Le mémoire observe, décrit et critique une structure constitutive de l'acte de lecture, étudiée dans la perspective structuraliste. Cette structure fondamentale s'avère un cadre théorique épistémologique qui explique la polysémie et justifie la possibilité d'une lecture plurielle. La structure est étudiée en trois temps. D'abord, elle est repérée dans les assises théoriques du structuralisme. Les cinq éléments qui la constituent sont observés: l'utilisation de la psychanalyse, l'utilisation de la linguistique, la recherche de l'Autre, l'utilisation du principe d'immanence et le principe objectivant. Cette partie est complétée par un parallèle entre le structuralisme et les principaux auteurs postmodemes et par l'étude succincte de la pensée de Freud et Saussure comme précurseurs de la lecture plurielle. Ensuite, on observe les cinq éléments qui composent la structure étudiée dans l'oeuvre de cinq auteurs structuraliste: le psychanalyste Jacques Lacan, l’anthropologue Claude Lévi-Strauss, le philosophe Jacques Derrida, le critique littéraire et sémiologue Roland Barthes et la psychanalyste et linguiste Julia Kristeva. Une section dégage quelques conséquences du structuralisme pour la théologie et l'exégèse. Enfin, une conclusion vient réaffirmer de manière concise la présence des cinq éléments chez les auteurs étudiés, dégage les conséquences, propose une ouverture sur l'exégèse et le théologique et présente des critiques du structuralisme.

Les XIXe et XXe siècles sont caractérisés comme des siècles de la critique. La plus grande partie de cette thèse porte sur l’analyse de la « Nouvelle Critique » en relation avec l’œuvre de Jean Racine. Ce mouvement critique qui a marqué les années soixante, s’intéresse plutôt aux structures sous-Jacentes qui peuvent être dégagées d’une œuvre littéraire.Les représentants de la Nouvelle Critique qui sont en principe, Lucien Goldmann, Charles Mauron et Roland Barthes dégagent de l’œuvre racinienne, chacun de sa propre façon, une structure de base. La critique sociologique de Goldmann, la psychocritique de Mauron et la critique structurale de Barthes offrent plusieurs pistes de réflexion.Présenter les méthodes proposées par la Nouvelle Critique, dégager l’essentiel de ses théories et apprécier leur valeur en démontrant la raison qui les a rendues fondamentales ainsi que comprendre la polémique déclenchée autour d’elle sont pour ce travail des tâches à accomplir. Or, cerner les enjeux de la « Nouvelle Critique » dans la critique racinienne en examinant les critiques faites par d’autres critiques constitue l’objectif de ce travail. / The nineteenth and twentieth centuries are characterized as centuries of literary criticism. The primary objective of this thesis will focus on the methodology used by “New Criticism” in relation to the work of Jean Racine. The New Criticism was a formalist movement, popular in the sixties, which focuses on objectively evaluating the underlying structure and text from literary work.Representatives of ‘‘New Criticism”, such as, Lucien Goldmann, Charles Mauron and Roland Barthes utilized structure methods to interpret Racine's literary works. The Sociological criticism of Goldmann, the Psychoanalytic criticism of Mauron, and the Structuralism of Barthes offer several areas of consideration.The aim of this study is to present the methods proposed by “New Criticism”, to reveal the essence of its theories, to assess their value by demonstrating the reason of their importance, and to understand controversy sparked around this formalist movement. So, identifying the “challenges of the ‘’New Criticism” in Racine’s criticism’’ by examining the criticisms made by other critics is the purpose of this work.

