Texte remanié de: Diss. Ph. D.--Literature--Ramat-Gan--Bar-Ilan university, 5757, 1997. / Le verso de la p. de titre porte : "Linguistic patterns for the creation of comic and satiric effects in modern Hebrew fiction" Bibliogr. p. 193-206.

This study intends to highlight and explain the development, in the Renaissance, of a category of fictions characterized by their comical improbability and their - more or less serious - claim to convey a philosophical content. Based on a corpus of six Italian and French “philosophical fantasies” (Alberti’s Momus, Ariosto’s Orlando Furioso, Folengo’s Baldo, Rabelais’s works, Ronsard’s “seasonal hymns”, and Philippe d’Alcripe’s Nouvelle Fabrique), our study aims at defining this category, and showing how a fictional pattern, initially borrowed by Italian humanists from Lucian of Samosata, has been adapted to new philosophical stakes and controversies. Our last six chapters are devoted to case studies. The five previous ones explore, from a theoretical perspective, the status of incredible fictions in the horatian, platonic and aristotelian poetics: far from being systematically regarded as lies, or considered as artistic failures, they benefit from the high value granted to fictional invention and to the intellectual impact of astonishment. However, their relationship to the allegorical tradition is complex: while they constantly refer to it, they resist to the allegorizers’s investigation. This ambiguity is specific to the products of creative fantasy which, in Renaissance philosophy, is a strongly ambivalent faculty of the soul. / This study intends to highlight and explain the development, in the Renaissance, of a category of fictions characterized by their comical improbability and their - more or less serious - claim to convey a philosophical content. Based on a corpus of six Italian and French “philosophical fantasies” (Alberti’s Momus, Ariosto’s Orlando Furioso, Folengo’s Baldo, Rabelais’s works, Ronsard’s “seasonal hymns”, and Philippe d’Alcripe’s Nouvelle Fabrique), our study aims at defining this category, and showing how a fictional pattern, initially borrowed by Italian humanists from Lucian of Samosata, has been adapted to new philosophical stakes and controversies. Our last six chapters are devoted to case studies. The five previous ones explore, from a theoretical perspective, the status of incredible fictions in the horatian, platonic and aristotelian poetics: far from being systematically regarded as lies, or considered as artistic failures, they benefit from the high value granted to fictional invention and to the intellectual impact of astonishment. However, their relationship to the allegorical tradition is complex: while they constantly refer to it, they resist to the allegorizers’s investigation. This ambiguity is specific to the products of creative fantasy which, in Renaissance philosophy, is a strongly ambivalent faculty of the soul.

Orientador: Silvana Vieira da Silva / Banca: Karen Volobuef / Banca: Norma Domingos / Resumo: Este estudo tem por objetivo analisar historicamente a evolução do conceito do cômico e de suas vertentes e o modo como a escritora belga Amélie Nothomb o utiliza, bem como emprega as suas formas. Para esta investigação, pretende-se considerá-la em um contexto "pós-moderno" paródico e irônico. A fim de alcançar o objetivo proposto, buscam-se, desde a Antiguidade, as fontes do cômico e a maneira como ele foi percebido através dos séculos: inicialmente, na oposição tragédia/comédia; depois, na diabolização do riso na Idade Média; em seguida, o surgimento do humor até a profusão de teorias da modernidade e da contemporaneidade. Partindo do princípio da existência de duas tendências do romance belga − uma de evocação paródica, humorística e irônica, que pretende criticar a realidade, e outra que busca a aproximação com o sonho, com o imaginário, com a análise da obra Hygiène de l'assassin (1992) −, procuramos analisar a primeira delas (paródica e crítica) na obra de Nothomb a qual, segundo a própria autora, é seu manifesto literário. Com o estudo de "Stupeur et tremblemenst (1999), romance vencedor de melhor prêmio da academia francesa, avaliamos de que forma esse romance, que contém traços autobiográficos, aproxima-se de características surrealistas sem deixar de aliar tais traços peculiares à crítica irônica e humorística da sociedade contemporânea / Résumé: Cette étude vise à analyser l'évolution historique du concept du comique et de ses composants et la façon dont l'écrivain belge Amélie Nothomb utilise et emploie ses formes. Pour cette enquête, nous avons l'intention de l'examiner dans un contexte «postmoderne», ironique et parodique. Pour atteindre l'objectif proposé, sont recherchés depuis