Cette thèse, qui met en relation réflexion théorique et création artistique, entend comprendre pourquoi au cours de la contemplation d’une oeuvre d’art notre attention dépasse rarement ses qualités formelles, esthétiques ou conceptuelles.Contrairement à d’autres artefacts que nous rencontrons au quotidien, nous identifions les œuvres d’art au fait qu’elles ne satisfont pas des fins utilitaires. Leur place dans le musée ou la galerie en atteste et conduit à faire en sorte qu'elles n’ont pas d'autre rôle que d’attirer notre attention sur leurs caractéristiques propres. Cette thèse oppose à ce constat un mode de réception qui repose sur l’articulation de l’artefact à un environnement social. Cela suppose un mode de création et d’expression basé sur la fabrication d’instruments ou dispositifs susceptibles d'interpeller le spectateur. / This thesis, which combines theoretical analysis with artistic creation, attempts to understand the reason why, when contemplating works of art, we rarely look beyond their aesthetic, formal or conceptual qualities. Unlike many other objects that we encounter in our lives, works of art are recognizable by the fact that they serve no practical purpose. Their idle existence in galleries and museums confirms this and ensures that works of art fulfill no other function than that of drawing our attention to their inherent qualities. That being the case, this thesis proposes a way of appreciating art that relies on the articulation between an artefact and a social setting. This assumes a way of creating art and expressing ourselves that is grounded on the fabrication of instruments or devices predisposed to engage the beholder.

Cette thèse porte sur l’examen du mode d’opération du remploi photographique en art contemporain, et en spécial celui d’images photographiques post mortem. Avec l’appui de différentes théories qui portent sur la photographie et l’observation de plusieurs oeuvres de remploi photographique, ce travail étudie,d’une part, les problématiques d’ordre génétique et théorique spécifiques à cette pratique contemporaine. De l’autre, ce travail traverse des perspectives historiques et aussi anthropologiques à propos de l’homme face au corps mort pour, en tenant en compte des différents aspects des transformations du rapport de la société occidentale à la mort, observer les effets sur la production de la photographie contemporaine. Dans ce contexte, l’étude identifie les deux types majeurs d’images photographiques post mortem remployées – les deux associé à la violence – et analyse, en suite, les nouveaux rapports symboliques proposés par un nombre d’oeuvres. Cet étude cherche à observer à quoi répond ces oeuvres de remploi d’images photographique post mortem et, en même temps, à observer que l’oeuvre de remploi photographique, en tant que pratique artistique qui vise la révision et la critique des représentations, contribue néanmoins pour la construction d’une représentation de la mort selon les perspectives contemporaines auxquelles elles répondent. / This thesis focuses on the examination of the operation mode of the photographic re-employment incontemporary art, and in special of post mortem photographic images. With the support of various theories that focus on photography and the observation of several photographic re-employment artworks, this study examines, on the one hand, genetic and theoretical problematic that are specific to this contemporary practice. On the other, this work crosses historical and also anthropological perspectives on humans facing the dead body, taking into account different aspects of the transformations in Western society’s relationship to death, in order to observe the effects on contemporary photography production. In this context, this study identifies two major types of postmortem photographic images re-employed – both associated with violence –, and then analyses the newsymbolic relations proposed by a number of artworks. This study seeks to observe to what these artworks that re-employ post mortem photographic images respond to, and at the same time, seeks toobserve that the photographic re-employment, as an artistic practice that aims to review and criticize representations, contributes however, for the construction of a representation of death within the very contemporary perspectives, which they respond to.