Les XIXe et XXe siècles sont caractérisés comme des siècles de la critique. La plus grande partie de cette thèse porte sur l’analyse de la « Nouvelle Critique » en relation avec l’œuvre de Jean Racine. Ce mouvement critique qui a marqué les années soixante, s’intéresse plutôt aux structures sous-Jacentes qui peuvent être dégagées d’une œuvre littéraire.Les représentants de la Nouvelle Critique qui sont en principe, Lucien Goldmann, Charles Mauron et Roland Barthes dégagent de l’œuvre racinienne, chacun de sa propre façon, une structure de base. La critique sociologique de Goldmann, la psychocritique de Mauron et la critique structurale de Barthes offrent plusieurs pistes de réflexion.Présenter les méthodes proposées par la Nouvelle Critique, dégager l’essentiel de ses théories et apprécier leur valeur en démontrant la raison qui les a rendues fondamentales ainsi que comprendre la polémique déclenchée autour d’elle sont pour ce travail des tâches à accomplir. Or, cerner les enjeux de la « Nouvelle Critique » dans la critique racinienne en examinant les critiques faites par d’autres critiques constitue l’objectif de ce travail. / The nineteenth and twentieth centuries are characterized as centuries of literary criticism. The primary objective of this thesis will focus on the methodology used by “New Criticism” in relation to the work of Jean Racine. The New Criticism was a formalist movement, popular in the sixties, which focuses on objectively evaluating the underlying structure and text from literary work.Representatives of ‘‘New Criticism”, such as, Lucien Goldmann, Charles Mauron and Roland Barthes utilized structure methods to interpret Racine's literary works. The Sociological criticism of Goldmann, the Psychoanalytic criticism of Mauron, and the Structuralism of Barthes offer several areas of consideration.The aim of this study is to present the methods proposed by “New Criticism”, to reveal the essence of its theories, to assess their value by demonstrating the reason of their importance, and to understand controversy sparked around this formalist movement. So, identifying the “challenges of the ‘’New Criticism” in Racine’s criticism’’ by examining the criticisms made by other critics is the purpose of this work.

Les XIXe et XXe siècles sont caractérisés comme des siècles de la critique. La plus grande partie de cette thèse porte sur l’analyse de la « Nouvelle Critique » en relation avec l’œuvre de Jean Racine. Ce mouvement critique qui a marqué les années soixante, s’intéresse plutôt aux structures sous-Jacentes qui peuvent être dégagées d’une œuvre littéraire.Les représentants de la Nouvelle Critique qui sont en principe, Lucien Goldmann, Charles Mauron et Roland Barthes dégagent de l’œuvre racinienne, chacun de sa propre façon, une structure de base. La critique sociologique de Goldmann, la psychocritique de Mauron et la critique structurale de Barthes offrent plusieurs pistes de réflexion.Présenter les méthodes proposées par la Nouvelle Critique, dégager l’essentiel de ses théories et apprécier leur valeur en démontrant la raison qui les a rendues fondamentales ainsi que comprendre la polémique déclenchée autour d’elle sont pour ce travail des tâches à accomplir. Or, cerner les enjeux de la « Nouvelle Critique » dans la critique racinienne en examinant les critiques faites par d’autres critiques constitue l’objectif de ce travail. / The nineteenth and twentieth centuries are characterized as centuries of literary criticism. The primary objective of this thesis will focus on the methodology used by “New Criticism” in relation to the work of Jean Racine. The New Criticism was a formalist movement, popular in the sixties, which focuses on objectively evaluating the underlying structure and text from literary work.Representatives of ‘‘New Criticism”, such as, Lucien Goldmann, Charles Mauron and Roland Barthes utilized structure methods to interpret Racine's literary works. The Sociological criticism of Goldmann, the Psychoanalytic criticism of Mauron, and the Structuralism of Barthes offer several areas of consideration.The aim of this study is to present the methods proposed by “New Criticism”, to reveal the essence of its theories, to assess their value by demonstrating the reason of their importance, and to understand controversy sparked around this formalist movement. So, identifying the “challenges of the ‘’New Criticism” in Racine’s criticism’’ by examining the criticisms made by other critics is the purpose of this work.

