A tese discute um conjunto de quatro obras do pintor ituano José Ferraz de Almeida Júnior, produzidas entre 1888 e 1897: Caipiras Negaceando, Caipira picando fumo, Amolação Interrompida e Partida da Monção. Procura compreender as principais características dessas obras, examinando-as no seu contexto de produção e recepção. Esforça-se por situá-las tanto em relação ao debate acerca da arte brasileira travado entre meados da década de 1870 e a década de 1890 no Brasil, bem como à produção europeia. Esse exame identifica um tópico central - a filiação às poéticas do realismo/naturalismo, compreendidas, no contexto brasileiro, como estratégia de configuração de uma arte nacional, mas também como esforço de responder a inquietações relativas aos desdobramentos da pesquisa pictórica de tradição europeia: a renovação da pintura de história através da pintura de costumes. Dos aspectos principais dessa discussão, ressalta o papel atribuído - pela crítica e pelo público, em especial paulista - às obras de Almeida Júnior na construção de novas iconografias nacionais. Desenvolve como tese central a interpretação de que o esforço por constituir essa nova visualidade evidencia uma relação complexa com os anseios de auto-representação de uma determinada parcela da sociedade brasileira, centrada especialmente em São Paulo. / The thesis discusses a set of four works by the Brazilian painter José Ferraz de Almeida Júnior, produced between 1888 and 1897: Caipiras Negaceando, Caipira picando fumo, Amolação Interrompida e Partida da Monção. Its purpose is to comprehend the main characteristics of those works, by an examining them in their context of production and reception. The effort is to observe them in relation to the debate on Brazilian art, between the 1870 and 1890\'s, as well as in its relation to European art. This exam stresses a central topic - their filiation to the poetics of realism and naturalism, interpreted, in the Brazilian context, as strategies for creating a national art. It also observes the aim to respond to the developments of the pictorial practice in the European tradition: the renewal of historical painting through the genre painting. From the central aspects of this discussion, it points to the role attributed to Almeida Júnior\'s works, especially by the \"paulista\" critique and public, in the configuration of a new national iconography. The main thesis is that the effort of creating a new \"visuality\" shows a complex relation to the aims of selfrepresentation of a particular group on Brazilian society, centered especially in São Paulo.

Cette thèse mène une étude analytique des différentes images liées à l'enfance, à différentes périodes de l'histoire pour comprendre la visualité, qu'il considère comme un processus de production des moyens de voir. Articulés dans les études de la Culture Visuelle et études Foucaultians, de traiter les concepts de l'enfance et de Daguerréotype de Pouvoir. Tient compte de la visibilité et l'invisibilité et les enfants de recherche et de saisir l'ineffable expérience à travers les productions culturelles. / Essa dissertação realiza um levantamento analítico de diferentes imagens relacionadas às infâncias em diversos períodos da história a fim de entender a visualidade, considerando-a um processo de produção de modos de ver. Articula-se no campo dos Estudos da Cultura Visual e Estudos Foucaultianos, abordando concepções de infâncias e Daguerreótipos do Poder. Reflete sobre as visibilidades e invisibilidades infantis e busca apreender as experiências e o inefável, através de produções culturais.

[pt] A dissertação de mestrado A sombra tem cor? é um experimento poético e ensaístico criado a partir dos registros de um observador diante de práticas culturais até então desconhecidas. Um olhar sobre costumes estrangeiros e sobre a mudança das estações do ano conduz a pesquisa, cuja pergunta-chave se formula à maneira de um mote – o que é a poesia japonesa? – para confrontar-se com múltiplas respostas. O posfácio em prosa e, em especial, o relato em forma de poema constroem-se com a matéria do cotidiano ao narrar a passagem do outono para o inverno por meio da voz de uma narradora estrangeira que estuda, na Nova Inglaterra, aspectos da cultura oriental. Além dos apontamentos da primeira pessoa, aparecem, no poema, outras vozes não identificadas de conversas e de falas entreouvidas. / [en] The thesis Does the shadow have a color? is a poetic and essayistic experiment created from the notes of an observer facing unfamiliar cultural practices. This glance at foreign habits and changing seasons guides the research, which has as its main question what is Japanese poetry?, and is confronted with various answers. The prose afterword and especially the account in poem format are built using everyday life as raw material to narrate the shift from autumn to winter through the voice of a foreign student in New England whose research focuses on East Asian culture. In addition to notes in the first person, the poem also brings unidentified voices in conversations and overhead talks.

