[EN] SILENCE AS UNDERSTANDING, COGNITIVE AND STRUCTURAL LIMIT: AN AESTHETIC READING ON CONTEMPORARY ART. In short, this thesis studies the concept of silence as limit of agreement after the impact caused by the two World Wars of the 20th century with the main objective of verifying the relevance of the role of this view of silence for the contemporary artistic production of the last decades of the 20th century and beginning of the 21st. In order to reach that objective, we have divided the exposition into four parts: study and taking a stance as concerns silence, silence as understanding limit, silence as cognitive limit and silence as structural limit. This research is the result of an attempt of systematically studying the notion of silence where we worked dialectically, being the most important aspect of our methodology, the reduction of what is particular to what is general, so as to operate deductively later, checking that such globality goes back again to specificity. According to that, in the first part we have studied why it is more advisable to approach silence from a general, open point of view, accepting and trying to integrate the excess which it is part of, understanding that the limits which are associated to it are as unpredictable as the limits which inform it. Moreover, it is observed that, taking the impact of World War I as a first space of definition for the treatment of silence as limit, not only allows us to keep, but also to lay the foundations of those three fields which we consider linked to silence: as understanding limit, as cognitive limit and as structural limit. In the three following parts of our study we place ourselves inside the historical and cultural frame of the second post-war period, and we show how then the second space of definition of silence as a limit is consolidated, and as a result, the clarification of its core ideas in such a way that, in the second, third and fourth parts, we solve what the so called spaces consist of: silence as understanding limit, silence as cognitive limit and silence as structural limit. Throughout this process we will show some of the artistic manifestations which contribute to their configuration and which later become evident in the context of contemporary art. As a practical application of this doctoral thesis we are also presenting our own artistic production developed around it in its last sections. With the results obtained, both in the process of investigation and in that of our own associated artistic production, we find that the importance of the concept of silence is undeniable for contemporary artistic productions, and we have located its roots in the display experimented by the concept of silence during the two first thirds of the 20th century. The implication of the concept of silence is evident in a great variety of languages of the arts and all the stages of the configuration of a plastic work of art: as a creative attitude, as a working topic and as a receptive principle. Something which, on the other hand, we also have the chance to experience by means of our own practice, in the production and exhibition of our artistic work. / [ES] EL SILENCIO COMO LÍMITE COMPRENSIVO, COGNITIVO Y ESTRUCTURAL: UNA LECTURA ESTÉTICA EN TORNO AL ARTE CONTEMPORÁNEO. En síntesis, la presente tesis estudia la noción de silencio como límite de acuerdo con el impacto producido por las dos guerras mundiales del siglo XX con el objetivo principal, de comprobar, la relevancia del papel que esta visión de silencio tiene para la producción artística contemporánea de las últimas décadas del siglo XX y principios del XXI. Para ello dividimos su exposición en cuatro partes: estudio y toma de posición respecto al silencio, silencio como límite comprensivo, silencio como límite cognitivo y silencio como límite estructural. Esta investigación es el resultado de un intento de estudio sistemático de la noción de silencio en el que trabajamos dialécticamente destacando, de nuestra metodología, la reducción de lo particular a lo general para después operar deductivamente, comprobando que tal globalidad revierte de nuevo en la especificidad. De acuerdo con ello, en la primera parte estudiamos por qué es más aconsejable