Made available in DSpace on 2016-04-29T14:23:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Carlos Eduardo Tsuda.pdf: 20138115 bytes, checksum: 226dd399b6e3802c0d3749b3b6ccc005 (MD5) Previous issue date: 2014-03-13 / Sound Art and Space: Aesthetics and New Poetic Possibilities (Goals) discusses the processes of hybridization between sound and space from a historical overview through areas such as music, architecture, visual arts, sound engineering and performance. Given the diversity of approaches to the topic, this dissertation intends to present alternative perspectives, focusing on the emergence of Sound Art. (Theoretical and Methodological Aspects) By dealing with changes in the ways of understanding sound, both in the world of contemporary music and in visual arts, the research describes different formats of the relationship between sound and space, which acquired new meanings in art installation after more recent experiments with sound. Moreover, it examines the forms of perception of sound and how they differ from other languages, since they imply specificities in their ways of spatialization. The concepts discussed here are applied in the analysis of relevant examples for the historical understanding of sound art and the relation between space and sound. (Results) These analysis serve as a theoretical basis for more in-­‐ depth case studies, in which the author reflects about his creativive process in different works, such as the sound creation and composition for the contemporary dance spetacle Branco and the sound installation Promenade / Arte Sonora e Espaço: Estética e Novas Possibilidades Poéticas (Objetivos) discute os processos de hibridização entre som e espaço, a partir de um percurso histórico por áreas como a música, a arquitetura, as artes visuais, a engenharia acústica e a performance. Diante da diversidade de abordagens sobre o tema, a dissertação busca relacionar as diferentes perspectivas a partir de um recorte baseado no surgimento da Arte Sonora. (Aspectos Teórico-­‐Metodológicos) Tratando das mudanças referentes às diferentes maneiras como o som passa a ser entendido, tanto no universo da música contemporânea como no das artes, a pesquisa intenta demonstrar como a relação entre som e espaço ganha novos sentidos diante das formas instalativas típicas nas experiências mais recentes com som. Além disso, examina diferentes modalidades de percepção do som, e de que modo estes diferem das demais linguagens, implicando em especificidades no que tocante às formas de espacialização. Os conceitos discutidos são aplicados na análise de exemplos pertinentes para o entendimento histórico da arte sonora e das relações entre som e espaço. (Resultados) Estas análises servem como ponto de partida para estudos de caso mais aprofundados em que o autor reflete sobre seu processo no desenvolvimento de obras, tais como a composição sonora para o espetáculo de dança contemporânea Branco e a instalação sonora Promenade

Made available in DSpace on 2016-04-29T14:23:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Clayton Policarpo Barbosa Vicente.pdf: 12052423 bytes, checksum: 41d80125cbcf32362131b71fa31cde00 (MD5) Previous issue date: 2015-09-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / In every step in ways of producing language, we started to live in new communicative and cultural ecologies, that present themselves in an increased semiodiversity (Santaella, 2010, p. 63). New environments are configured, leaving sometimes to the art the role of mediating and reach new limits that broaden the understanding of the generated changes by the emerging possibilities. In order to trace reflections and propose a theoretical and methodological basis concerning the creation of the artistic narratives on digital platforms, this paper seeks, from monitoring the several steps of a developed network project, the Global Strike (globalstrike.net), to prepare a critical repertoire for analysis and creation of aesthetic manifestations that use hypermedia languages. We start from an ecological perspective, when different agents tend to be articulated in interactive processes and produce a reticular and flat organized flows. Definitions are traced that we hope to strengthen the understanding about works that are limited in such model. To clarify terms like communication s ecology and interstitial narratives, we seek to restructure concepts like author, work and observer. By the time we identify a political dimension in such experiences, as these constitute temporary practice and through heterogeneous associations / A cada avanço nos modos de produzir linguagem, passamos a habitar novas ecologias comunicacionais e culturais que se apresentam em uma semiodiversidade cada vez maior (Santaella, 2010, p. 63). Novos ambientes se configuram, cabendo por vezes à arte o papel de mediar e alçar novos limites que ampliem a compreensão das alterações geradas pelas possibilidades que emergem. Com o intuito de traçar reflexões e propor uma base teórica e metodológica acerca do modo de produção de narrativas artísticas em plataformas digitais, o presente trabalho busca, a partir do acompanhamento das diversas etapas de um projeto desenvolvido em rede, o Global Strike (globalstrike.net), elaborar um repertório crítico para análise e criação de manifestações estéticas que utilizam linguagens hipermidiáticas. Partimos de uma perspectiva ecológica, em que diferentes agentes tendem a se articular em processos interacionais e produzir fluxos reticulares e horizontalmente organizados. São traçadas definições que esperamos que fortaleçam a compreensão de obras que se circunscrevem em tal modelo. Ao elucidar termos como ecologia da comunicação e narrativas intersticiais, buscamos reestruturar conceitos como autor, obra e observador. Ao tempo que identificamos uma dimensão política em tais experiências, visto que estas se constituem provisórias e por meio de associações heterogêneas

