FundaÃÃo de Amparo à Pesquisa do Estado do Cearà / Os estudos crÃticos envolvendo a obra de Josà Saramago tÃm privilegiado, em sua maioria, os romances, partindo geralmente de Memorial do Convento (1982). Elegendo um gÃnero (o romance) e uma fase (a maturidade do escritor) como principal objeto de anÃlise, a crÃtica acaba por negligenciar tanto a sua produÃÃo anterior à dÃcada de 1980 quanto o gÃnero autobiogrÃfico cultivado pelo autor. Este Ãltimo assume na obra de Saramago principalmente as formas de diÃrio (Cadernos de Lanzarote, DiÃrios I a V, 1994-1998) e memÃrias da infÃncia (As Pequenas MemÃrias, 2006). Considerando essa produÃÃo, pretendemos confrontÃ-la com sua prosa de ficÃÃo, especialmente o romance Manual de Pintura e Caligrafia (1977), e com textos hÃbridos como as crÃnicas (Deste Mundo e do Outro, 1971 e A Bagagem do Viajante, 1973), alÃm de seus poemas, obras da primeira fase do escritor, em que o carÃter autobiogrÃfico à mais evidente. Nosso intuito à investigar, atravÃs desse cotejo, como a obra de Saramago desenvolveu-se paralelamente a sua formaÃÃo pessoal e estÃtica, dentro de um espaÃo cujo elemento fundamental à a memÃria (pessoal, da tradiÃÃo, da HistÃria e do imaginÃrio) acabando por revelar, em qualquer dos gÃneros, uma imagem do autor, deliberada e coerentemente construÃda.

A presente dissertaÃÃo tem como objetivo discutir de que forma a leitura da obra do poeta e dramaturgo inglÃs, William Shakespeare (1564 â 1616), influenciou o projeto literÃrio desenvolvido pela escritora Virginia Woolf (1882 â 1941), buscando, principalmente, estabelecer um diÃlogo comparativo entre o romance Mrs. Dalloway, publicado em 1925, e a tragÃdia Rei Lear, escrita por Shakespeare em 1605. Acreditamos que atravÃs de um processo crÃtico expresso por meio da leitura que Virginia Woolf faz do texto shakespeariano, a voz do bardo inglÃs vai se dissolvendo dentro da escritura da autora e por ela vai sendo assimilada e transformada, ao ponto de se tornar uma voz Ãnica e distinta, a saber, a voz woolfiana. Para tanto, nos pautamos em algumas categorias fundamentais para o processo de anÃlise, como o conceito de tradiÃÃo, cunhado pelo crÃtico e tambÃm poeta T. S. Eliot, em seu texto âTradiÃÃo e talento individualâ (1968); o de intertextualidade, apresentado pela professora Julia Kristeva (1974), com base nas teorias da polifonia e do dialogismo desenvolvidas por Mikhail Bakhtin (2002), alÃm dos conceitos de influÃncia, (des)leitura e de humano, discutidos pelo crÃtico norte-americano Harold Bloom, em seus livros A angÃstia de influÃncia: uma teoria da poesia (1991) e Shakespeare: a invenÃÃo do humano (2000). Com isso em mente, traÃamos nosso percurso comparativo a partir da anÃlise dos dois personagens centrais do romance de Virginia Woolf, Clarissa Dalloway e Septimus Warren Smith, dialogando-os diretamente com as figuras de Lear e de seu bobo da corte. Assim, mostramos de que forma a voz shakespeariana desses personagens vÃo sendo evocadas e transformadas pelos dois protagonistas do romance, constituindo, desse modo, um processo de (des)leitura da peÃa em questÃo. à nesse sentido, portanto, que concluÃmos que a voz shakespeariana de Virginia Woolf à uma voz que, ao mesmo tempo, possui uma consciÃncia das novas necessidades exigidas por seu tempo presente, mas que tambÃm traz consigo o peso de sÃculos de tradiÃÃo, expressos principalmente pelo legado deixado por Shakespeare para a literatura inglesa e universal. / The present dissertation aims at