tratar de acercarnos a la noción de silencio desde un punto de vista general y abierto; aceptando y tratando de integrar el exceso del que es partícipe, comprendiendo que los límites que se le asocian son tan volubles como volubles puedan ser los contenidos que lo informan. Observamos, además, que tomar el impacto de la Gran Guerra como primer espacio de definición para el tratamiento del silencio como límite, no solo nos permite mantener, sino también fundamentar esos tres terrenos que postulamos afectos al silencio: el silencio como límite comprensivo, el silencio como límite cognitivo y el silencio como límite estructural. En las tres siguientes partes de nuestro estudio nos situamos en el marco histórico y cultural de la segunda posguerra y mostramos como en aquel momento se consolida el segundo espacio de definición del silencio como límite y, por ende, el esclarecimiento de sus ejes de tal manera que, en la segunda, tercera y cuarta partes, resolvemos en qué consisten los espacios denominados: como límite comprensivo, como límite cognitivo y como límite estructural mostrando, durante tal proceso, algunas de las manifestaciones artísticas que contribuyen a su configuración y que luego se hacen evidentes en el contexto del arte contemporáneo. Como aplicación práctica de esta tesis doctoral también presentamos la producción artística propia desarrollada al respecto en sus últimos apartados. Con los resultados obtenidos, tanto en el proceso de investigación como en el de nuestra práctica artística ¿que hemos aportado como enfoque teórico-práctico en el que se engloba la noción de silencio en las tres vertientes que presentamos, hallamos que la importancia de la noción de silencio es innegable para la producción artística contemporánea; localizando sus raíces en el despliegue que esta experimenta durante los dos primeros tercios del siglo XX. La implicación de la noción de silencio es notoria en los más variados lenguajes de las artes y en todos los estadios que atraviesa la configuración de la obra plástica: como actitud creativa, como tema de trabajo y como principio receptivo. Algo que, por otra parte, también tenemos la oportunidad de experimentar, mediante la práctica propia, en la producción y exhibición de nuestro trabajo artístico. / [CA] EL SILENCI COM A LÍMIT COMPRENSIU, COGNITIU I ESTRUCTURAL: UNA LECTURA ESTÈTICA AL VOLTANT DE L' ART CONTEMPORANI. En síntesi, la present tesi estudia la noció de silenci com a límit d'acord amb l'impacte provocat per les dues guerres mundials del segle XX amb l'objectiu principal, de comprovar, la rellevància del paper que aquesta visió de silenci té per a la producció artística contemporània de les últimes dècades del segle XX i principis del XXI. Amb aquesta finalitat dividim la seua exposició en quatre parts: estudi i presa de posició respecte al silenci, silenci com a límit comprensiu, silenci com a límit cognitiu i silenci com a límit estructural. Aquesta investigació és el resultat d'un intent d'estudi sistemàtic de la noció de silenci en el qual treballem dialècticament fent palesa de la nostra metodologia la reducció d'allò particular a allò general per després operar deductivament, i comprovar que aquesta globalitat reverteix de bell nou en l'especificitat. D'acord amb això, en la primera part estudiem per què és més aconsellable tractar d'acostar-nos a la noció de silenci des d'un punt de vista general i obert, acceptant i tractant d'integrar l'excés de què és partícip, comprenent que els límits que se li associen són tan volubles com volubles puguen ser els continguts que l'informen. S'observa, a més, que prendre l'impacte de la Gran Guerra com a primer espai de definició per al tractament del silenci com a límit, no tan sols ens permet mantenir, sinó també fonamentar eixos tres terrenys que postulem afectes al silenci: el silenci com a límit comprensiu, el silenci com a límit cognitiu i el silenci com a límit estructural. En les tres següents parts del nostre estudi ens situem en el marc històric i cultural de la segona postguerra i mostrem com en aquell moment es consolida el segon espai de definició del silenci com a límit i, consegüentment, l'esclariment dels seus eixos de tal manera que, en la segona, tercera