in the works of the Taiwanese and the American director, the results of their experimentations on the stage differ considerably between each other. In order to find appropriate way to describe and analyze this kind of performances based on the fusion of traditional as well as foreign elements, we started by researching the conceptions which associate deeply with the form of Chinese opera. Then, we delved further into the relations between the practice of Chinese opera and the Chinese aesthetics concepts. Finally, we analyzed the two examples, not through the discussions related to “intercultural theater” developed by occidental researchers and commonly referred to Taiwanese researchers, but through the conceptions that we have developed in the last two chapters of this thesis. Through this study, we expect to propose a different way to approach the theatrical productions that broke the routine and cannot be analyzed by the standard rules.