Made available in DSpace on 2016-07-27T13:46:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 MARIA CRISTINA DE FREITAS BONETTI - PARTE 1.pdf: 4528097 bytes, checksum: b102021c0421e0f11965fe8fadf10afb (MD5) Previous issue date: 2013-08-14 / This thesis investigates the survival and the camouflage of the Myth of the Serpent and the Cult to the Great Mother in mythic and ritualistic performances of the Sacred Circle Dances nowadays. For this, it remakes the myth trajectory since ancient times, exploring the imagery of creation and its various expressions in archaic cultures in the Western World. The main objective of the research is to demonstrate the survival the symbolism of the Mother Goddess and the Serpent Myth in different cultural expressions in dialogue with the Sacred Circle Dances. It also takes into to identify the hidden message that externalizes through body movements that generate archetypical expressions codified in the ritualistic dances and performances, and explores in the same way, the domains of the Great Mother and the Serpent; its symbolic polysemy and the way they are organized in artistic and spacial terms. The main issue of this thesis is that whether the symbolism of the serpent can be considered as a mythical theme survival in the contemporary Sacred Circle Dance. Taking as methodological inspiration the hermeneutic conception of analysis, in this thesis the purpose is to connect the Myth of the Serpent with the most relevant works regarding the Sacred Feminine, history, anthropology and the ritualistic performances. The literature will be reviewed in its thematic axles and in particular the authors and the known experts in the Sciences of Religion. Amid the conceptual interpretations this research produces surveys of recent works on the subject of study to discuss the meanings and the ramifications inspired by ancient traditions and with deep power refresher mythical; and in this discussion, focuses on the aspect of the dances that revive the serpent symbolism and ritually reframe the archaic myths. Traditional and Folk Dances, realized as artistic performances, or even spontaneously, come upon the space created by the traditional parties, replace and vivify myths and prehistoric rituals nowadays. It is considered, therefore, that the Serpent symbology is a mythical theme of the Mother Goddess who survived the performed and ritualistic acts in the contemporary Sacred Circle Dances. / Esta tese investiga as sobrevivências e a camuflagem do Mito da Serpente e do culto à Grande Mãe nas performances mítica e ritualística das Danças Circulares Sagradas na contemporaneidade. Para isso, refaz a trajetória do mito desde a antiguidade, explorando o imaginário da criação e suas diversas expressões em culturas arcaicas no mundo ocidental. O principal objetivo da pesquisa é demonstrar a sobrevivência da simbologia da Deusa Mãe e do Mito da Serpente nas diferentes expressões culturais em diálogo com as Danças Circulares Sagradas. Busca, ainda, identificar a mensagem oculta que se externaliza mediante os movimentos corporais que geram expressões arquetípicas codificadas nas danças e performances ritualísticas; e explora, do mesmo modo, os domínios da Grande Mãe e da Serpente, sua polissemia simbólica e a maneira como se organizam em termos artísticos e espaciais. A principal questão da tese é se a simbologia da serpente pode ser considerada como temática mítica sobrevivente na Dança Circular Sagrada na contemporaneidade. Tendo como inspiração metodológica a concepção hermenêutica de análise, nesta tese busca-se conectar o Mito da Serpente às obras mais relevantes no que tange ao Sagrado Feminino, à história, à antropologia e às performances ritualísticas. A literatura será revista em seus eixos temáticos e, em especial, nos autores e estudiosos reconhecidos nas Ciências da Religião. Em meio às interpretações conceituais, a pesquisa realiza levantamentos das produções recentes sobre a temática de estudo para discutir as acepções e os desdobramentos inspirados em tradições ancestrais e com intenso poder de reatualização mítica; e, nesta discussão, aborda-se o aspecto das danças que revivem o simbolismo da serpente e ressignificam ritualisticamente os mitos arcaicos. As Danças Tradicionais e Folclóricas, realizadas como performances artísticas, ou mesmo espontaneamente, sobrevêm ao espaço criado pelas festas tradicionais, reatualizam e vivificam mitos e rituais pré-históricos na contemporaneidade. Considera-se, portanto, que a simbologia da Serpente é uma temática mítica da Deusa Mãe que sobreviveu nos atos performatizados e ritualísticos das Danças Circulares Sagradas contemporâneas.