i quarta parts, resolem en què consisteixen els espais denominats: com a límit comprensiu, com a límit cognitiu i com a límit estructural. Tot mostrant durant aquest procés algunes de les manifestacions artístiques que contribueixen a la seua configuració i que després es fan evidents en el context de l'art contemporani. Com a aplicació pràctica de la present tesi doctoral també presentem la producció artística pròpia desenvolupada en els seus últims apartats. Amb els resultats obtinguts, tant en el procés d'investigació com en el de la nostra pràctica artística associada, trobem que la importància de la noció de silenci és innegable per a la producció artística contemporània tot localitzant els seus arrels en el desplegament que la noció de silenci experimenta durant els dos primers terços del segle XX. La implicació de la noció de silenci és notòria en els més variats llenguatges de les arts i en tots els estadis que travessa la configuració de l'obra plàstica: com a actitud creativa, com a tema de treball i com a principi receptiu. Quelcom que, per altra banda, també tenim l'oportunitat d'experimentar mitjançant la pràctica pròpia, en la producció i exhibició del nostre treball artístic. / Garriga Inarejos, R. (2015). EL SILENCIO COMO LÍMITE COMPRENSIVO, COGNITIVO Y ESTRUCTURAL: UNA LECTURA ESTÉTICA EN TORNO AL ARTE CONTEMPORÁNEO [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/55047 / Premios Extraordinarios de tesis doctorales

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[pt] Esta dissertação pretende contribuir para uma maior compreensão da poética da artista CARMELA GROSS através de uma abordagem que identifica relações plásticas, históricas e conceituais em seus territórios poéticos. Na diversidade das suas obras, a artista ativa territórios móveis, em constante definição subjetiva de um lugar poético, onde a multiplicidade simbólica desses territórios atua no espaço urbano e nos museus como jogos estéticos a serem experimentados. A artista constrói por meio de um conjunto de experiências e ações poéticas um vocabulário plástico próprio, em uma trajetória artística que revela a pesquisa constante em busca de novas descobertas no universo plástico. Do ambiente artístico da formação de Gross, em meados dos anos 1960, em São Paulo, surgiram questões que permearam suas pesquisas ao longo de seu percurso, trazendo problemáticas estéticas que instigam o experimentar e o vivenciar de um território artístico singular. Gross articula discursos (potentes e singelos) sobre a arte e a sociedade contemporânea, expandindo e contaminando tanto os ambientes dos museus (e galerias de arte) como os espaços das cidades. Portanto, a presente pesquisa teve como finalidade construir uma cartografia que contribuísse para expor a multiplicidade de olhares e reflexões, como entendimentos (provisórios), das forças que atuam na poética de Gross. / [en] This Dissertation wants to contribute to a greater understanding of the artist CARMELA GROSS poetics through an approach that identifies plastic, historical and conceptual relations in her poetics territories. On the diversity of her works, Gross active mobile territories, in constant subjective definition of a poetic place, where the multiplicity symbolic of these territories operate in urban areas and museums as aesthetic games to be experienced. The artist builds through a set of experiences and poetics actions an own plastic vocabulary, in an artistic trajectory that reveals the constant search for new discoveries in plastic universe. By the artistic environment of the Gross formation, in the middle of 1960, in São Paulo, questions emerged and permeated her research throughout her journey, bringing aesthetic problems that instigate the undergoing and the experience of a singular artistic territory. Gross articulates discourses (potent and simple discourses) on contemporary art and society, expanding and contaminating both the environments of the museums (and art galleries) and the spaces of the cities. Therefore, the present research had as intent build a mapping which would contribute to expose the multiplicity of views and reflections as (provisional) understanding of the forces which acting in the poetics of Gross.