discussing how the reading of the work of the poet and also dramatist William Shakespeare (1564 â 1616) had influenced the literary project developed by the writer Virginia Woolf (1882 â 1941), in order to establish a comparative dialogue between the novel Mrs. Dalloway, published in 1925, and the tragedy King Lear, written by Shakespeare in 1605. We believe that by means of a critical process expressed in the reading Virginia Woolf did about the shakespearean text, the voice of the English bard dissolves into the poetic writing of the author and is assimilated and transformed by it, till the moment it becomes a single and distinct voice, namely, the woolfian voice. To support our analysis, we are based on some fundamental categories such as the concept of tradition discussed by the critic and also poet T. S. Eliot in his essay âTradition and individual talentâ (1968); of intertextuality presented by the professor Julia Kristeva (1974) based on the notions of polyphony and dialogism developed by Mikhail Bakhtin (2002); and the concepts of influence, (mis)reading and of human discussed by the American critic Harold Bloom in his books The anxiety of influence: a theory of poetry (1991) and Shakespeare: the invention of human (2000). With this in mind, we did our comparative analysis focusing on the two protagonists of Virginia Woolfâs novel, Clarissa Dalloway and Septimus Warren Smith, and their dialogue with the characters king Lear and his clown. This way, we intend to show how the shakespearean voice of these two characters are evoked and then transformed by the protagonists of the novel, constituting, therefore, a process of (mis)reading of the play studied. In this sense, we conclude that the shakespearean voice of Virginia Woolf is a voice that, at the same time, is conscious of the new necessities required by her present time and also of the importance of centuries of tradition expressed, mainly, by the legacy left by Shakespeare to English and universal literature.

nÃo hà / O presente trabalho inclina-se sobre o mito grego de AndrÃmaca e tem por objetivo delimitar os caracteres de sua representaÃÃo. Consideraremos a evoluÃÃo das condiÃÃes de performance da autocaracterizaÃÃo da personagem, paralela à evoluÃÃo de dois gÃneros do discurso â os lamentos fÃnerarios thrÃnos (θρῆνος) e goos (γόος). Estas duas formas de lamento ritualÃstico manifestam-se sob forma de hexÃmetros em Homero e de versos elegÃacos em EurÃpides. Nesses lamentos, uma sÃrie de topoi â marido, cidade, viuvez, maternidade, alcova â sÃo utilizados pelos autores para delimitar os temas abrangidos pela personagem. Esta pesquisa investiga a autocaracterizaÃÃo feminina na Antiguidade. Buscamos reconhecer as relaÃÃes entre discurso e performance na Ãpica e na tragÃdia. Primeiramente, apresentamos um estudo em torno das origens do mito e sua circulaÃÃo, principalmente, entre autores da Antiguidade. Em seguida realizamos um estudo antropoliterÃrio em torno dos estatutos sociais femininos na Antiguidade, especialmente, na polis ateniense do sÃculo quinto. Sugerimos que esses estatutos dependem da relaÃÃo da mulher com sua alcova (θάλαμος). Esses estatutos serÃo discutidos atravÃs, sobretudo, do drama selecionado de EurÃpides. Por fim, verificamos a autocaracterizaÃÃo da personagem especificamente em uma sÃrie de trÃs lamentos encontrados na IlÃada de Homero (cantos VI, XXII e XXIV); e no lamento elegÃaco (v. 102 - 116) na tragÃdia AndrÃmaca (c. 425 a.C.) de EurÃpides (c. 480 - 406 a.C.).