Submitted by LARA JATKOSKE LAZO (larajlazo@yahoo.com) on 2018-10-19T18:27:17Z No. of bitstreams: 1 Definitiva Texto Dissertação.pdf: 2169042 bytes, checksum: 0852a551f61bb30892f3ffa8cca26bd8 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Aparecida Puerta null (dripuerta@rc.unesp.br) on 2018-10-19T19:01:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 lazo_lj_me_rcla.pdf: 2013779 bytes, checksum: b66d1d28ea8901b028df045516b50452 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-10-19T19:01:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 lazo_lj_me_rcla.pdf: 2013779 bytes, checksum: b66d1d28ea8901b028df045516b50452 (MD5) Previous issue date: 2018-08-27 / A presente dissertação traz observações e elaborações teóricas da experiência de uma professora com a Literatura Clássica. Apresenta reflexões sobre a interseção entre leitura, escrita e práticas artísticas na formação e constituição do espaço subjetivo fronteiriço entre essas práticas, na formação do aluno adolescente leitor. De abordagem qualitativa, apresenta- se como uma pesquisa narrativa e autobiográfica (ARFUCH, 2002). A professora parte de observações ao longo de alguns anos de experiências realizadas em uma escola pública agrícola de período integral de um município de São Paulo. Das colocações discursivas, “Amo ler” e “Odeio ler", identificam-se três tipos de leitores: o que ama, o que odeia ler e o indiferente; dois níveis de leitura: o narrativo ("Tempo Relativo") e o atemporal ("Tempo Absoluto"), que se interligam pela "Ponte de Einstein-Rosen", processo pelo qual se dá a diluição e reconstituição do eu no ato de ler. Outras elaborações teóricas, que possibilitam outras relações do aluno com o ato de ler, também foram desenvolvidas. O'Sullivan et al., (2015) e Calvino (2007) embasam o porquê da proposta da Literatura Clássica. E a partir das ideias de Barthes (1987) e Proust (2003), observou-se que, e como, os espaços físico e psicológico influenciam o “espaço psicológico” da leitura. No âmbito artístico, com Chekhov (2015), na representação teatral, e Vigotski ([1999?]), na valorização do social, as práticas artísticas tornaram o contexto de ler um ambiente criativo de liberdade, de releitura e recriação da literatura e de si, em que a construção dialógica polifônica (BAKHTIN, 2015) assumiu destaque e potência. A pesquisa identificou elementos cognitivos, psicológicos, sociais e concretos importantes no processo de formação de alunos leitores adolescentes, e constatou a importância e a efetivação da leitura coletiva de clássicos na escola pública em que foi experimentada, a sua não efetivação nas práticas individuais e a importância das atividades artísticas no processo de ler. Valorizou-se a experiência do discurso num espaço enunciativo criativo. / The present dissertation brings one teacher’s theoretical observations and elaborations from experiencing Classic Literature. It is a compilation of reflections on the co-interactions among practices of reading, writing and artistic tasks, as well on their influence on adolescent-student-reader’s formation and constitution. Findings, obtained from qualitative approach, are presented as a narrative and autobiographical research (ARFUCH, 2002). Observations were conducted, experiences gathered over several years at a public agricultural school in Sao Paulo city (Brazil). Based on statement positions: "I love to read" and "I hate read", three types of readers were identified: “loves reading”, “hates reading” and “indifferent”. Adjacently defined two levels of reading: the narrative -"Relative Time" and the timeless and continuous time -"Absolute Time", which are interconnected by an "Einstein- Rosen Bridge”. This is a process by which the "I" is diluted and reconstituted in the act of reading. Other theoretical elaborations that enabled other student relations with the act of reading were also developed. O'Sullivan et al. (2015) e Calvino (2007) substantiate the proposal of Classical Literature reasoning. Barthes (1987) and Proust (2003) ideas supported observations of physical and psychological spaces influence on the reading "psychological space". Chekhov (2015)’s theatrical performance along with Vygotsky ([1999?])’s social valorization transformed the context of reading in a creative environment of freedom, of re- reading and re-creation of the “literature” and “self”. In this context the polyphonic dialogic construction (BAKHTIN, 2015) got emphasis and power. This research project identified important cognitive, psychological, social and concrete elements in the process of training adolescent students. It was verified the importance and the effectiveness of the collective reading of classics in the public school where the observation was conducted. Classics individual reading failed to deliver effectiveness reinforcing the importance of artistic activities in the reading process. Discourse experience was valued in a creative enunciate space, making representation also a reinvention.