La présente thèse a pour sujet les cinq premiers opéras du compositeur hongrois Peter Eötvös : Trois Sœurs, Le Balcon, Angels in America, Lady Sarashina et Love and Other Demons, opéras créés entre 1998 et 2008. À travers le filtre de la réflexion menée par Michel Foucault dans son ouvrage L’archéologie du savoir, il est question de déterminer dans quelle(s) mesures(s) les cinq opéras, envisagés dans leur rareté comme cinq entités singulières, viennent pourtant constituer une seule et même série. La réponse à cette problématique s’articule autour de trois parties. La première s’attache à la rencontre du compositeur avec des sources littéraires, rencontre qui oriente l’élaboration des livrets et qui motive le travail sur les langues russe, française et anglaise. La deuxième partie est consacrée à la caractérisation musicale/opératique des personnages, au traitement de la narration au sein des cinq opéras et au rôle de l’interprète, rôle intimement lié à la destinée des ouvrages lyriques. Enfin, la troisième partie se propose de présenter les cinq mondes des cinq opéras en tant que glissements de l’un à l’autre, en tant qu’héritages d’un passé musical recontextualisé et en tant que révolutions intimes et collectives obéissant à une unique visée, ou plutôt à un unique devoir : celui de la mémoire comme passeuse de vie. / This thesis is about the Hungarian composer Peter Eötvös’ first five operas: Trois Sœurs, Le Balcon, Angels in America, Lady Sarashina and Love and Other Demons, which were created between 1998 and 2008. Through the filter of Michel Foucault’s thinking developed in his work L’archéologie du savoir, the issue consists in determining to what extent(s) the five operas, considered in their rarity as five singular entities, form however one and the same series. The answer to this issue is in three parts. The first part applies to the composer coming across literary sources, which directs the librettos’ elaboration and motivates the work on Russian, French and English languages. The second part is devoted to the musical/operatic characterisation of the characters, to the narrative treatment within the five operas and the interpreter’s part, which is closely connected to lyrical works’ destiny. Finally, the third part intends to present the five worlds of the five operas as they slip from one into the other, as heritages of a recontextualized musical past, and as intimate and collective revolutions obeying one single aim, or more precisely one single duty: the one memory has to hand down life.

Le point de départ de notre recherche a été la compréhension du phénomène Wang Xiaobo, de sa genèse, de son amplification et de ses échos dans l’histoire de la littérature chinoise. La thèse rappelle le contexte de la société chinoise et du monde littéraire des années 1990, indispensable pour saisir ce phénomène. Sa naissance est en effet étroitement liée à l’essor de la mouvance libérale chinoise et au développement rapide du pouvoir des médias et notamment d’Internet. Plusieurs personnages ont contribué à sa genèse, parmi lesquels on trouve notamment des chercheurs en sciences sociales tels que Li Yinhe, Qin Hui et Xu Jilin. Ce phénomène a été par la suite amplifié par les médias, qui ont étiqueté l’auteur comme « martyr sur l’autel de la littérature », « intellectuel libéral », « intellectuel public », etc. Ironie du sort, c’est l’appellation octroyée par Le Quotidien du peuple, « génie en dehors du système », qui résume le mieux l’identité controversée de l’auteur. L’étude des discours souvent impressifs sur le phénomène Wang Xiaobo nous a conduite d’abord à mener des analyses textuelles afin de sonder de manière approfondie l’art romanesque de l’auteur, insuffisamment exploré malgré sa notoriété posthume durable. Son art est caractérisé par des jeux à la fois subversifs et ludiques ; il démontre aussi comment le sujet pensant qui transforme les mots se voit lui-même métamorphosé par la société et la vie. Le corpus des textes étudiés couvre les trois périodes de l’auteur : avant 1984 (« l’âge fabuleux »), entre 1984 et 1992 (« l’âge de la maturité et l’âge d’or ») et enfin après 1992 (« réécriture et renouvellement »). Ensuite, à travers l’analyse comparée des textes de l’auteur et de ceux de ses successeurs, nous avons abouti à la thèse suivante : les jeux d’écriture de Wang Xiaobo affichent les caractéristiques de l’art de la postmodernité, et ce avant même que celui-ci s’installe progressivement en Chine ; ils illustrent comment l’esprit chevaleresque des lettrés chinois s’est progressivement transformé en un esprit de « voyous », terme évolutif, polysémique mais symptomatique de notre temps. / The starting point of our research was to understand the "Wang Xiaobo phenomenon". The paper describes the context of Chinese society and the literary world of the 1990s; some scholars’ liberal speeches and the growing power of media namely the Internet are parts of the reasons accounting for this phenomenon. The media put on the disappeared author new labels such as "martyr on the altar of literature", "liberal intellectual", "public intellectual". Ironically