[pt] Esta pesquisa tem como tema uma reflexão sobre cruzamento entre corpo e processo criativo nos percursos de Marcel Duchamp (1887- 1968) e Pablo Picasso (1881-1973). Embora partilhem o mesmo período histórico, suas trajetórias de trabalho revelam distintas concepções de arte, bem como modos diversos de inserção nos domínios históricos e culturais. Como os procedimentos operatórios que estruturam os trabalhos artísticos se ligam a um conjunto de criações e de transferências de sentido que se constituem e se metamorfoseiam na ação de cada artista, este estudo encontra-se vinculado aos impasses e às possibilidades referentes aos processos civilizadores e de modernização. A metáfora do corpo em cada um dos artistas indica atitudes e reflexões quanto às noções de adesão ou distanciamento muito particulares e fecundas para a compreensão da situação da arte e da cultura hoje. Assim como a formação do simbólico também se refere ao modo como os homens se organizam material e economicamente, à análise das poéticas e estratégias diversificadas dos artistas em questão, uniremos o exame das condições do trabalho elaboradas quando do surgimento e desenvolvimento da modernidade, isto é, a lógica da emancipação da noção de trabalho e a separação entre ideação e execução.Tomamos por base o fato da obra de Pablo Picasso e sua noção de corpo fazer metáfora e constituir um espaço de reversibilidade. A partir da noção de metamorfose, da assimilação de princípios construtivos da arte primitiva e da releitura da história da arte, constatamos a elaboração de um conceito mais elástico de representação de corpo. A essa busca dramática de religar corpo e indivíduo fraturados a uma noção impossível de modernidade, Marcel Duchamp interpõe um corpo transformado em mercadoria e fragmento. À concepção de arte em Picasso, do indivíduo enredado à linguagem corporal, Duchamp contrapõe a manifestação do descolamento entre homem e linguagem como se esta fosse a própria condição da criação: a de um texto fraturado. / [fr] Cette recherche a pour but une réflexion sur l intersection entre corps et processus de création dans les parcours de Marcel Duchamp (1887-1968) et Pablo Picasso (1881-1973). Bien qu ils aient vécu le même moment historique, leurs travaux révèlent des conceptions distinctes de l art et indiquent différentes prises de positions sur les plans historique et culturel. Comme les processus de création opératoires qui structurent le travail artistique sont constitués par un ensemble de créations et de transferts de sens qui se constituent et se métamorphosent dans l action de chacun des artistes, cette étude est liée aux impasses et aux possibilités mises en place par les processus de civilisation et de modernisation. La métaphore du corps chez chacun de ces artistes indique des attitudes et des réflexions quant aux notions d adhésion ou de distance très particulières et fécondes pour comprendre l art et de la culture aujourd´hui. Ainsi, comme la formation du symbolique se réfère aussi à la façon dont les hommes s organisent matériellement et économiquement, ainsi qu à l analyse de leurs poétiques et de leurs stratégies diversifiées, nous examinerons surtout sur les conditions modernes du travail, c est à dire, la logique de l émancipation de la notion actuelle de travail et la séparation entre idéation et exécution, liées à l avènement et au déploiement de la modernité. Dans l ´uvre de Pablo Picasso, nous constatons la constitution d´un concept du corps comme métaphore et élaboration de l´espace comme réversibilité. La notion de métamorphose, l assimilation de certains principes constructifs de l art primitif et la relecture de l´histoire de l art élaborent un concept plus élastique de la représentation du corps. À ce mouvement dramatique de reconnecter le corps et l individu fracturés par la modernité à une notion impossible de totalité, Marcel Duchamp interpose un corps devenu marchandise et fragment. À la conception de l art chez Picasso, liée à la position de l homme emmêlé au langage corporel, Duchamp oppose la manifestation du décollement entre le langage et les choses como si telle était la condition elle-même de la création: un texte fracturé.

[pt] A tese é uma análise da obra do escultor americano Richard Serra baseada no contexto cultural de onde surgiu e nos elementos formadores desse mesmo contexto, como a herança puritana da América protestante e os primórdios de sua filosofia. O empirismo de David Hume é compreendido como fundamento para o pragmatismo, que se desenvolve a partir dos ensaios de Ralph Waldo Emerson. Partindo de tal contextualização histórico-filosófica traça as principais características presentes no modo de atuar na América, relacionando-as à obra de Richard Serra. Estuda, o modo objetivo de atuar num sistema de capitalismo avançado, e suas possíveis analogias com o projeto moderno de desierarquização do universo artístico, empreendido pela arte moderna através da chamada externalização da arte. / [en] A critical analysis of the work of American sculptor Richard Serra, based on the cultural context in which it appeared and developed, such as the puritan heritage of protestant America and the beginnings of its philosophy. Empiricism, as the foundation of the American pragmatism, developed after the essays of Ralph Waldo Emerson, is seen through a brief study of David Hume´s Treatise of Human Nature. From this historicphilosophical background it traces the main characteristics of American way of behaving, in order to disclose the possible relations with the work of Richard Serra. The dissertation is centered on the manner by which an objective mode of behavior is crucial to advanced capitalism, and its possible analogies with the modern art project that envisages an art world less submitted to hierarchies. Enterprise made successful through the process of bringing the painting to the picture plane.