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tatiana.pdf: 7009154 bytes, checksum: b5507230d1f7a855054a4651643fba2b (MD5) Previous issue date: 2010-12-20 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / During the1960 s and 1970 s, the Museum of Contemporary Art of São Paulo (MAC/USP), directed by Prof. Walter Zanini worked as a space for experimentation of various artistic languages. Among the numerous activities carried out by the director Walter Zanini, was his participation in the International Conference of Museums and Collections of Modern Art in 1972, in Krakow, Poland, where he discussed the role of a museum and the permanent contact with various art institutions outside Brazil, promoting the production of video art when portable cameras were not yet commercially available in Brazil and, especially the various exhibitions that he encouraged and supported in the years of his administration, such as the JACs Jovem Arte Contemporânea (Young Contemporary Art). These series of exhibitions, remarkably the VI JAC in 1972, established a period of changes in the MAC/USP, where the director and teacher Walter Zanini, together with the artists and his students from ECA/USP, had the opportunity to collectively reflect upon the production processes developed in that space. Besides the VI JAC, other exhibitions such as Prospectiva 74 (Prospective, 1974), Poéticas Visuais (Visual Poetics, 1977) and 07/04/1972 Acontecimentos (Happenings, 1972) marked the 1970 s, especially at the MAC/USP, by an intense exploration of the multiple channels of communication technology. Art became a vehicle above its aesthetic function during the period of military dictatorship, and the institution became a reference place for artists from Latin America and Eastern Europe, as well as Europe and the United States. Outside Brazil, other museum directors also had been turning art institutions in experimentation laboratories, as was the case of the Swedish Pontus Hulten in Poetry Must Be Made By All (1969) and Utopians and Visionaries 1970-1981 (1971) and the Swiss Harald Szeemann in When Attitudes Become Form (1969). In order to bring up the current issues that relate to the availability of art institutions in rethinking and restructuring their businesses to receive processual artistic practices, we present some proposals from artists and curators which reflect the function of the museums today. The approach of the concept of white cube of Brian O Doherty was here opposed to the idea of a museum equipped to suit experimental art practices. Live Archive , place lab , other spaces as extensions of the museum and collaboration spaces are names that were developed upon the reflection and analysis of the artistic and curatorial processes presented in this work, and tend to redefine the role of art institutions. Among the practices addressed nowadays in Brazil we highlight the work carried out by Martin Grossmann, director of Centro Cultural São Paulo (CCSP), from 2006 to 2010, as well as the creation and coordination of the Permanent Forum: Museums: between public and private . Both spaces reflect an attempt to expand the concept of the museum as a laboratory of experiences, meetings, discussion and socialization of art / Durante as décadas de 1960 70, o Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), sob a direção do prof. Walter Zanini, serviu de espaço para a experimentação de diversas linguagens artísticas. Entre as inúmeras atividades realizadas pelo diretor Walter Zanini, está a sua participação na Conferência Internacional de Museus e Coleções de Arte Moderna no Colóquio Brasileiro de História da Arte, em 1972, em Krakow, Polônia, onde debateu sobre a função de um museu; o contato permanente com diversas instituições de arte fora de nosso país; o incentivo na produção de videoarte num período em que ainda não havia câmeras portáteis disponíveis no mercado brasileiro e, sem dúvida, a série de exposições que incentivou e apoiou nos anos de sua gestão, destacando-se as JACs Jovem Arte Contemporânea . Esta série de exposições, principalmente a VI JAC, em 1972, funda um período de mudanças no MAC/USP, onde o diretor e professor Walter Zanini, os artistas e seus alunos da ECA/USP tiveram a oportunidade de refletir coletivamente os processos de produção desenvolvidos naquele espaço. Além da VI JAC e outras exposições como Prospectiva 74 (1974), Poéticas Visuais (1977) e 7/4/1972 Acontecimentos, a década de 1970 foi marcada, sobretudo no MAC/USP, por intensa exploração dos múltiplos canais de comunicação tecnológica. A arte transformou-se em um veículo acima de sua função estética durante o período da ditadura militar, e esta instituição se tornou um lugar de referência para artistas da América Latina e do Leste Europeu, assim como da Europa e dos Estados Unidos. Fora do Brasil, outros diretores e curadores de museus também estiveram transformando o espaço de instituições de arte em um laboratório de experimentações, como foi o caso do sueco Pontus Hulten em Poetry Must Be Made By All (1969) e Utopians e Visionaries 1970 1981 (1971), e do suíço Harald Szeemann em When Attitude Become Form (1969). No intuito de trazer para a atualidade questões que são referentes à disponibilidade de instituições de arte em repensarem e reestruturarem-se para receberem práticas artísticas processuais, apresentamos algumas propostas de artistas e de curadores refletindo a função do museu hoje. A abordagem do conceito de cubo branco de Brian O Doherty foi aqui contraposta à ideia de um museu equipado , que atende às práticas artísticas experimentais. Arquivo vivo , Lugar laboratório , Outros espaços como extensão do museu e Espaços de colaboração são denominações que foram desenvolvidas a partir da reflexão e análise dos processos artísticos e curatoriais presentes neste trabalho, e que tendem a redimensionar o papel que uma instituição de arte deveria desempenhar. Entre as práticas abordadas atualmente, no Brasil, ressaltamos o trabalho que foi desenvolvido no período de 2006 a 2010 pelo diretor do Centro Cultural São Paulo (CCSP), Martin Grossmann, bem como a criação e coordenação do Fórum Permanente: Museus de arte: entre o público e o privado , ambos, iniciativas que buscam ampliar o conceito de museu como laboratório de experiências, encontro, debate e socialização da arte

Este estudo trata de uma autorreflexão sobre aspectos de minha vida, que vão desde os primeiros contatos com a arte até as afetações desta relação em minha prática docente, focando o teatro como linguagem privilegiada. Os desafios que travo em minha rotina como professor de Arte na educação básica e os caminhos trilhados como possíveis formas de transpor esses obstáculos também ocupam espaço significante nesta pesquisa. Para tanto, o embasamento teórico se deu através de autores e assuntos relacionados à educação, arte, teatro e experiências docentes. Também utilizo, para justificar o formato narrativo deste trabalho, autores que abordam em suas pesquisas as escritas autobiográficas e narrativas em torno do professor. Quanto à metodologia, por razão do caráter subjetivo dos aspectos investigados, a coleta e a análise dos dados se deram nos princípios da pesquisa qualitativa. Os dados foram analisados através de resgates memoriais, da experiência acadêmica e profissional e das relações que fiz junto aos referenciais bibliográficos. / Este estudio trata de una autoreflexión sobre los aspectos de mi vida, que van desde los primeros contactos con el arte hasta las afectaciones de este enlace en mi práctica docente, centrándose en el teatro como lenguaje privilegiado. Los desafíos con que lucho en mi rutina como profesor de arte en la educación básica y los caminos como posibles formas de superar estos obstáculos también ocupan un espacio importante en esta investigación. Por lo tanto, la base teórica está dada por autores y temas relacionados con la educación, el arte, el teatro, la enseñanza de las experiencias. También utilizo, para justificar el formato narrativo de este trabajo, los autores que abordan en sus investigaciones las escritas autobiográficas y narrativas sobre los maestros. En cuanto a la metodología, en razón del carácter subjetivo de los aspectos investigados, la recolección y la análisis de datos se da en los principios de la investigación cualitativa. Los datos fueron analizados a través de memoriales reembolsos, de experiencia académica y profesional y de las relaciones que he hecho con las referencias bibliográficas. / Dissertação (Mestrado)

