Ce mémoire de recherche-création est d’abord un roman intitulé « Les fuckalls » portant sur les dérives quotidiennes d’un groupe d’amis résidant à Sherbrooke et leur tentative de former une communauté dans une société de performance. Seront considéré dans cette partie la conscience de la fiction, l’ennui, les relations et l’inertie. La partie analyse est une réflexion autour de l’idée de l’éloge de l’inertie, à travers le déploiement des mécanismes de l’ironie dans Document 1 de François Blais (2012), un récit de voyage subvertit par un duo de personnages ludiques, Tess et Jude. Cet essai investit d’abord la manière dont est inscrite l’inertie, notamment par l’exploration du quotidien et habitudes des personnages, mais aussi l’humour, aspect pouvant afficher le roman comme un hommage à L’hiver de force de Réjean Ducharme (1973). Le ton humoristique serait en lien avec la connivence que la narratrice tente de développer avec le lecteur, au travers d’une narration dite niaiseuse. Cette connivence est nécessaire à l’inscription de l’ironie dans le roman, qui passe entre autres par le récit et le discours de la narration, se déclinant autant les péripéties contradictoires qu’amène la quête falsifiée des personnages. L’analyse explore la façon dont est renversée cette doxa prônant le départ comme clé du bonheur, par l’exploration du territoire de proximité et la mise en abyme du récit. Au final, l’impossibilité même du départ traduit la fatalité inhérente au contexte dans lequel évolue les personnages, c’est-à-dire le confort et la raillerie. Les œuvres convoquées tissent entre elles des arguments amenant à la réflexion que l’ironie ici est le mécanisme portant l’éloge de l’inertie. / This memoir in creation-research is first and foremost a novel named “Les fuckalls”, in which is illustrated the aimless drifting of some teenagers in Sherbrooke, Québec as well as their attempt to form a community in a society that promotes productivity and appearance. Will be considered in this part the awareness of the fiction process, boredom, relationships and apathy. The research part focuses around the idea of the praise of apathy that comes from the mechanisms of irony in Document 1 by François Blais (2012), a road novel subverted by the playful duo formed by Tess and Jude. First, this essay dissects the way the notion of apathy is inserted in the daily lives of the characters, as well as the humor process, which can appear as a homage to the 1973 novel L’hiver de force, by Réjean Ducharme. This particular humoristic tone is linked to the complicity the narrator is trying to develop through a narration said to be mindless. This complicity is necessary to the inscription of irony in the text, which is manifesting itself through the story and the narration, as well as the contradictory twists that is brought by a falsified quest. This research explores the way that this doxa, which advocates that the key to happiness has to be somewhere else, is deflected by the author by the exploration of the adjacent territory and the mise en abyme of the story. In the end, the impossibility of any departure translates the inherent fatality of apathy, the state in which the characters are living their lives. The studied corpus links the irony as the mechanism that supports the praise of apathy.

À travers l’analyse du discours de Germano Celant sur l’arte povera, la présente thèse cherche à décrire et à comprendre le statut particulier du langage au sein d’un champ spécifique de l’art contemporain en prenant comme objet les stratégies argumentatives qui s’y trouvent à l’œuvre depuis l’invention du concept « pauvre » à la fin des années 1960 par le critique/historien/commissaire d’exposition italien jusqu’à aujourd’hui, tout en soulignant leur interdépendance avec l’évolution de son statut social et celle des logiques interprétatives/évaluatives qui en découlent. / Through the discourse analysis of Germano Celant on arte povera, this present thesis aims to describe and comprehend the status of the language within a specific domain of contemporary art by analysing the argumentative strategies from the invention of the “poor” concept by the italian critic/historian/curator at the 1960s until today, underlining their interdependance with the evolution of his social status and that of the interpretative/evaluative logiques which results from.