Le théâtre de Fabien Cloutier suscite abondamment le rire chez les spectateurs, mais ce rire est, très souvent, accompagné d'un sentiment de malaise qui investit la salle. Quel rôle joue le comique dans les pièces de Fabien Cloutier et quelle est la fonction du rire des spectateurs lors des représentations ? Ce mémoire postule que le rire, tel que provoqué par le théâtre de Fabien Cloutier, joue un rôle fondamentalement critique. À partir des dynamiques à la fois d’identification et de distanciation mises en œuvre par le théâtre de Fabien Cloutier, ce mémoire propose d’étudier la fonction critique du rire dans les pièces Scotstown, Cranbourne, Billy [Les jours de hurlement] et Pour réussir un poulet à la lumière de la théorie bergsonienne du rire, qui conçoit le rire comme un correctif social. / Fabien Cloutier’s plays spark copious laughter in spectators, but said laughter is often accompanied by a sense of discomfort which takes over the theatre. What part does the comic play in Fabien Cloutier’s work, and what is the function of audience members’ laughter during performances? This paper argues that laughter, as provoked by Fabien Cloutier’s theatre, serves a fundamentally critical purpose. Using the dynamics of both identification and distanciation at play in Fabien Cloutier’s theatre, this paper proposes that the critical function of laughter in plays Scotstown, Cranbourne, Billy [Les jours de hurlement] and Pour réussir un poulet be studied in light of the Bergsonian theory of laughter, which conceives of laughter as a social corrective.

Du Bauhaus à De Stijl, du Constructivisme au Style international ou au Mouvement moderne, le modernisme historique n’aura pas seulement occupé les historiens de l’architecture et du design. Il est en effet devenu, depuis une vingtaine d’années, un objet d’investissement à part entière d'un grand nombre d'artistes de toutes provenances. Au tournant des années 2000, ce phénomène de références, d'évocations, de déplacements, de réappropriations, de mises à distance ou de célébrations, a pris une ampleur telle que de nombreuses expositions en Europe et en Amérique du Nord l'ont interrogé, en le réduisant toutefois le plus souvent à une mouvance ruiniste, empreinte de nostalgie, qui n'est pas confirmée par une étude attentive des œuvres. Loin de toute vaine prétention à l’exhaustivité, notre recherche a opté pour une focale centrée sur les œuvres. Au risque d’un peu de myopie où pourrait sembler se perdre une conscience globale du phénomène historique traité, le parti est ici pris d’analyser individuellement les pratiques. L’étude des divers cas retenus conduit à différentes hypothèses et lectures, qu'on espère inédites. Si tous les travaux analysés ont en commun de se référer au modernisme, de prendre celui-ci pour objet à travers telle ou telle de ses réalisations, on verra qu’il est impossible de conférer un sens unitaire à pareil tropisme. L'indispensable proximité avec les œuvres aura ainsi permis de prendre non pas l’unique mais les mesures plurielles d’un phénomène qui aura indéniablement marqué la création artistique des dernières décennies, et continue de la marquer. / From Bauhaus to De Stijl, from Constructivism to the International Style or the Modern Movement, historical modernism has kept more than architecture and design historians busy. In fact, in the last twenty years, it has become a focus of investment in its own right for a large number of artists from all walks of life. At the turn of the century, this phenomenon of references, evocations, displacements, reappropriations, distancing or celebrations took on such a magnitude that many exhibitions in Europe and North America addressed it. However, it was primarily reduced to a ruinist movement, full of nostalgia, which is not discerned by a careful study of the works. Without pretense of being exhaustive, our research has chosen to focus on the works. At the risk of being slightly myopic, where a global consciousness of the historical phenomenon treated might seem lost, we seek to analyze individual practices. The study of the various cases selected leads to different hypotheses and readings, which we hope are novel. If the common thread of all the analyzed works is to refer to modernism, to take it as object through one or other of its achievements, we will see that it is impossible to confer a unitary meaning on such tropism. The indispensable proximity to the works will thus make it possible to take not the exclusive but the plural measures of a phenomenon that will undoubtedly mark the artistic creation of the last decades, and continues to mark it.