Unter dem Begriff des Poststrukturalismus wird eine disparate, auf den Axiomen des Strukturalismus aufbauende und diese zugleich überwindende Strömung verstanden, die sowohl innerhalb der Sozial- und Kulturwissenschaften als auch in interdisziplinär organisierten Feldern wie den Gender Studies von großer Tragweite ist. Geteilt wird die Auffassung, dass kulturelle Phänomene allgemein sprachlich strukturiert sind. Seine Tendenz, unter die Oberfläche vermeintlich stabiler, monolithischer Strukturen zu schauen, qualifiziert den Poststrukturalismus für eine Anwendung auf genderwissenschaftliche Kategorien wie Weiblichkeit und Männlichkeit, deren Bedeutung nicht aus sich selbst erwächst, sondern die als Signifikate innerhalb eines (phallokratischen) Systems zu denken sind.

Réalisé en cotutelle avec l'Université de la Sorbonne - Paris IV / L’objet de cette thèse est de définir un type de poésie visuelle moderne (XXe-XXIe), que nous avons nommé la poésie graphique et qui attache une importance considérable à l’expérimentation plastique du signe graphique, qui manifeste une conscience aiguë des ressources visuelles de la graphie et entend réaliser la poésie dans la matérialité des formes de l’écriture. Cette pratique graphique et plastique du poème s’inscrit dans la continuité, mais également dans un certain renouveau des avant-gardes poétiques et artistiques du XXe siècle, notamment du surréalisme. La poésie graphique désigne une pratique de la poésie à caractère spécifiquement graphique, qui recouvre tant une peinture du signe qu’un travail typographique de la lettre pour élaborer le poème. La particularité des poètes graphiques est leur double vocation, celle d’écrivain et celle de plasticien. Ils expérimentent l’écriture dans sa dimension linguistique et dans sa dimension graphique, en considérant que l’activité de scription ou de linotypie — c’est-à-dire la peinture ou le dessin du mot, du signe graphique, la typographie et l’édition — est déjà littérature. Autrement dit, ils envisagent que la création et la matérialisation du poème procèdent du même geste. Les logogrammes de Christian Dotremont, les poèmes-estampes et les livres d’artistes (Éditions Erta) de Roland Giguère, les recueils de signes inventés et d’encres d’Henri Michaux et la typoésie de Jérôme Peignot constituent des formes de poésie graphique. Notre étude porte donc sur des œuvres francophones, issues des domaines belge, français et québécois, produites entre 1950 et 2004. Trois caractéristiques définissent principalement la poésie graphique : l’ambiguïté et le nomadisme du signe du poème par rapport aux ordres sémiotiques — scriptural, iconique et plastique —, la présence d’un rythme et d’un lyrisme graphiques, comme modalités de l’expression du sujet dans la matière graphique, et une remise en cause de la ligne de partage entre les arts autographiques et allographiques, nécessitant de nouveaux modes de perception et de lecture du poème et du livre, soit une « iconolecture » et une « tactilecture ». / The purpose of this thesis is to define a type of modern visual poetry (20th – 21st), that we called graphic poetry. The graphic poetry focuses on a plastic and visual experimentation of the graphic sign, demonstrates an important conscience of the visual potential of the written form and tries to produce poetry in the materiality of the writing shapes. This artistic practice of poetry follows and also renews the poetic and plastic avant-gardes of the 20th century, more particularly surrealism. The graphic poetry refers to a practice of poem which is specifically graphic and includes a painting of the sign as a typographic work of the letter in order to produce the poem. The main characteristic of graphic poets is their double vocation : they are writers and visual artists. They experiment writing in its linguistic dimension and its graphic dimension, because they believe that the action of drawing a line or making of a linotype setting — namely the painting or the drawing of the word, of the graphic sign, the typography and the publishing — is already literature. In other words, graphic poets think that the creation and the materialization of the poem proceed of the same gesture. Christian Dotremont’s logograms, Roland Giguère’s artists’ books (Editions Erta) and prints-poems, Henri Michaux’s anthologies of invented painted signs and Jérôme Peignot’s typoems are some forms of graphic poetry. Our study focuses on francophone works, which come from Belgian, French and Quebec fields, published between 1950 and 2004. Three characteristics mainly define the graphic poetry : the ambiguity and the nomadism of the sign in relation to the semiotic systems (graphic, iconic and plastic), graphics rhythm and lyricism, as modalities of the expression of the subject in the graphic material, and a questioning of the distinction between autographic arts and allographic arts, requiring new ways of perception and reading of the poem and the book, that we called visual-reading and touch-reading.