l'antiquité, les sources du comique et la manière dont il a été perçu à travers les siècles, d'abord dans l'opposition tragédie/comédie, puis de la diabolisation du rire au Moyen Age, puis l'émergence de l'humour jusqu'à la profusion de théories de la modernité et la contemporanéité. En supposant l'existence de deux tendances du roman belge - une de évocation parodique, humoristique et ironique, qui veut critiquer la réalité, et une autre qui cherche à resserrer les liens avec le rêve, l'imaginaire, avec l'analyse L'hygiène de l'assassin (1992) -, nous analysons la première (la parodique et la critique) du travail de Nothomb qui, selon l'auteur, est son manifeste littéraire. Avec l'étude de "Stupeur et Tremblemenst (1999), lauréat du prix de méilleur roman de l'Académie française, nous évaluons la manière dont ce roman, qui contient traces autobiographiques, s'approche aux caractéristiques surréalistes tout en alliant les traits propres à la critique ironique et humotistique de la société contemporaine / Mestre

La thèse est centrée sur l'édition critique des apostilles inédites de Tassoni au Roland Furieux, et sur l’évolution de son interprétation du poème de l’Arioste à partir des apostilles de jeunesse jusqu'à la Secchia rapita (le Seau Enlevé). Le premier chapitre est consacré aux apostilles de Tassoni : on considère tous ses textes annotés (15 dont il est certainement l’auteur), avec un bref résumé du débat critique sous-jacent à chacun de ces textes, s’il est présent. Ensuite, sont soulignés les aspects communs à toutes les apostilles de Tassoni, dont l’importance n’est pas marginale car elles ont été écrit par une personnalité de premier plan dans le panorama culturel italien du début du XVIIème siècle. La dernière partie du chapitre met les apostilles en relation avec les autres œuvres du Tassoni, où l’élément fragmentaire, celui du texte inachevé et non définitif, est toujours présent. Le deuxième chapitre est centré sur les apostilles au Roland Furieux, dont on fournit l’édition critique en appendice. Les apostilles, dont la longueur est variable, sont environ 2600 et incluent des observations sur tout le poème. Elles critiquent tout ce que Tassoni, d’après Castelvetro, considère contraire aux rigoureuses catégories d’Aristote et du Tasse. Après une brève introduction, le chapitre analyse les apostilles – divisées selon leurs caractéristiques formelles et narratives (action et personnages) –, avec une attention particulière pour les annotations qui soulignent les inventions bizarres, et plus en général pour les aspects les plus spécifiques des apostilles et de leur auteur. Dans le troisième chapitre, on analyse le rapport entre la vision du Roland Furieux qui résulte des apostilles et celle qui est présente dans les œuvres de la maturité, en essayant de reconstruire l’idée de l’épique et en particulier du poème de l’Arioste, et son évolution dans la pensée de Alessandro Tassoni. / My PhD thesis is about the critical edition of the inedited annotations by Tassoni to the Orlando Furioso, and the way his interpretation of Ariosto’s epic poem changes from the annotations written during his youth till The Rape of the Bucket. The first chapter is about Tassoni’s annotations : we consider all his noted texts (15 of which we can say for sure that are by him), with a short summary of the critic debate regarding each one of these texts, if it is present. Then, we underline the aspects that are common to all Tassoni’s annotations, whose importance is not secondary since they have been written by a personality of the Italian cultural scene of the early XVII century. The last part of the chapter compares the annotations with other works by Tassoni, where the fragment can always be found as a stylistic element. The second chapter is about the annotations to the Orlando Furioso, whose critical edition is in the appendix of the thesis. The annotations are about 2600, of different lengths, and they include comments about all the epic poem. They attack all that according to Tassoni (following Castelvetro) breaks the categories of Aristotle and Tasso. After a short introduction, the chapter analyses the annotations – classified based on their formal and narrative features (such as action and characters) –, with a particular attention to the annotations that underline the strange inventions and more generally for the more specific aspects of the annotations and of their author.In the third chapter, we analyze the relation between the vision of the Orlando Furioso that can be gathered from the annotations and the one that characterizes the works of Tassoni’s maturity, trying to reconstruct the idea of epic and specially of Ariosto’s epic poem, and its evolution in Alessandro Tassoni’s thought.

