Depuis la deuxième moitié du XXe siècle et le tournant du millénaire, pourquoi se multiplient des figures de la folie et du féminin dans le paysage littéraire haïtien ? En remarquant les grandes tendances qui font coïncider l’expression de la catastrophe, de la défaite du sens et l’apparition de personnages et de figures féminins majeurs dans des œuvres de tous genres, mon interrogation porte sur la folie, la marge et le féminin dans la littérature haïtienne contemporaine en tant qu’expressions concourantes de la dissemblance. Je me penche ainsi, dans des œuvres marquantes, sur le jeu rhétorique des postures de la dissemblance et la manière dont elles pointent depuis le texte vers un au-delà de l’œuvre, soit ce qui en elle indique l’ «espace ménagé» de sa propre faillite ainsi que le travail de la lecture et de la création. Pour cela, il a fallu, à partir des limites (de l’œuvre, de la norme), construire une réflexion capable d’aménager aussi l’espace de sa propre contestation. Dans le premier chapitre, à partir du récit fondateur « Folie », de Marie Chauvet, je pose le problème de la folie en me penchant sur les configurations inaugurales qui me semblent mettre la scène du littéraire contemporain haïtien. J’en profite pour préciser l’approche rhétorique qui me permettra d’aborder les textes littéraires, tout en réfléchissant sur les enjeux théoriques posés par une lecture de la folie comme absence d’œuvre. En m’appuyant sur Chauvet et sur les travaux de Felman, je définis les modalités d’une lecture impliquée. Dans le second chapitre, je brosse un portrait complexe du contemporain haïtien, tel qu’il est médié et rendu à travers les « anthologies » essentielles de Davertige et de Frankétienne. Ces deux œuvres sont l’occasion de poursuivre une interrogation sur les limites en remarquant les formes et les enjeux mobilisés dans le littéraire par les élaborations de la marge, de la mémoire traumatique et de la folie. Une telle approche est aussi l’occasion d’une réflexion de fond sur le contemporain haïtien, abordé d’emblée comme panorama et comme problème façonné et façonnant des sujets d’écriture. Enfin, dans le troisième chapitre, je me penche sur les filiations larvées qui permettent aux configurations précédemment décrites de persister, alors que le féminin, comme dissemblance, négocie sa place du côté de la marge ou de la folie, dans les textes plus récents de Jan Dominique et de Lyonel Trouillot. Les réflexions que je propose sur les destinations, sur l’œuvre impossible ou absente (Foucault) me permettent de distinguer les processus de différenciation spécifiques de la marge et de la folie, mais surtout d’apercevoir, au cœur du texte littéraire, la folie comme l’absence essentielle où se risque et se joue la création. Le dissemblable devient alors cet objet fuyant d’une lecture impliquée dans laquelle, le regard critique s’adossant à une écriture littéraire chargée d’en interrompre systématiquement le flux, constitue en effet ce « moment insolite de la théorie» (Felman), qui, dévoilant son propre jeu rhétorique, maintient la théorie en échec tout en la faisant parler. / Since the second half of the twentieth century and the turn of the millennium, why have representations of madness and the feminine proliferated in the Haitian literary landscape? Whilst reflecting on the broad tendencies that brought together the expression of catastrophe, the unravelling of meaning and the emergence of important feminine characters and figures in works of all genres, I will question madness, margins and the feminine in contemporary Haitian literature as concurring expressions of dissimilarity. Examining Haitian literary works, I want to propose a reading on the rhetoric postures and performances of dissimilarity and the manner in which they point towards an outsideness of literature: the unspeakable “thing” that signals – from within – the (im)possibility of the text, the (im)possibility of reading and creation. To achieve this purpose, I have chosen to construct a reading on limits (of the text, of the norm) that also considers its own contestation. Chapter one is built around the novel « Folie » by Marie Chauvet. It addresses the topic and rhetoric of madness while taking note of important aesthetic configurations that I suggest set the stage for contemporary Haitian literature. I also address methodological problems arising when “reading” madness as “absence d’œuvre” (Foucault). Intersecting Chauvet’s writing with the theoretical contributions of Felman, I specify my approach as a compromised or involved reading. In the second chapter, I paint the portrait of the contemporary Haitian general context using the essential anthologies of Davertige and Frankétienne. These two works allow me to address the notion of “limits” while considering the forms and issues created by the fabrications of margins, traumatic memory and madness. I therefore approach the contemporary Haitian context as a complex panorama and as a problem, both shaped by and shaping literary subjectivities. Finally, in