O pressuposto teórico dessa investigação é que a imagem constitui a célula ou singularidade que aciona as políticas cognitivas de subjetivação e alteridade. Por meio das práticas artísticas e da percepção estética, ela concede sentido ao corpo da educação pela arte. Isso posto, o objetivo teórico da pesquisa foi contribuir para a compreensão dos modos de produção da imagem nas poéticas contemporâneas nas artes visuais e seu papel na experiência estética, examinando sua relação e seus efeitos sobre os processos mediados pelo ensino da arte, a partir da prática de artistas educadores. Entende-se que esse seja um objeto que aborda um fenômeno de caráter contemporâneo, sobre o qual o pesquisador possui pouca ou nenhuma influência, o que justificou a utilização do método de estudo de caso. Para sua efetivação foi definido um ator chave, unidade de análise do estudo de caso. Definiu-se pelo foco no trabalho da pesquisadora, professora e artista contemporânea Lucimar Bello Frange, cuja trajetória destaca-se como referência no contexto artístico e educacional nos últimos 30 anos. A execução da pesquisa de campo foi guiada por três objetivos específicos, todos eles relacionados ao trabalho do ator chave, sendo eles: refletir sobre sua trajetória, no âmbito das poéticas contemporâneas, desde os anos 1990; compreender como a experiência da, e com a imagem se realiza; analisar como são ativadas as políticas cognitivas por meio da experiência com a imagem, com ênfase no projeto/performance intitulado \"Desenhos de Comer\". A pesquisa assumiu a perspectiva qualitativa e exploratória, suportada por três métodos considerados os mais adequados para abordagem do objeto: pesquisa documental, análise de entrevistas e observação direta participante. Desses métodos foram derivados procedimentos que produziram os dados que foram triangulados por meio de três categorias de pesquisa: prática artística, experiência da, e com a imagem, e, processos pedagógicos. A interpretação dos resultados permitiu organizar os resultados em 3 capítulos: no primeiro deles são discutidos os fundamentos teóricos e realizados diálogos com artistas contemporâneos, o que permitiu sustentar a pesquisa em termos de conceitos e linhas de pensamento; o segundo é dedicado à apresentação do procedimento metodológico utilizado para a execução da pesquisa; o último capítulo apresenta os resultados do estudo de caso e está subdividido em quatro sessões, que apresentam os resultados conforme cada método escolhido, para a seguir realizar o processo de triangulação. / The theoretical assumption of this investigation is that the image constitutes the cell or singularity that triggers the cognitive policies of subjectivation and otherness. Through artistic practices and aesthetic perception, it gives meaning to the body of education through art. Thus, the theoretical objective of the research was to contribute to the understanding of the modes of image production in contemporary poetics in the visual arts and its role in aesthetic experience, examining their relation and its effects on the processes mediated by the teaching of art, from the Practice of educating artists. It is understood that this is an object that addresses a phenomenon of contemporary character, about which the researcher has little or no influence, which justified the use of the case study method. For its effectiveness, a key actor, unit of analysis of the case study was defined. It was defined by the focus on the work of the researcher, teacher and contemporary artist Lucimar Bello Frange, whose trajectory stands out as a reference in the artistic and educational context in the last 30 years. The execution of the field research was guided by three specific objectives, all of them related to the work of the key actor: to reflect on his trajectory, in the context of contemporary poetics, since the 1990s; Understand how the experience of and with the image is realized; To analyze how cognitive policies are activated through experience with the image, with emphasis on the project / performance entitled \"Desenhos de Comer.\" The research assumed the qualitative and exploratory perspective, supported by three methods considered the most appropriate to approach the object: documentary research, analysis of interviews and participant direct observation. From these methods were derived procedures that produced the data that were triangulated through three categories of research: artistic practice, experience of and with the image, and, pedagogical processes. The interpretation of the results allowed us to organize the results into three chapters: the first one discusses the theoretical foundations and the dialogues with contemporary artists that allowed to support the research in terms of concepts and lines of thought; The second is dedicated to the presentation of the methodological procedure used for the execution of the research; The last chapter presents the results of the case study and is subdivided into four sessions, which present the results according to each chosen method, to carry out the triangulation process