[pt] Constatada uma lacuna no campo da tradução audiovisual (TAV) em relação ao tratamento teórico da multiplicidade de elementos semióticos que caracteriza os produtos audiovisuais, esta dissertação busca um caminho teórico para discutir a interpretação de imagens visuais (imagens que se apresentam de forma visível e concreta, por meio de algum suporte material), articulando os conceitos de discurso multimodal e comunidades interpretativas. Parte-se do pressuposto de que textos podem ser compostos por diferentes recursos semióticos além da linguagem verbal, como imagens, música, dança etc., os quais interagem entre si sem que haja uma relação hierárquica entre eles. O foco é lançado sobre os usos que se fazem das imagens nas práticas sociais e discursivas contemporâneas, os diferentes formatos em que elas se apresentam e as maneiras como circulam na sociedade, ressaltando o papel central da visão. A imagem visual é discutida a partir da distinção entre visão como operação física/fisiológica e visualidade como determinações sociais e discursivas que regulam essa operação. Tal distinção não implica uma relação dicotômica, mas uma diferenciação entre o mecanismo e os dados da visão e regras socialmente compartilhadas para a interpretação desses dados. / [en] After acknowledging a gap in the field of audiovisual translation (AVT) regarding the theoretical approach of the multiplicity of semiotic elements that compose audiovisual products, this thesis searches for a theoretical path to discuss the interpretation of visual images (images that have a concrete visible form), articulating the concepts of multimodal discourse and interpretive communities. The premise is that texts are composed by different semiotic resources besides verbal language such as images, music, dance etc., which interact without having a hierarchical relationship. The focus is cast on the uses of images in social and discursive practices, the different formats in which they occur and the ways they circulate in society, highlighting the central role of vision. The discussion on visual images is based on the distinction between vision as a physical/physiological operation and visuality as social and discursive determinations that regulate that operation. Such distinction does not imply a dichotomic relationship, but a difference between the mechanism and data of vision and the socially shared rules for their interpretation.

Projeto de investigação transdiciplinar com ênfase nas atuais abordagens dialógicas estabelecidas entre arte e esfera pública. Discute o estatuto contemporâneo da Arte Pública e decorrentes hibridizações bem como do museu como espaço de investigação e interlocução artística, com base em ações e experiências processuais e colaborativas. Desenvolve procedimentos inspirados nas práticas museais, tendo os imaginários urbanos como território de análise, confi gurando novas arqueologias da memória urbana contemporânea. Do espetáculo à experiência da cidade, passa-se às diferenças entre visualidade e visibilidade, passa-se da cidade ao lugar. Opera-se uma distinção entre visualidade e visibilidade, entre recepção e percepção, entre comunicação e informação. Em todas essas diferenças se produzem metamorfoses do olhar. / Transdisciplinary research project focused on contemporary dialogic aproach based on art and public sphere. It discusses the role of contemporary Public Arte and current hybridizations as well as the museum as a research\'s space and artistic conversation. It develops procedures inspired on museum practices and it has the urban imaginaries as territories of analyses, confi gurating new archeologys of contemporary urban memory. From the spectacle to the city\'s experience, it pass through differences betwenn visuality and visibility, the city and the site. It operates a distinction between visuality and visibility, reception and perception, communication and information. In all those differences metamorphosys of the look are produced.

