Mémoire en recherche-création / je parlerai des amélanchiers de saint-maxime-du-mont-louis est un récit en fragments composé en quatre sections/saisons. Ce texte-mosaïque dépeint une certaine écologie haute-gaspésienne : communauté, horticulture, amour, déchirures, solidarité, distance, violence, partage, résilience, autosuffisance. Ce récit, qui fait le pari de la douceur et de l’espoir, laisse entendre une critique des jeux de pouvoir permis par le capitalisme et son régime de propriété privée. je parlerai des amélanchiers de saint-maxime-du-mont-louis laisse entrevoir un monde de possibilités (complexes et fluides) où la nature impose son rythme. ARWEN 37 – une tentative est un essai en fragments qui propose une analyse des visées et des effets du texte Un œil en moins, de Nathalie Quintane. Le texte pose (et incarne) la question de la littérature comme espace de résistance politique : l’essai (la tentative) donne lieu à un exercice de déconstruction des normes et exigences qui entourent la rédaction d’un mémoire en littératures de langue française. ARWEN 37 – une tentative explore le thème de la séparation (ou du rattachement) entre « politique » et « littérature ». Ce texte, qui puise à la fois dans l’intime et le social, dénonce les dynamiques de pouvoir qui régissent nos rapports avec l’institution (politique, économique ou universitaire). / je parlerai des amélanchiers de saint-maxime-du-mont-louis is a collection of fragments written in four sections/seasons. The narrative takes the form of an ecological mosaic, representing the reality of a certain community in Haute-Gaspésie (horticulture, trauma, solidarity, kindness, violence, resilience, self-sufficiency). This text, guided by hope and tenderness, addresses the abuses enabled by capitalism and private ownership. je parlerai des amélanchiers de saint-maxime-du-mont-louis shows a world of complex and fluid possibilities, where nature stands its ground: trees are still growing, and birds chirping. ARWEN 37 – une tentative is a fragmented essay analyzing the aims and effects of Nathalie Quintane’s novel Un œil en moins. The text analyzes the separation (or ties) between politics and literature, and questions the extent to which literature can perform political resistance. While bringing up both personal and social stories, this essay attempts to deconstruct the norms ordering the redaction of a masters’ dissertation in littératures de langue française. This text provides a critique of the power dynamics defining our relations with political, economic and academic institutions.

Mémoire en recherche-création / Sombres coulisses est un roman policier dans lequel il n’y a pas de cadavre. Suivant un duo de policiers, le récit se déroule dans une école de théâtre à la mauvaise réputation, suite à la disparition d’une élève. L’école privée, milieu hermétique aux allures de secte, ne permet pas aux policiers de mener l’enquête telle qu’ils l’entendent ; mais bientôt, d’autres élèves sont portés disparus. Contenant peu de violence physique, ce roman se concentre sur la violence psychologique présente dans notre société et interroge la place de la violence dans le roman policier contemporain. Avec une intertextualité entretenue par l’intrigue et de nombreuses références à des pièces de théâtre, ainsi que par des métadiscours sur le milieu de l’art contemporain, ce roman a pour but de faire ressortir l’utilisation de la violence. Entre enlèvements et jeux de dupes, ce roman propose une plongée dans l’univers théâtral et artistique. L’essai qui le suit, Représentation de la violence dans le roman policier français contemporain : Travail soigné de Pierre Lemaitre et Sharko de Franck Thilliez, s’articule également autour des questions de la représentation de la violence. À partir de la définition que propose de ce concept Yves Michaud, l’essai tente de comprendre la place de la violence, physique et psychologique, dans deux romans d’auteurs français, Franck Thilliez et Pierre Lemaitre. La violence est alors abordée sous différents angles : violence qui structure le récit par un jeu de rythme de l’histoire et du récit, violence artistique et visuelle, ou encore violence ouvrant un métadiscours, ainsi que sur une réflexion sur sa place dans l’art. La violence est utilisée de différentes façons, ce qui en fait un élément incontournable du roman policier. / Sombres coulisses is a crime novel in which there is no corpse. Following a duo of policemen, the story takes place in a theater school with a bad reputation following the disappearance of a student. The private school, a hermetic, cult-like environment, doesn't allow the police to investigate as they see fit but soon other students are reported missing. With little physical violence, this novel focuses on the psychological violence present in our society and questions the place of violence in contemporary crime fiction. Through intertextuality maintained by the plot and numerous references to plays, as well as metadiscourses on the contemporary art world, this novel aims to highlight the use of violence. Between kidnappings and deception, this novel offers a dive into the world of theater and art. The essay that follows, Représentation de la violence dans le roman policier français contemporain: Travail soigné de Pierre Lemaitre and Sharko de Franck Thilliez, also focuses on questions of how violence is represented. Based on Yves Michaud's definition of the concept, the essay attempts to understand the place of violence, both physical and psychological, in two novels by French authors: Franck Thilliez and Pierre Lemaitre. Violence is approached from different angles: violence that structures the narrative through a play on the rhythm of the story and narrative, artistic and visual violence, or violence that opens up a metadiscourse, as well as a reflection on its place in art. Violence is used in different ways, making it an unavoidable element of the detective novel.

