Cette thèse porte sur la socialisation de genre des élèves scolarisés dans les écoles élémentaires japonaises dans les années 2010 : elle montre l’existence de situations et d’expériences de socialisation différenciée entre les filles et les garçons.L’objectif de ce travail est de détailler comment l’acquisition et l’apprentissage de certaines normes genrées se déroule pendant le quotidien des élèves, un processus souvent évoqué mais rarement détaillé dans les travaux portant sur ce sujet. Dans ce but, trois méthodes complémentaires sont utilisées : une enquête ethnographique, des entretiens semi-directifs et des dispositifs d’enquêtes spécifiques pour évoquer avec les enfants les questions de genre.Retranscrire la parole des enfants permet d’avoir accès à leur représentation de la différence entre les deux sexes. Acteurs de leur propre socialisation, les enfants élaborent le masculin et le féminin, notamment à travers le langage, l’apparence, les activités, les jeux, la mise en scène des corps, l’expression du sentiment amoureux et de la sexualité. Même si le cadre scolaire contribue à organiser la séparation des sexes et à normaliser les rôles sociaux sexués, les enfants organisent les rapports de genre en effectuant une relecture des modèles que proposent l’école et les autres instances socialisatrices. Les groupes de pairs jouent ainsi un rôle important dans ce processus complexe de socialisation.Ce travail, circonscrit aux études japonaises, se situe au croisement des études de genre et de la socio-anthropologie de l’enfance. / This research is about gender socialization of children going to Japanese primary schools in the 2010s: it shows the evidence of experiences taking place during differentiated socialization of girls and boys.The purpose of this study is to specify how pupils are acquiring and learning gender norms during their daily life, knowing that those processes are often raised but hardly described in related research works. To achieve this, three complementary methods were set: an ethnographic study, semi-directive interviews and special investigation schemes in order to discuss about gender issues with children.To write down children’s own words is a way to access their representation of sex differences. While being social actors of their own socialization, children are constructing masculinity and femininity, through language, external look, activities, plays, body staging, sexuality and feelings of love expression. Even if the school system organizes sex segregation and normalizes gender roles, children are negotiating those gender relations while performing in their own way the models that school and other social structures offer. Peer groups are also playing a significant role into these complex socialization processes.This thesis in Japanese studies is based on both gender studies and childhood studies.

Nous partons de la présentation de l'oeuvre de Mark Rothko et d’une analyse quirévèle en elle les « risques du sublime », ce qui nous permet alors d’adopter un point de vue esthétique. Attirant l'attention sur l’acte nécessaire du spectateurcontemporain s’il veut découvrir un sens à son expérience des oeuvres d’art, nouscherchons à forger de nouvelles voies de compréhension. La réflexion vise ainsi àmontrer la manière dont le sublime et l’approche apophatique de la mystique peuventnous aider à mieux comprendre l‘attitude nouvelle exigée par la peinture moderne. Il faut comprendre que nous devons nous disposer à (ou pour) l’oeuvre, sans chercher à lui attribuer un sens. Il faut accepter d’être d’abord désorientés et apprendre à reconnaître ensuite d'autres relations possibles entre l’oeuvre et soi-même, pour finir par voir d’un oeil éminemment spirituel. De sorte qu’il s’agit au final d’apprendre à vivre l’oeuvre de Rothko et un certain type d'art contemporain en intégrant des modes nouveaux d’accès à cette peinture, tout en vérifiant une expérience proche du religieux, bien que séculaire. / Using the presentation of Mark Rothko’s work and an analysis unveiling the "risks of the sublime" in it, we advance through an aesthetic approach. Focusing on thenecessary act that the contemporaneous viewer must engage in to find a meaning inthe experience of the paintings; our aim is to forge new ways of understanding. This consideration reveals how the sublime and an apophatic mystic help us understand a new and needed appreciation for modern art. By becoming fully open and available to the painting without searching to assign a sense and accepting to be disorientated at first, we arrive at other possible relationships and we can see with an eminently spiritual vision. Thus, we learn to live Rothko’s works and too, contemporary painting, suggesting new ways of access and evincing an experience that can be religious, while remaining secular. / Partimos de la presentación de la obra de Mark Rothko y de un análisis que nosdescubre los "riesgos de lo sublime" en ella, para tomar después un punto de vistaestético. Dirigiendo la atención al necesario acto que el espectador contemporáneodebe realizar para encontrar un sentido en su experiencia con las obras, buscamosforjar nuevas vías de comprensión. La reflexión, entonces, pretende descubrir cómolo sublime y una mística apofática podrían ayudarnos a entender esa nueva actitudque pide la pintura moderna. Entender que debemos disponernos a la obra, sinbuscar un sentido para atribuirle, aceptando una desorientación primera, para llegar a aceptar otras relaciones posibles y ver finalmente con una visión eminentemente espiritual. Así, aprender a vivir la obra de Rothko y de un cierto tipo de arte contemporáneo proponiendo nuevos modos de acceso y constatando unaexperiencia que pude ser religiosa, aunque secular.