Made available in DSpace on 2016-08-16T18:10:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Flavia.pdf: 4044882 bytes, checksum: db7533376c5e67719cb0ac0e8b541b8d (MD5) Previous issue date: 2012-12-14 / FUNDAÇÃO DE AMPARO À PESQUISA E AO DESENVOLVIMENTO CIENTIFICO E TECNOLÓGICO DO MARANHÃO / Discussion sur la cohabitation des éléments religieux (sacrés) et comiques dans la manifestation culturelle Reisada, en mettant en relief un groupe du village Nazaré do Bruno à Caxias /Maranhão, et en analysant le personnage Careta et ses actes dans les moments de la prière et de la procession de Santos Reis. On a cherché a caractériser d une façon générale la manifestation, en identifiant son apparition et en décrivant le lieu où il s insère pour analyser postérieurement la manifestation en soi, en décrivant ses étapes rituelles, les éléments sacrés qui sont autour et qui la justifient, tout comme la structure de la présentation, en marquant un parallèle à la notion de « COMMUNITAS » pour comprendre le rassemblement, la notion de « liminaridade » pour identifier le personnage Careta. L analyse de la perfomance de ce personage dans les moments probants de l étude a été faite à partir des perceptions des participants et de l assistance par rapport à l acte de rire dans des situations de cerémonies, où on a pu identifier la forme avec laquelle le Careta est perçu comme un personnage porteur d une licence gérée par l entendement général sur le coté comique comme élement fondamental pour la manutention de la manifestation et légitimée par l utilisation du costume et du masque. / Discussão sobre a convivência dos elementos religiosos (sagrados) e cômicos na manifestação cultural Reisada, enfocando um grupo do povoado Nazaré do Bruno em Caxias/Maranhão, analisando o personagem Careta e sua atuação nos momentos da reza e procissão de Santos Reis. Buscou-se caracterizar de maneira geral a manifestação, identificando seu surgimento e descrevendo o local onde se insere, para posteriormente analisar a manifestação em si, descrevendo suas etapas rituais, os elementos sagrados que estão no seu entorno e que a justificam, bem como a estrutura da apresentação, traçando um paralelo à noção de communitas para compreender o agrupamento, a de liminaridade para identificar o personagem Careta. A análise da perfomance deste personagem nos momentos de enfoque do estudo foi feita a partir das percepções dos brincantes e da assistência a respeito do ato de rir em situações cerimoniais, onde pudemos identificar a forma como o Careta é percebido como personagem detentor de uma licença mediada pelo entendimento geral de que a comicidade é um elemento fundamental para manutenção da manifestação e legitimada pelo uso do figurino e da máscara.