Au moment où les artistes revendiquent la totalité des objets composant la réalité comme source matérielle pour l’art, on se voit dans la nécessité de réfléchir sur les usages et appropriations créatives spécifiques d’images photographiques. En avançant ainsi d’un cadre général vers le particulier, on vise à instaurer une réflexion centrée sur l’utilisation de photos déjà existantes dans les pratiques artistiques visant la fabrication d’une œuvre photographique. Cependant, le fait de créer à partir d’un objet déjà créé qui ici est une photo, n’étant pas sans problèmes, qu’en est-il d’une forme photographique, de même que d’une expression subjective qui garderait un rapport de dépendance avec la nécessité de l’existence préalable d’une image technique ? Que se passe-t-il quand voit le jour, dans ce contexte, une image d’image ? En ce sens, quand le faire photographique devient un refaire à partir d’une photographie déjà existante, nous rapportons-nous de la même manière aux photos, aux processus et procédés photographiques en art et finalement aux œuvres photographiques, voire à la photographie et à l’art lui-même ? Les problèmes élaborés, dans ce contexte particulier, face aux œuvres et à l’aide de théories et notions nous permettent de repérer des éléments en vue d’une esthétique de l’exploitation en photographie de photos déjà existantes, et nous exposent à des aspects politiques, légaux, éthiques, etc. de ces actions, qui placent les photos au centre des processus et procédés en photographie. / In a time when artists claim the totality of objects composing reality as a material source for art, we find it necessary to reflect on the uses of and creative appropriations specific to photographic images. In moving thusly from a general framework to a specific one, we intend to introduce a reflection centered on the use of pre-existing photos in artistic practices that themselves are directed towards the creation of a photographic oeuvre. However, and given the problematics associated with creating from an already-created object, in this case a photo, what is in it of a photographic form that as a subjective expression keeps a link of dependence with the necessity of existence that is precondition of a technical image? What happens when an image of an image enters the world in this context? In this sense, when doing photography becomes redoing from a pre-existing photograph, do we approach photos, photographic processes and procedures in art and finally photographic oeuvres, or even photography and art itself in the same manner? The questions that are developed in this specific context, in response to artworks and with the aid of theories and notions, permit us to identify elements towards an aesthetics of the photographic use of pre-existing photos, and expose us to political, legal, ethical, and other aspects of these actions, placing photos at the center of processes and procedures in photography.

Le sujet de notre thèse concerne les acquisitions par achat et par don réalisées au Musée d’art contemporain de Montréal (MACM) entre 1992 et 2012. Nous documentons l’agrandissement de la collection qui est passée de 3000 œuvres à 7500 au cours de ces deux décennies pour déterminer s’il y a présence de sens motivant les acquisitions (collectionnement) ou si au contraire, il s’agit d’une accumulation d’œuvres. Au cours de la période étudiée, nous constatons les difficultés que le MACM rencontre pour maintenir ce sens en raison de certains facteurs : la décision du gouvernement en 1992 d’acheter au nom du MACM la collection corporative Lavalin (1324 œuvres), les années de restriction financières à partir de 1992 et leurs effets sur le budget d’acquisition du Musées, ainsi que les trois changements de direction. Nous examinons aussi les 31 expositions de la collection mises sur pied par les conservateurs du MACM à partir d’œuvres provenant exclusivement de la collection entre 1992 et 2012. Nous considérons l’exposition comme lieu privilégié pour communiquer le sens que le Musée entend donner à sa collection et à cet effet nous y regardons les œuvres présentées, le parcours, les réitérations d’œuvres. Notre enquête montre qu’après vingt ans de présence au centre-ville, les acquisitions sollicitées par achat ou par don qui rejoignent la collection du MACM sont soutenues par une intention double : la mise en avant des