nÃo hà / Este trabalho pretende estudar os vazios, as lacunas e as ausÃncias textuais no romance A menina morta (1954), de CornÃlio Penna. Nesse romance, encontra-se uma narrativa estruturada em torno da ausÃncia (a comeÃar pela ausÃncia da prÃpria menina que dà tÃtulo à obra), convidando o leitor a olhar incessantemente para um lugar vazio que, paradoxalmente, deixa sua marca sob a forma de recalque afetivo e mal-estar social. O olhar do leitor deseja ver mais, porÃm à o menos que o autor oferece, inscrevendo sua ficÃÃo sob o signo da negatividade e do esvaziamento. Sustenta-se a tese de que, nesse romance, diferentemente de suas obras iniciais, CornÃlio Penna supera a vertente fantÃstica, deslocando os âfantasmasâ da zona transcendente para o encontro inexorÃvel com o real. Busca-se a fundamentaÃÃo teÃrica desta tese na interface dos discursos da teoria literÃria, da filosofia e da psicanÃlise, atravÃs do diÃlogo com as obras de Sigmund Freud, Jacques Lacan, Maurice Blanchot, Giorgio Agamben, Walter Benjamin e Georges Didi-Huberman. AtravÃs desses pensadores, tenta-se evidenciar o jogo dialÃtico que CornÃlio Penna articula entre subjetividade e objetividade, atravÃs do qual a realidade se acha implicada nos modos de subjetivaÃÃo. Em A menina morta, portanto, a realidade do patriarcalismo e do escravismo se torna mais assustadora do que os fantasmas que povoam o imaginÃrio popular. O territÃrio que CornÃlio Penna escolheu para descrever o seu drama histÃrico faz do mito o labirinto da prÃpria histÃria, diante do qual os eventos se petrificam numa zona estagnada em que quase nada acontece, sobressaindo o luto e a melancolia. A relaÃÃo entre os personagens à marcada pela incomunicabilidade, devido ao medo de dizer e ao ressentimento de calar-se. Assim, restam aos personagens o refÃgio do nÃo-dito (diante da forÃa dos interditos) e a teatralizaÃÃo das palavras e dos gestos. O fantasma da palavra nÃo à â como se poderia supor â o silÃncio; o fantasma da palavra à a falta do nome, à esse lugar inespecÃfico onde o pensamento nÃo chega e a razÃo parece desmoronar. Trata-se, enfim, de uma abertura para um lugar inacessÃvel, uma aporia trÃgica, formada por um tempo sà de espera e um lugar sà de passagem. / This work intends to study the voids, the gaps and the textual absences in the novel A menina morta [The dead girl] (1954), written by CornÃlio Penna. In this novel, we have found a structured narrative around the absence (starting with the absence of the very girl who gives title to the work), inviting the reader to look endlessly for an empty place that, paradoxically, leaves its mark in emotional repression form and social malaise. The reader look wants to see more, however is the least that the author offers, inscribing his fiction under the sign of negativity and emptying. We affirm that, in this novel, unlike his initial works, CornÃlio Penna overcomes the fantastic strand, moving the transcendent area "ghosts" for the inexorable encounter with real.We have sought the theoretical foundation of this thesis in the literary theory, philosophy and psychoanalysis speeches, through the dialogue with the works of Sigmund Freud, Jacques Lacan, Maurice Blanchot, Giorgio Agamben, Walter Benjamin and Georges Didi-Huberman. Through these thinkers, we have tried to show the dialectic game which CornÃlio Penna articulates among subjectivity and objectivity, through which the reality is implicated in the subjectivation modes. In A menina morta, therefore, the reality of patriarchy and slavery becomes more frightening than ghosts that inhabit the popular imagination. The territory chosen by CornÃlio Penna to describe his historical drama makes from the myth the labyrinth of history, up against the events are stoned in a stagnant zone in which almost nothing happens, protruding the mourning and the melancholy. The characters connection is marked by the lack of communication, due to fear of saying and the resentment of shut up. So, to the characters remain the refuge of unsaid (up against the bans strength) and the dramatization of words and gestures. The ghost of the word is not â as you might guess â the silence; the ghost of the word is the lack of the name, is this nonspecific place where the thinking does not reach and the reason seems to fall apart. In short, it is about an opening to an inaccessible place, a tragic aporia, formed by a time of expecting and a place of passage.