La thèse s’intéresse aux usages de l'épopée chez Rabelais et les histoires comiques du XVIIe siècle (Sorel, Furetière, Scarron, Tristan L’Hermite, d’Aubigné). Elle cherche à dépasser l’interprétation parodique, souvent mobilisée par la critique moderne, et à montrer comment ces auteurs semblent rivaliser avec les poètes héroïques de la même époque (Ronsard, Chapelain, etc.) en tentant de refonder le récit comique long. Tout d’abord, on tente d’évaluer la présence de l’épopée dans ces œuvres comiques par un relevé des références et des citations, et une redéfinition de l’héroïsme tel qu’il apparaît dans les récits. Dans un deuxième temps, on cherche à expliquer l’usage de ces références par les auteurs comiques, autrement que par le concept moderne et trop souvent plaqué de « parodie » : on s’intéresse donc aux usages sociologiques de l’épopée, qui sert à la satire politique, religieuse, mais aussi savante. Les historiens sont, par exemple, des cibles privilégiées, car ils se servent de l’épopée pour cautionner leurs projets d’historiographie nationaliste et mythologique. Ce travail doit enfin permettre de mesurer le rôle du genre épique dans le renouvellement de l’écriture comique, tel que l’a instauré Rabelais, et tel qu’il fut poursuivi par ses successeurs. Cette analyse permet de revenir sur la réception de Rabelais au XVIIe siècle, encore peu étudiée, autant que d’appréhender l’influence de ces longues histoires comiques en prose, dans les siècles suivants : romans d’aventures, romans de cape et d’épée – autant de genres qui ont bénéficié des innovations héroïques et vraisemblables de ces longs récits comiques d’une époque disparue. / This dissertation focuses on the various uses of epic in Rabelais’ Books and in the comic novels of the XVIIth century (d’Aubigné, Sorel, Tristan L’Hermite, Scarron, Furetière). It attempts to go beyond the parodic interpretation commonly adopted by modern criticism towards this corpus, and to underline how these authors compete with the epic poets of that time (Ronsard, Chapelain etc.), as they try to renew the comic narrative. The first part of the study assesses the presence of epic features in the works: using a list of references and quotes, it strives towards a redefinition of heroism, as the paradigm appears in the texts. It then delves into the reasons why the authors so often refer to epic: as an efficient tool for their satiric discourses. The dissertation focuses on the sociological uses of epic that target political, religious and intellectual groups that appropriate epic models for their own purposes. Historians appear as privileged targets because they use epic to validate their historiographic projects, often imbued with nationalist and mythological tendencies. Finally, the work gauges the role of epic in the renewal of comic writing, as established by Rabelais, and continued by his epigones. This analysis sheds light on Rabelais’ reception in the XVIIth century, a topic that has scarcely been studied yet, and offers explanations for the lasting influence of these long comic and prosaic stories in the following centuries: adventure novels, swashbucklers and historical novels are some of the genres that may have taken advantage of the realistic and heroic innovations brought forth by these comic stories of a bygone age.

L’opéra sauvetage s’est développé rapidement en France durant la Révolution française, principalement dans l’opéra-comique, puis est assez vite passé de mode sous l’Empire. L’opéra sauvetage se définit surtout en fonction de ses caractéristiques littéraires. Le livret met en scène un héros ou un groupe sauvé de la mort ou d’un avenir contraire à ses désirs après que l’injustice ou la malveillance l’a persécuté. Le sauvetage arrive à l’instant le plus critique. Nous nous sommes interrogée sur l’efficacité dramatique des intrigues, musiques et mises en scènes proposées dans ces créations. Notre étude travaille donc sur l’énergie dramatique mise en œuvre dans les opéras sauvetage et surtout sur son calibrage selon le déroulement de l’action. Le terme « énergie dramatique » doit être compris comme le lien entre la construction d’un opéra et l’émotion que cette construction doit engendrer. Cette étude sur l’énergie dramatique se justifie d’autant plus que ce concept est au centre de l’intérêt d’un opéra sauvetage à défaut d’autres notions comme la virtuosité par exemple. / The rescue opera developed quickly in France during the French Revolution, mainly in the light opera, then is rather fast old-fashioned under the Empire. The rescue opera defines itself especially according to its literary characteristics. The notebook stages a hero or a group saved from the death or from the future against its desires after the injustice or the hostility persecuted him. The rescue arrives at the most critical moment. We wondered about the dramatic efficiency of the intrigues, music and directions were proposed in these creations. Our study works on the implemented dramatic energy in the rescue operas and especially on its grading according to the progress of the action. The term "dramatic energy" must be understood as the link between the construction of an opera and the emotion which this construction has to engender. This study on the dramatic energy justifies itself especially since this concept is in the center of the interest of a rescue opera for lack of the other notions as the virtuosity for example.