Notre mémoire se penche sur un corpus de films spécifique; il s’agit des westerns américains racontant la construction d’un chemin de fer. Nous traitons ces films comme un sous-genre du western que nous intitulons Railroad Building Story. Est proposé dans notre étude que la structure narrative étant à la base de tous les récits du sous-genre provient d’une idéalisation des faits historiques entourant la construction du premier chemin de fer transcontinental aux États-Unis. Dans le premier chapitre, nous présentons une adaptation de la méthode d’analyse de Vladimir Propp, telle que présentée dans la Morphologie du conte, dans le but d’identifier la structure narrative stable des films du corpus et d’en décrire les unités narratives constantes. L’application de la méthode est effectuée dans le second chapitre, où chacune des unités narratives constantes est expliquée. De plus, nous confrontons ces unités narratives à l’histoire du chemin de fer transcontinental afin d’analyser les rapports idéologiques existant entre ces récits fictionnels et leur référent historique. Cette description sémionarrative et historique de la Railroad Building Story met en évidence sa fonction idéologique permanente en tant que mythe cinématographique du chemin de fer américain. Dans le troisième chapitre, les films sont analysés d’après leur contexte sociohistorique de production. Le chapitre est divisé selon les quatre périodes historiques dans lesquels les films du sous-genre furent réalisés, soit les années 1920, la Grande Dépression, l’ère maccarthyste et le début des années 1960. En analysant les films d’après une approche sociocritique, nous démontrons comment ceux-ci traduisent des préoccupations idéologiques liées au climat social de la nation américaine. Nous expliquons donc comment le mythe du chemin de fer américain se voit réapproprié à chaque période historique, et ce, afin de répondre aux exigences idéologiques contemporaines à la production des films de la Railroad Building Story. / This master’s thesis takes a close look at a very specific corpus of films; the westerns that narrate the construction of a railroad. We treat these movies as a sub-genre of the western that we call the Railroad Building Story. Our study proposes that the narrative structure at the basis of all the sub-genre’s stories comes from an idealization of the historical facts surrounding the construction of the first American transcontinental railroad. In the first chapter, we present an adaptation of Vladimir Propp’s method of analysis, as found in his Morphology of the Folktale, in order to identify the stable narrative structure of our corpus and to describe its constant narrative units. The application of said method takes place in the second chapter, in which each constant narrative unit is thoroughly explained. We also confront these narrative units in the history of the transcontinental railroad as to analyze the ideological relations existing between these fictional narratives and their historical referent. This semionarrative and historical description of the Railroad Building Story highlights its permanent ideological function as the cinematographic myth of the American railroad. In our third chapter, we analyze the films in the light of their sociohistorical context of production. The chapter is divided between the four historical periods in which these movies were produced, that to say the 1920’s, the Great Depression, the mcccarthyism era and the early 1960’s. By analyzing these films with a sociocritical stance, we demonstrate how they express ideological concerns linked to the social climate of the American nation. Thus we explain how the American railroad myth is being reappropriated in each historical period in order to address the ideological exigencies that are contemporary to the production of the Railroad Building Story’s films.