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marcos Holanda Almeida.pdf: 400164 bytes, checksum: 7813e5d7dd9ecc0496d25db791ea646d (MD5) Previous issue date: 2008-12-04 / This essay aims to achieve a possible reading of the novel, Memórias Sentimentais de João Miramar, from the theoretical concepts of film, from Eisenstein's theory of montage, once we see the need for a technique of montage in reading the chapters-fragments in this novel. In addition to the theory of montage of Eisenstein s movie, this research will also use the concept of image from Ezra Pound theory of imagism in order to understand the process of condensing the image used in Oswald de Andrade novel. We also analyze the process of metonymy, caused by telegraphic language used in the novel, and the possible presence of cubism in the concatenation of its chapters and juxtaposition-pieces in order to corroborate the theory that Oswald de Andrade anticipates several concepts of modern literary theory, creating, therefore, a real poetry of visuality in his work / Esta dissertação tem por objetivo alcançar uma possível leitura do romance, Memórias Sentimentais de João Miramar, a partir das concepções teóricas do cinema Eisensteiniano, uma vez que constatamos a necessidade de uma técnica de montagem na leitura dos capítulos-fragmentos presentes na obra oswaldiana. Além da teoria da montagem do cinema eisensteiniano, esta pesquisa também fará uso do conceito de imagismo poundiano, a fim de compreender o processo de condensação da imagem utilizado na prosa miramariana. Analisaremos também o processo de construção metonímico, provocado pela linguagem telegráfica utilizada no romance, e a possível presença do cubismo na concatenação e justaposição dos seus capítulos-fragmentos, a fim de corroborar a tese de que Oswald antecipa diversos conceitos da moderna teoria literária, criando, portanto, uma verdadeira poética da visualidade em sua obra

Até o final da década de 1960, o livro escolar brasileiro era em sua maioria produzido dentro dos padrões técnicos e visuais da indústria livreira tradicional em relação estreita e participando do que se conhece como cultura escolar, em que a linguagem visual como modo de conhecimento e construção de significados não era devidamente reconhecida e valorizada. Com raras exceções, a visualidade do livro didático não tinha como referência a produção gráfica de melhor qualidade que aparecia em livros de literatura e outras mídias e não era produto de método projetual mais rigoroso e qualificado. Na década de 1970, com a expansão da indústria cultural e dos meios audiovisuais e o surgimento de novas referências de gosto particularmente para a juventude, a visualidade do livro didático praticada ficou ainda mais distante de seu público. As editoras existentes e as novas que surgiram com a expansão do ensino em todos os níveis, mesmo quando percebiam as mudanças de gosto ocorridas, ou não davam importância para esse fato, ou não sabiam como atualizar as linguagens de sua produção, ambos os aspectos sendo decorrentes da pouca cultura visual de seus dirigentes e do não reconhecimento do modo visual como expressão válida de conhecimento e do design como recurso para despertar o interesse pelo aprendizado e ferramenta de promoção de vendas. Será a editora Ática, por seu projeto editorial de inserção na produção de cultura mais ampla e de resposta às demandas decorrentes da vida política e cultural do momento vivido pelo país, que trará para o livro didático as mesmas preocupações com visualidade que precisava ter com seus produtos destinados ao público mais amplo. Assim, a editora promove uma profissionalização na produção visual, com a contratação de designers e ilustradores experimentados em outras mídias impressas, estas já bastante profissionalizadas na produção de linguagens que atingiam diversos públicos. A importância dada às capas, como meio de sedução para obter adoção entre os professores e adesão entre os estudantes, pela identificação com o universo visual desses segmentos, vai gerar uma renovação sem precedentes na visualidade do livro escolar e vai impulsionar editoras concorrentes a fazê-lo. As soluções gráficas originais de Ary Normanha, com a participação de Mário Cafiero, vão oferecer ao público a experiência com os significados criados pela linguagem visual em diálogo com o modo verbal, como atividade própria de uma cultura e de um aprendizado integrais. A par da ampliação da cultura imagética e das referências de gosto, as capas documentadas e analisadas mostram um momento em que o design do livro didático se equiparou ao melhor design encontrado em outros veículos da cultura no Brasil. / Until the end of the 1960s, Brazilian schoolbooks were in its majority produced according to the technical and visual standards of the traditional publishing industry, in close relation to what is known as school culture, by which the visual language as a way of acquiring knowledge and creating meanings was not duly recognized and valued. With a few exceptions, the visual presentation of schoolbooks had no compare with better quality graphics that turned up in literature books and other media. Moreover, it was not the result of a more rigorous and qualified, thoughtful design. In the 70s, with the expansion of cultural industry and audiovisual media and the emergence of new taste trends particularly among the youth, the visual image of schoolbooks drifted apart from its public even more. The existing publishing houses and the ones founded during the spreading of education in all levels would either dismiss this fact