[pt] A tese investiga a trajetória intelectual da crítica de arte, historiadora e professora da Columbia University, Rosalind Krauss. Dividida em cinco capítulos, a pesquisa contempla as fases históricas de seu exercício analítico, da década de 1960 aos dias atuais. Para isso, elege como ponto de partida a hipótese de seu percurso intelectual ser abordado enquanto sobreposições de correntes formalistas distintas, com especial destaque para o formalismo greenbergiano, o formalismo russo e o estruturalismo francês. Pretende-se comprovar que Krauss, mesmo em um contexto notadamente pluralista das práticas artísticas contemporâneas, jamais descarta refletir a respeito das estruturas formais que engendram as obras, isto é, de seus mediums. A obra da ensaísta é aqui considerada enquanto um prisma através do qual é possível identificar distintas vozes que circunscrevem o seu campo discursivo: a apologia histórica da arte abstrata de Clement Greenberg e Michael Fried; a geração de pensadores em torno dos periódicos estadunidenses Artforum e October; a fenomenologia de Merleau-Ponty, a filosofia analítica do segundo Wittgenstein, o estruturalismo de Roland Barthes e Jacques Lacan; e, ainda, o pós-estruturalismo de Jacques Derrida. Deseja-se, com isso, oferecer ao leitor brasileiro uma leitura crítica da obra completa de uma das principais vozes da crítica de arte contemporânea estadunidense. / [en] This thesis looks at the work of the art critic, art historian and professor of Columbia University, Rosalind Krauss. Organized in five chapters, it contemplates the historical phases of her intellectual trajectory, from the 1960s to the present day. The hypothesis that guides this work runs as follows: Krauss essays should be organized as overlapping layers of distinct formalist currents, with special emphasis on Greenbergian Formalism, Russian Formalism and French Structuralism. This research intends to demonstrate that Krauss, even in a remarkably pluralistic context of contemporary artistic practices, has never discarded reflecting on the formal structures that engender the art works, that is, their mediums. The essayist s contribution is here considered as a prism through which it is possible to identify distinct voices that circumscribe her discursive field: the historical apology of abstract art by Clement Greenberg and Michael Fried; The generation of thinkers around the American periodicals Artforum and October; Merleau-Ponty s phenomenology; later Wittgenstein s philosophy; Roland Barthes and Jacques Lacan s structuralism; And Jacques Derrida s poststructuralism as well. In short, this project offers to Brazilian readers a critical reading of the work done by one of the dominant voices of contemporary art criticism.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao vini 2012.pdf: 3824461 bytes, checksum: 023f3507a28add67d8c4d18217983c82 (MD5) Previous issue date: 2012-02-28 / This research aims to analyze the artistic creation of visual artist Fernanda Magalhães (1962 -) from Paraná, Brazil, who contemplate the limits and potential of body representations in art, especially large bodies or plus size bodys. The series of works "The representation of naked fat woman in the photograph" is emphasized in intention to discuss and problematize the visual and the prevailing patterns of embodiment, as well as control devices that regulate bodies and agencies who manage and stocks all those bodys in esthetics hierarchies, and docile the existences. To catch the meaning, the series of photographs chosen for this research and presents transgressive and unholy powers from the idealized thin body. The artistic production of Fernanda Magalhães is inserted in the of contemporary scene of Brazilian art, where the body becomes central in the construction of masterpieces made from different types of languages. From the top, we investigate at first, the relationship between body, transgression and profanity in line with the theoretical articulations of the feminist movement, then the transgression and profanity in some studies in contemporary Brazilian art, culminating in the analysis of series of Magellan. The references and theoretical contributions focus on the History, Theory and Criticism of Art and Visual Culture Studies in dialogue with the Anthropology of the Body. / Esta pesquisa visa analisar as obras da artista visual paranaense Fernanda Magalhães (1962-) que tencionam os limites e potencialidades de representações do corpo na arte, em especial corpos volumosos. A série de trabalhos A representação