La thèse analyse, dans les domaines de la nature, de la médecine et de la guerre, en quoi les métaphores et les comparaisons relèvent de la communication politique et participent d’une ambition littéraire. Démosthène emploie ses images de manière très cohérente. Au sein d’un même discours, il articule des images différentes autour d’un même noyau sémantique. Il répète aussi une même image au service d’une même idée d’un discours à l’autre. Démosthène élabore ainsi de véritables slogans métaphoriques destinés à promouvoir ses idées politiques. Certains sont repris par ses amis politiques et combattus par ses adversaires. L’étude des images permet ainsi d’aborder sous une perspective nouvelle les problèmes de la propagande et de la collaboration politique dans l’Athènes du IVème siècle. Au-delà de cette finalité pratique, métaphores et comparaisons demeurent un matériau littéraire qui permet à Démosthène d’enrichir le style de ses discours en multipliant les registres. Elles s’inscrivent dans la tradition homérique ou comique par la reprise de certains motifs, selon que l’orateur souhaite célébrer son action politique ou dénigrer ses adversaires. Ou bien elles les font rivaliser avec les développements les plus récents de la prose d’art, telle que la pratiquent Platon et Isocrate. De ce point de vue, le Sur la couronne tient une place à part : en raison du caractère rétrospectif du discours, qui se livre à un bilan politique, l’ambition littéraire est à son sommet. Mais, là encore, elle n’est pas séparable de la finalité rhétorique et pratique : les images servent à défendre une politique, dans un véritable panégyrique. / This work examines how the imagery which Demosthenes takes from nature, medicine and warfare, is a tool of political propaganda and gives a literary shape to his speeches as well. Demosthenes uses this imagery very coherently. In the same speech, he links different kinds of imagery around the same meaning-core. Furthermore, he repeats the same imagery to mean the same thing in different speeches. Demosthenes thus works out true metaphorical slogans so as to promote his main political ideas. Some are taken up by his political friends and fought off by his enemies. Therefore, by studying imagery we can cast a new light on these two fundamental issues in the Ancient Athens of 4th century B.C. : how did the orators use to organise their political propaganda and how might they have collaborated with each other ? But imagery goes beyond this practical aim. Metaphors and similes are literary material which enables Demosthenes to enrich his speeches’ style through different registers. They give them a Homeric or a comical tone and shape, when Demosthenes uses some patterns again to extol his policies or to disparage his adversaries. With metaphors and similes, Demosthenes is also rivaling with the recent trends of Kunstprosa, as it is practised by Plato and Isocrates. From this point of view, the speech On the crown has a special place : in this speech, because of its retrospective point of view, which asseses his overall policies, Demosthenes brings his literary claims to a climax. Nevertheless, such an ambition cannot be separated from his rhetorical and practical aims : imagery is being used to defend his policies, in a real panegyric.

Cette thèse a pour objectif de proposer un nouveau regard sur l’œuvre d’Ivan Gontcharov (1812-1891), romancier russe majeur du XIXe siècle et auteur du célèbre Oblomov. Cette recherche examine pour cela l’ensemble du corpus de l’auteur, à savoir ses quatre grandes œuvres : une Histoire ordinaire (1847), la Frégate Pallas (1858), Oblomov (1859), la Falaise (1869), ainsi que ses œuvres plus confidentielles, pour en saisir la cohérence et la portée générale. Nous examinons la figure du moraliste qui se profile derrière la création de Gontcharov. Cette thèse s’organise autour de trois axes principaux. Nous étudions, d’une part, le rôle du comique dans la production littéraire de Gontcharov en nous focalisant notamment sur l’intertextualité forte que l’on observe avec d’autres auteurs majeurs, comme Gogol ou Pouchkine, par exemple. Nous explorons ensuite la problématique de la nourriture et du corps dans le travail de Gontcharov. Nous nous intéressons notamment à la représentation symbolique des repas en menant, en parallèle, une réflexion sur la description du corps à travers toute son œuvre, et spécifiquement dans son récit de voyage. Nous envisageons enfin Gontcharov comme un peintre de la société russe en proposant une analyse détaillée de ses portraits de femmes, de ses questionnements sur la thématique du mariage et de sa critique ferme des passions. Toutes ces perspectives permettent de soutenir l’argument central de cette thèse, considérer Gontcharov comme un moraliste. / In