Este estudo trata de evidenciar, a partir de experiências artísticas e da descrição densa dos processos, o conceito do corpo-testemunha no fenômeno do acontecimento, o qual tratamos como \"encruzilhada poética\". A partir de uma plataforma política de investigação poética, intitulada Projeto Cálice! Ou Negras Memórias Construção n. 3, o artista-pesquisador imergiu dentro do próprio processo artístico, ora entendido como parte da sua formação continuada como artista da cena, para colher suas considerações sobre a interferência de questões éticas e estéticas que atravessam a experiência autoral e propositiva no campo das artes cênicas. Das questões éticas as quais o autor aborda, a tese destaca como as relações étnico-raciais, especialmente ao que concerne o sujeito negro brasileiro, interferem na constituição de uma subjetividade que motiva uma linguagem particular que evidencia a tensão étnico-racial entre estes sujeitos e a sociedade. Das questões estéticas, o autor descreve e analisa como uma forma de pensamento particular, que se orienta a retomar o aspecto de ritual da cena, é capaz de ressignificar positivamente um pensamento filosófico afro-brasileiro. O autor sistematiza sua análise a partir da experiência em três trabalhos abertos que se desenvolvem em sua referida plataforma política de investigação poética: Marca-Dor, Cálice e Preto s/ preto. Neles, observa-se as tenções existentes entre a Performance e a Teatralidade, a partir da experiência no acontecimento do encontro. Busca-se cercar a questão do encontro, sob a perspectiva epistêmica da ideia de encruzilhada poética, adotando um conceito cultural êmico com referência à cultura afro-brasileira, que sugere a noção de caminhos e objetivos que se cruzam em um determinado espaço-tempo. Como lógica empreendida para entender o encontro na perspectiva epistêmica da encruzilhada, o autor lança mão do conceito de corpo-testemunha, compreendendo que, embora a experiência dos trabalhos performáticos seja efêmera e passageira, o corpo é o elemento fundamental para a construção da subjetividade na experiência como também é o prõtos (primeiro, mais importante), meio e fim para a compreensão das relações subjetivas. / Cette étude tente de mettre en évidence, apartir des expériences artistiques et la description dense des processus, le concept du « corps-témoin » dans le phénomène de l\'événement, que nous traitons comme un « carrefour poétique ». D\'une plateforme politique de recherche poétique, intitulée Projeto Cálice! Ou Negras Memórias Construção n. 3, l\'artiste-chercheur s\'est immergé dans le processus artistique lui-même, maintenant compris dans le cadre de sa formation continue en tant qu\'artiste de la scène, pour rassembler leurs réflexions sur l\'interférence de questions éthiques et esthétiques qui traversent l\'expérience de l\'auteur dans le domaine des arts de la scène. Des questions éthiques que l\'auteur aborde, la thèse met en évidence comment les relations ethniques et raciales, surtout en ce qui concerne le sujet noir brésilien, interférent dans la constitution d\'une subjectivité qui motive un langage particulier, qui montre la tension ethnique-raciale entre ces sujets et la société. Des questions esthétiques, l\'auteur décrit et analyse comment une façon de penser particulière, qui est orienté pour reprendre l\'aspect rituel de la scène, est capable de réaffecter positivement la pensée philosophique afro-brésilienne. L\'auteur systématise son analyse apartir de l\'expérience dans trois oeuvres ouvertes qui sont développées dans sa plate-forme politique de l\'investigation poétique: Marca-Dor, Cálice e Preto s/ preto. Dans ces oeuvres, il est observé les tensions existantes entre la Performance et la Théâtralité, apartir de l\'expérience dans l\'événement de la rencontre décontractée. Il cherche à entourer la question de la rencontre décontractée, sous la perspective épistémique de l\'idée de « carrefour poétique », un concept en référence à la culture afro-brésilienne, ce qui suggère la notion de chemins et d\'objectifs qui se croisent dans un espace-temps donné. Comme une logique entreprise pour comprendre la rencontre décontractée dans la perspective épistémique du carrefour poétique, l\'auteur utilise le concept d\'un « corps-témoin » : il ça veut dire que le corps est l\'élément fondamental de la construction de la subjectivité dans l\'expérience, bien que l\'expérience en performance art soit éphémère et transitoire. Ainsi que le corps est aussi le prõtos (principe, le plus important), le milieu et le fin pour la compréhension des relations subjectives.