the third chapter, analysing the more recent texts of Jan Dominique and Lyonel Trouillot, I reflect on hidden genealogies that perpetuate previously identified configurations when the feminine, as dissimilarity, negotiate a place on the side of margins or madness. The reflection I propose on destinations, the absent or impossible oeuvre allows me to differentiate the specificities of margins and madness, and most importantly, to glimpse, while reading the literary text, at the essential absence where creation risks itself. Thus, dissimilarity becomes the fleeting object of my compromised reading. A critical reading, which compromises itself with creative writing, in a decisive attempt to subvert theory, forcing it to unveil its own rhetorical play, to reveal its possible failure while making it eloquent.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cette étude a pour principal objectif d’examiner l’usage de la caméra à l’épaule dans les films de fiction Faces de John Cassavetes et La Vie nouvelle de Philippe Grandrieux. Loin d’associer la caméra portée à la vision subjective d’un personnage, ces cinéastes semblent plutôt inscrire la caméra et son tremblé comme un tiers autonome qui entre néanmoins dans la zone fictionnelle. Par la position similaire qu’ils attribuent à la caméra et par l’importance qu’ils accordent à l’improvisation au tournage, ces deux cinéastes créent une proximité entre le personnage et la caméra, qui a un impact sur l’esthétique visuelle de leurs films. De par cette esthétique affectée, l’expérience vécue par le spectateur devant le film est intensifiée. En interrogeant le processus de création, l’esthétique de la caméra à l’épaule ainsi que la réception spectatorielle, nous verrons comment un tel transfert d’affect est rendu possible par cette tripartition. Pour faire l’analyse de ce transfert affectif, phénomène causé par ce que nous pourrons appeler la caméra catalytique, nous nous appuierons sur quelques philosophies choisies. / This study has as its main goal the examination of the use of the handheld camera in the films Faces by John Cassavetes and La vie nouvelle by Philippe Grandrieux. Far from associating the handheld camera to a character’s point of view these filmmakers seem to inscribe the camera and its shake as an autonomous third person which is part of the fictional space. By the similar position these filmmakers give to the camera and by the importance they attribute to improvisation during the shoot they create a proximity between the character and the camera which has an impact on the visual aesthetic of their films; this affected aesthetic intensifies the experience felt by the audience. By examining the process of making the film, the handheld aesthetic as well as the audience response, we will see how this transfer of affect is made possible. To analyse this affective transfer, caused by what one would call the catalytic camera, we will rely on a selection of chosen philosophies.

Ce mémoire de maîtrise porte principalement sur les œuvres des artistes Sophie Calle, Sylvie Cotton, Donigan Cumming, Martin Dufrasne et Marc-Antoine K. Phaneuf. L’objectif de cette recherche est d’observer les différents allers-retours qu’ils effectuent dans leur pratique entre la sphère privée et la sphère publique et qui problématisent notre rapport à l’intimité. Dans le premier chapitre, je déterminerai ce qui caractérise respectivement l’espace public et l’espace privé, pour ensuite cibler les lieux et les figures de l’intime. Dans le deuxième chapitre, seront étudiés les gestes et les méthodes d’appropriation de la sphère privée par les artistes à l’aide de la pratique de la collection, la pratique ethnographique ainsi que la pratique de la surveillance. L’impact de ces pratiques sur l’investissement de l’artiste dans la durée est relevé, ainsi que leur inscription dans un art dit contextuel. Enfin, je terminerai par une réflexion sur ma propre pratique, en considérant ce qui l’apparente et la distingue des artistes étudiés dans celui-ci. / This Master’s thesis deals with the works of artists Sophie Calle, Sylvie Cotton, Donigan Cumming, Martin Dufrasne, and Marc-Antoine K. Phaneuf. The objective of this research is to observe the back and forth explored by the artists in their practices between the private and the public sphere and how these problematize our relationship with intimacy. In the first chapter, I will determine the elements that respectively characterize the public and the private space, and then find the places and forms that define intimacy. In the second chapter, I will examine the private sphere's appropriation gestures and methods employed by the artists through a study of collecting, ethnographic, and surveillance practices. I will underline the impact of such practices on the artists' investment in time and their implication in contextual art. Finally, I will deliberate on my very own practices, considering how they differentiate or resemble the practices of the artists studied in this memoir.