Ce mémoire a pour objet d'étude le film Rubber (2010) de Quentin Dupieux. Nous nous intéressons en particulier à l'examen du spectateur idéal (celui qui répond aux offres de lecture proposées par le film) ou de l'énonciataire (cette instance du film à qui l'on prête la réception du discours) du second long-métrage du réalisateur français. Bon nombre de films de fiction semblent se dérouler « naturellement » ou en l'absence plus ou moins avérée des marques d'énonciation. Il arrive cependant que l'énonciation soit marquée ou se reconnaisse à l'emploi d'interpellations faites au spectateur, à la mise en présence d'un narrateur, à l'utilisation d'une mise en abyme (film dans le film, image dans l'image), voire à la déconstruction du récit. Lorsque l'énonciation du film est marquée, celui-ci met en présence l'instance de l'énonciation à qui il s'adresse. Cette mise en évidence des procédés mobilisés par le film change la dynamique de réception habituelle du cinéma narratif classique. La posture idéale du spectateur prévue par le film narratif classique, le spectateur idéal, celui qui reçoit et répond idéalement aux offres de lectures du film, en est nécessairement changé. Parce qu'il diffère du cinéma narratif classique, le film Rubber forme le dessein d'une nouvelle figure du spectateur.

Notre étude se propose de montrer qu'au cours des deux dernières décennies, des années 1989-2009, avec les films de Michael Haneke réalisés pour le cinéma, des innovations décisives apparaissent dans la fiction de nos jours. Des formes nouvelles bouleversent le récit, révélant ce qui, dans la fiction conventionnelle, est devenu stéréotype et mettent en cause la représentation. Des nouveaux rapports entre réel et représentation, entre visible, invisible et insupportable à voir, entre instance énonciative et spectateur entrent en jeu. De nouveaux possibles s'ouvrent sur la voie du développement de la fiction cinématographique et élargissent ses possibilités d'investigation du réel sur l'écran. / Our study suggests that during the last two decades, 1989-2009, with Michael Haneke's movies realized for the cinema, decisive innovations appear in the contemporary fiction. New forms upset the narrative, dispute the representation, and reveal what in the conventional fiction became stereotype. New reports between reality and representation, between visible, invisible and unbearable to see, between the instance of the statement and the spectator come into play. New possibilities open on the way to the development of the film fiction. They widen the possibilities for investigation of the reality on the screen.

Au Québec, entre 2002-2003 et 2012-2013, le taux de sortie sans diplôme ni qualification en formation générale des jeunes aurait atteint une diminution de 6,9 points. Alors qu’il se situait à 22,2 % une décennie plus tôt, ce taux s’établissait à 15,3 % en 2012-2013 (MÉLS, 2014). Malgré cette diminution appréciable du taux annuel de décrochage, l’abandon des études avant l’obtention d’un diplôme d’études secondaires ou d’une qualification équivalente continue d’être une préoccupation importante dans le monde scolaire en raison des conséquences qui en émanent (MÉES, 2015). Qu’elles soient liées au jeune qualifié de décrocheur ou à la société, les études portant sur les conséquences s’attardent principalement aux problèmes économiques (participation moins active à la société de production), sanitaires (développement plus fréquent de problèmes physiques et de santé mentale) et sociaux (adaptation sociale déficitaire et déviance) qui découlent du décrochage scolaire (Janosz, 2000; Blaya, 2010). Le phénomène du décrochage scolaire est aussi étudié en fonction des normes transgressées. Qu’il soit question de la description typologique des jeunes à risque de décrocher, de l’étude des facteurs de risque de quitter prématurément l’école ou de l’institutionnalisation du discours sur le phénomène, le décrochage scolaire est analysé comme un geste inapproprié posé par un jeune qui ne répond pas positivement aux conventions sociales (Bernard, 2011). Le jeune ayant quitté prématurément l’école se retrouve ainsi automatiquement placé en situation de déviance par rapport à une norme qui valorise la diplomation et la poursuite des études. Les données statistiques et les écrits sur les conséquences liées au décrochage scolaire ou sur la déviance ne nous permettent cependant pas d’accéder au point de vue du jeune qualifié de décrocheur. C’est en raison de cette lacune que ce présent mémoire a sollicité la participation de jeunes ayant quitté prématurément l’école