this thesis, I intend to offer a new vision of Ivan Goncharov’s works (1812-1891), major Russian novelist of the XIXth century and author of the famous novel Oblomov. I analyse all the works of the novelist : A Common Story (1847), Oblomov (1859), the Frigate Pallas, the Ravine (1869) and some of his less known short stories. I try to show how one could consider Goncharov as a moralist. My thesis is organized around three major themes. Firstly, I address the fundamental role of the comic elements in Goncharov’s literary production as I focus my attention on the strong intertextuality between Goncharov and other major authors of the XIXth century, such as Pushkin or Gogol. My second part is dedicated to the question of food and the body in Goncharov’s creation. I ponder over the symbolic representation of meals and cooking throughout his works. I also discuss the construction of bodies in his literary production, and more specifically in his travel writing. Finally, I examine Goncharov as a « painter » of the Russian society as I study his rich diversity of portraits of women, his considerations on marriage and his strong criticism of human passions, a fundamental argument of my thesis which stands perfectly in line with this vision of Goncharov as a moralist

Chaque année en France, les films adaptés des œuvres littéraires forment une partie importante des sorties cinématographiques, parmi lesquelles nous remarquons souvent les films adaptés des pièces de théâtre comiques. En effet, dès sa naissance, le cinéma est lié étroitement au théâtre, surtout aux pièces comiques. Les cinéastes ont puisé leurs inspirations aussi bien dans les pièces classiques (L’Avare, La Fausse Suivante, Cyrano de Bergerac, etc.) que les pièces modernes (La Cage aux folles, Le Dîner de cons, Le Prénom, etc.), en passant par les vaudevilles (Un Chapeau de paille d’Italie, Un Fil à la patte, etc.), les café-théâtre (les pièces du Splendid) et les pièces de Sacha Guitry et de Marcel Pagnol qui ont vécu la prospérité du théâtre filmé. Le théâtre et le cinéma, tous deux arts de spectacle, partagent énormément de points communs et gardent également de nombreuses différences. Ils se mélangent, s’influencent et se critiquent. Les spectateurs regardent la représentation théâtrale avec une vision « cinématisée » sans en avoir conscience. À l’inverse, nous déployons la théâtralité dans chaque séquence de film. Dans le cadre comique, quelle est donc la relation entre le cinéma et le théâtre ? Les ressorts du comique de théâtre sont-ils les mêmes au cinéma? Quels effets donnent-ils ? L’étude de l’adaptation des pièces comiques de théâtre au cinéma dans la période définie par notre corpus nous permet de voir les principes du travail de l’adaptation et de saisir le changement de la relation entre le théâtre et le cinéma au fil du temps. Ce changement nous laisse entrevoir la procédure de maturation d’un jeune art — le cinéma. Les valeurs esthétiques que nous avons dégagées dans ce travail nous aideront à comprendre d’une façon profonde les arts de spectacle, tandis que la valeur sociale du film adapté nous fera réaliser la nécessité de ce travail d’adaptation. / Every year in France, plenty of new movies are adapted from literary works, among them, we can often notice the films adapted from comic plays. Indeed, since its invention, the cinema is closely related to the theater, especially to the comic plays. The filmmakers try to find their inspiration in classic plays (The Miser, La Fausse suivante, Cyrano de Bergerac, etc.) as well as modern plays (La Cage aux Folles, Dinner of Fools, The First Name, etc.) but also in vaudeville (Un chapeau de paille d’Italie, Love on the Rack, etc.), in dinner theater (the plays of the Splendid) and in the plays of Sacha Guitry and Marcel Pagnol, who experienced the boom period of « théâtre filmé ». As two performing arts, theater and cinema share a lot of common points but have also many differences. They influence each other. The audience, unconsciously, watches the theatrical performance with a « cinématisée » vision. Conversely, we deploy theatricality in each sequence of the film. In the comic plays, what is the relationship between cinema and theater? Are the comic elements of theater the same as those in cinema? What effects do they give? The study of the adaptation of comic plays to the cinema in the period defined by our corpus lets us see the principles of adaptation and know the change in the relationship between theater and cinema. This change shows us the maturing process of a young art —the art of cinema. The aesthetic values that we have reveald in this work will help us understand the performing arts in a deep way, and the social value of an adapted film will let us realize the need of this adaptation.