or not know how to update the language of their books even if they have noticed that changes in taste had occurred. These issues were due to the scarce graphical knowledge of the publishers and their non-recognition of the visual aspect as a valid expression of knowledge and of the design as a means for arousing the interest in learning and as a sales promotion tool. Amongst the biggest publishing houses in Brazil, Ática was the one that treated textbooks with the same graphic concerns it has had for its products aimed to a broader public, once it had embarked on the project of participating in the wider cultural production, responding to the demands of cultural and political scenes in that particular period the country was living in. Thus, Ática promoted the professionalization of graphic design in the schoolbook area by hiring designers and illustrators experienced in other media that were already developing languages that reached a diverse public. Considered as a way to conquer teachers and its students through their identification with its visual image, the book cover gained a significance that would generate an unseen renewal in the graphic design of schoolbooks and impelled Áticas competitors to do the same. The original graphical solutions introduced by Ary Normanha, with the collaboration of Mário Cafiero, would make the public experience meanings provided by the dialogues between visual language and verbal language, an outcome of a more comprehensive culture and learning. Besides their enhanced appeal and the cultural imagery they bring about, the book covers registered and analyzed herein show a moment when the design of the schoolbooks was of the same quality as the design found in other cultural media in Brazil.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:12:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Renata Monastirscy Gauche.pdf: 23473490 bytes, checksum: c1f9e73248eac659e6b17abfba3e8f5c (MD5) Previous issue date: 2012-08-21 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This research aims to understand how the production of knowledge occurs through a communication by images, where the object of exemplifying the film "The Wind Will Carry Us" by Abbas Kiarostami. The question that motivates the research is that the film productions that explore a mass communication technique used to request less the imagination of the subject. Abbas Kiarostami, in "The Wind Will Carry Us", proposes a new cinematic language that encourages the "see no show", which comes against the current molds imposed by classical Hollywood film, a film exploring "stretch the neck." In the search for an understanding of how this film as a film set, through a new cinematic language that breaks with the narrative structure, we try to understand the production of knowledge through images made critical, always about to be born. Having as a research methodology to analyze the semiotics of film setting, linked to the theoretical basis required by the object of study, the research is based on the following assumptions: 1) by means of a new language Kiarostami seeks other ways to involve the viewer and view / Read the territory, the culture of your country, 2) Kiarostami does not propose a narrative, in which images have a story to tell, but it occupies an opening narrative forms in training, in other words, there is no narrative in the film, and therefore there is entertainment, 3) communication through images, through dialectical images, boosts the functioning of the imagination and knowledge production. The theoretical basis of this study is the concept that man thinks and communicates through images, through studies of Belting, Flusser, Bachelard and Calvin. To understand the language of Kiarostami and how it deconstructs the film, will support research on concepts developed by Kiarostami, Bernardet, beyond the concepts of visuality, visibility and dialectics, developed by Benjamin, Didi-Huberman, Sodré, Ferrara and Flusser, requested to understand the communication flow as it expands and contracts in a process of endless change / A presente pesquisa tem o objetivo de compreender como ocorre a produção de conhecimento por meio de uma comunicação por imagens, tendo como objeto de exemplificação o filme O Vento nos Levará , de Abbas Kiarostami. A questão que motiva a pesquisa é que as produções cinematográficas que exploram uma comunicação de massa, utilizada como técnica, solicitam cada vez menos a imaginação do sujeito. Abbas Kiarostami, em O Vento nos Levará , propõe uma nova linguagem cinematográfica que estimula o ver sem mostrar , que vem contra a corrente clássica cinematográfica imposta pelos moldes hollywoodianos, explorando um cinema de esticar o pescoço . Na procura de um entendimento de como este filme se configura como filme, por meio de uma nova linguagem cinematográfica que rompe com a estrutura narrativa, tentamos compreender a produção de conhecimento feita através das imagens críticas, sempre em vias de nascer. Tendo como metodologia de pesquisa a análise da configuração semiótica do filme, atrelada às bases teóricas solicitadas pelo objeto de estudo, a pesquisa se apoia nas seguintes hipóteses: 1) por meio de uma nova linguagem, Kiarostami procura outras formas de envolver o espectador e ver/ler o território, a cultura de seu país; 2) Kiarostami não propõe uma narrativa, em que as imagens possuem uma história a contar, mas se ocupa de uma abertura narrativa de formas em formação, ou seja, no filme não há narrativa e, portanto, não há entretenimento; 3) a comunicação por imagens, através de imagens dialéticas, potencializa o funcionamento da imaginação e a produção de conhecimento. A base teórica do presente estudo parte do conceito de que o homem pensa e se comunica por imagens, através dos estudos de Belting, Flusser, Bachelard e Calvino. Para compreender a linguagem de Kiarostami e como ele desconstrói o cinema, apoiaremos a pesquisa nos conceitos desenvolvidos por Kiarostami, Bernardet. Utilizaremos também os conceitos de visualidade, visibilidade e imagem dialética, desenvolvidos por Benjamin, Didi-Huberman, Sodré, Ferrara e Flusser, solicitados a fim de entender a comunicação como fluxo que se expande e se contrai num processo de inesgotável troca