Souvent perçu comme le poète de la « nature » par excellence, William Wordsworth serait bien plutôt celui qui a donné définitivement congé à une riche tradition descriptive, puisque les évocations du paysage sont chez lui bien plus rares que chez tous ses prédécesseurs du XVIIIe siècle. Le présent travail se propose de prêter attention à cette raréfaction, qu’on peut également voir, sur le plan de l’histoire esthétique, comme le moment d’émergence d ’une modernité abstraite. La poésie wordsworthienne, qui a pour ambition de refonder le langage et les formes poétiques par un retour à l’authenticité de la nature, apparaît indissociablement comme une rupture avec un mode essentiel de la première modernité anglaise, celui des Géorgiques. Elle prend ainsi acte de la crise de la représentation qui affecte l’optimisme du XVIIIe siècle et qui empêche désormais de voir dans le paysage la manifestation d’ un ordre providentiel. Le « romantisme » anglais est ce qui surgit au défaut de la cosmologie, pour témoigner d’une fondamentale absence au monde. Cette évolution est ici étudiée en deux temps. On s’attachera d’abord à retracer, dans son détail, la trajectoire de la poésie de jeunesse de Wordsworth et de Coleridge, pour montrer que le moment refondateur de Lyrical Ballads intervient au terme d’un épuisement des formes et de la topique qui garantissaient traditionnellement l’intelligibilité du cosmos. Et l’on abordera ensuite trois moments distincts de la maturité poétique de Wordsworth [1798, 1802, 1807], qui suggèrent que le retour de l’idéologie dans son œuvre répond intimement à l’ébranlement radical dans lequel elle trouve son inspiration. / It is remarkable that Wordsworth should still be seen as the quintessential nature poet, when his poetry actually marks the demise of a well-established descriptive tradition in 18th-century English literature: depictions of landscape are much shorter and much less frequent in Wordsworth than in any of his predecessors. The present dissertation explores this paradox, a paradox which in historical and aesthetic terms could be read as heralding a « modern » shift towards abstraction. Wordsworth’s attempt to regenerate the forms and language of poetry through a recovery of « natural » authenticity amounts to a break with the Georgic mode crucial to English early modernity. It stems from the crisis in representation which attended the darkening of 18th-century optimism and meant that landscape could no longer be perceived as evidence of an immanent world-order. Romanticism in Wordsworth registers the default of cosmological discourse. I have tried to analyse this break in a twofold manner. The first part of this dissertation attempts to retrace, through close readings of Wordsworth’s and Coleridge’s early poetry, the gradual exhaustion of shared or conventional forms and meanings which led to the foundational moment of Lyrical Ballads. The second part, on the other hand, is concerned with Wordsworth’s subsequent evolution and attempts to chart it from three distinct moments [1798, 1802, 1807], suggesting that the poet’s increasing reliance on a conservative ideology is intimately bound up with the earlier, more radical aspects of his work.

Souvent perçu comme le poète de la " nature " par excellence, William Wordsworth serait bien plutôt celui qui a donné définitivement congé à une riche tradition descriptive, puisque les évocations du paysage sont chez lui bien plus rares que chez tous ses prédécesseurs du XVIIIe siècle. Le présent travail se propose de prêter attention à cette raréfaction, qu'on peut également voir, sur le plan de l'histoire esthétique, comme le moment d'émergence d 'une modernité abstraite. La poésie wordsworthienne, qui a pour ambition de refonder le langage et les formes poétiques par un retour à l'authenticité de la nature, apparaît indissociablement comme une rupture avec un mode essentiel de la première modernité anglaise, celui des Géorgiques. Elle prend ainsi acte de la crise de la représentation qui affecte l'optimisme du XVIIIe siècle et qui empêche désormais de voir dans le paysage la manifestation d' un ordre providentiel. Le " romantisme " anglais est ce qui surgit au défaut de la cosmologie, pour témoigner d'une fondamentale absence au monde. Cette évolution est ici étudiée en deux temps. On s'attachera d'abord à retracer, dans son détail, la trajectoire de la poésie de jeunesse de Wordsworth et de Coleridge, pour montrer que le moment refondateur de Lyrical Ballads intervient au terme d'un épuisement des formes et de la topique qui garantissaient traditionnellement l'intelligibilité du cosmos. Et l'on abordera ensuite trois moments distincts de la maturité poétique de Wordsworth [1798, 1802, 1807], qui suggèrent que le retour de l'idéologie dans son œuvre répond intimement à l'ébranlement radical dans lequel elle trouve son inspiration.