Submitted by Cássia Santos (cassia.bcufg@gmail.com) on 2016-03-15T11:47:31Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Denise Freire Ventura - 2015.pdf: 841133 bytes, checksum: c39da54b7556b48d5d256e27632ca01c (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-03-16T11:18:18Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Denise Freire Ventura - 2015.pdf: 841133 bytes, checksum: c39da54b7556b48d5d256e27632ca01c (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-03-16T11:18:18Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Denise Freire Ventura - 2015.pdf: 841133 bytes, checksum: c39da54b7556b48d5d256e27632ca01c (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Previous issue date: 2015-11-26 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG / Esta investigación partió de la necesidad de comprender que se está actualmente en la escena literaria brasileña hay una gran cantidad de producciones que calificadas como épica, tanto por los editores y libreros, como los propios poetas y también por los investigadores del área, se produce un bloqueo en el sentido de que también hay teóricos enfáticos en afirmar simplemente que tal género ya no existe como Hegel (2010), Lukács (2009) y Staiger (1997) y justifican la no existencia por diversas razones, como por ejemplo que épica se convirtió en romance y que la cultura de hoy no permite la representación de un mundo épico. Se desarrolló, por lo tanto, un estudio de las teorías que pertenecen a los géneros de Bakhtin (2002), de manera adversa Bakhtin (2003). Se estableció también un estudio de Hegel (2010) a partir de sus presupuestos relacionados con los géneros, así como Lukács (2009), Staiger (1997), y Buarque (2007) y sus consideraciones sobre el género épico. Se consideró así, ser relevante el análisis de un poema épico contemporáneo brasileño y así demostrar su permanencia, como ejemplo analizamos Latinomérica, de Marcus Accioly. En este sentido se hizo una lectura del poema, para poner de relieve la continuidad y la pertinencia de la épica en la época contemporánea, es decir, en una configuración de mundo, social, histórico y cultural diferente de las que originaron al género épico en la antigüedad, pero el poeta logró éxito de cierta manera actualizar (la estructura del poema en asaltos – por ejemplo) para que pudiera cantar de forma épica otra nación, otro pueblo y revelando el interés poético de Marcus Accioly por el colectivo. Teniendo en cuenta este estudio, nos damos cuenta de que la épica sigue siendo relevante en el mundo actual, ya que el deseo de cantar un pueblo y la identificación que se produce por parte del lector todavía forma una característica fundamental de la épica que es la cuestión de la identidad nacional, delineando por lo tanto, nuevas posibilidades de la épica en la época contemporánea. / Esta pesquisa teve início a partir da necessidade de compreender que se atualmente no cenário literário brasileiro há um grande número de produções que se classificam como épicas, tanto por editoras, livrarias, como pelos próprios poetas e ainda por pesquisadores da área, ocorre um impasse no sentido de que há também teóricos enfáticos em afirmar simplesmente que tal gênero não mais existe como Hegel (2010), Lukács (2009) e Staiger (1997) e justificam a não existência por diversos motivos, como, por exemplo, que a epopeia evoluiu para romance e que a cultura de hoje não permite a representação de um mundo épico. Desenvolveu-se, portanto, um estudo das teorias referentes aos gêneros de Bakhtin (2002), adversamente a Bakhtin (2003). Estabeleceu-se também um estudo de Hegel (2010) a partir de seus pressupostos relacionados aos gêneros, bem como de Lukács (2009), Staiger (1997), e Buarque (2007) e suas considerações a respeito do gênero épico. Considerou-se, assim, ser pertinente a análise de um poema épico contemporâneo brasileiro e dessa forma demonstrar a sua permanência, como exemplo analisamos Latinomérica, de Marcus Accioly. Nesse sentido, foi feita uma leitura do poema para evidenciar a continuidade e a pertinência do épico na contemporaneidade, ou seja, em uma configuração de mundo, social, histórica e cultural distintas das que deram origem ao gênero épico na antiguidade, mas que o poeta conseguiu de certa forma atualizar (a estrutura do poema em rounds - é exemplo) para que pudesse cantar epicamente outra nação, outro povo e revelando o interesse poético de Marcus Accioly pelo coletivo. Diante deste estudo pudemos perceber que o épico ainda é pertinente no mundo atual, pois, o desejo de se cantar um povo e a identificação que ocorre por parte do leitor ainda formam uma característica fundamental a épica que é a questão da identidade nacional, delineando-se, assim, novas possibilidades do épico na contemporaneidade.