secondaire afin qu’ils se livrent sur leur expérience. En prenant appui sur l’interactionnisme symbolique, ce mémoire tente de comprendre comment est vécue la situation de décrochage scolaire en fonction de l’analyse que les participants font de leur expérience. Huit jeunes ont ainsi été invités à raconter, lors d’un entretien individuel de type « récit de vie », leurs perceptions quant à la situation de décrochage qui leur est attribuée et quant aux conséquences qu’ils en dégagent. L’analyse des différents discours a permis de faire ressortir que les participants ont rencontré de nombreuses adversités en amont de leur fréquentation scolaire qui ont créé des besoins spécifiques chez eux. Une inadéquation sévère entre leurs besoins personnels et ceux de l’institution scolaire serait un des éléments déclencheurs de l’arrêt prématuré de leurs études. Une inadéquation qui les exclut du système scolaire et qui les pousse à rejeter l’école à force d’y vivre des situations insupportables. Leurs besoins n’atteignant pas les objectifs fixés par l’école, les jeunes ont perdu l’espoir de trouver un sens à leurs études. Aujourd’hui, les participants à cette étude prennent conscience des conséquences qu’ils ont vécues ou qu’ils continuent de vivre depuis leur sortie de l’école. Ils rencontreraient des lacunes sur le savoir et le savoir-faire, auraient accumulé un déficit de motivation, présenteraient une faible estime de soi, vivraient des situations de stigmatisation et de marginalisation, éprouveraient des difficultés d’intégration sociale et socioprofessionnelle et auraient développé un manque de confiance en l’avenir. / In Quebec, between 2002-2003 and 2012-2013, the rate of teenagers leaving high school without the full completion of the general program has dropped by 6.9 points. Presenting itself to be 22.2% a decade ago, it stood at 15.3% in 2012-2013 (MÉLS, 2014). Despite a considerable decrease in the annual dropout rate, this phenomenon remains an important preoccupation in education because of its numerous consequences for the teenager and society (MÉES, 2015). Studies on this matter have identified consequences on several levels, being economical (less active in society’s production), sanitary (more frequent development of physical and mental health problems) and social (poor social adaptation and deviance) (Blaya, 2010; Janosz, 2000). The phenomenon of early school leaving is also studied as a transgression of social norms. Wether it’s studies on the typological description of at risk youth, the risk factors of dropping out or the institutionalized speech on the matter, from this point of view, dropping out is analysed as an inacceptable response to social conventions (Bernard, 2011). Therefore, the teenager who quits school prematurely is automatically considered a deviant since his actions have disobeyed social norms. Many studies on the consequences of this phenomenon as well as it’s statistical data are present in the literature, but unfortunately, the point of view of teenagers labeled as dropouts is not brought forward. In light of this observation, this thesis solicited the participation of teenagers who left high school prematurely to offer them the space to describe their experience. Based on symbolic interactionism, this thesis tries to understand the experience of dropping out according to the teenager’s point of view. In an individual interview using a life narrative method, eight teenagers were invited to deliver their perception on the dropout label which they were attributed and the consequences that resulted. The analysis of the participant’s narratives highlight the numerous adversities they went through during their school years and the individualized needs that resulted. Their narratives show the severe inadequate response by the school institution to their individual needs as a trigger to their premature leave. Living through frequent unbearable situations due to this inadequate response pushed them to be excluded from the school system and to reject school. Unfortunately, the participant's needs were not part of the school’s fixed objectives leaving them to lose hope in finding a sense to their schooling. The participants of this study now realise the consequences they have lived and live to this day since they quit school. They present shortcomings in their knowledge, an accumulated lack of motivation, poor self-esteem, situations of stigmatisation and marginalisation, difficulties integrating socially and professionally and finally, they have developed a lack of confidence in what their future holds.