the name of "Genius outside the system", granted by the People's Daily to Wang Xiaobo, has stuck as the best way to encompass the author’s questionable identity. The impressive talks about the "Wang Xiaobo phenomenon" pushes us first to conduct deeper textual analysis to probe thoroughly the novellas’ art of the author, insufficiently explored despite his lasting posthumous fame. His art is characterized by subversive and playful language games; it also demonstrates how thinking subject who transforms words sees himself transformed by society and life. The corpus of the studied texts covers three periods of the author: before 1984, between 1984 and 1992, and finally after 1992. Then, through the comparative analysis of the author’s texts and those of his successors, we came up with the following thesis: The writing games of Wang Xiaobo display the characteristics of postmodern art, and even before it develops gradually in China; they illustrate how the chivalrous spirit of the Chinese intellectuals has evolved into a spirit of roguery, which in itself should be interpreted as an evolutionary term, both polysemic and symptomatic of our time.

Le thème de la mobilisation totale est au cœur de la réflexion actuelle sur le renouvellement des modes de subjectivation et des manières d’être-ensemble. En arrière-plan, on trouve la question de la compatibilité entre les processus vitaux humains et la modernité, bref, la question de la viabilité du processus de civilisation occidental. Au cœur du diagnostic: l’insuffisance radicale de la fiction de l’homo oeconomicus, modèle de l’individu privé sans liens sociaux et souffrant d’un déficit de sphère. La « communauté qui vient » (Agamben), la « politisation de l’existence » (Lopez Petit) et la création de « sphères régénérées » (Sloterdijk) nomment autant de tentatives pour penser le dépassement de la forme désormais impropre et insensée de l’individualité. Mais comment réaliser ce dépassement? Ou de manière plus précise : quelle traversée pour amener l’individu privé à opérer ce dépassement? Ce doctorat s’organise autour d’une urgence focale : [E]scape. Ce concept suggère un horizon de fuite immanent : il signe une sortie hors de l’individu privé et trace un plan d’idéalité permettant d’effectuer cette sortie. Concrètement, ce concept commande la production d’une série d’analyses théoriques et artistiques portant sur des penseurs contemporains tels que Foucault, Deleuze ou Sloterdijk, l’album Kid A de Radiohead ainsi que sur le cinéma et l’art contemporain chinois (Jia Zhangke, Wong Kar-Wai, Wong Xiaoshuai, Lou Ye, Shu Yong, Huang Rui, Zhang Huan, Zhu Yu, etc.). Ces analyses sont conçues comme autant de passages ou itinéraires de désubjectivation. Elles posent toutes, d’une manière ou d’une autre, le problème du commun et de l’être-ensemble, sur le seuil des non-lieux du capitalisme global. Ces itinéraires se veulent liminaux, c’est-à-dire qu’ils se constituent comme passages sur la ligne d’un dehors et impliquent une mise en jeu éthopoïétique. Sur le plan conceptuel, ils marquent résolument une distance avec le paradigme de la politique identitaire et la critique des représentations interculturelles. / The theme of total mobilization is central to the contemporary reflection on the renewing of subjectivation processes and ways of being-together. In the background, we find the question of the compatibility between the human vital processes and modernity, or in other words, the question of the viability of Western civilization. At the core of the diagnosis: the radical insufficiency of the homo oeconomicus’s fiction, model of the private individual without meaningful social links and suffering from a sphere deficit. The “coming community” (Agamben), the “politization of existence” (Lopez Petit) and the creation of “regenerated spheres” (Sloterdijk) name as many attempts to think how to go beyond the henceforth improper and senseless form of individuality. But how are we to realize this overcoming? Or more precisely: which crossing to bring the private individual to operate this overcoming? This work is organized around a focal urgency: [E]scape. This concept suggest an immanent horizon of flight: it signs a way out of the private individual and draws a plan of ideality allowing to effectuate this exit. Concretely, this concept commands the production of a series of theoretical an artistic analysis of contemporary thinkers like Foucault, Deleuze and Sloterdijk, of Radiohead’s Kid A Album, and of different Chinese contemporary filmmakers and artists (Jia Zhangke, Wong Kar-Wai, Wong Xiaoshuai, Lou Ye, Shu Yong, Huang Rui, Zhang Huan, Zhu Yu, etc.) These analyses are conceived as passages or itineraries of desubjectivation. They all posit, in one way or the other, the problem of the common and of the being-together, on the threshold of global capitalism’s non-places. These itineraries are meant to be liminal, i.e. they constitute as many passages on the line and imply an ethopoietic mise en jeu. Conceptually speaking, they mark a distance with the identity politics paradigm and the critics of intercultural representations.