CoordenaÃÃo de AperfeÃoamento de Pessoal de NÃvel Superior / A partir da leitura da peÃa RÃs, de 405 a.C., de AristÃfanes, depreende-se uma forte utilizaÃÃo de material mitolÃgico utilizado pelo comediÃgrafo na construÃÃo do texto. Dessa forma, uma leitura dessa comÃdia, a partir das modernas abordagens cientÃficas do mito, permite a determinaÃÃo de um nÃcleo mÃtico capaz de oferecer uma importante chave de leitura para a obra de AristÃfanes, bem como para a produÃÃo dramÃtica do final do perÃodo clÃssico grego. No agÃn entre Ãsquilo e EurÃpedes, sÃo os prÃprios trÃgicos, que, insultando-se, revelam como fonte de sua produÃÃo, respectivamente, a influÃncia dos mitos de Ares e Afrodite. Sendo os dois tragediÃgrafos integrantes da trÃade eleita pelos atenienses como os melhores representantes do gÃnero trÃgico, e, sendo a poesia uma das fontes constituintes da educaÃÃo do cidadÃo grego, a pesquisa verificarÃ, atà que ponto os mitos de Ares e Afrodite estÃo presentes na obra dos dois tragediÃgrafos, e como ambos os utilizam como contribuiÃÃo para o fundamento da formaÃÃo do espÃrito do homem grego. Tendo como base uma dialÃtica entre o amor e a guerra, a pesquisa irà verificar as ocorrÃncias dessas tradiÃÃes na obra do comediÃgrafo AristÃfanes, a partir da leitura da peÃa RÃs. AristÃfanes, ao escolher o reino dos mortos como espaÃo de discussÃo entre essas duas tradiÃÃes mitolÃgicas, estabelece um tribunal paradigmÃtico, apto para apreciar e valorar os diferentes elementos e tipos de discurso trÃgico, tratando-os, entretanto, sob a Ãtica cÃmica. Faz-se mister determinar atà que ponto o discurso cÃmico, a partir do paralelo entre estruturas do submundo e a contingÃncia da vida ateniense estariam sendo utilizados como uma tentativa de interpretar o mito. Por fim, verificaremos se comÃdia no ano de 405 a.C., com a apresentaÃÃo da peÃa RÃs, procurava apropriar-se do discurso mitolÃgico, modificando-o e plasmando-o de acordo com as novas exigÃncias da pÃlis, como antes fizeram os trÃgicos, e quais as implicaÃÃes desse novo discurso diante dos elementos do fazer teatral: texto, performance e audiÃncia / Based on a reading of the play The Frogs, 405 b.C., by Aristophanes, itâs inferred a strong use of mythological material used by the comediographist in the construction of the text. Therefore, a reading of that comedy under the modern scientific approaches to the myth allows the determination of a mythical nucleus able to offer an important key to reading the work of Aristophanes as well as the dramatic production of the late classical Greek period. In the agon between Aeschylus and Euripedes, the tragic themselves are the ones who, insulting each other, reveal the source of their production to be, respectively, the influence from the myths of Ares and Aphrodite. Both the tragedians being members of the triad elected by the Athenians as the best representatives of the tragic genre, and, the poetry being one of the constituent sources of the Greek citizenâs education, this research will verify to what extent the myths of Ares and Aphrodite are present in the work of the two tragedians, and how both use it as a contribution to the foundation for the shaping of the Greek manâs spirit. From a dialectic between love and war, the second part of the research will verify the occurrences of these traditions in the work of the comediographist Aristophanes, analyzing the play The Frogs. The author, when choosing the kingdom of the dead as a discussion space between these two mythological traditions, establishes a paradigmatic court, able to appreciate and value the diferent elements and types of tragic speech, treating them, however, under the comical perspective. It is necessary to determine to what extent the comic speech from the parallel between the underground structures and the contingency of Athenian life were being used as an attempt to interpret the myth. Finally, will verify with the presentation of the play Frogs, the comedy would be, in 405 b.C., seeking to appropriate the mythological speech, modifying it and shaping it according to the new requirements of the polis, as the tragic did before, and what are the implications of this new discourse on the elements related to theater: text, performance and audience