Submitted by Glauber de Assunção Moreira (glauber.moreira@ufba.br) on 2018-09-21T17:45:15Z No. of bitstreams: 1 CORPO DA TESE-Total.pdf: 27942627 bytes, checksum: 2d95ca7f8cd3ba25101536c866640617 (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-09-24T19:08:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 CORPO DA TESE-Total.pdf: 27942627 bytes, checksum: 2d95ca7f8cd3ba25101536c866640617 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-24T19:08:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 CORPO DA TESE-Total.pdf: 27942627 bytes, checksum: 2d95ca7f8cd3ba25101536c866640617 (MD5) / Esta pesquisa foi conduzida pelo desejo de gerar um projeto de encenação; seu objeto é um processo criativo, e situa-se no ponto de vista do artista, para o qual compreender, tornar visível e comunicável sua poética e o trajeto construtivo da mesma constitui o “método”. A partir de sessenta e três desenhos inéditos, e dezesseis poemas, também inéditos, de autoria da própria pesquisadora, estudam-se os temas e imagens mais recorrentes nesse conjunto de obras, inspirando-se no método da psichocritique de Mauron. Como desdobramento desse primeiro corpus, revelam-se constelações de poemasdesenhos e temas dominantes no conjunto, em fusões, repetições, transformações. Essas dominâncias constituem-se em Corpus Gerador, utilizado nos formatos criativos produzidos pela pesquisa: livro, vídeo, espaços, objetos, culminando na concepção de um Espetáculo-Exposição. Este trabalho está inserido numa vertente da pesquisa sobre o imaginário, tendo o jogo, a imagem e a memória como geradores da criação cênica; como pensamento das formas e formas do pensamento, nutre-se de leituras de obras já realizadas, inéditas, para gerar novas obras. O conceito de “visibilidade” em Calvino, que se traduz como “pensar por imagens”, soma-se aqui às idéias de “jogo como fundamento da cultura”, inspiradas em Huizinga e Caillois, e de “imagem como produtora de conhecimento”, na ótica de Bachelard e Durand. Partindo de um tipo de interiorização da experiência sensível, espera-se que essas idéias de observação e interpretação da experiência estética e cultural possam inspirar outros artistas e pesquisadores da arte, mais ainda, os que desejam realizar sua própria poética como objeto de estudo na academia. / Cette recherche a pour objet de créer um projét de mise en scéne à partir d’une démarche créative. Elle se situe du point de vue de l’artiste par lequel comprendre, révéler et communiquer sa poétique et sa démarche constructive constituent la “méthode”. Le travail a porté sur une oeuvre inédite du chercher lui-même, constituée de soixante trois dessins et seize poèmes, dont nous avons étudié les thèmes et les images les plus récurants en s’appuyant sur la méthode de la psychocritique de Mauron. Dans le déroulement de ce corpus initial, apparaissent des constellations de dessins-poèmes et de thèmes dominants, en mouvement de fusion, de répétition et de transformation. Ces dominantes forment le Corpus Générateur utilisé suivant les supports créatifs produits par la recherche : livre, film vidéo, espaces, objets dont le point culminant est la conception d’un Spectacle- Exposition. Ce travail s’insère dans la recherche sur l’imaginaire, utilisant le jeu, l’image et la mémoire comme simulateurs de créativité dans la mise en scène. Comme la pensée sur les formes et les formes de la pensée, il se nourrit d’oeuvres inédites et dejà existantes pour en générer de nouvelles. Le concept de «visibilité» chez Calvino, qui se traduit en «penser par images», s’ajoute ici à l’idée de «jeu comme fondement de la culture» traitée par Huizinga et Caillois et à celle d’ «image productrice de connaissance» dans l’optique de Bachelard et Durand. A partir d’un mode d’intériorisation, de reflexion sur l’expérience sensible, nous pensons que ces idées d’observation et d’interprétation de la pratique esthétique et culturelle peuvent contribuer à inspirer d’autres artistes et chercheurs en arts et plus encore, ceux qui désirent faire de leur propre poétique un objet d’étude.