Les anthropologues ont examiné le syncrétisme religieux, soit l’incorporation d’éléments de sources diverses, au sein des religions du monde depuis plusieurs décennies. Cependant, très peu d’intérêt a été accordé au paganisme contemporain, un Nouveau Mouvement Religieux hautement syncrétique. À travers les récits de plusieurs païens/nes contemporain/es à Montréal, j’examine comment et pourquoi les pratiquants sont inspiré/es à faire le choix d’incorporer divers éléments provenant de sources religieuses et non religieuses. Le recours à des sources différentes reflète l’effort de créer une expérience religieuse plus profonde et personnelle. La créativité impliquée dans la construction d’une pratique spirituelle et d’un système de croyance personnels est souvent conduite par un désir de (re)connexion, que ce soit à la terre, aux ancêtres, ou bien à une communauté. Les acteurs acquièrent un sentiment accru d’agentivité dans ce processus. Ma participation dans cette communauté a influencé mes expériences de recherche; j’examine également ma position en tant qu’anthropologue chez soi. / Anthropologists have been examining religious syncretism—the process of combining elements from diverse sources—in religions of the world for decades, but very little attention has been given to one highly syncretic New Religious Movement: contemporary Paganism. Through the narratives of several contemporary Pagans in Montreal, Quebec, I explore how and why practitioners are inspired to make choices to incorporate diverse elements from religious and non-religious sources; recourse to other sources represents an effort to create a deeper, more personally meaningful religious experience. The creativity involved in constructing one’s own spiritual practice and belief system is often driven by a desire for (re)connection—to the earth, to one’s ancestors, to a community—and a greater sense of personal agency is gained through this process. Being a participant in this community greatly shaped my research experience as well, and I explore my position as an anthropologist at home along side these narratives.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal. / Ce mémoire de maîtrise présente une analyse des quatre œuvres qu j’ai composées entre l’automne 2007 et l’automne 2008, au cours du programme d’études : Deux tempêtes et une langueur (violoncelle et piano), Sept gestes ludiques (violon, cor et piano), Azabache (musique pour danse contemporaine, six musiciens) et Landocinógena (orchestre). Il s’agit de quatre projets aux concepts compositionnels différents ayant en commun, la plupart d’entre eux, une ligne directrice se traduisant par un lien avec des sources musicales de tradition orale. Ce volet m’a amené à développer un projet de maîtrise reposant sur une codirection entre composition et ethnomusicologie. Ces analyses seront précédées d’une introduction contextuelle. La dernière partie présentera des conclusions à caractère réflexif. / This Memory of Master Degree presents the analyses of the four works composed during the program (from Autumn 2007 to Autumn 2008): Two Storms and a Languor (cello and piano), Seven Playful Gestures (violin, horn and piano), Azabache (music for contemporary dance, six musicians) and Landocinógena (orchestra). Those projects have different compositional concepts. Nevertheless, the sources of oral musical traditions are the common link between the most of them. This view has conducted my interest to develop a co-direction in the field of Compositions and Ethnomusicology. These analyses will be preceded by a contextual Introduction and will close with some reflexives conclusions.