CoordenaÃÃo de AperfeiÃoamento de Pessoal de NÃvel Superior / A Pintura e a Literatura, apesar de consistirem em atividades distintas, interagem entre si e se comunicam dentro de um campo abrangente, denominado Arte. O presente estudo pretende uma aproximaÃÃo, um diÃlogo, estabelecido entre poesia e pintura. Propomos uma abordagem comparativa entre algumas peÃas da obra do pintor catalÃo Joan Mirà (1893-1983), e os poemas presentes no livro A pedra do sono (1942) do poeta pernambucano JoÃo Cabral de Melo Neto (1920-1999), tendo como pano de fundo a estÃtica surrealista, postulada por Andrà Breton, em 1924, na FranÃa. Teremos como base teÃrica fundamental o pensamento de JoÃo Cabral de Melo Neto, exposto em um ensaio crÃtico, no ano de 1949, intitulado âJoan MirÃâ. O conhecido âpoeta engenheiroâ possuÃa forte afinidade com a Teoria LiterÃria, escrevendo alguns textos de crÃtica de arte e literatura. Neles discorre acerca do processo de composiÃÃo artÃstica, correntes estÃticas, movimentos literÃrios, personalidades brasileiras e estrangeiras. Para viabilizar a anÃlise, recorremos aos teÃricos de Literatura Comparada, como: TÃnia Carvalhal, Sandra Nitrini, Julia Kristeva e Mikhail Bakhtin; bem como, aos crÃticos de Arte: Fayga Ostrower, Omar Calabrese, Paul ValÃry, dentre outros, que possibilitaram uma compreensÃo acerca de movimentos artÃsticos, correntes estÃticas e tÃcnicas peculiares de criaÃÃo e composiÃÃo. Iniciamos com uma reflexÃo acerca da Arte e do fazer artÃstico; em seguida, foi enfocado o perfil artÃstico de JoÃo Cabral de Melo Neto e sua face teÃrico-crÃtica, tendo por base o estudo relativo à obra de Joan MirÃ. A Ãltima etapa contempla uma anÃlise do ensaio de JoÃo Cabral acerca da pintura de MirÃ, concernente à construÃÃo de sua obra. O diÃlogo à viabilizado no tocante à evidÃncia de temas recorrentes, bem como pelo processo de composiÃÃo com vÃrios pontos de aproximaÃÃo entre os dois artistas. / Painting and Literature, although they consist of different activities, interact and communicate to each other into a large field, denominated Art. This study aims to approximate, like a dialogue, between Poetry and Painting. We propose a comparative approach between some parts of the Spanish painter Joan MirÃâs (1893-1983) work and some poems of A pedra do sono (1942), by JoÃo Cabral de Melo Neto (1920-1999), a Brazilian poet from Pernambuco. This study will have as a backdrop the Surrealist aesthetic, postulated by Andrà Breton, in 1924, in France. We will have as a fundamental theoretical basis JoÃo Cabral de Melo Netoâs thought, exhibited in a critical essay, in 1949, entitled âJoan MirÃâ. The famous âengineer poetâ had a strong relation with the Literary Theory, and he wrote some critic texts of Art and Literature, in which the author discusses about the artistic composition process, kinds of aesthetic, literary movements, Brazilian and foreign personalities. To enable this analyses, we used the Comparative Literature Theoretical, like: TÃnia Carvalhal, Sandra Nitrini, Julia Kristeva e Mikhail Bakhtin; and the Art critics: Fayga Ostrower, Omar Calabrese, Paul ValÃry, among other, who have allowed a comprehension about artistic movements, kinds of aesthetic and creationâs and compositionâs peculiar techniques. We will begin thinking about Art and artistic making; then, JoÃo Cabral de Melo Netoâs artistic profile will be focused, as his theoretical/critical face, based on his Joan Mirà study. The last step includes an analysis of the JoÃo Cabralâs essay about MirÃâs paintings, concerned to his own work. The dialogue is made possible with regard to the evidence of recurrent themes, as well as the composition process with a lot of approximated points between those artists.