Cette thèse poursuit l’objectif d’interpréter la première partie du corpus poétique de Mario Luzi, par l’auteur lui-même recueilli sous le titre de Giusto della vita (1935-1956), en le confrontant avec des thèmes et des auteurs classiques de la poésie symboliste française. En effet, la poésie de Luzi compte parmi ses tâches principales, celle de récupérer presque un siècle d’expérience symboliste en la condensant dans le tronçon de la tradition poétique italienne.Les trois parties de la thèse suivent l’évolution chronologique des recueils luziens,considérés dans leur version définitive au sein de la première partie du corpus poétique publié en volume par l’auteur en 1960. La première partie portera donc sur l’analyse du premier livre poétique de Luzi, La Barca, la deuxième sur les recueils soi-disant « hermétiques» (AvventoNotturno, Un Brindisi, Quaderno Gotico), la troisième sur les deux recueils de l’après-guerre(Primizie del Deserto et Onore del Vero). / The main task of this work it’s to propose a hermeneutic line to the first part of Luzi’spoetic work, Il Giusto della Vita (1935-1956), by confronting it with some classical themes andauthors of the French symbolism. The first part will comment the first poetical Luzi’s book, La Barca, the second one the hermetical books (Avvento Notturno, Un Brindisi, Quaderno Gotico),the last one the two books of the immediate after-war period (Primizie del deserto et Onore delVero)

Submitted by Maria Silvia do Nascimento null (mariasilvinha@uol.com.br) on 2017-10-18T13:52:39Z No. of bitstreams: 1 NASCIMENTO, Maria Silvia do - Olha a palhaça - dissertação_vf.pdf: 13285586 bytes, checksum: ddecab6e1d4c8786d9590bb6068742ff (MD5) / Approved for entry into archive by Luiz Galeffi (luizgaleffi@gmail.com) on 2017-10-23T18:56:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 nascimento_ms_me_ia.pdf: 13285586 bytes, checksum: ddecab6e1d4c8786d9590bb6068742ff (MD5) / Made available in DSpace on 2017-10-23T18:56:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 nascimento_ms_me_ia.pdf: 13285586 bytes, checksum: ddecab6e1d4c8786d9590bb6068742ff (MD5) Previous issue date: 2017-08-24 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Cette recherche s'approche des questions de genre liés à clownerie en utilisant le répertoire et des expériences des artistes Lily Curcio et Lilian Moraes. Pour une telle approche, la methodologie contient l'appréciation critique des présentations de divers clownes, des entretiens avec les artistes et l'analyse de leurs biographies, l'expérience dans les processus de formation des clowns et les expériences de l'auteur elle-même tandis que chercheur et clowne. Il s’agit de la diversité des concepts concernant le clownerie, des parcours des femmes dans cet art et des approches avec d'autres performances comiques féminines. Il cherche également à comprendre les concepts liés au genre comme marqueur social de la différence et une façon de comprendre les spécificités du comique faite par les femmes à travers la clownerie, en mettant l'accent sur les processus de subversion et de déstabilisation des normes imposés socialement aux femmes. Plus tard, la création des clowns Jasmine et Currupita sont analisés dans le détail plein, la création des spectacles À-las-pi-pe-tuá et A Borralhona, proposant la réflexion concernant les procédures de création, les propres ressources de clownerie, dramaturgie, le comique et des partitions vocales, des relations avec le public, en soulignant le rapport du comique en relations avec des quéstions de genre. / Esta pesquisa aborda as questões de gênero relacionadas à palhaçaria valendo-se do repertório e experiências das artistas Lily Curcio e Lilian Moraes. Para tal aproximação, sua metodologia inclui a apreciação crítica de apresentações de diversas palhaças, entrevistas com artistas e análise de suas biografias, vivência em processos de formação em palhaçaria e as experiências da própria autora enquanto pesquisadora e palhaça. São abordados diversos referenciais teóricos acerca da palhaçaria, dos percursos das mulheres nessa arte e possíveis aproximações com demais atuações cômicas femininas. Também se busca a compreensão de conceitos relacionados ao gênero enquanto marcador social de diferença e uma maneira de compreender as especificidades da comicidade feita por mulheres por meio da palhaçaria, com destaque para os processos de subversão e desestabilização das normas impostas socialmente às mulheres. Posteriormente, se analisa detalhadamente a criação das palhaças Jasmim e Currupita, a criação dos espetáculos A-las-pi-pe-tuá e A Borralhona, propondo a reflexão acerca dos procedimentos de criação, recursos próprios da palhaçaria, dramaturgia, partituras corporais e vocais, relações com o público, sublinhando uma perspectiva da comicidade em relação às questões de gênero.