La fin de la Guerre froide marque le début de l'accélération du processus de mondialisation de l'art contemporain. À la faveur d’une diversité régionale reconnue, les artistes de tous les continents s'exposent pour «Les Magiciens de la terre». Mais tandis que de nouvelles théories critiques requestionnent l'histoire de l'art des pays des Sud, un monde de l'art spécifique à la Mélanésie se structure, comportant ses propres conventions, ses techniques, ses matériaux ou ses modes d'exposition. Les règles qui s'appliquent, fondées sur les valeurs de tradition, d'authenticité et d'innovation, légitiment ou répriment la circulation des artistes et de leurs œuvres. Créant les cadres sociaux du regard, elles limitent grandement l'expérience visuelle des observateurs, tout en restreignant la visibilité des arts actuels de Mélanésie à l'échelle planétaire. À l'heure où de plus en plus d'écrits paraissent sur la mondialisation artistique, il devient essentiel de faire connaître cette partie du Pacifique insulaire, ses caractéristiques et limites. Loin de vouloir intégrer de force ces créations dans un marché international, il s'agit avant tout d'envisager de nouveaux outils et de nouvelles méthodes pour écrire une histoire de l'art à l'ère de la mondialisation, de comprendre dans les œuvres ce qui est proche et lointain. Car c'est en créant une altérité que l'art de Mélanésie peut ouvrir la place aux sentiments et aux émotions qui se partagent avec le public. / The end of the Cold War marks the beginning of the acceleration of globalization of contemporary art. Due to their recognized regional artistic diversity, artists from all continents were represented at “Les Magiciens de la Terre” exhibition. While new critical theories are assessing anew the history of art of the Global South, the Melanesian art world itself, with its own conventions, techniques, materials and exhibition modes has become more organized. Rules founded on the values of tradition, authenticity, and innovation can either legitimize or repress the circulation of artists and their works. The traditions have created a social framework surrounding Melanesian art that can greatly limit the visual experience of viewers, and restrict the global visibility of contemporary Melanesian arts. Now that the globalization of art is a major topic of discussion, it is important to advertise the characteristics and limitations of art from this region of the Pacific islands. It would not be right to try to force Melanesian art onto an international art market. However, new ways to describe the history of Melanesian art in this era of globalization should be considered. By creating something original, Melanesian art can elicit novel emotional responses to art, which deserve to be widely appreciated.