da mulher gorda nua na fotografia é enfatizada com o objetivo de discutir e problematizar as visualidades e os padrões de corporeidades vigentes, assim como os dispositivos de controle e agenciamentos que normatizam corpos, gerenciam hierarquias estéticas e docilizam as existências. Nesse sentido, a série de fotografias eleitas para essa investigação apresenta potências transgressoras e profanadoras do corpo magro idealizado. A produção artística de Fernanda Magalhães insere-se em um panorama da arte contemporânea brasileira onde o corpo torna-se central na construção de obras realizadas a partir de diferentes linguagens. Dessa maneira, investiga-se em um primeiro momento a relação entre corpo, transgressão e profanação em consonância com as articulações teóricas do movimento feminista; em seguida, a transgressão e profanação em alguns trabalhos na arte contemporânea brasileira, culminando na análise da série de Magalhães. As referências bibliográficas e os aportes teóricos concentram-se na História, Teoria e Crítica da Arte e nos Estudos de Cultura Visual em diálogo com a Antropologia do Corpo.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Glayce - Dissertacao PDF.pdf: 3767144 bytes, checksum: 1dff151e3e2af4861f6ac69fdbf0c798 (MD5) Previous issue date: 2012-06-20 / The purpose of this dissertation was to study the possible dialogue between art and literature because of the literary work of João Cabral de Melo Neto, Morte e vida severina and painter production of Candido Portinari, in particular the series of 1944 called: Retirantes, Criança morte e Enterro na rede, which the content that unites them is an expression of how the northeastern refugees dealt with death, indicate that Melo Neto and Portinari the migration process and the flight of the misfortunes experienced in the northeastern backlands seems to represent the possible output. Through a literature review and analysis of the poem and the works of Portinari, we conclude that to represent the drama experienced by these refugees, Portinari used expressionist aesthetic resources and the deformation and Melo Neto sought through the Pernambuco Regionalism and folklore, elements to portray the same situation painted by Portinari. Art and literature dialogue situations in common: the desire to express the way that these Brazilians were reluctant because of the difficulties caused by drought / O objetivo desta dissertação foi estudar o diálogo possível entre a arte e a literatura em razão da obra literária de João Cabral de Melo Neto, Morte e vida severina e a produção do pintor Cândido Portinari, nomeadamente da série Retirantes do ano de 1944, Criança morta, Enterro na rede e Retirantes, cujo conteúdo que as une, a expressão de como os retirantes nordestinos lidavam com a morte, indicam que tanto em Melo Neto como em Portinari, o processo migratório e a fuga dos infortúnios vividos no sertão nordestino parece representar a saída provável. Por meio de um levantamento bibliográfico e análise do poema e das obras de Portinari, concluímos que, para representar o drama vivenciado por esses retirantes, Portinari usou recursos estéticos e a deformação expressionista e Melo Neto buscou por meio do Regionalismo e do folclore pernambucano, elementos para retratar a mesma situação pintada por Portinari. A arte e a literatura dialogam situações em comum: o desejo de expressar o modo com que esses brasileiros relutavam contra as dificuldades causadas pela seca.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 LIDIA LOBATO LEAL.pdf: 3656431 bytes, checksum: 82598cc03422d61798754e8cb8117e84 (MD5) Previous issue date: 2009-10-23 / The attempt to understand how the construction of identity in the state of Amapá from, the institutional campaign for the feeling of Amapalidade, guides this work. The government acts (2009) of the State of Amapá have taken his first term in 2002, his tonic and slogan were turned to entrepreneurship in order to enhance public-private initiative by the Federal Government. In this sense, there is a strong institutional intention to generate economic dividends from the holding of local cultural issues. Within this context, from 2006 images of ceramics and Maraca Cunani "reappear" as local elements with the prospect of market, because the Brazilian Service of Support to Micro and Small Enterprises (SEBRAE), with the intention of providing technical support to collaborate with the success of micro and small enterprises, has launched a training program for entrepreneurs of small-scale sector, with the holding of