Les archives sont aujourd’hui utilisées et envisagées hors de leur lieu traditionnel qu’est le service d’archives et souvent même hors de l’action des archivistes. Cette thèse de doctorat propose un renversement dialectique benjaminien dans la conception de l’archivistique dont le point central devient l’utilisation des archives définitives plutôt que la production des documents. Les premiers chapitres retracent les différentes compréhensions des archives depuis la création des institutions nationales au 19e siècle jusqu’au renouvellement opéré par certains archivistes se réclamant de la postmodernité à la fin du 20e siècle. Cette histoire des archives et de l’archivistique montre que les archives définitives sont caractérisées au regard du rapport au passé qu’elles permettent et que les archivistes pensent leur objet depuis la question historiographique de l’écriture de l’histoire. Ainsi, deux conceptions générales des archives coexistent aujourd’hui et apparaissent comme essentiellement contradictoires en ce que l’une (traditionnelle) est centrée sur le créateur des documents et le passé compris comme l’ensemble des actes posés par le créateur, tandis que l’autre (postmoderne) se fonde sur les fonctions sociales des archives et sur le rôle de l’archiviste. L’élément commun à ces deux visions est l’absence de prise en charge théorique des utilisateurs et de l’exploitation des documents. Or, en suivant les traces et la pensée de Walter Benjamin, nous proposons de penser la double nature des archives comme documents et comme témoignage tout en articulant cette pensée à l’archive comme modalité d’inscription de soi dans le temps. Il en ressort que les archives peuvent être considérées comme une objectivation du passé relevant d’une temporalité chronologique au cœur de laquelle réside, à l’état latent, l’archive potentiellement libératrice. L’exploitation artistique des archives, telle qu’elle est présentée dans le cinquième chapitre, montre comment la notion d’archives explose. En outre, l’observation de ce type particulier d’exploitation permet de mettre au jour le fait que les archives sont toujours inscrites dans des conditions d’utilisation (contexte, matérialité, dispositif, rapport au public) qui sont autant de conditions d’existence de l’archive. Parmi les questions abordées par les artistes celles de la mémoire, de l’authenticité, des archives comme moyen d’appropriation du monde et comme objet poétique sont alors autant de points d’entrée possibles pour revisiter l’archivistique. Le dernier chapitre synthétise l’ensemble des renouvellements proposés au fil de la thèse de manière implicite ou explicite. Nous y envisageons une temporalité non chronologique où les archives sont un objet du passé qui, saisi par un présent dialectique singulier, sont tournées à la fois vers le passé et vers l’avenir. De nouvelles perspectives sont ouvertes pour l’archivistique à partir des caractéristiques assignées aux archives par les artistes. Finalement, c’est le cycle de vie des archives qui peut être revu en y incluant l’exploitation comme dimension essentielle. / This thesis proposes a dialectical reversal in the archival science concept whose central point is the use of archives rather than the production of records. The first chapters outline the various understandings of the archives since the creation of national institutions in the 19th century until a renewed approach done by some archivists defining themselves as postmodernists in the late 20th century. The history of the archives and the archival science shows two coexistent views which appear as essentially contradictory in that one (traditional) is centered on the creator of the records, and the past understood as the set of actions performed by the creator, while the other (postmodern) is based on the social functions of the archives and the archivist’s role. Following the dialectical thought of Walter Benjamin, the fourth chapter proposes to think the dual nature of archives as documents and testimony while articulating that thought about the archive as a means of inscription of self in time. It appears that the archives can be considered as an objectification of the past within a chronological temporality at the heart of which resides, latently, the archive as a potential emancipator. The artistic use of archives as presented in the fifth chapter shows how this particular type of exploitation highlights the fact that the archives are bound by their conditions of use, which are also the conditions of existence of the archive. Among the issues addressed by the artists, those of memory, authenticity, archives as a means of appropriating the world, and as a poetical object become as many possible entry point to revisit the archival science. The last chapter summarizes all the proposed renewals detailed throughout the thesis. We envision a non-chronological temporality where the archives, objects of the past handled by a singular current dialectic, are being oriented towards both the past and the future. New opportunities are being offered for the archival science from the new properties being assigned to the archives by the artists. Finally, it is the life cycle of the archives itself that can be revised by including the exploitation as a key dimension.