Le présent mémoire vise à démontrer que la collection « Les Poètes du Jour » (1963-1975) des Éditions du Jour constitue un véritable vivier et qu'elle abrite des réseaux réels et virtuels, qui peuvent être décelés grâce à l'analyse des caractéristiques socioprofessionnelles des auteurs et du paratexte des oeuvres qui la composent. Nous entendons dévoiler les enjeux relatifs à chacun de ces types de réseaux. En plus d'un historique des Éditions du Jour, le premier chapitre propose un rappel des parcours de Jacques Hébert, directeur des Éditions du Jour, de Gatien Lapointe et de Michel Beaulieu, qui ont joué un rôle déterminant dans l'évolution des « Poètes du Jour », ainsi que de Marcel et François Hébert, directeurs de la collection durant ses dernières années d'existence. Leur formation, leur trajectoire dans le champ littéraire québécois et surtout leurs liens avec de (futurs) auteurs de la collection sont décrits et analysés. Les toutes premières manifestations de réseaux au sein de la collection sont ainsi circonscrites.Le deuxième chapitre est consacré à l'analyse des liens et réseaux réels proprement dits. L'examen des caractéristiques socioprofessionnelles des auteurs démontre la présence de cohortes et de générations de poètes, ou encore de réseaux réels, à l'intérieur des « Poètes du Jour ». Or, le fait de prendre part à un réseau se traduit toujours par un gain de capital (symbolique, économique, social) pour l'auteur concerné : publication chez un éditeur reconnu, obtention d'un poste au sein d'une institution, accès au réseau de relations d'un ami, notamment. La question des liens et réseaux virtuels formés aux « Poètes du Jour » vient compléter cette étude dans le troisième et dernier chapitre. L'analyse des principaux éléments paratextuels des recueils de la collection mettra en évidence les affinités (esthétiques, voire idéologiques) et les accointances qui se tissent entre les auteurs de la collection ou encore entre les « Poètes du Jour » et d'autres poètes québécois. L'analyse des préfaces, des dédicaces, des épigraphes et de la réception critique indique que les liens et réseaux virtuels ne sont jamais neutres et remplissent une fonction particulière : défense et légitimation d'une poétique dominante dans le champ littéraire, accréditation des nouvelles écritures au détriment de celles relevant de l'arrière-garde, promotion d'un jeune poète, inscription d'une oeuvre dans une tradition littéraire établie, etc. Notre double analyse, quantitative et qualitative, mettra en évidence que la collection « Les Poètes du Jour » est plus qu'un simple ensemble de titres : elle est en fait un véritable lieu de rencontre et de rassemblement pour de nombreux poètes, plus spécifiquement ceux de la jeune génération, qui s'y rencontrent et s'y côtoient. Plusieurs d'entre eux ont notamment étudié dans les mêmes établissements scolaires, se connaissent à leur milieu de travail ou alors convergent vers les mêmes lieux éditoriaux, ce qui facilite la formation de liens et réseaux réels aux « Poètes du Jour ». L'accumulation de différents éléments paratextuels indique la formation de liens et de réseaux virtuels, où des écritures (la « poésie du pays », le formalisme, l'écriture des femmes et la contre-culture) émergent et sont théorisées.