Avec l’émergence des nouveaux médias, une nouvelle façon de raconter les histoires s’impose. Les structures connues de l’esthétisme classique semblent désuètes par rapport aux dispositions des nouvelles plateformes de diffusion. Mieux encore, ces plateformes propulsent le récit, lui permettent de sortir de la rigidité de la ligne narrative : elles intègrent la technique au logos. L’intermédialité devient omniprésente; la diversité des types médiatiques employés dans une œuvre sont rendus visibles et sont articulés par la mise en récit. Méchoulan dira que dans l’« être-entre », dans l’espace reliant chacune des unités sémantiques, que l’événement de la pensée advient; pour Rodowick c’est le « figural ». Une figure particulière s’impose : le labyrinthe. Multipliant les possibilités narratives spécifiques aux nouveaux médias, le labyrinthe fait converger les composantes intermédiales. Bleeding Through : Layers of Los Angeles 1920-1986, une œuvre dirigée par Norman Klein, pose le labyrinthe comme élément structurel en y tissant un réseau où s’inscrit une pratique intermédiale. On y adresse le temps comme une opération fragmentaire, qui se sectionne, se réorganise en rompant avec la linéarité classique. Il nous faudra alors voir comment le labyrinthe réfléchit dans l’étude du temps certains éléments de la mythologie grecque. Les réflexions de Gervais sur le labyrinthe permettront d’étayer pareille hypothèse. Nous analyserons Bleeding Through à la lumière de ces théories pour ainsi dégager l’essence de cette figure qui a infiltrée la narration contemporaine. En somme, le labyrinthe se présente dans l’écologie médiatique actuelle comme une figure inhérente à la mise en récit. / With the emergence of new media, a new way of storytelling becomes necessary. The known structures of classic estheticism become obsolete when confronted with the dispositions of the new broadcasted platforms. These so called platforms propel the plot structure, allowing an expansion of the rigid narrative line : they integrate technology into the logos. Intermediality becomes omnipresent ; the diverse media summoned in the different projects are made visible and articulated through narrative work. Méchoulan would talk about the « être-entre », the virtual space linking semantic units, that the occurrence of thoughts convene ; Rodowick would refer to this same spatial concept as « figural ». A particular figure then appears and seems to illustrate the workings of intermediality: the labyrinth. In multiplying the narrative possibilities specific to new media, the labyrinth interrelates the intermedial components. Bleeding Through : Layers of Los Angeles 1920-1986, directed by Norman Klein, establishes the labyrinth as a narrative backdrop to the intermedial practice. Herein, time is addressed as a fragmented function that can be segmented, reorganized, thus breaking with classic linearity. Subsequently, elements of Greek mythology tied to the labyrinth’s imaginary are highlighted, particularly through Gervais’s reflexions on memory and forgetting. To question the essence of the labyrinth’s figure, which infiltrates contemporary narration, Bleeding Through is analyzed under the scope of these theories. In short, the labyrinth is presented as an inherent figure to storytelling within the current media ecology.

Ce mémoire de maîtrise porte sur l’animation des images fixes dans le film Me and You and Everyone we Know réalisé en 2005 par Miranda July, et tout particulièrement sur les pratiques artistiques de la protagoniste Christine Jeperson, qui est artiste vidéaste. L’objet de cette étude se fonde sur les matériaux utilisés par l’artiste-protagoniste elle-même, et vise en premier la photographie, puisqu’elle travaille toujours à partir de photos amateur, de clichés, d’images banales, qu’elle tente d’animer par le biais de la vidéo et de leur mise en récit. Ces deux dispositifs d’animation, qui à leur façon redonnent du temps et du mouvement aux images, réalisent un déplacement de valeur en en faisant de l’art et déploient du même coup un espace propre à une certaine expérience esthétique du spectateur, car c’est dans son imaginaire que peut véritablement se produire l’animation de ces images. Ainsi, dans ce mémoire, je tenterai tout à la fois de me concentrer sur ce détail du film que sont les œuvres de Christine, mais en cherchant à les mettre en relation avec d’autres moments du film, avec ce qui semble être les motifs privilégiés de la pratique de Miranda July, de même qu’avec d’autres moments de l’histoire de l’art, afin d’en historiciser la démarche. Ce travail servira donc à éclairer une pratique d’images contemporaine singulière, à la croisée entre photographie, vidéo et film. / This Master’s thesis deals with the animation of still images in Miranda July’s 2005 film, Me and You and Everyone we Know. More specifically, it analyses the artistic practices of Christine Jeperson, a video artist who is the main character of the film. This study focuses on the materials utilized by the artist-protagonist and looks at her particular use of photography: her video works all revolve around amateur photographs, clichés, banal images, that she animates via the remediation of video and "narrativization" ("mise en récit"). These two principles of animation, that give time and motion to the still images she uses, also produce a displacement of value by turning these images into art and, by the same token, open a specific space i.e. the aesthetic experience of the spectator, for it is in his or her imaginary, in the end, that this animation is produced. Thus, in this study, I wish to look at these “details” within the films — the video works of Christine — whilst seeking to show the relations they entertain with other elements of the film, with Miranda July’s body of works, as well as with other moments in art history that relate to this animation apparatus, in order to historicize the practices of Christine / July. This Master’s Thesis wishes to illuminate a specific kind of contemporary visual practice, at the intersection of photography, video and film.