Mêlant des approches historiques, socio-anthropologiques et artistiques, la thèse entend apporter un éclairage inédit sur la situation contemporaine de la Palestine et les modalités de l’occupation, à travers l’analyse de ses mondes de l’art contemporain depuis les années 1990 qui ont vu un développement sans précédent de son infrastructure. Dans un contexte de fragmentation politique et territoriale toujours plus accrue, une nouvelle génération d’artistes a émergé qui parvient progressivement à transgresser les contraintes à l’œuvre sur le terrain, pour accéder par leurs pratiques artistiques et les visions du monde qui en découlent, aux scènes de l’art contemporain international. À travers une étude ethnographique multisituée, la thèse a pour objectif de retracer la fabrique de cet art contemporain, en se concentrant sur l’étude des artistes plasticiens des Territoires palestiniens occupés. Il s’agit d’observer leurs pratiques quotidiennes, les facteurs qui les entravent tout comme les nouvelles fenêtres d’opportunités et circulations induites par le marché de l’art globalisé. En partant des trajectoires individuelles de ces créateurs en mouvement, la recherche s’interroge sur les formes de rupture ou de continuités engendrées par la mondialisation que ce soit dans leurs modalités d’engagement (artistique et politique) ou dans leur rapport au nationalisme et ce, afin de repenser les rapports entre art et politique. / Combining historical, socio-anthropological and artistic approaches, the thesis aims to shed new light on the contemporary situation of Palestine and the modes of Occupation, through the analysis of its worlds of contemporary art since the 1990s which have seen an unprecedented development of its infrastructure. In a context of growing political and territorial fragmentation, a new generation of artists has emerged which gradually succeeds in transgressing the constraints at work on the ground, to access through their artistic practices and the resulting worldviews, to the scenes of international contemporary art.Through a multilocated ethnographic study, the thesis aims to retrace the fabrication of this contemporary art, focusing on the study of plastic artists from the Occupied Palestinian Territories. It is a question of observing their daily practices, the factors that hinder them as well as the new windows of opportunities and circulations induced by the globalized art market. Starting from the individual paths of these moving creators, the research questions the forms of rupture or continuities engendered by globalization whether in their modes of engagement (artistic and political) or in their relationship towards nationalism, in order to rethink the relationship between art and politics.

La recherche entend interroger les fonctions de la littérature et de l’art relativement à un événement violent qui fait l’objet d’un tabou, à savoir le massacre perpétré dans les camps de réfugiés palestiniens de Sabra et Chatila (16-18 septembre 1982), à Beyrouth. Elle s’y applique à partir d’un présupposé : il n’y a pas seulement effraction du réel dans l’art, l’art est le temps à l’œuvre (P. Ricœur, A. Compagnon). La démarche part du constat d’un triple déficit d’histoire, de culte des morts et de justice. Il s’agit d’un événement tu : on le dira tabou. Par ailleurs, elle prend acte de l’émergence d’un corpus d’œuvres dans les champs de la littérature, du cinéma, de l’art contemporain. Dès lors, la recherche entend ausculter les fonctions politiques de la poétique (J. Rancière). Plusieurs hypothèses sont formulées qui ensemble signalent le caractère à la fois transitif et performatif de l’art et de la littérature : d’une part, au regard d’une vérité non avérée dans les livres d’histoire, et du mal de vérité qui en résulte (C. Coquio), les œuvres ont vocation à dire ce que l’histoire tait (I. Jablonka, E. Bouju, A. Imhoff, K. Quirós) ; d’autre part, les victimes n’ayant pas été enterrées, les œuvres déposent une stèle à l’endroit de son manque, rétablissant des égalités en direction de corps qui ne comptent pas (J. Butler) ; enfin, face à une irrésolution judiciaire qui signe le caractère indécidable de l’événement, elles opèrent, par leurs médiations symboliques, la clinique non seulement de l’humain, mais aussi du langage et de l’autorité du sens (A. Gefen, C. Coquio).Située au