En partant de l’idée que la guerre et les images sont deux notions interdépendantes, la thèse reprend deux concepts clés : visualité et contre-visualité. La visualité, étant une façon de perpétuer la guerre, représente les discours dominants. L’art contemporain serait donc une possibilité de construction de contre-visualités. La « guerre globale » contemporaine - totale et dispersée - aurait une production visuelle qui lui correspondrait : des images d’amateurs, elles aussi dispersées et de grande circulation. Comment ces images, généralement liées à la sphère privée, se sont converties en enregistrements de la guerre contemporaine ? Comment l’art fait face à la guerre et à la visualité dominante par le biais du remploi de ces images ? La recherche essaie de définir cette production d’images « amateur » et de l’encadrer dans le temps conflictuel du présent. Une telle production serait-elle une résistance à la visualité actuelle ou au contraire quelque chose qui la renforce ? Ensuite, à travers un corpus circonscrit de quatre artistes visuels contemporains (Clarisse Hahn, Rabih Mroué, Coco Fusco et Thomas Hirschhorn), nous travaillons l’hypothèse que la réutilisation de ces images peut contribuer à la construction d’une contre-visualité : par le geste artistique, l'enlèvement de ce matériau d'un certain flux provoquerait un arrêt, une déviation vers une reconfiguration du sensible où le facteur conflictuel serait mis en évidence. Dans un troisième moment, la thèse se penche sur l'œuvre des années 1970 de Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville, quand ils interrogent les forces et les faiblesses du cinéma militant et mettent en question les images et leurs potentialités. Certaines de leurs procédures créatives sont examinées rétrospectivement, car à notre avis, elles sont toujours présentes directement ou indirectement dans la pratique artistique des artistes de notre corpus. / Considering the idea that war and images are two interdependent concepts, the thesis deals with two key concepts: visuality and counter-visuality. Visuality as a way of perpetuating the war represents dominant discourses. Contemporary art would therefore be a possibility of constructing counter-visuality. The contemporary “global war” - total and dispersed - would have a visual production that would correspond to it: the amateur images, also scattered and widely circulated. How are these images - usually related to the private sphere - converted into records of contemporary war? How does art face war and the dominant visuality by utilizing these images?The research attempts to characterize this amateur production of images and to frame it in the conflicting time of the present. Would such a production be a resistance to the current visuality or, on the contrary, something that strengthens it? From then on, by analyzing a circumscribed corpus of four contemporary visual artists (Clarisse Hahn, Rabih Mroué, Coco Fusco and Thomas Hirschhorn), we work on the hypothesis that the reuse of these images can contribute to the construction of a counter-visuality: by the artistic gesture, the removal of this material from a certain flow would cause a stop, a deviation towards a reconfiguration of the sensible where the conflicting factor would be highlighted. In a third moment, the thesis looks at the work of Jean-Luc Godard and Anne-Marie Miéville on the 1970s, when they question the strengths and weaknesses of militant cinema and challenge images and their potentialities. Some of their creative procedures are examined in retrospect because in our opinion they are still directly or indirectly present in the artistic practice of the aforementioned artists.

Le dialogue en langues autres que le français a figuré dans un petit nombre de films depuis la naissance du cinéma français. Cependant, l’usage de langues multiples pour (re)négocier les rapports de pouvoir devient un élément thématique et narratif important dans le cinéma contemporain. Dans ces films, la représentation du statut d’une gamme de langues autres que le français est en train d’évoluer. A travers l’apprentissage de la langue et le code-switching stratégique, les personnages obtiennent et exercent le pouvoir de manières novatrices. En exploitant leur connaissance d’une variété de langues, des linguas francas comme l’anglais, à des langues d’immigration, souvent socio-politiquement marginalisées, comme l’arabe ou le kurde, les personnages multilingues de ces films présentent une contre-perspective aux idéologies dominatrices du rôle et du statut de la langue française. Cette thèse examine le rôle du pouvoir social et son rapport avec la langue, tel qu’il est représenté