étapes de la modernité artistique au Québec, et la présentation de ce qui se fait dans l’actualité. Le sens motivant les acquisitions est parfois confus notamment en ce qui concerne les œuvres de la collection Lavalin dont seul un faible pourcentage (une centaine) remplit les conditions. Notre étude des 31 expositions de la collection met également en évidence l’existence d’une présentation et d’un parcours suivant la double intention du collectionnement, à savoir : l’arrivée de l’abstraction et le cheminement stylistique de l’art contemporain au Québec ainsi que la monstration de l’actualité artistique. Dans ce domaine également, un nombre restreint d’œuvres provenant de la collection Lavalin sont représentées. Finalement, afin d’ouvrir une fenêtre sur d’autres façons de faire nous faisons quelques petits détours. Nous regardons les propositions apportées par la vaste étude sur l’état des musées québécois Entre mémoire et devenir, aussi appelé le Rapport Corbo (2013) pour répondre aux questions de collectionnement, d’engorgement des réserves et de désactualisation de certains corpus de la collection. Nous examinons aussi comment d’autres institutions vouées à l’art contemporain de par le monde répondent à des questions similaires. / The aim of this thesis is to document and examine 20 years of collecting at the Museum of Contemporary art of Montreal between 1992 and 2012, a period during which the collection went from 3300 works of art to more than 7700. We investigate the development of the collection and its representation via exhibitions organized by the Museum. We seek to report what the acquisitions tell us about the institution, the orientation it is giving its collection and the message it seeks to transmit. Our research based on analysis of facts collected in public documentation examines the composition and functioning of the various decision committees responsible for acquisitions, and the financing of the institution. It details acquisitions made via purchase and gift, looks at the style and date of the works selected. It documents the arguments (justifications) brought forward in order to acquire the work and add it to the collection. It observes the image the Museum wants to convey of its collection through its exhibitions. Our study draws a factual portrait of collection during the mandates of the 3 directors in charge of the Museum over a 20 year period and the idea of the collection they tried to communicate via exhibitions.

Cette thèse cherche à montrer le rôle structurant pour l’individu tenu par les pratiques religieuses dans la société japonaise contemporaine et la façon dont elles sont porteuses de sens aujourd’hui, dans une ville de pèlerinage appelée Sasaguri et située près de la mégapole de Fukuoka à Kyūshū. La première partie présente ce cadre en montrant à quel point Sasaguri forme un espace où se donnent à voir des pratiques religieuses de toutes sortes, notamment pour les visiteurs venus de l’extérieur, mais aussi comment, il est représentatif d’une religiosité que l’on retrouve partout au Japon, ancré dans la vie des communautés locales, et que j’appelle ici « premier niveau de l’expérience religieuse ». La deuxième partie se focalise sur différents types de spécialistes religieux. La troisième et dernière partie traite des modalités individuelles du rapport au religieux par l’angle des interactions entre l’intérieur et l’extérieur, du fidèle et de l’espace, du système ou du réseau dans lequel il évolue et dont il est centre. / This doctoral dissertation aims to determine the structural role that religious practice can have for the individual and how they are meaningful nowadays, in the context of a pilgrimage town called Sasaguri, situated near the big city of Fukuoka in Kyūshū. The first part presents this frame by showing how Sasaguri forms a sacred, dynamic and multi-layered space where various religious practices are displayed by people coming from outside of the town. The second part of this thesis explores the various possibilities between different types of religious specialists. The third and last part of this thesis discusses the individual modalities of the religious practices, via the interactions between the internal and external dimensions: those of the practitioner, the space they are in, or the network which they belong to and which is revolving around them.