croisement des études postcoloniales et des études de genre, la recherche examine la politicité de la littérature et de l’art à partir d’un corpus de 14 œuvres prélevées aussi bien à l’épicentre qu’aux périphéries de l’événement. / The research questions the functions of literature and art in relation to a violent event that is a taboo subject, namely the massacre perpetrated in the Palestinian refugee camps of Sabra and Shatila (16-18 September 1982 ), in Beirut. It applies to it with a presupposition: there is not only the breaking of reality in art, art is the time at work (P. Ricœur, A. Compagnon). The process begins with the observation of a triple deficit most evident in historiography, in cult of the dead and justice. This is an event that is held secret: we will call it taboo. In addition, it takes note of the emergence of a corpus of works in the fields of literature, cinema, contemporary art. From then on, the research intends to auscultate the political functions of poetics (J. Rancière). Several hypotheses are formulated which together signal the transitive and performative character of art and literature: on the one hand, in the shade of a truth not recorded in history books, i.e. of the melancholy of truth resulting from this missing (C. Coquio), the works are meant to tell what history conceals (I. Jablonka, E. Bouju, A. Imhoff, K. Quirós); on the other hand, since the victims have not been buried, the works deposit a stele at the place of its absence, restoring equalities towards bodies that do not count (J. Butler); finally, faced with a judicial irresolution which signifies the undecidable character of the event, they operate, through their symbolic mediations, the rehabilitating clinic not only of the human being, but also of the language and the authority of sense (A. Gefen, C. Coquio). Situated at the crossroads of postcolonial studies and gender studies, the research examines the politicity of literature and art of a body of 14 works collected from both the epicenter and the periphery of the event.

Ce mémoire aborde trois pièces du dramaturge québécois Olivier Choinière, Beauté intérieure (2003), Projet blanc (2011) et Manifeste de la Jeune-Fille (2017), dans le but d’en faire ressortir les possibilités d’émancipation spectatrice. Depuis ses tout débuts, Choinière tient un discours critique sur le spectateur de théâtre, et il cherche conséquemment à l’inclure et à l’impliquer dans ses créations. À la lumière des théories de la réception et surtout de celles de Jacques Rancière dans Le spectateur émancipé, ce mémoire a pour visée d’évaluer les possibilités émancipatrices de l’œuvre de Choinière en analysant les différents moyens qu’il utilise pour inclure le spectateur, tant sur le plan formel que sur le plan politique. Au cœur de la théorie de Rancière figure le paradoxe du spectateur, qui renvoie aux différents moyens utilisés par les dramaturges contemporains pour forcer l’activité spectatrice et qui, selon lui, nuisent à son émancipation. Ce mémoire analysera donc le travail de Choinière en portant une attention particulière à la possible reproduction de ce paradoxe dans le but d’établir un degré d’émancipation spectatrice probable dans les trois pièces choisies. / This master’s thesis addresses three works of the Quebec playwright Olivier Choinière, Beauté intérieure, Projet blanc and Manifeste de la Jeune-Fille with the aim of highlighting the possibilities of spectator emancipation. From his very beginnings, Choinière has held a critical discourse on the theater spectator, and he consequently seeks to include and involve him in his creations. In the light of the theories of reception and especially those of Jacques Rancière in Le spectateur émancipé, this master’s thesis aims to assess the emancipatory possibilities of Choinière's work by analyzing the different means he uses to include the spectator, both formally and politically. At the heart of Rancière's theory is the spectator paradox, which refers to the various means used by contemporary playwrights to force spectator activity and which, according to him, undermine his emancipation. This dissertation will therefore analyze Choinière's work, paying particular attention to the possible reproduction of this paradox in order to establish a degree of probable spectator emancipation in the three chosen pieces.