Este trabalho tem como objetivo a análise do espaço urbano, na medida em que explora o conceito de teatralidade das cidades para o urbanismo. Compreende a relação das intervenções artístico-urbanas e do teatro no espaço da metrópole, buscando principalmente fazer prospecções tanto da arte cênica, como das cidades.Ajuda a entender melhor o panorama mundial e as transformações culturais ao indicar, principalmente no âmbito das cidades, as novas possibilidades para o desenvolvimento da arte e da cultura, e para futuros empreendimentos e parcerias entre os setores público e privado. A arquitetura surge, nesta proposta, como um elemento essencial na história das cidades e das sociedades mundiais, em todos os seus períodos. Percorremos a trajetória teatral de três importantes representantes do teatro brasileiro, os grupos Galpão e Armatrux de Belo Horizonte e o Teatro da Vertigem de São Paulo. Buscou-se entender a relação do teatro de cada grupo, com os espaços da cidade, na sua forma de produção, no processo de re-significação de importantes espaços simbólicos e na re-qualificação dos vazios urbanos, em novos lugares contemporâneos da arte nas metrópoles. / The purpose of this work is the urban space analysis, as well as it explores the cities theatricalism concept to the urban planning. It comprises the relation between the artistic-urban interventions and the theater at the metropolis space, trying, mainly, to make prospections of both, the scenic art and the cities. Helping to better understand the world-wide scenery and the cultural transformations; and revealing it to the new possibilities for the art and culture development, mainly at the cities scope, for future undertaken and association between public and private sectors. Architecture results from, on this proposal, as a main element in the history of the cities and the world-wide societies, in all their periods. We covered the theatrical trajectory of three important Brazilian theater representatives, the groups Galpão and Armatrux from Belo Horizonte and Teatro da Vertigem from São Paulo. Seeking to understand the theater relation of each group, in its production manner, with the city spaces, at the re-significance process of important symbolic spaces and at the unoccupied urban re-designation in new contemporary places of art in metropolises.

A dissertação trata de Pau Brasil, de Oswald de Andrade, e Feuilles de Route: I. Le Formose e II. Sao-Paulo, de Blaise Cendrars, e pretende verificar como a cidade de São Paulo - em sua condição particular no contexto da modernidade brasileira - é transformada em matéria poética nessas obras. Em contraponto aos elementos do cosmopolitismo da metrópole, apresenta-se a vida rural no ambiente das fazendas do interior do Estado. Com base na análise das obras, procuro avaliar a poética dos autores em suas relações com a metrópole, considerando ainda temáticas associadas a outras questões da modernidade, como o progresso x a natureza e o tema da viagem. Na recomposição dos projetos poéticos dos autores nas obras estudadas, os desenhos elaborados por Tarsila do Amaral para ambas produções poéticas serão considerados como um ponto-chave. / This dissertation examines Oswald de Andrade´s Pau Brasil, and Blaise Cendrars´ Feuilles de Route: I. Le Formose and II. Sao-Paulo, and intents to verify how São Paulo has been - in its particular condition in the context of Brazilian modernity - transformed in poetic subject in these works. In contrast to the elements of metropolis´ cosmopolitism, presents the rural life in inner state farms. Based on work analysis, I attempt to evaluate the authors´ poetic in their relationship with the metropolis, considering also a subject matter associated to other modernity issues, like progress x nature and the travelling theme. In rearrangement of poetic projects from the authors in the studied works, the drawings created by Tarsila do Amaral for both poetic produtions are considered key-points.