CoordenaÃÃo de AperfeiÃoamento de NÃvel Superior / A produÃÃo brasileira na literatura de temÃtica homoafetiva passou ao longo do sÃculo XX por uma significativa evoluÃÃo quantitativa e mesmo qualitativa. Ainda assim, a abordagem do tema envolvendo personagens na infÃncia e/ou prÃ-adolescÃncia continua bastante rarefeita na criaÃÃo literÃria brasileira. ApÃs um levantamento do que jà se produziu em nossa literatura com a homoafetividade na infÃncia sendo diretamente ou mesmo sutilmente abordada nos textos, a partir da publicaÃÃo de O Ateneu, de Raul PompÃia, em 1888, selecionamos quatro narrativas por meio das quais analisamos como as personagens literÃrias em idade infantil vivem situaÃÃes de desejo homoafetivo: o prÃprio O Ateneu; CapitÃes da areia (1937), de Jorge Amado; Dona Sinhà e o filho padre (1964), de Gilberto Freyre; e Limite branco (1970), de Caio Fernando Abreu. Verificamos as representaÃÃes de poder surgidas a partir de contextos em que a crianÃa se apresenta envolvida nesse tipo de relaÃÃo, seja nas interaÃÃes entre as personagens, adultos e crianÃas, ou de acordo com o contexto apresentado (famÃlia, escola, igreja, rua) e ainda no que toca à prÃpria linguagem literÃria utilizada pelos ficcionistas. Para subsidiar a anÃlise, trabalhamos os conceitos de infÃncia, sexualidade, homoafetividade, poder (segundo Michel Foucault), com base no aparato teÃrico a respeito das personagens literÃrias. / The Brazilian production of homoaffective themes/issues in literature evolved significantly both in quantitative and qualitative terms throughout the twentieth century. Still, the approach to the subject involving characters in childhood and / or pre â adolescence is quite scarce in Brazilian literary creation. Based on a survey of what has been written in Brazilian literature regarding homoaffective relations in childhood addressed in the texts directly or in a subtle way, from the publication of O Ateneu (The Athenaeum), by Raul Pompeia, in 1888, four narratives were selected, through which we analyze how literary child characters face homoaffective desire: O Ateneu; CapitÃes da areia (Captains of the sands) (1937) by Jorge Amado, Dona Sinhà e o filho padre (Mother and son) (1964), by Gilberto Freyre, and Limite branco (White boundary) (1970), by Caio Fernando Abreu. We analyzed the representations of power arising from contexts in which the child has engaged in this kind of relationship, the interactions between the characters, adults and children, in relation to the given context (family, school, church, street) and the literary language used by the authors. To complement this analysis, we dealt with the concepts of childhood, sexuality, homosexuality, power (according to Michel Foucault), based on the theoretical background and apparatus of the literary characters.

Submitted by Marlene Santos (marlene.bc.ufg@gmail.com) on 2014-09-25T20:37:00Z No. of bitstreams: 2 Moura, Alexssandro Ribeiro.pdf: 2077979 bytes, checksum: 4c27f2f1d4b99882dff771b39348ab8e (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2014-09-26T11:05:15Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Moura, Alexssandro Ribeiro.pdf: 2077979 bytes, checksum: 4c27f2f1d4b99882dff771b39348ab8e (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-09-26T11:05:15Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Moura, Alexssandro Ribeiro.pdf: 2077979 bytes, checksum: 4c27f2f1d4b99882dff771b39348ab8e (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Previous issue date: 2014-04-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This work consists of an analysis of poetry and cinema. The works of the poet Manoel de Barros and filmmaker Glauber Rocha are read, critically, supported by theories of comparative literature, cultural studies, semiotics, linguistics, critical and literary theory and criticism and film theory. Our goal is to reflect on the work of art in contemporary society and its influences and transformations in the XX and XXI centuries. For this, we use the collection of the two authors mentioned because this method allows us to observe the traffic flowing and mutual dialogue between creative writing and filmmaking, bringing aesthetic elements, structural, thematic and stylistic, not the subordination of one artistic field to another. In Barros‟ poetry, we analyze the following books: Poemas concebidos sem pecado (1937), Compêndio para uso de pássaros (1960), O livro de pré-coisas (1985), Concerto aberto para solos de ave (1991), Ensaios Fotográficos (2000) e Menino do Mato (2010). In Rocha‟s cinema we stopped in the following films: Barravento (1961), Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964) e Terra em Transe (1967). The choice of these specific works of each author was made in light of an epistemological framework that aims to investigate the transformation of creative verve of the two artists along the trajectory of each in