L’objectif de ce mémoire est de comprendre comment s’articule la réception d’expositions socialement engagées dans un contexte muséal contemporain et québécois. Afin de mener à bien cette recherche, deux études de cas seront analysées : Art et féminisme (1982) et Pour la suite du Monde (1992). Comme l’exercice du mémoire commande un développement restreint, nous avons sélectionné des manifestations qui se sont déroulées dans une seule institution, le Musée d’art contemporain de Montréal. Avant d’aborder directement le phénomène de réception et afin de bien cerner le contexte artistique et théorique des années 80 et 90, le premier chapitre sera consacré aux différentes théories et pratiques de l’exposition, telles que développées au cours de cette période. Ainsi, nous parcourrons des théories relatives à l’exposition d’art et à son commissariat de Jérôme Glicenstein, Mieke Bal, Yves Michaud, Nathalie Heinich et Michel Pollak ainsi que Daniel Buren. Ensuite, les deuxième et troisième chapitres seront exclusivement voués à Art et féminisme et Pour la suite du Monde. Outre l’examen de leur réception, nous décrirons leur contexte de mise sur pied, et ce, tant du point de vue conceptuel que sociohistorique. Le but de cet exercice sera de bien comprendre comment s’énonce le propos d’une exposition lorsqu’il est lié de près à sa réalité politique, culturelle et institutionnelle. / The present thesis aims to understand how audience and critical reception of politically and socially engaged art exhibitions articulates itself in the museum context in Quebec. In order to do so, two case studies will be examined: Art et féminisme (1982) and Pour la suite du Monde (1992). Within the scope of this thesis, a thorough study will be facilitated by selecting exhibitions which took place in a single institution, the Musée d’art contemporain de Montréal. Before directly addressing reception and in order to better define the artistic and theoretical context of the 1980’s and 1990’s, the first chapter will be dedicated to the different theories and practices regarding exhibitions as they were developed in that period. As such, the work of exhibition practitioners and theorists Jérôme Glicenstein, Mieke Bal, Yves Michaud, Nathalie Heinich and Michel Pollak, as well as Daniel Buren, will be summarised. The second and third chapters will exclusively address the Art et féminisme and Pour la suite du Monde exhibitions. While their reception will be examined, the specific conceptual and socio-historical context in which they were deployed will be detailed. The aim of this exercise is to fully comprehend the way in which an exhibition enunciates its subject matter when the latter is closely linked to its political, cultural and institutional reality.

Ce mémoire de maîtrise porte sur l’animation des images fixes dans le film Me and You and Everyone we Know réalisé en 2005 par Miranda July, et tout particulièrement sur les pratiques artistiques de la protagoniste Christine Jeperson, qui est artiste vidéaste. L’objet de cette étude se fonde sur les matériaux utilisés par l’artiste-protagoniste elle-même, et vise en premier la photographie, puisqu’elle travaille toujours à partir de photos amateur, de clichés, d’images banales, qu’elle tente d’animer par le biais de la vidéo et de leur mise en récit. Ces deux dispositifs d’animation, qui à leur façon redonnent du temps et du mouvement aux images, réalisent un déplacement de valeur en en faisant de l’art et déploient du même coup un espace propre à une certaine expérience esthétique du spectateur, car c’est dans son imaginaire que peut véritablement se produire l’animation de ces images. Ainsi, dans ce mémoire, je tenterai tout à la fois de me concentrer sur ce détail du film que sont les œuvres de Christine, mais en cherchant à les mettre en relation avec d’autres moments du film, avec ce qui semble être les motifs privilégiés de la pratique de Miranda July, de même qu’avec d’autres moments de l’histoire de l’art, afin d’en historiciser la démarche. Ce travail servira donc à éclairer une pratique d’images contemporaine singulière, à la croisée entre photographie, vidéo et film. / This Master’s thesis deals with the animation of still images in Miranda July’s 2005 film, Me and You and Everyone we Know. More specifically, it analyses the artistic practices of Christine Jeperson, a video artist who is the main character of the film. This study focuses on the materials utilized by the artist-protagonist and looks at her particular use of photography: her video works all revolve around amateur photographs, clichés, banal images, that she animates via the remediation of video and "narrativization" ("mise en récit"). These two principles of animation, that give time and motion to the still images she uses, also produce a displacement of value by turning these images into art and, by the same token, open a specific space i.e. the aesthetic experience of the spectator, for it is in his or her imaginary, in the end, that this animation is produced. Thus, in this study, I wish to look at these “details” within the films — the video works of Christine — whilst seeking to show the relations they entertain with other elements of the film, with Miranda July’s body of works, as well as with other moments in art history that relate to this animation apparatus, in order to historicize the practices of Christine / July. This Master’s Thesis wishes to illuminate a specific kind of contemporary visual practice, at the intersection of photography, video and film.