Depuis la valorisation du corps comme site identitaire et comme langage autre dans la théorisation de l’écriture au féminin des années 1970, les représentations du corps, notamment du corps féminin, occupent la scène romanesque jusqu’à aujourd’hui. Dans cette perspective, le présent mémoire s’intéresse au corps fantomatique des héroïnes du Ravissement de Lol V. Stein de Marguerite Duras et de La Maison étrangère d’Élise Turcotte. Le corps se fait littéralement hantise chez Duras et Turcotte : il est marqué d’absence, d’étrangeté, de fatigue et d’errance, ne trouvant plus de lieu d’être ni de repères à la suite d’un événement « traumatique », dans le cas de Lol, ou à la suite d’une séparation, dans celui d’Élisabeth. Les protagonistes sont sous l’emprise d’un sentiment d’étrangeté qui spectralise le corps en introduisant un décalage dans le rapport à soi et à autrui. Ce sentiment est causé en partie par une mémoire défaillante qui fragmente leur identité. C’est par un travail mémoriel que Lol V. Stein et Élisabeth tenteront de résoudre la hantise de leur histoire individuelle et familiale. Le texte fait écho à la corporalité fantomatique – mise en scène selon diverses représentations du corps dématérialisé – en se spectralisant à son tour par l’inscription des « blancs » dans l’écriture. Le processus d’effacement des corps sera mis en parallèle avec une spatio-temporalité elle aussi marquée par la hantise du passé. La spectralité apparaît, dans le récit contemporain au féminin, pour témoigner d’une identité (cor)rompue par la rupture ; celle-ci devient prétexte à une réflexion sur la manière d’habiter son corps et d’un être-au-monde à repenser. / The 1970s have seen the body become a stronghold of identity and offer a new language for the theorization of women’s writing. Since then, representations of the body, especially of the female body, have taken over the novel. In that perspective, this dissertation studies the ghostly body of two heroines in Le Ravissement de Lol V. Stein by Marguerite Duras and La Maison étrangère by Élise Turcotte. Their bodies are marked by absence, eeriness, tiredness and wandering, unable to fully exist within a world that has lost its bearings following a “traumatic event” for Lol and the end of a relationship for Élisabeth. The protagonists suffer from an eerie sensation that essentially “spectralises” the body by revealing a gap in their relationship to themselves as well as to others. This sensation is caused in part by a failing memory which breaks up their sense of self. Trying to work through these memory faults, both Lol and Élisabeth aspire to solve the dread of their personal and familial history which seems to be at the root of their ghostly, uncomfortable grasp on their own body. The text echoes back to the spectral corporeality – staged by different representations of the dematerialized body – through « blanks » left within the writing. The process by which the bodies seem to vanish or disappear can be closely associated with a particular spacio-temporality, itself tainted by a haunting past. Spectrality occurs, in women’s contemporary fiction, to express an identity compromised by the ending of a relationship ; this particular event becomes the pretext for a reflection about how one inhabits not only their body, but also the world it binds them to.