Portés par un imaginaire hérité des récits de voyage ou d’exploration, ainsi que du roman de la route américain et québécois, les romans contemporains Six degrés de liberté de Nicolas Dickner et Document 1 de François Blais subvertissent l’écriture du voyage en mettant en cause ses conventions et ses présupposés, de même qu’en ébranlant une compréhension stable de l’espace. Ces deux textes mettent en scène des déplacements insolites : que ce soit à bord d’un conteneur réfrigéré ou sur le web, traversant de vastes territoires ou choisissant plutôt d’être cloîtrés, les protagonistes y transforment la visée cartographique du voyage. Tout en reprenant et en déplaçant une écriture du voyage codifiée, car marquée par nombre de topoï et de clichés qui apparaissent comme une véritable matière à s’approprier et à travailler, ces deux textes déploient des cartographies singulières, lesquelles mêlent invention et réalité, espaces géographiques et lieux imaginaires. Aussi ce mémoire entend-t-il s’intéresser à la représentation des lieux et du voyage dans ces deux récits, et ce, en portant une attention particulière au jeu que les romanciers instaurent avec leur lecteur, car c’est par le biais d’une ironie ludique que Document 1 et Six degrés de liberté observent et écrivent la réalité contemporaine. / Influenced by travel and exploration stories, as well as the American and Quebec road narratives, the contemporary novels Six Degrees of Freedom by Nicolas Dickner and Document 1 by François Blais subvert travel writing by challenging its conventions and assumptions, while interrogating a stable understanding of space. These two novels feature unusual journeys: whether on board a refrigerated container or through the web, crossing vast territories or confined, Blais and Dickner’s protagonists transform the cartographic purpose of travel. As they rewrite codified travel narratives and take over a number of topoï and clichés, these two texts deploy singular cartographies, which mix invention and reality, geographical spaces and imaginary places. This thesis therefore intends to focus on the representation of space and travel in these two novels, with a particular attention to the way novelists play with their reader, for it is through a ludic irony that Document 1 and Six degrees of freedom observe and record today’s reality.

Désireuse de s’affranchir d’une approche essentialiste et figée de la poésie au théâtre ainsi que d’une lecture générique, cette recherche envisage selon une méthodologie intermédiale les relations entre théâtre et poésie. En analysant un corpus témoin composé de créations textuelles et scéniques, elle montre comment la présence active de la poésie travaille le théâtre, et partant, elle les précise tous deux par leursinteractions. La première partie établit une généalogie de l’intermédialité du théâtre et de la poésie, ainsi que des liens dynamiques entre théâtre et poésie. Tout au long du XXe siècle, poésie et théâtre se sont en effet affirmés comme des "hypermédias"(Kattenbelt), mettant respectivement en jeu divers médias, tandis que plusieurs dramaturges ont développé des poésies théâtrales explorant des processus intermédiaux. Sont dégagées et analysées quatre configurations spécifiques à travers les œuvres et réflexions de Mallarmé et Maeterlinck, de Stein et Artaud, de Gauvreau et Novarina et à travers la poésie transmédiale que Cocteau développe entre théâtre et cinématographe. Consacrée au tournant des XXe et XXIe siècles, la deuxième partie élabore une approche théorique du poème théâtral, qui actualise les relations entre théâtre et poésie.Le poème théâtral constitue un dispositif intermédial qui, selon un modèle élaboré par Ortel et Rykner, articule inextricablement trois niveaux : technique, pragmatique et symbolique. Plusieurs traits précisent ce dispositif : sa radicalité dynamique, sa performativité, sa valorisation de l’écriture comme processus, et sa façon de considérer l’impossible comme moteur théâtral. Des analyses d’œuvres textuelles et scéniques de Kane, Malone, Danis, Régy et Lemoine montrent ensuite comment ce dispositif intermédial est activé et ce que le poème théâtral propose au lecteur et au spectateur comme expérience esthétique. Saisir le devenir intermédial de la poésie au théâtre permet de penser un modèle interartial placé sous le signe de l’hospitalité, où les arts, égaux, dialoguent entre eux et échangent, en faisant travailler ensemble leurshétérogénéités et leurs altérités. / In an effort to do away with an essentialist, rigid, and generic approach to poetry in dramatic works, this research looks at the relationship between poetry and drama using an intermedial methodology. By studying a sample corpus made up of textual and theatrical works, this thesis