L’Atelier contemporain recueille la plupart des textes sur l’art de Francis Ponge. Malgré sa réputation de « poète des choses », celui-ci n’y écrit pourtant pas avant tout sur les œuvres finies (les tableaux), mais plutôt sur les artistes mêmes. S’appuyant sur un approfondissement de la conceptualisation de la poétique pongienne comme érotique entre le sujet et l’objet, ce mémoire cherche à découvrir, à travers les questions particulières que la peinture pose à l’écriture de Ponge, les raisons du déplacement du regard de l’écriture de la chose muette à la personne parlante. Il semble que Ponge, face à des œuvres artistiques non verbales, soit à la recherche d’une signifiance qu’il ne peut trouver, ce qui l’oblige à se tourner vers les personnes. Mais ces personnes finissent toujours par céder la première place, dans L’Atelier contemporain, au « je » du poète. / Francis Ponge’s L’Atelier contemporain is a collection of most of his texts on art. In those texts, despite Ponge’s reputation of “poet of things”, his primary focus is not put on the finished works (the paintings), but rather on the artists themselves. Supported on a deepening of the conception of Ponge’s poetic as an erotic relation between the subject and the object, this master’s thesis aims at discovering, through the specific questions that painting asks to writing, the reasons of the shifting of the look from the mute things to the talking persons. It seems that Ponge, facing non-verbal artistic works, is seeking a power of significance that he cannot find, which forces him to turn towards the persons. However, these persons always yield, in L’Atelier contemporain, to the poetic subject.

Dans cette dissertation, je présente trois pièces sur des thèmes religieux composées au cours de ma maîtrise, ainsi que leur analyse : Psalmus 150 pour chœur de jeunes à trois voix, chœur d'adultes à huit voix et orgue ou piano ; Quatuor à Cordes sur la vie de Saint Jean-Paul II ; et la Symphonie « La Rédemption » pour orchestre et chœur. Malgré les particularités de chacune, elles présentent des aspects communs. L'idée principale des compositions fut d'éviter la rupture avec la tradition tout en apportant des nouvelles idées aux pièces, et de souligner l'importance de ma recherche sur la beauté. À cet égard, certaines techniques contemporaines, ainsi que les sonorités médiévales des quintes et octaves parallèles, furent utilisées en accord avec un langage tonal / modal qui demeure la base des trois compositions. Le chant Grégorien fut aussi une importante caractéristique de ces compositions. Pour mieux comprendre les analyses des œuvres, deux techniques seront expliquées, la douce toile de dissonances linéaires et l'harmonie d'accords parfaits majeurs. L'analyse de chaque pièce est divisée en deux parties. La première est une vision générale et la deuxième est plus détaillée. À la fin, les connaissances acquises par la composition des ces œuvres seront résumées et l'importance intemporelle de la beauté sera réaffirmée. / In this dissertation, I present three pieces on religious themes composed during my master’s degree as well as their analysis: Psalmus 150 for three-voice youth choir, eight-voice adult choir and organ or piano; String Quartet on the life of Saint John Paul II; and Symphony “The Redemption” for orchestra and choir. Despite the particularities of each one, they present common aspects. The main compositional idea was to avoid rupture with tradition, whilst bringing new ideas into the pieces, as well as to highlight the importance of my research on beauty. For this purpose, some contemporary techniques as well the medieval sonorities of parallel fifths and octaves were used in consonance with a modal/tonal language, which remains the framework of the three pieces. Gregorian chant is also an important characteristic of these compositions. In order to better understand the analysis of the pieces, two techniques are explained, the soft web of linear dissonances and the perfect major chord harmony. The analysis of each piece is divided into two parts. The first is an overview and the second a more detailed analysis. At the end, the knowledge obtained from composing these pieces will be summarized, and the timeless importance of beauty will be reaffirmed.

Cette recherche s’intéresse aux propriétés politiques du médium audiovisuel, et plus spécifiquement de la pratique cinématographique, devant un problème concret : la marginalisation de la jeunesse dans la société américaine contemporaine, symptomatique d’une perte d’espoir en l’avenir. Guidé par la théorie politique de Hannah Arendt, l’argumentaire consiste d’abord en deux analyses filmiques : une première de Kids (1995), réalisé par Larry Clark, porte sur l’invisibilité sociale de la jeunesse et la faculté du médium audiovisuel à confronter le spectateur. La seconde se penche sur le pouvoir systématisé auquel sont soumis les jeunes dans une institution scolaire bureaucratique, tel qu’il est mis en scène dans Elephant (2003) de Gus Van Sant, et interroge la capacité du médium à susciter la pensée chez le spectateur. Dans un troisième temps, une réflexion plus globale sur la situation actuelle de la culture cinématographique au sein du domaine audiovisuel dominé par le divertissement de masse explore la possibilité d’une polis audiovisuelle. Cette troisième et dernière partie reprend les thèmes soulevés dans les précédentes dans une perspective politique basée directement sur la pensée d’Arendt : ils donnent lieu aux questions de l’apparaître et de la durabilité du monde, qui sont les principales fonction de la polis, ainsi qu’à la question du rôle du spectateur. / This research is about the political properties of the audiovisual media, focusing on cinema as a specific practice, in front of a concrete problem: marginalized youth in contemporary American society, which is symptomatic of a loss of hope for the future. Guided by Hannah Arendt’s political theory, the arguments start with two film analyses: a first one of Larry Clark’s Kids (1995) concerns the social invisibility of youth, and audiovisual media’s faculty to confront the spectator. The second one takes a look at the systematized power to which youths are submitted in a bureaucratic educational establishment, as it is featured in Gus Van Sant’s Elephant (2003), and examines media’s capacity to bring the viewer to think. Third and last, a more overall reflection on the current situation of film culture within the audiovisual field dominated by mass entertainment explores the possibility of an audiovisual polis. This last part pursues the themes discussed in the two former ones in a politic perspective, directly based on Arendt’s thoughts: they lead to considerations on appearance and durability of the world, which are the main functions of the polis, as well as considerations on the spectator’s role.