dans les films multilingues français contemporains, en se focalisant en particulier sur quatre études de cas représentatives : Polisse (Maïwenn 2011), Un prophète (Jacques Audiard 2009), Welcome (Philippe Lioret 2009) et London River (Rachid Bouchareb 2009). Ces films sont analysés selon la perspective du multiculturalisme polycentrique, théorie développée par Ella Shohat et Robert Stam. Cette théorie propose « de disperser le pouvoir, de valoriser les dévalorisés, de transformer les institutions et discours subordonnants ». En considérant ces films comme l’illustration d’une tendance plus générale dans le cinéma français, cette thèse montre que les films français multilingues contemporains commencent à remettre en cause les politiques linguistiques qui placent, dans le cadre national, la langue française en position unique de « langue de pouvoir » et à introduire une nouvelle vision des rapports de pouvoir linguistiques, ce qui met en avant la valeur de langues étrangères (même les plus marginalisées historiquement), dans le contexte du cinéma français contemporain. / Dialogue in languages other than French has appeared in a select number of films throughout the history of French cinema. Yet not only is multilingual dialogue vastly more present in twenty-first-century French film, but the use of multiple languages to (re)negotiate power dynamics is a striking narrative and thematic concern in contemporary French cinema. In multilingual film, the depiction of the status of a wide range of languages other than French is evolving from trivialised to deeply complex; through language learning and strategic code-switching, the characters of these films wrest power from one another and wield it in innovative ways. Exploiting their knowledge of a wide range of languages, from rival lingua francas like English to traditionally migrant or socio-politically marginalised languages such as Arabic or Kurdish, multilingual characters in these films offer a counter-perspective to dominating ideologies of the role and status of the French language.This thesis adopts a transnationalist approach to understandings of social power and language, analysing multilingual film through the framework of Ella Shohat and Robert Stam’s theory of polycentric multiculturalism, which “is about dispersing power, about empowering the disempowered, about transforming subordinating institutions and discourses” (Shohat and Stam 1994: 48). Unpacking the power dynamics at play in the multilingual film dialogue of four emblematic case studies (Polisse [Maïwenn 2011], Un prophète [Jacques Audiard 2009], Welcome [Philippe Lioret 2009] and London River [Rachid Bouchareb 2009]), the thesis posits that contemporary French multilingual films, henceforward referred to as CFMFs, represent a move towards revising the representation of language in French cinema, foregrounding the potential of languages other than French (even the maligned or historically disenfranchised) to empower their speakers and to transcend the traditional integrationist paradigm.

Cette recherche propose de rendre compte de l'usage de la broderie en art contemporain dans les oeuvres deTracey Emin, première artiste à avoir exposé le récit des trente-deux premières années de sa vie dans une tentebrodée intitulée Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995. Une analyse de réception de type sémio-anthropologiquede cette oeuvre monumentale met en évidence, dřune part, que la broderie est une écriture contemporaine incluant un geste manuel, une loi textile et une jouissance filaire et, d'autre part, que son effet de présence et son pouvoir narratif en font un art de l'intime.En tant qu'écriture filaire, la broderie est singulière. Ecriture universelle, elle est première chez les peuples sans écriture, elle est sésame social en tant que sampler, elle est historiographique par son potentiel narratif, son statut d'objet de prestige ou de mémorandum. Elle est encore écriture monumentale dans la Tapisserie de Bayeux, autre broderie phénoménale, simultanément manuscrit, témoignage documentaire et oeuvre d'art plastique reconnue.La broderie se fait art de l'intime dans d'autres oeuvres de Tracey Emin, telles ses couvertures, dont la première, Hotel International, incarne le curriculum vitae de l'artiste. Mais l'intime peut s'envisager de plusieurs manières. Or, comme en Angleterre la broderie a été considérée comme un art national dès le VIIe siècle, elle se conçoit aussi comme art de l'intime dans le rapport que les oeuvres brodées d'Emin entretiennent avec celles du passé. Si l'intime est un lien puissant entre le public et l'artiste, en brodant sa vie et son intimité, Tracey Emin