Made available in DSpace on 2016-04-18T21:31:40Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Sergio Luiz da Cunha1.pdf: 1291301 bytes, checksum: f64a61d9ffc332ddc49432e2a9b16c3f (MD5) Sergio Luiz da Cunha2.pdf: 3108547 bytes, checksum: 10736f8c90201e211e889b95c68c7030 (MD5) Previous issue date: 2008-02-14 / The present dissertation research, reports the experience of the Implantation experts teachers in the Arts on the First Years of the Fundamental Teaching (1st to 4th grades). Developed by the Municipal Education of Cajamar city, in São Paulo painstaking by it s Pedagogical Workshop in sixteen Municipal Public Nets, this coordinated by ass Art Pedagogical Assistant. This is a public politics that inserts on the Initials Years the Art Teaching, privileging the four languages: Visual Arts, Music, Dance and Theater. Each one of the Languages were worked in projects with semestral periodicity, all of them articulated in the art conception, while Knowledge and Language, embassy in the fruition, production and contextualized. This research is focused in two Municipal Public Schools and in addition in its teachers and students. The biggest objective of this job was to contribute with teacher s work and his Formation, and for that, there were realized orientations, analysis, discussions and reflex in its Arts Workshops, which discuss conceptions in Arts workshops which discuss in conceptions of the knowledge instruction in that are behind the classes. There were a lot of observations in concern of the teacher s formation, how do they prepared their classes, how do they think of the Art for the child. That means, what in base is relevant in the, art knowing. The research with this, evaluates how these orientations were received by the teachers, how did it come to the schools and to the students. Each one of the chapters aborts the questions connected to the art and its knowing in the Municipal Public Net of Cajamar SP, the places which are already traked, the developed projects the teachers profile, the art and the teaching of the students. A short abstract, of the teaching historical of the Brazil Art. It s necessary to project that in any way this dissertation intends to creates new methodology to the Art teaching, that intends to exposed how was the implantation and formation teachers experts process in the area in the first Teaching Fundamental Years. / A presente pesquisa de dissertação de mestrado relata a experiência da Implantação de Professores Especialistas na área de Arte nos anos iniciais do Ensino Fundamental (1ª a 4ª séries), desenvolvido pela Diretoria Municipal de Educação de Cajamar, em São Paulo, aplicada por meio de sua Oficina Pedagógica em dezesseis escolas da Rede Pública Municipal, coordenada por um Assistente Pedagógico de Arte. Trata-se de uma política pública que insere nos anos iniciais, o ensino de Arte, privilegiando as quatro linguagens: Artes Visuais, Música, Dança e Teatro. Cada uma das linguagens foi trabalhada em projetos com periodicidade semestral, todos articulados na concepção de arte enquanto conhecimento e linguagem, embasados nos momentos de fruição, produção e contextualização. Esta pesquisa centra o olhar em duas escolas da Rede Pública Municipal e, consequentemente, em seus professores e alunos. O maior objetivo deste trabalho foi de contribuir com o trabalho do professor e sua formação, para tanto, foram realizadas orientações, análises, discussões e reflexões em Oficinas de Arte que tocavam em concepções de ensino e de aprendizagem que estão por trás das aulas. Foram muitas as observações no que diz respeito à formação dos professores, como eles elaboram suas aulas, como pensam a arte para crianças, ou seja, o que de fato é relevante no ensino da Arte. Com isso, a pesquisa avalia como essas orientações foram recebidas pelos professores, como chegaram às escolas e aos alunos. Cada um dos capítulos aborda questões ligadas à arte e seu ensino, apresentando o documento de Implantação do Ensino de Arte na Rede Pública Municipal de Cajamar SP, os caminhos já trilhados, os projetos desenvolvidos, o perfil dos professores, a arte e o letramento dos alunos, um breve resumo do Histórico do Ensino da Arte no Brasil. Faz-se necessário salientar que de forma alguma esta dissertação pretende criar novas metodologias para o ensino de Arte, muito menos esgotar o assunto, mas pretende revelar como foi o processo de implantação e formação de professores especialistas da área nos anos iniciais do Ensino Fundamental.