several workshops, encouraging them to promote the construction of spreads not only add value to their economic or products and services, such as enabled the construction of an identity for your products and or companies. Through analysis of the publication of SEBRAE / AP, 2006, The Journal A Gazeta and the exhibition of items produced by craftsmen who participated in the workshops of SEBRAE. The goal is to understand the use of these images in their historiographic context (XV to XVII) and also in its contemporary context and reflect on the institutional discourse on such images produced by correlating them with the concepts of identity, language and visual culture / A tentativa de entender como ocorre a construção da identidade no estado do Amapá a partir, da campanha institucional pelo sentimento de amapalidade, orienta este trabalho. O governo atual (2009) do estado do Amapá assumiu seu primeiro mandato em 2002, sua tônica e slogan estavam voltados ao empreendedorismo, no intuito de valorizar as parcerias público-privadas, por iniciativa do Governo Federal. Neste sentido, observa-se uma forte intenção institucional a fim de gerar dividendos econômicos a partir da exploração de aspectos culturais locais. Dentro deste contexto, a partir de 2006 as imagens das cerâmicas Maracá e Cunani ressurgem como elementos locais com perspectivas mercadológicas, pois o Serviço Brasileiro de Apoio às Micro e Pequenas Empresas (SEBRAE), com a intenção de fornecer subsídios técnicos que colaborassem com o sucesso das micro e pequenas empresas, iniciou um programa de capacitação para os empresários do setor artesanal, com a realização de diversas oficinas, incentivando-os a promover a construção de diferenciais que não só agregassem valor econômico a seus produtos e/ou serviços, como possibilitassem a construção de uma identidade para seus produtos e/ou empresas. Através da análise da publicação do SEBRAE/AP, 2006, do jornal A Gazeta e das exposições das peças produzidas pelos artesãos que participaram das oficinas do SEBRAE, o objetivo é compreender a utilização destas imagens em seu contexto historiográfico (séc. XV a XVII) e também em seu contexto contemporâneo; bem como refletir a respeito do discurso institucional produzido sobre tais imagens, correlacionando-as com os conceitos de identidade, linguagem e cultura visual

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:42:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Etson Delega.pdf: 10544660 bytes, checksum: c0bb8e101a4e2c91808a5aca5fb30c74 (MD5) Previous issue date: 2012-12-10 / This paper deals with the analysis of the satirical weekly O Polichinelo, published in the city of São Paulo, in 1876. From the study of the publication itself, its editorial staff, the style and the theme of its cartoons, as well as the context of the historical moment, this text seeks the relations between the weekly and that time of great political turmoil in Brazil, and, in particular, the province of São Paulo. In those days in the Second Empire, Abolition and Republican causes gained strength and became manifest through the press. The cartoon illustrated periodicals used the critical mood to spread opinions about these topics. O Polichinello, as an exponent from this press, would not be different. But what was the stance of the journal? What causes it defended? The articles and, in particular, the cartoons contained in its pages, give clues for understanding the intentions and influences behind the weekly and how it manifested in its language. / Esta dissertação trata da análise do semanário satírico ilustrado O Polichinelo, publicado na cidade de São Paulo, em 1876. A partir do estudo da publicação em si, de seu corpo editorial, do traço e da temática de suas charges, bem como a contextualização do momento histórico retratado nelas, este texto busca situar as relações do periódico com o momento de grande agitação política em que vivia o Brasil, e em especial a então província de São Paulo. Naqueles dias do Segundo Reinado, a Abolição e a causa republicana eram movimentos que ganhavam força e se manifestavam através da imprensa. A caricatura e a charge nos periódicos ilustrados utilizavam o humor crítico para destilar suas opiniões a respeito desses temas; com O Polichinello, não seria diferente. Qual seria então o posicionamento do periódico? Que causas ele defendia? Os textos e, em especial, as charges contidas em suas páginas, dão as pistas para a compreensão das intenções e influências por trás do semanário e de como isso se manifestava em sua linguagem.