Cette dissertation explore la carrière de la rencontre manquée Lacanienne dans la littérature canonique américaine du dix-neuvième siècle à travers le prisme de la psychanalyse, la déconstruction, le postmodernisme et le postcolonialisme. Je me concentre particulièrement sur La Lettre Écarlate de Hawthorne et Moby-Dick de Melville, en montrant comment ils sont investis dans l'économie narrative de la rencontre manquée, l'économie de ce qui est au-delà de la symbolisation et l'assimilation. L’introduction examine les contours et les détours historiques, philosophiques et théoriques du concept de la rencontre manquée. Cette dissertation a donc deux objectifs: d'une part, elle tente d'examiner le statut et la fonction de la rencontre manquée dans la littérature américaine du dix-neuvième siècle, et d’autre part, elle explore comment la théorisation de la rencontre manquée pourrait nous aider à aller au-delà de la théorisation binaire qui caractérise les scènes géopolitiques actuelles. Mon premier chapitre sur La Lettre Écarlate de Hawthorne, tente de tracer la carrière du signifiant comme une navette entre l'archive et l'avenir, entre le sujet et l'objet, entre le signifiant et le signifié. Le but de ce chapitre est de rendre compte de la temporalité du signifiant et la temporalité de la subjectivité et d’expliquer comment ils répondent à la temporalité du tuché. En explorant la dimension crypto-temporelle de la rencontre manquée, ce chapitre étudie l'excès de cryptes par la poétique (principalement prosopopée, anasémie, et les tropes d'exhumation). Le deuxième chapitre élabore sur les contours de la rencontre manquée. En adoptant des approches psychanalytiques et déconstructives, ce chapitre négocie la temporalité de la rencontre manquée (la temporalité de l'automaton et de la répétition). En explorant la temporalité narrative (prolepse et analepse) conjointement à la psycho-poétique du double, ce chapitre essaie de dévoiler les vicissitudes de la mélancolie et la “dépression narcissique” dans Moby-Dick (en particulier la répétition d'Achab lors de sa rencontre originelle dénarrée ou jamais racontée avec le cachalot blanc et sa position mélancolique par rapport à l'objet qu'il a perdu). En exposant la nature du trauma comme une rencontre manquée, dont les résidus se manifestent symptomatiquement par la répétition (et le doublement), ce chapitre explique le glissement de la lettre (par l'entremise du supplément et de la différance). Le troisième chapitre élargit la portée de la rencontre manquée pour inclure les Autres de l'Amérique. Le but principal de ce chapitre est d'évaluer les investitures politiques, culturelles, imaginaires et libidinales de la rencontre manquée dans le Réel, le Symbolique nationale des États-Unis et la réalité géopolitique actuelle. Il traite également de la relation ambiguë entre la jouissance et le Symbolique: la manière dont la jouissance anime et régit le Symbolique tout en confondant la distinction entre le Réel et la réalité et en protégeant ses manœuvres excessives. / This dissertation explores the career of the Lacanian missed encounter in canonical nineteenth-century American literature through the lens of psychoanalysis, deconstruction, postmodernism, and postcolonialism. In particular, I concentrate on Hawthorne’s The Scarlet Letter and Melville’s Moby-Dick, showing how they are invested in the narrative economy of the missed encounter, the economy of that which is beyond symbolization and assimilation. The introductory chapter investigates the historical, philosophical, and theoretical contours and detours of the concept of the missed encounter. This dissertation, then, has two goals: on the one hand, it attempts to examine the status and function of the missed encounter in nineteenth-century American literature, and on the other, it explores how theorizing the missed encounter might help us move beyond the binarist theorization that characterizes the current geopolitical scenes. My first chapter on Hawthorne’s The Scarlet Letter attempts to map the career of the signifier as a shuttling between the archive and the future, between the subject and the object, and between the signifier and the signified. The aim of this chapter is to account for the temporality of the signifier and the temporality of subjectivity and how they meet the temporality of the Tuché. By exploring the crypto-temporal dimension of the missed encounter, this chapter studies the excess of crypts through poetics (mainly prosopopeia, anasemia, and tropes of exhumation). The second chapter elaborates the contours of the missed encounter. This chapter approaches, from psychoanalytic and deconstructive viewpoints, the temporality of the missed encounter (the temporality of automaton and repetition). By exploring the narrative temporality (prolepsis and analepsis) in conjunction with the psycho-poetics of the double, this chapter attempts to lay bare the vicissitudes of melancholia and “narcissistic depression” in Moby-Dick (especially Ahab’s repetition of his unnarrated or disnarrated original encounter with the White Whale and his melancholic position in relation to the object he lost). By exposing the nature of trauma as a missed encounter, the residues of which manifest symptomatically through repetition (and doubling), this chapter explains the glissement of the letter (through the work of the supplement and différance). Chapter three broadens the scope of the missed encounter to the Others of America. The main purpose of this chapter is to assess the political, cultural, imaginary, and libidinal investitures of the missed encounter in the Real, the national Symbolic of the United States, and the current geopolitical reality. It also deals with the ambiguous relationship between jouissance and the Symbolic: the way in which jouissance animates and governs the Symbolic, while at the same time it blurs the boundary lines between the Real and reality and protects its excessive maneuvers.