Depuis la valorisation du corps comme site identitaire et comme langage autre dans la théorisation de l’écriture au féminin des années 1970, les représentations du corps, notamment du corps féminin, occupent la scène romanesque jusqu’à aujourd’hui. Dans cette perspective, le présent mémoire s’intéresse au corps fantomatique des héroïnes du Ravissement de Lol V. Stein de Marguerite Duras et de La Maison étrangère d’Élise Turcotte. Le corps se fait littéralement hantise chez Duras et Turcotte : il est marqué d’absence, d’étrangeté, de fatigue et d’errance, ne trouvant plus de lieu d’être ni de repères à la suite d’un événement « traumatique », dans le cas de Lol, ou à la suite d’une séparation, dans celui d’Élisabeth. Les protagonistes sont sous l’emprise d’un sentiment d’étrangeté qui spectralise le corps en introduisant un décalage dans le rapport à soi et à autrui. Ce sentiment est causé en partie par une mémoire défaillante qui fragmente leur identité. C’est par un travail mémoriel que Lol V. Stein et Élisabeth tenteront de résoudre la hantise de leur histoire individuelle et familiale. Le texte fait écho à la corporalité fantomatique – mise en scène selon diverses représentations du corps dématérialisé – en se spectralisant à son tour par l’inscription des « blancs » dans l’écriture. Le processus d’effacement des corps sera mis en parallèle avec une spatio-temporalité elle aussi marquée par la hantise du passé. La spectralité apparaît, dans le récit contemporain au féminin, pour témoigner d’une identité (cor)rompue par la rupture ; celle-ci devient prétexte à une réflexion sur la manière d’habiter son corps et d’un être-au-monde à repenser. / The 1970s have seen the body become a stronghold of identity and offer a new language for the theorization of women’s writing. Since then, representations of the body, especially of the female body, have taken over the novel. In that perspective, this dissertation studies the ghostly body of two heroines in Le Ravissement de Lol V. Stein by Marguerite Duras and La Maison étrangère by Élise Turcotte. Their bodies are marked by absence, eeriness, tiredness and wandering, unable to fully exist within a world that has lost its bearings following a “traumatic event” for Lol and the end of a relationship for Élisabeth. The protagonists suffer from an eerie sensation that essentially “spectralises” the body by revealing a gap in their relationship to themselves as well as to others. This sensation is caused in part by a failing memory which breaks up their sense of self. Trying to work through these memory faults, both Lol and Élisabeth aspire to solve the dread of their personal and familial history which seems to be at the root of their ghostly, uncomfortable grasp on their own body. The text echoes back to the spectral corporeality – staged by different representations of the dematerialized body – through « blanks » left within the writing. The process by which the bodies seem to vanish or disappear can be closely associated with a particular spacio-temporality, itself tainted by a haunting past. Spectrality occurs, in women’s contemporary fiction, to express an identity compromised by the ending of a relationship ; this particular event becomes the pretext for a reflection about how one inhabits not only their body, but also the world it binds them to.

Personnage central du néoconfucianisme contemporain, Mou Zongsan (1909-1995) a écrit un nombre impressionnant de livres philosophiques. Loin d’ignorer les penseurs d’autres courants, il les intègre à ses théories pour en utiliser les forces. Ainsi, il s’intéresse au concept d’enseignement parfait (yuanjiao圓教). Cette notion fut introduite par l’école bouddhique Tiantai (Tiantai天台). Après une classification de tous les enseignements bouddhiques, il fut conclu que l’enseignement parfait consiste en un enseignement complet reflétant parfaitement l’intention ultime du Bouddha. Mou considère quatre critères pour déterminer quelle doctrine est conforme à cette idée : la préservation de tout ce qui existe, la possibilité pour tous d’atteindre l’illumination, englober tout sans distinction et utiliser un langage qu’il qualifie de non analytique. Dans cette étude, nous allons examiner l’utilisation faite par Mou du concept d’enseignement parfait. Il démontre la nécessité pour l’être humain d’avoir un esprit qui saisit à la fois la sphère phénoménale et nouménale. De cette façon, tout ce qui compose la réalité, pur et impur, est conservé. Il emprunte ensuite le concept du summum bonum kantien, c’est-à-dire le ratio proportionnel entre la vertu et le bonheur, et le révise à l’aide de l’enseignement parfait. Le résultat est tout à fait étonnant : l’être humain possède l’intuition intellectuelle, normalement réservé à Dieu chez Kant, et est ainsi responsable de son propre bonheur grâce à l’accomplissement d’actions morales. Cependant, le