La plupart des problématiques évoquées en esthétique au XXIe siècle tournent autour de la question du personnage de fiction. Dans ce cadre, cette étude essaie d'examiner comment les stratégies esthétiques et la poétique de la réception sont liées, à travers l'œuvre d'un auteur autrichien, Stefan Zweig, qui écrivit non seulement un grand nombre de récits fictionnels (essentiellement des nouvelles et romans), mais également des essais historiques et géographiques. Sa poétique du récit construit des situations de communication, comme le récit enchâssé, dans lesquelles le lecteur est invité à s'impliquer, face à un personnage dont les propres mots forment la seule version des faits racontés dans la fiction. Dans le même ordre d'idée, les personnages, qu'il soient héros de fiction ou de biographie, sont souvent placés dans une situation de crise, qui à la fois révèle une destinée intérieure et se présente comme une conséquence inéluctable de leurs actes. Tous les éléments de leur vie et de leur personnalité convergent donc, et s'expliquent les uns les autres, comme si les personnages de Zweig devenaient des êtres totalement cohérents. En conclusion, il semblerait que les personnages de biographie s'inscrivent dans les problématiques touchant également la fiction, et même qu'ils appartiennent à la catégorie des personnages de fiction ; il sera donc productif de leur appliquer les outils de la critique narrative, par exemple en ce qui concerne la perspective du lecteur et les mécanismes affectifs de projection. / Most of the aesthetics questions of the XXIst century are focalised on the issue of fictional character. In this frame, this study try to examine how aesthetical strategies and poetics of reception are connected through the case of an austrian author, Stefan Zweig, who wrote not only a lot of fictional narratives (essentially short stories and novels), but also historical and geographical essays.His narrative poetic draw situations of communication, like framed narrative, in which the reader is invited to implicate himself, face to a character whose words are the only one version of fictional facts. In the same order of ideas, characters, in fiction or in biographies, are often placed in a critical situation, that reveals in the same time an inner destiny and unaffordable consequence of the way they act. So all elements of life and personnality are convergent, and can explain each other, as if Zweig's characters were totally coherent beings. To conclude, it appears that biographical characters have fictional problematics, and more, they belong to the category of fictional characters ; consequently, it is productive to apply to it the tools of narrative critic, for instance in the perspective of reader and affectives mecanisms of projection.

Est-il encore possible de vivre et d’habiter l’espace aménagé et construit en particulier, quant à considérer le déluge technoscientifique et industriel qui détermine et influence le domaine de l’architecture moderne ? Le rationalisme et le fonctionnalisme d’une certaine tendance de l’architecture moderne en intégrant les progrès technoscientifiques et industriels dans le monde de la maison, semble condamner l’expérience d’habiter à une crise irréversible. L’activité architecturale se voulant conforme aux progrès scientifiques et techno-industriels, elle impose à l’expérience pratique de la maison et préscientifique des lieux de vie, des normes de vie découlant de la seule raison. C’est en général une architecture et un urbanisme modernes abstraits et fonctionnalistes qui se développent en suivant la voie de l’objectivité rationnelle ouverte par Galilée et Descartes, ils maîtrisent, administrent et esthétisent le tout du monde ainsi que toutes les expériences humaines à l’espace en les dépouillant des considérations poétiques, mythologiques et affectives. Ainsi, la construction des institutions humaines d’habitation devient dans l’identification de la crise d’habiter, un « processus technologique prosaïque dérivant directement de la raison mathématique, d’un diagramme fonctionnel, ou d’une règle de combinaisons formelles » au désavantage de l’expérience concrète d’habiter. Mais si l’architecture n’a pas affaire qu’à elle-même, si elle n’est pas une pratique qui trouve sa fin en elle-même puisqu’elle s’ouvre vers l’autre, comment peut-on philosophiquement toujours espérer habiter authentiquement, originairement et poétiquement le monde et l’espace de la maison en particulier ? La philosophie, par l’approche phénoménologique et herméneutique à partir de Gaston Bachelard et Merleau-Ponty, présente pour l'expérience moderne d'habiter, des voies significatives originales qui permettent de répondre à la crise qu’elle connait. En renouvelant autrement que par la seule connaissance rationnelle les relations de l'homme à l'espace, elle se présente comme une voie remarquable de ré-compréhension, de relecture et