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:12:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Camila Portella Neves.pdf: 1294543 bytes, checksum: fb5c8abf586b4637bd5af0321cfb2631 (MD5) Previous issue date: 2012-12-11 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / The object of this work is the visuality formed by the blind people when watching television. The objective of this research is to analyze the sound as a resource to forming mental images to understand and generate knowledge of the world passed through what is on television for the visually impaired. As specific objectives, intends to examine the TV as a way of understanding the world and as a means of information for the visually impaired, also noting the extent to which the sound replaces the image in the apprehension of which is transmitted by TV. It also aims to analyze to what extent the visually impaired can reproduce the world through sound and identify what kind of visuality is produced by the visually impaired while watching TV. In TV programming, there is a perfect union of image and sound, playing a central role in Brazil in the knowledge of individuals. However, this unique feature in the union of the TV picture and sound, while it can reach a higher percentage of fans, also limits access to those who do not have the feature imagery. This is the case of the blind, which receive only the character of the sound that is transmitted. In view of this, this research has the following problem: being the eyes a sense of excellence in the mass mediation of images, how the blind people experience mental images while watching television? It starts with the hypothesis that the mental visuality produced by blind people can lead to understanding what is televised. In such case, it is believed that through the perception and discrimination of sound, the blind people can produce mental images. Another hypothesis is that, through a polisensitive discrimination, the visually impaired are developing another kind of learning supported by a system of analogies. In view of this, the fourth hypothesis is that through the sound the blind people can elaborate images by expansion of cognitive operations. It is a qualitative research which uses the abductive-inductive method, and for its development, we intend to conduct an empirical illustration with people with visual impairments. For the development of this dissertation will be discussed about the representation as a sign (Charles Sanders Peirce); about the mental representations produced by the blind (Antonio Damasio), entering the enclosure of Cognitive Sciences; on perception (Lucia Santaella), and how the sound is seen by the blind people as a way of thinking in the absence of the image, passing in front of it, by the concept of compensation (Semionovitch Lev Vygotsky) / O objeto do presente trabalho é a visualidade formada pelo deficiente visual ao assistir televisão. O objetivo da pesquisa é analisar o som como formador de imagens mentais no sentido de compreender e gerar um conhecimento do mundo através do que é repassado pela televisão aos deficientes visuais. Como objetivos específicos, pretende-se verificar o papel da TV na compreensão do mundo e como meio de informação para os deficientes visuais, constatando também em que medida o som substitui a imagem na apreensão do que é repassado pela TV. Pretende-se ainda analisar em que medida o deficiente visual consegue reproduzir o mundo através do som e identificar que tipo de visualidade produzem os deficientes visuais ao assistirem TV. Na programação da TV, observa-se o perfeito casamento entre a imagem e o som, desempenhando no Brasil um papel central no conhecimento dos indivíduos. Contudo, essa característica singular da TV na união entre imagem e som, ao mesmo tempo em que consegue atingir um maior percentual de adeptos, também limita àqueles que não possuem acesso do recurso imagético. É o caso dos deficientes visuais, os quais apenas recebem o caráter sonoro do que é transmitido. Em vista disto, a presente pesquisa parte do seguinte problema: considerando os olhos um sentido por excelência na mediação massiva das imagens, como os deficientes visuais experimentam imagens mentais ao assistirem televisão? Parte-se das hipóteses de que a visualidade mental produzida pelo deficiente visual pode levar a compreender o que é transmitido pela televisão. Assim, acredita-se que através da percepção e discriminação do som, o cego consegue elaborar imagens mentais. Outra hipótese é de que, através de uma discriminação polissensível, o deficiente desenvolve outro tipo de aprendizagem apoiada no sistema de analogias. A quarta hipótese é de que através do som o cego consegue elaborar imagens pela expansão de operações cognitivas. Trata-se de uma pesquisa qualitativa cujo método utilizado é o abdutivo-indutivo, e para o seu desenvolvimento, pretende-se realizar uma exemplificação empírica junto às pessoas com deficiência visual. Assim, discute-se acerca da representação como relação sígnica (Charles Sanders Peirce); sobre as representações mentais elaboradas pelos cegos (Antônio Damásio), entrando no cerco das Ciências Cognitivas; sobre a percepção (Lúcia Santaella), passando pela questão da maneira em que o som é utilizado pelos deficientes visuais como modo de pensar na ausência da imagem, abordando, diante disto, o conceito de compensação (Lev Semionovitch Vigotski)