Les formes théâtrales courtes ont longtemps été écrites et représentées dans un cadre utilitaire, distrayant ou expérimental. Sans que ces fonctions aient disparu, dans le contexte français des années 1980-2007 la place des textes courts semble avoir évolué, à la fois en termes quantitatif et qualitatif. Portées par le mouvement du « retour des auteurs », de nouvelles dramaturgies brèves s'inventent sur la page comme à la scène. Cette thèse se propose d'en explorer les aspects les plus marquants sous l'angle stylistique de la brièveté.

This dissertation attempts to investigate the intertextual modus operandi in the oeuvre of H.J. Pieterse, with specific focus on his volumes, Alruin (1989) and Die burg van hertog Bloubaard (2000). The overarching purpose of the investigation is to prove that the author not only uses intertextuality in the sense that one text (literary text) refers to another text (literary and non–literary), or that one text influences another. Pieterse engages in conversation with other texts and re–writes these texts by repositioning them in another context and by adding additional metaphoric meaning to them. The author allows these texts to exchange conversation, to mutually influence one another, and this has as a result that, in his poems, his poetry and his oeuvre, metaphoric lines come into being, which lend a layered meaning to these texts and enrich the possibilities of their interpretation. Thus, a play on multiple meaning develops, which moves between texts: written texts, literary texts, non–literary texts, the author, the reader and the context(s). The conclusion to which this dissertation comes, is that the above mentioned manifestations of meanings, which exist and come into existence within the physically confines of the text, expand this text to a less confined existence in terms of meaning, more unlimited and unbound than what is necessarily allowed by the physically confined nature of the written text. The question thus arises of how the physically limited text take possession of and draws into the texts what lies beyond its physical confines to produce meaning, and how this tension around the limits of the literary text is functionally used. Consequentially, the question that follows is how this happens in the oeuvre of H.J. Pieterse and how the author uses his poetic technique to go beyond the confines of the written text. / Thesis (M.A. (Afrikaans and Dutch))--North-West University, Potchefstroom Campus, 2011.

This dissertation attempts to investigate the intertextual modus operandi in the oeuvre of H.J. Pieterse, with specific focus on his volumes, Alruin (1989) and Die burg van hertog Bloubaard (2000). The overarching purpose of the investigation is to prove that the author not only uses intertextuality in the sense that one text (literary text) refers to another text (literary and non–literary), or that one text influences another. Pieterse engages in conversation with other texts and re–writes these texts by repositioning them in another context and by adding additional metaphoric meaning to them. The author allows these texts to exchange conversation, to mutually influence one another, and this has as a result that, in his poems, his poetry and his oeuvre, metaphoric lines come into being, which lend a layered meaning to these texts and enrich the possibilities of their interpretation. Thus, a play on multiple meaning develops, which moves between texts: written texts, literary texts, non–literary texts, the author, the reader and the context(s). The conclusion to which this dissertation comes, is that the above mentioned manifestations of meanings, which exist and come into existence within the physically confines of the text, expand this text to a less confined existence in terms of meaning, more unlimited and unbound than what is necessarily allowed by the physically confined nature of the written text. The question thus arises of how the physically limited text take possession of and draws into the texts what lies beyond its physical confines to produce meaning, and how this tension around the limits of the literary text is functionally used. Consequentially, the question that follows is how this happens in the oeuvre of H.J. Pieterse and how the author uses his poetic technique to go beyond the confines of the written text. / Thesis (M.A. (Afrikaans and Dutch))--North-West University, Potchefstroom Campus, 2011.