bouddhisme ne fournirait pas le cadre théorique idéal pour la notion très importante du summum bonum puisque l’aspect moral n’y serait pas assez développé. Mou affirme que, malgré leur origine bouddhique, les critères qui définissent un enseignement parfait peuvent être appliqués à d’autres courants de pensée. Il propose donc le confucianiste Wang Longxi王龍溪 (Wang Ji王畿 1498- 1583), dont les théories correspondent aux caractéristiques de l’enseignement parfait, pour établir un concept du summum bonum novateur. / Mou Zongsan (1909-1995), a central figure in the emergence of New confucianist thought, wrote an impressive number of books on philosophy. One of the most interesting aspects of Mou’s writings is that he distilled and integrated concepts of other philosophical schools he considered relevant and valuable for his works. One example for this notion is his extensive use of the concept of the perfect teaching (yuanjiao圓教), which was originally introduced by the Buddhist school of Tiantai (Tiantai天台). They first classified all Buddhist teachings before concluding that only the doctrine of perfect teaching truly reflects the ultimate wisdom envisioned by the Buddha. Mou determines that this concept fulfill four necessary criteria: (1) the preservation of all that exists, (2) the possibility for all sentient beings to achieve illumination, (3) to encompass everything without distinction, and (4) to utilize a non-analytical language. In this study, we will analyse Mou’s use of the concept of perfect teaching. He argues that the human mind must be capable of perceiving both the phenomenal and the noumenal world. This postulate ensures the preservation of all realities, inclusive of both what is ‘pur’ and ‘impure’. Mou utilizes the summum bonum, a Kantian concept that postulates that virtue and happiness are proportionally linked, and modifies it with the help of the perfect teaching. As a result of this fusion of occidental and oriental thought, human beings are attributed intellectual intuition, which according to Kant is God’s privilege. As a consequence, humans ultimately determine their own happiness by their moral behavior. Although Mou uses the originally Buddhist doctrine of perfect teaching to revise the concept of summum bonum, he also concludes that the lack of a moral foundation renders Buddhism ultimately unfit to act as the theoretical framework of summum bonum. However, Mou claims that the four characteristics that define a perfect teaching can, irrespective of their origin, be applied to other schools of thought. Therefore, he proposes that the theories of the confucianist Wang Longxi王龍溪 (Wang Ji王畿 1498- 1583) fulfil these attributes, and uses them to establish a revised concept of summum bonum that preserves the proportionality of virtue and happiness but bypasses the requirement of God as the sole proprietor of intellectual intuition.

Consacré à la tétralogie Le Sang des promesses — composée des pièces Littoral, Incendies, Forêts et Ciels — de Wajdi Mouawad, le présent mémoire s’appuie sur un retour remarqué de la catharsis dans les discours sur le théâtre contemporain pour questionner la capacité du théâtre à développer une pensée du vivre-ensemble. Il est divisé en trois chapitres : le premier porte sur la place du genre de la tragédie et du concept du tragique dans la tétralogie ainsi que la réappropriation par Mouawad de certaines figures de la mythologie grecque ; le second s’intéresse au devenir contemporain de la catharsis, à son articulation autour des émotions de peur et compassion et à l’importance de la parole-action au sein de l’œuvre. Enfin, le troisième chapitre cherche à définir les rapports entre le cathartique et le concept de « solidarité des ébranlés » théorisé par Jan Patočka avant d’analyser la réception critique des pièces pour y trouver des exemples concrets de l’effet cathartique propre au théâtre de Mouawad. / This master's dissertation addresses Wajdi Mouawad's Blood Promises tetralogy, composed of the plays Tideline, Scorched, Forests, and Skies. As it focuses on the return of the concept of catharsis in discourses on contemporary theater, it aims to question theater's capacity to develop a thought of the living-together (vivre-ensemble). The first chapter focuses on the status of tragedy and the tragic as well as on the revisiting of several mythological Greek characters in Mouawad's tetralogy, whereas the second chapter takes an interest in contemporary manifestations of catharsis, as they involve the emotions of fear and compassion, and, in the case of Mouawad's work, particularly depend on the importance of acts of language. Finally, the third chapter attempts to link the cathartic to Jan Patočka's concept of the solidarity of the shaken, before it proceeds to analyze the critical reception of Mouawad's plays in order to underline their specific cathartic effect.