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:13:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fabiano D Alessio Ferrara.pdf: 37054426 bytes, checksum: 9573cba425c4e18992f4282b49b5f6f3 (MD5) Previous issue date: 2013-06-14 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The object of the present research is the museum in the transformation processes which mark its cultural function and transcend its character of keeper of memory. The main objective is to study the multiple and paradoxal functions of the museum that range from exhibition to contemplation and entertainment, through images combined, in convergence, with other mediatic codes. Under this light, the basis of this research is the following question: In the present day, how is the cultural function of museums redefined, transforming them in recurring mediatic agents, with multiple actions in the contemporary city? The hypothesis under examination considers the following: 1) the museum as a communication device which constitutes a multimedia space that demands a review of the role of images and visibility in cultural exhibitions and scientific dissemination; 2) under this mulitmediatic paradigm, exhibition projects are contaminated by display models dominated by digital media in order to guarantee the necessary and/or desired interactivity with the public, regardless of the theme of the exhibition; 3) such paradigm makes the social system behave as a medium that models preferences, tastes and social, economic and cultural patterns; 4) the transformation of contemporary museums into communication devices explains and justifies their constant insertion in the cultural redefinition of urban spaces. The corpus of the present research encompasses national museums located in the city of São Paulo (Museu da Língua Portuguesa, Masp, Catavento, Pinacoteca, Do Futebol) as well as notable international examples such as, the Louvre, Gare D´Orsay, Quai Branly, Pompidou, and Guggenheim/Bilbao. The research methodology consists in the discrimination of visuality characteristics of museums, comparison among the several manifestations, observation of their respective contexts or themes, as well as an attempt to define the cultural roles such museums play in the cities where they are located. In order to do this, the research relies on fundamental concepts such as: iconofagia , technical reproducibility of the images, image cult, zero-dimensionality of the image, social taste, codification of look and space, developed by scholars in the field of semiotics of culture, image, and media, such as Norval Baitello Jr., Walter Benjamim, Vilém Flusser, Hans Belting, Didi Hubermann, Jacques Rancière, Pierre Bourdieu and Lucrécia Ferrara / O objeto da pesquisa é o museu nos processos de transformação que assinalam sua função cultural e ultrapassam seu caráter de guarda da memória. O objetivo central é estudar as múltiplas e paradoxais funções do museu que vão da exposição, à contemplação e ao entretenimento, através da imagem combinada com outros códigos midiáticos em convergência. Nesse cenário, considera-se como base da pesquisa a seguinte questão: como a atualidade requalifica a função cultural do museu, transformando-o em agente midiático recorrente em múltiplas atuações da cidade contemporânea? As hipóteses em estudo consideram que: 1) o museu como dispositivo de comunicação constitui espaço multimídia que exige uma revisão do papel da imagem e da visualidade na exposição da cultura e da divulgação científica; 2) nesse paradigma multimidiático, os projetos de exposições são contaminados por modelos expositivos liderados pelos meios digitais como garantia da necessária e/ou desejada interatividade com o público, independentemente das temáticas em exposição; 3) esse paradigma faz com que tal sistema cultural se processe como mídia modeladora de preferências, gostos e padrões sociais, econômicos e culturais; 4) o museu contemporâneo transformouse em dispositivo de comunicação que justifica e explica sua constante inserção na requalificação cultural de espaços urbanos. O corpus da pesquisa contemplará museus nacionais localizados na cidade de São Paulo ( Museu da Língua Portuguesa, Masp, Catavento, Pinacoteca, Do Futebol) e exemplos notáveis internacionais como Louvre, Gare D´Orsay, Quai Branly, Pompidou, Guggenheim/Bilbao. A metodologia da pesquisa consiste na discriminação das características da visualidade dos museus, comparação entre as diversas manifestações, observando os respectivos contextos em que se situam ou tematizam, além da tentativa de definir os papeis culturais que os museus desempenham nas cidades em que se inserem. Para realizar tal percurso, a pesquisa se apoiará em conceitos fundamentais como: iconofagia, reprodutibilidade técnica das imagens, culto da imagem, nulo-dimensionalidade da imagem, gosto social, codificação do olhar e espacialidade, desenvolvidos por estudiosos da semiótica da cultura, da imagem e da mídia como Norval Baitello Jr., Walter Benjamim, Vilém Flusser, Hans Belting, Didi Hubermann, Jacques Rancière, Pierre Bourdieu e Lucrécia Ferrara