Dans le cadre de la célébration du nouveau millénaire, la National Gallery de Londres a organisé l'exposition Encounters: New Art from Old (14 juin - 17 septembre 2000). La formule consistait à inviter vingt-cinq artistes contemporains à choisir une œuvre de la collection permanente du musée et à s'en inspirer afin d'en créer une nouvelle. Certaines des œuvres produites pour l’occasion ont été exposées près de leurs sources dans les salles historiques de la collection du musée. Ce mémoire examine comment la formule de cette exposition et son accrochage anachronique agissent de façon directe sur la temporalité de la collection historique en invitant à sa réactualisation, et à la mise en valeur de la création. Il situe cette formule dans le cadre d’un regain d’intérêt pour les collections, décortique la sélection des artistes par le musée et la sélection des œuvres de la collection par les artistes. Il propose aussi une classification des modalités par lesquelles ceux-ci ré-interprètent la tradition. Enfin, en s’appuyant sur la théorie de la réception, ce mémoire considère les réponses générées par l’exposition : celles des artistes aux œuvres de leurs prédécesseurs, celles des critiques et celles du public. / As part of the celebration of the new millennium, the National Gallery of London organized the exhibition Encounters: New Art from Old (June 14 to September 17, 2000). The concept was to invite twenty-five eminent contemporary artists to choose a painting from the permanent collection of the museum in order to create a new artwork. Some of the works produced for the occasion were displayed near the works that inspired them in the historic galleries of the museum. This dissertation examines how the anachronistic hanging of the works of art helped Encounters in shedding new light on the permanent collection of the museum and in showcasing the contemporary artists' interpretations. The dissertation seeks to situate Encounters in the context of a new interest in museum collections, to reflect on its selection of artists as well as on the selection of works chosen by the artists. It then proceeds to classify the new creations in four modalities of intervention and in conclusion addresses the reception generated by the exhibition: that embodied by the new works created and those of the press and the public.

Ce travail de recherche en histoire de l'art a débuté par une enquête sur la série photographique Interface (2014) de l'artiste palestinien Taysir Batniji. Réalisée au Bahreïn, l'oeuvre présente une vision topographique et métaphorique des archipels axée sur la représentation d'infrastructures vernaculaires et de lieux interstitiels. Notre analyse de l'iconographie des images et de leur mode de production soutient qu'une vision critique subtile de la situation sociopolitique actuelle du Bahreïn imprègne le travail de Batniji. C'est dans cette perspective que ce mémoire s'intéresse plus généralement à la représentation photographique de l'espace limitrophe comme lieu de médiation où peuvent émerger des réflexions pertinentes sur la situation sociopolitique, économique et environnementale actuelle. Dans notre analyse de l'oeuvre d'art, la notion de médiation est centrale et intervient sous plusieurs formes. Nous l'abordons autant du point de vue de l'histoire sociale de l'art, en considérant les conditions matérielles et contextuelles de l'oeuvre, que d'un point de vue ancré dans une vision philosophique de l'objet d'art comme dispositif capable d'agir sur nos perceptions et nos attitudes. / This research in art history investigates the photographic series Interface (2014) by Palestinian artist Taysir Batniji. Photographed in Bahrain, the work presents a topographic and metaphorical vision of the archipelagos, focused on the representation of vernacular structures and interstitial sites. Our analysis of the iconographic motifs of the images and their mode of production suggests that Batniji's work presents a subtle critique of Bahrain's contemporary sociopolitical situation. The focus of this thesis is the photographic representation of bordering spaces as places of mediation through which relevant viewpoints on current sociopolitical, economic and environmental questions are set to emerge. The concept of mediation intervenes in many forms and is central to our analysis. We are borrowing from its use in social theories of art history, where material and contextual conditions are considered, as well as in various perspectives rooted in philosophy in which the artistic object functions as a device able to act upon our perceptions and our attitudes.