Dans un contexte généralisé où les cultures générationnelles otaku et geek multiplient leurs influences autant sur le plan du contenu culturel que sur les nouveaux médias qu’elles génèrent, nous nous sommes intéressés à sa propension à pénétrer les champs des arts dont la pratique contemporaine. La convergence des médias inhérents à ces deux cultures produit de nouveaux moyens d’expression donnant naissance à plusieurs types de pratiques expérimentales. Il s’est agi pour nous d’interroger nos référents autant que notre pratique sous ce nouvel angle. Une émergence de nouveaux systèmes technologiques se démocratise et intervient de plus en plus fréquemment dans le quotidien des usagers. Sur la base de ces nouvelles connaissances se développent de nouveaux rapports aux objets à partir desquels se forment de nouveaux espaces de fiction.La thèse « Expérimentations artistiques des espaces de fiction générés par les nouveaux médias issus des cultures générationnelles otaku et geek » est transdisciplinaire. Elle mêle études étymologiques, anthropologiques et sociologiques à l’étude des arts. En plus de s'appuyer sur des études réalisées par des chercheurs, la méthodologie appliquée se fonde sur l’expérimentation des œuvres présentées qui touchent à la fois à l’art contemporain, aux livres, aux bandes dessinées, aux films, aux jeux vidéo, aux jeux à réalité alternée, etc., mais aussi à la convergence de tous ces médias. L’expérimentation par une pratique nous semble dans le domaine présenté une donnée très importante du bien-fondé de la recherche qui est basée sur l’étude d’un terrain culturel en constante évolution. / In a widespread background in which the influences of Otaku and Geek Generational Cultures have increased as regards both their cultural content and the new media created by them, we undertook to study their propensity to penetrate into the art sphere, whether within or outside contemporary art. The convergence of the media inherent to both cultures has produced new means of expression which have given rise to several types of experimental practices. In the light of these new aspects, we strove to review our referents as well as our practice. Emerging new IT systems are becoming more and more popular and they are increasingly affecting their users' daily lives. With such new items of knowledge, new relations to things have developed and they provide a foundation on which new Fantasy Realms are being built."Artistic Testings of Fantasy Realms Created by New Media derived from the Otaku and Geek Generational Cultures" is a transdisciplinary thesis. It blends art research with etymological, anthropological and sociological studies. The methodology applied relies on studies carried out by researchers and is based on the testing of the works presented which are related to contemporary art, books, comics, video games, alternate reality games etc., as well as to the convergence of all such media. As regards the domain referred to herein, we believe that testing through practising is a paramount aspect of the relevance of this thesis which is based on the study of an ever evolving cultural territory.

Dès l’apparition du Pop art autour de 1962, l’iconographie de l’illustration et de la publicité indique l’émergence d’une véritable esthétique graphique. La rencontre du Pop art et du dessin se révèle particulièrement intéressante car suivre les productions réalisées dans cette discipline éminemment manuelle permet de réexaminer les différentes positions des artistes vis-à-vis de la culture de masse et d’aborder des questions tant matérielles qu’iconographiques. Partant du constat que les formations artistiques sont à l’origine du va-et-vient entre options manuelles et mécaniques dans l’économie du Pop art, le propos débute par l’examen des conditions d’émergence du dessin. L’examen des relations entre dessin et culture de masse ne saurait être complet sans évoquer la réponse d’artistes qui s’engagent dans la recherche d’un dialogue avec un public croissant (par des stratégies de classe, l’iconographie de logos de produits, la prise en compte des possibilités de l’estampe etc.). Non seulement l’œuvre naît du parcours de la main, mais le dessin pop dépasse le seul processus créateur pour exister dans un corpus d’œuvres autonomes, qui s’écarte de tout schéma finaliste. Cette présence souligne ce que peuvent avoir de critique l’image et l’action du corps. De même que Claes Oldenburg et David Hockney opposent une tension manuelle aux expressions mécanisées dans la société – et là réside le double sens de la notion d’engagement autant physique que politique dans le dessin pop –, le réinvestissement du corps sous la forme du portrait et du nu affirme sa solidarité avec les combats pour la libération sexuelle à l’aube des années soixante-dix. / By 1962 with the beginning of Pop art, the iconography of illustration and advertising points the development of an art founded on graphics. Interestingly, the relations between Pop art and drawing allow to follow how the handmade practices reassess the artists’ positions towards mass culture and deal with material issues (such as manual involvement) and the meaning of iconography (counter-culture, return of the figure). Starting from the point that artistic pop economy of art owes its back and forth mouvement between manual and mechanical options to its protagonists’ artistic education, this dissertation opens with the study of drawing’s emergence in a pedagogical context. The study of the relations between drawing and mass culture wouldn’t be fully led without assessing the answer of the artists who involve in the claim for a bigger audience (with a class strategy, an iconography full of mass products and the possibilities of prints). Moreover, not only the graphic works stem from the hand, but pop drawing overwhelms the solely issue of creation processes to exist in an autonomous corpus of works, which doesn’t fall into the finalist schema. This presence points how critical may be the body, through drawing, as an image and as an action. Similary to Claes Oldenburg and David Hockney who oppose a manual tension to the social mechanized expressions – and there lay the double sense of the very notion of involvement which is to be understood in Pop art in the same time on a physical and a political level – the reinvolvement of the body by way of portrait or nude shows its solidarity with the fights in the wake of the sixties, fight for sexual liberation, or women rights.