L’objet de cette thèse est de définir un type de poésie visuelle moderne (XXe-XXIe), que nous avons nommé la poésie graphique et qui attache une importance considérable à l’expérimentation plastique du signe graphique, qui manifeste une conscience aiguë des ressources visuelles de la graphie et entend réaliser la poésie dans la matérialité des formes de l’écriture. Cette pratique graphique et plastique du poème s’inscrit dans la continuité, mais également dans un certain renouveau des avant-gardes poétiques et artistiques du XXe siècle, notamment du surréalisme. La poésie graphique désigne une pratique de la poésie à caractère spécifiquement graphique, qui recouvre tant une peinture du signe qu’un travail typographique de la lettre pour élaborer le poème. La particularité des poètes graphiques est leur double vocation, celle d’écrivain et celle de plasticien. Ils expérimentent l’écriture dans sa dimension linguistique et dans sa dimension graphique, en considérant que l’activité de scription ou de linotypie — c’est-à-dire la peinture ou le dessin du mot, du signe graphique, la typographie et l’édition — est déjà littérature. Autrement dit, ils envisagent que la création et la matérialisation du poème procèdent du même geste. Les logogrammes de Christian Dotremont, les poèmes-estampes et les livres d’artistes (Éditions Erta) de Roland Giguère, les recueils de signes inventés et d’encres d’Henri Michaux et la typoésie de Jérôme Peignot constituent des formes de poésie graphique. Notre étude porte donc sur des œuvres francophones, issues des domaines belge, français et québécois, produites entre 1950 et 2004. Trois caractéristiques définissent principalement la poésie graphique : l’ambiguïté et le nomadisme du signe du poème par rapport aux ordres sémiotiques — scriptural, iconique et plastique —, la présence d’un rythme et d’un lyrisme graphiques, comme modalités de l’expression du sujet dans la matière graphique, et une remise en cause de la ligne de partage entre les arts autographiques et allographiques, nécessitant de nouveaux modes de perception et de lecture du poème et du livre, soit une « iconolecture » et une « tactilecture ». / The purpose of this thesis is to define a type of modern visual poetry (20th – 21st), that we called graphic poetry. The graphic poetry focuses on a plastic and visual experimentation of the graphic sign, demonstrates an important conscience of the visual potential of the written form and tries to produce poetry in the materiality of the writing shapes. This artistic practice of poetry follows and also renews the poetic and plastic avant-gardes of the 20th century, more particularly surrealism. The graphic poetry refers to a practice of poem which is specifically graphic and includes a painting of the sign as a typographic work of the letter in order to produce the poem. The main characteristic of graphic poets is their double vocation : they are writers and visual artists. They experiment writing in its linguistic dimension and its graphic dimension, because they believe that the action of drawing a line or making of a linotype setting — namely the painting or the drawing of the word, of the graphic sign, the typography and the publishing — is already literature. In other words, graphic poets think that the creation and the materialization of the poem proceed of the same gesture. Christian Dotremont’s logograms, Roland Giguère’s artists’ books (Editions Erta) and prints-poems, Henri Michaux’s anthologies of invented painted signs and Jérôme Peignot’s typoems are some forms of graphic poetry. Our study focuses on francophone works, which come from Belgian, French and Quebec fields, published between 1950 and 2004. Three characteristics mainly define the graphic poetry : the ambiguity and the nomadism of the sign in relation to the semiotic systems (graphic, iconic and plastic), graphics rhythm and lyricism, as modalities of the expression of the subject in the graphic material, and a questioning of the distinction between autographic arts and allographic arts, requiring new ways of perception and reading of the poem and the book, that we called visual-reading and touch-reading. / Réalisé en cotutelle avec l'Université de la Sorbonne - Paris IV