a transformé le « personnel est politique » des années 1970 en universel. / This research proposes to account for the use of contemporary art embroidery in the works of Tracey Emin, the first artist to have exhibited the story of the first thirty-two years of her life in an embroidered tent entitled Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995. A semio-anthropological reception analysis of this monumental work highlights, on the one hand, that embroidery is a contemporary writing that includes a manual gesture, a textile law and a thread jouissance and, on the other hand, that its effect of presence and its narrative power make it an art of intimacy.As thread writing, embroidery is a singular one. As universal writing, it is first among people without written language, it is a social open sesame as sampler, it is historiographical thanks to its narrative power, its status as an object of prestige or as a memorandum. It is also a monumental writing in the Bayeux Tapestry, another phenomenal embroidery, simultaneously manuscript, documentary testimony and recognized visual work of art. Embroidery is also an art of intimacy in other works of Tracey Emin, such as her blankets, whose first, Hotel International, embodies the curriculum vitae of the artist. However, intimacy can be considered in many ways.And, as in England embroidery was regarded as a national art from the seventh century onwards, it can thus be conceived as an art of intimacy in the relationship that the embroidered works of Emin maintain with those of the past. If intimacy is a powerful bond between the public and the artist, by embroidering her life and her intimacy, Tracey Emin has transformed the "personal is political" of the 1970s into a universal one

Cette recherche est centrée sur l’idée de méta-mesures en tant que concept opératoire pour la création artistique. En partant de la réflexion sur les structures qui constituent le langage poétique du duo artistique Ío, traversée par des questions théoriques et des contrepoints avec d'autres domaines, nous avons identifié un ensemble de caractéristiques qui peuvent être définies comme méta-mesures : principes ou instruments de mesurage, non restrictifs, couvrant les oeuvres depuis sa conception jusqu'à sa réception par le public. Elles définissent les limites qu'une idée, un concept ou une forme de référence pourrait atteindre avant de se décaractériser. Ce sont des mesures d’indétermination, polysémiques, et se réfèrent à la rencontre de plusieurs délimitations superposées, des réalités changeantes qui oscillent entre l’abstraction et la concrétude pour l'observateur. Nous cherchons à conceptualiser trois grands axes principaux qui conduisent les chapitres : le Temps, le Jeu et la Compossibilité. Ces aspects sont développés par des travaux sur lesquels ces propriétés s'insinuent, ainsi qu’à travers le contexte qui leur a permis d'exister. Nous recherchons l'idée de méta-mesures en tant qu’instruments de mesurage poétique qui partent de l'idée de mesures avec leur précision et leur reproductibilité vers des délimitations qui semblent plus pertinentes à l’art. Ce concept est pensé pour réfléchir sur la poiétique, en particulier l’instauration de l’oeuvre, ainsi que la perception d'un ensemble d'oeuvres. / A presente pesquisa é centrada na ideia de metamedidas enquanto conceito operatório para a criação artística. Partindo da reflexão acerca das estruturas que constituem a linguagem poética do duo artístico Ío, permeada por questões teóricas e contrapontos com outras áreas, identificamos um conjunto de características que podem ser definidas como metamedidas: princípios ou instrumentos de aferição não restritas, que abarcam a obra desde sua concepção até sua recepção pelo público. Elas definem os limites que uma ideia, conceito ou forma de referência poderia alcançar antes de descaracterizar-se. São medidas de indeterminação, polissêmicas, e referem-se ao encontro de várias delimitações sobrepostas, realidades cambiantes que oscilam entre concreção e abstração para o observador. Por meio de três eixos principais que conduzem os capítulos: o Tempo, o Jogo e a Compossibilidade, buscamos conceituá-las. Tais aspectos são desenvolvidos por meio de trabalhos em que tais propriedades se insinuam, assim como pelo contexto que permitiu que eles existissem. Investigamos a ideia de metamedidas como instrumentos de aferição poética que partem da ideia de medidas – em sua precisão e reprodutibilidade – em direção de delimitações que nos parecem mais afeitas à arte. Este conceito é pensado para refletir sobre a poiética, sobretudo a instauração da obra e também a percepção de um conjunto de obras.