your field. Such works bring emblematic aspects that symbolize and synthesize perspectives of reading and artistic production expanding their limits and boundaries, enabling a range of sharpening to look at the image performed in film and poetry. / Este trabalho é composto por uma análise de poesia e cinema. As obras do poeta Manoel de Barros e do cineasta Glauber Rocha são lidas, de modo crítico, com apoio em teorias da literatura comparada, dos estudos culturais, da semiótica, da linguística, da crítica e teoria literária e da crítica e teoria cinematográfica. Nosso objetivo é refletir sobre a obra de arte na contemporaneidade e suas influências e transformações sofridas nos séculos XX e XXI. Para isso, utilizamos o acervo dos dois autores mencionados porque este método nos permite observar o trânsito fluente e o diálogo mútuo entre criação literária e criação cinematográfica, aproximando elementos estéticos, estruturais, temáticos e estilísticos, sem a subordinação de um campo artístico ao outro. Na poética de Manoel de Barros, analisamos os seguintes livros: Poemas concebidos sem pecado (1937), Compêndio para uso de pássaros (1960), O livro de pré-coisas (1985), Concerto aberto para solos de ave (1991), Ensaios Fotográficos (2000) e Menino do Mato (2010). Na poética glauberiana nos detivemos nos seguintes filmes: Barravento (1961), Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964) e Terra em Transe (1967). A escolha dessas obras específicas de cada autor foi feita à luz de um recorte epistemológico que visa investigar a transformação da verve criativa dos dois artistas ao longo da trajetória de cada um deles em seu campo de atuação. Tais obras trazem aspectos emblemáticos que simbolizam e sintetizam perspectivas de leitura e produção artística elasticizando seus limites e fronteiras, o que promove uma autonomia para o aguçamento do olhar diante da imagem realizada no cinema e na poesia.

Submitted by Rosivalda Pereira (mrs.pereira@ufma.br) on 2017-05-17T17:33:24Z No. of bitstreams: 1 LuisFreitas.pdf: 1262995 bytes, checksum: dee88b1bb33b14c95fab4165b30db13f (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-17T17:33:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 LuisFreitas.pdf: 1262995 bytes, checksum: dee88b1bb33b14c95fab4165b30db13f (MD5) Previous issue date: 2017-03-24 / This presente study aims to analyze the geographycity in two important Literature books in portuguese language named Vidas secas, by the brazilian author Graciliano Ramos and Os flagelados do vento leste, by the Capeverdian writer Manuel Lopes. The brazilian novel portraits a countryside family which has a hard life in the northeastern backwoods due to the drought phenomenon that reaches the region where these people live and, because of that, they move to other regions in search of surviving.The Capeverdian book points out a sad scenery in which the drought reaches all aspects of life of the characters forcing them to be reduced to the removers plagued condition by hunger. The analysis will be done based on the principles and concepts of the Cultural Humanist Geography, in which discussions related to landscape, space, place, topophilia, topophobia,perception and experience will be held in the light of this Humanist bias of phenomenological-existential basis, developted, by Eric Dardel, YiFu Tuan, Edward Relph and others. The Geography and Literature specificities will be showed as well as the contacts and distance aspects between these two study areas. It will be emphasized the historical, social and cultural contextualization of both books, based on their aesthetic-literary value. / Objetiva-se com o presente estudo analisar a geograficidade em duas obras importantes das literaturas em língua portuguesa intituladas Vidas secas, do brasileiro Graciliano Ramos e Os flagelados do vento leste, do cabo-verdiano Manuel Lopes. O romance brasileiro trata de uma família sertaneja que leva uma vida sofrida no sertão nordestino devido ao fenômeno da seca que assola a região onde vive e, por causa disso, desloca-se para outras regiões em busca da sobrevivência. A obra caboverdiana evidencia um cenário desolador em que a seca assola todos os aspectos da vida das personagens a ponto de reduzi-las à condição de retirantes flageladas pela fome. A análise será realizada a partir dos princípios e conceitos da Geografia Humanista Cultural, em que serão discutidos os conceitos de paisagem, espaço, lugar, topofilia, topofobia, percepção e experiência à luz desse viés humanista de base fenomenológico-existencial, desenvolvido, sobretudo, por Eric Dardel, Yi-Fu Tuan, Edward Relph e outros. Serão evidenciadas as especificidades da Geografia e da Literatura, bem como os pontos de aproximação e distanciamento entre as duas áreas do conhecimento. Será dada ênfase à contextualização histórica, social e cultural das respectivas obras, em que pese seu valor estético-literário.