de ré-enchantement de l’expérience originaire d’habiter le monde, la ville et l’espace de la maison. / Is it still possible to inhabitate and live the laid out and constructed space in particular, as for considering the techno and industrial flood that determines and influences the field of modern architecture? Rationalism and functionalism of a given trend of modern architecture by incorporating techno and industrial progress in the world of home, seems to condemn the experience of living in an irreversible crisis. The architectural activity wanting to meet scientific and techno-industrial progress, it requires practical experience in home and prescientific places of life, of living standards arising from the only reason. It is a general an architecture and a modern, abstract and functionalist urbanism that develop along the path of rational objectivity initiated by Galileo and Descartes, they control , manage and aestheticize the whole world and all human experience to space by stripping poetic , mythological and emotional considerations. Thus, the construction of human institutions housing becomes in identifying the crisis of living a «prosaic and technological process deriving directly from the mathematical reason, a functional diagram, or a rule of formal suits «in drawback of the concrete experience of living. But if the architecture does not matter to itself, if it is not a practice that is an end in itself because it opens to another, how can we still philosophically hope to authentically, originally and poetically live the world and the space of the house in particular? Philosophy, by phenomenological and hermeneutic approach inheritated from Gaston Bachelard and Merleau-Ponty presents to the modern experience of living, original significant ways that respond to the crisis it faces. Renewing differently more than the only purely rational knowledge the relations of man to the space, it presents itself as a remarkable way of re- understanding, rereading and re-enchantment of the original experience of inhabitating the world , the city and the space of the house.

L’œuvre fictionnelle et critique de Maurice Blanchot entretient des rapports intenses avec la philosophie et la littérature allemande. Alors que la relation de Blanchot à la philosophie allemande a été largement étudiée, la thèse suivante porte sur son rapport à « l’espace littéraire »allemand – beaucoup moins analysé – et en particulier sur le « genre » fragmentaire qui fonde toute l’œuvre blanchotienne. Après un bref retour sur cette notion polysémique et complexe, on découvre dans les différents chapitres les empreintes profondes laissées par Franz Kafka et Paul Celan dans l’œuvre de Blanchot autour de cette « expérience du fragmentaire » vécue par les trois auteurs selon des modalités différentes.La première partie expose les liens qui unissent les trois auteurs afin d’explorer dans la deuxième partie les caractéristiques communes aux trois écritures fragmentaires. L’exil, la rupture imposée par la Shoah, la lecture comme processus de fragmentation, le rapport entre inconscient et écriture fragmentaire, l’esthétique du blanc et du vide, qui habite ces écritures, sont quelques uns des axes principaux de cette étude. Un des apports de cette recherche est la redéfinition du fragmentaire comme « style » à part entière. De plus, l’ensemble du travail est enrichi d’annexes regroupant notamment des manuscrits de Blanchot qui permettront au lecteur de saisir cette expérience à l’œuvre. / Both fictionnal and critical works of Maurice Blanchot have intense relations with the germanliterature and philosophy. But, whereas Maurice Blanchot’s relation to the german philosophy hasbeen widely studied, the following thesis cares about the german « literary space » – far lessanalysed – and more particularly about the fragmentary « genre » that structures the whole of Blanchot’s work. After briefly going back on this complex and polysemous notion, we discoverthrough the different chapters the deep imprints that both Franz Kafka and Paul Celan left onBlanchot’s work around this « fragmentary experience », which the three authors each livedaccording to different modalities.The first part of the work shows the links uniting the various authors so as to explore in the secondpart the common features to the three fragmentary writings. Among the various axis of this studyare the notion of exile, the breaking imposed by the Shoah, the experience of reading as a processof fragmentation, the relation between unconsciounesss and fragmentary writing, the aesthetics ofwhite and emptiness present in the works. One of the contributions of this research is that itredefines the fragmentary genre as a full-fledged style. Further more, the whole of the work is enhanced by annexes bringing together in particular some of Blanchot’s manuscripts. These willhelp the reader understanding this experience in process.