Une expérience française de sauvegarde et de mise en valeur du patrimoine scientifique et technique sensibilise à l'intérêt de sauvegarder les objets et instruments de la recherche et de préserver les savoir-faire des scientifiques des soixante dernières années du XXe siècle. En effet, les sciences et les techniques ont évolué si rapidement qu'il est apparu nécessaire de repérer, recenser et préserver en urgence, puis inventorier, diffuser et analyser le patrimoine témoin de la recherche. L'exemple de trois missions de sauvegarde réalisées à l'échelle d'une université, d'une région et au niveau national sous la responsabilité du Musée des arts et métiers du Cnam a été retenu. La démarche de la thèse relève de ! 'histoire des sciences, du patrimoine et des institutions culturelles. En premier lieu, une fresque historique restitue les moments clefs de cette histoire patrimoniale particulière. En second lieu, les politiques culturelles élaborées au cours de la seconde moitié du XXe siècle sont analysées : une priorité est donnée à la culture scientifique et technique au détriment du patrimoine. Mais, peut-on dissocier culture et patrimoine ? Dans une troisième partie, il est montré que patrimoine matériel et immatériel, sont deux éléments complémentaires de la culture scientifique et technique qui est une dimension essentielle de la culture contemporaine. / This thesis analyses a French experience of safeguarding and enhancing contemporary scientific and technological heritage. The mission undertaken was to demonstrate the necessity and the interest of preserving not only the objects of science but also the memory of scientists. Sciences and technologies have changed so rapidly in the last sixty years that all traces of the research activity were about to disappear. Three public programs have been under study: the first in the University of Nantes, the second in the Pays de la Loire, the third at the national level under the responsibility of the Musée des arts et métiers of the Conservatoire des arts et métiers in Paris. The thesis links the approaches of history of science and technology, heritage studies and cultural institutions. First, the thesis draws a large panorama -from Antiquity to the Second World War -of the major events in the social process of building a scientific heritage. Second, the research shows that the emphasis of the State policies in the second half of the 20th century has been more on the diffusion of scientific culture than on heritage protection and preservation. But is it relevant to divide culture and heritage? Finally, by studying the objectives, organization and results of the specific programs, the thesis brings into light that material and immaterial heritage are two components of scientific and technological culture which, in turn, is an essential feature of contemporary culture.

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L’évidence morphologique de l'aspect verbal dans les langues slaves en fait un sujet d'étude bien connu, mais ce domaine demeure peu exploré pour ce qui est de la langue croate. Ce travail, qui s'appuie pour l'appareil théorique sur plusieurs travaux traitant de l'aspect verbal et des valeurs aspecto-temporelles en BCMS et dans d'autres langues slaves, complète dans un premier temps les connaissances sur le comportement aspectuel de l'infinitif et dresse une liste de ses valeurs aspectuelles dans toutes ses fonctions, notamment en tant que complément des verbes modaux des domaines sémantiques pouvoir, devoir et vouloir. Au-delà de cette analyse, il offre une série d'algorithmes établis sur les facteurs (im)perfectivants, et permettant de résoudre le problème du choix aspectuel dans de multiples situations données. Posant comme prémisse que les informations contribuant à déterminer les choix et les valeurs de l'aspect sont pour une bonne partie recelées dans le sémantisme du verbe à l'infinitif et le procès qu'il dénote, ce travail explore l'influence des propriétés de la situation référentielle sur le choix aspectuel. Afin d'éviter une confusion entre valeurs aspectuelles et contenus sémantiques, sont traités séparément l'infinitif indépendant, l'infinitif complément de verbes de modalité, puis des verbes modaux. Il s'avère que les facteurs qui motivent le choix de l'aspect des infinitifs sont d'origines différentes et relèvent de la nature de la notion verbale et des propriétés du procès référentiel. En ce qui concerne l'impact du semi-auxiliaire, il n'est lié au choix de l'aspect que dans la mesure où il contribue à créer une situation référentielle. / Due to its morphological markedness, the verbal aspect in Slavic languages is a well-known subject of study, but this area remains little explored in terms of the Croatian language. This thesis, whose theoretical apparatus is based on several works dealing with the verbal aspect as well as aspectual and temporal values in BCMS and other Slavic languages, completes the knowledge about the behavior of the aspectual infinitive, and lists its aspectual values in all its functions, including a complement of verbs expressing modality, namely, "can", "must" and "want". Together with this analysis, the thesis offers a series of algorithms developed on the factors of (im)perfectivation, which answer the question of aspectual choice in many given situations. Posing as a premise that the information that helps to determine aspectual choices and values is mainly harbored in the semantics of the infinitive and the act it denotes, this thesis explores the influence of referential situation properties on the aspectual choice. To avoid confusion between aspectual values and semantic content, we treated the independent infinitive and infinitive complement of modality or modal verbs separately. The results of the study show that the factors that motivate the choice of infinitives have different origins and deal with the properties of verbal concept and reference situation. The semi-auxiliary verb has some influence only insofar it helps to create a reference situation.