Depuis sa naissance au cœur des célébrations païennes ou religieuses du Moyen Âge anglais, le théâtre britannique a toujours entretenu des liens privilégiés avec la fête. Cette affinité élective entre le dramatique et le festif fait ici l’objet d’une réflexion esthétique reposant sur un corpus de pièces contemporaines où sont représentées toutes sortes de célébrations. En effet, qu’il s’agisse d’anniversaires, de Noëls, ou de retrouvailles entre amis, le topos festif perdure sur les scènes britanniques de la seconde moitié du XXe siècle (The Birthday Party fut joué à Londres en 1958) jusqu’au début du XXIe siècle, avec des pièces comme Jerusalem de Jez Butterworth (2009) ou In the Republic of Happiness de Martin Crimp (2012). Or, après l’expérience traumatique de la Seconde Guerre mondiale et les crises protéiformes qui ont affecté le monde au cours des dernières décennies, la rémanence de la fête sur scène a de quoi étonner. Il convient cependant d’observer que lorsque le phénomène festif se change en objet de représentation, il donne l’occasion aux dramaturges de déployer une poétique carnavalesque où l’excès cohabite avec le manque, la légèreté avec la gravité, pour finalement mettre le monde et les formes traditionnelles sens dessus dessous. Éminemment transgressive et volontiers caractérisée par la pénurie, le manque, voire la violence ou la mort, la fête paradoxale devient le lieu privilégié d’une exploration éthique et esthétique des limites du figurable. Elle offre dès lors un paradigme fécond pour rendre compte du renouvellement des formes dramatiques contemporaines. / British theatre and festivities have always been closely linked. From the moment the first plays were performed during medieval festivals to present-day representations of parties in which people binge drink or use drugs, it might even be argued that the celebratory mood has never left the stage. This intimate connection between the dramatic and the festive is investigated here from an aesthetic point of view, through a corpus of contemporary plays representing celebrations. Be they birthdays, anniversaries, Christmases or reunions, the festive motif is a recurring one in the second half of the twentieth century, with plays like The Birthday Party (1958), and on into the twenty-first century, with Jez Butterworth’s Jerusalem (2009) or Martin Crimp’s In the Republic of Happiness (2012). Considering the traumatic experience of the Second World War or the protean crises that have subsequently affected the world, we might expect parties to disappear from the stage altogether; yet, this is not the case. In fact, we find that when the festive phenomenon is turned into an object of representation, it allows dramatists to put forward a poetics of excess characterised by exuberance and transgression. Not only does this carnivalesque energy turn the world upside down, it also subverts traditional dramatic forms. Oscillating between lack and excess or lightheartedness and gravity, sometimes verging on scarcity, violence or even death, the paradoxical party becomes the epitome of an aesthetic and ethical exploration of the limits of the representable. It thus offers a fruitful paradigm to account for the renewal of dramatic forms on the contemporary stage.