shows how the active presence of poetry is at work in theatre, thereby redefining each of the two concepts through the ways in which they interact. The first chapter traces the genealogy of intermediality within poetry and drama, and that of the dynamic connections between drama and poetry. Throughout the twentieth century, poetry and theatre have come to be seen as « hypermedia » (Kattenbelt), each of them bringing into play various types of media. Meanwhile a number of playwrights started developing dramatic poems exploring intermedialprocesses. This research identifies and analyses four distinct forms in the thought and works of Mallarmé and Maeterlinck, Stein and Artaud, Gauvreau and Novarina, through the transmedial poetry developed by Cocteau at the confines of drama and cinematography. With a focus on works from the turn of the twentieth to twenty-first century, the second chapter offers a theoretical approach to the dramatic poem, that seeks to bring an updated approach to interactions between drama and poetry. The dramatic poem is an intermedial apparatus that, in Ortel and Rykner's view, inextricably combines the technical, the pragmatic and the symbolic. This apparatus is characterised by its dynamic radicalism, its performativity, its focus on the value of writing as a process and the way in which it conceives of impossibility as a dramatic driving force. Analyses of textual and dramatic works by Kane, Malone, Danis, Régy and Lemoine suggest how intermedial apparatuses are triggered and the kind of aesthetic experience the dramatic poem offers to readers and viewers. Contemplating intermedial processes of poetry in theatre allows for the reframing of an interartial model in an inclusive, hospitable fashion, where all art forms are considered equal, engage in dialogue and exchange, and combine their differences towards a common object.

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Cette thèse pose un regard critique sur la dimension politique de la scène contemporaine de théâtre au Québec, dans une perspective comparative avec celle allemande, avec une attention particulière pour les villes de Montréal et Berlin. L’autrice y explore, dans la mise en scène, les gestes et les stratégies qui permettent à l’artiste de prendre position politiquement par le théâtre, soient le recours au réel, la traduction, l’adaptation et l’ironie. La mise en relation entre Berlin et Montréal se traduit dans chacun de ces gestes, mais aussi de façon générale, dans le rôle historique et symbolique que joue l’Allemagne chez les artistes de théâtre au Québec. L’analyse prend pour objet un corpus susceptible d’être diffusé dans le réseau international des arts vivants, composé de six productions récentes ("Le NoShow" (2013) du collectif Nous Sommes Ici et du théâtre du Bunker, "Fear" (2015) de Falk Richter, "100% Montréal" (2017) de Rimini Protokoll, "Macbeth" de Shakespeare monté en 2016 par Angela Konrad, "Ein Volksfeind" de Henrik Ibsen monté en 2012 par Thomas Ostermeier et "Dans la République du bonheur" de Martin Crimp monté en 2015 par Christian Lapointe). L’approche privilégiée, inspirée de l’expérience comme conseillère dramaturgique de l’autrice, est celle de l’intermédialité. Ainsi, les dimensions politiques des oeuvres sont étudiées dans la forme que prend leur propos, dans les esthétiques et les traditions convoquées par les choix de la mise en scène, ainsi que dans les mécanismes déployés pour établir une relation avec le public. L’approche intermédiale implique aussi de mettre en relation ces éléments avec leur contexte de production, du fonctionnement institutionnel des théâtres aux modes de financement qui en permettent la réalisation, en passant par le subtil rapport de force qui régit le milieu des arts de la scène. En prenant soin de cerner les contradictions au sein des oeuvres étudiées, cette thèse esquisse une approche critique des politiques de la scène contemporaine de théâtre, dans une démarche au plus près de la pratique. / This thesis offers a critical perspective on the political aspects of contemporary theatre in Quebec by using a comparative perspective with German theatre, with a particular focus on the cities of Montreal and Berlin. The author explores staging methods, gestures, and various strategies used by theatre artists to adopt political stances through theatre such as : the use of the real, translation, adaptation, and irony. The connection between Montreal and Berlin is highlighted through various gestures but also through the historical and symbolic role Germany has long held for Québécois theatre artists. This analysis will take into account a corpus of recent productions subject to international presentation : ("Le NoShow" (2013) from the artist collective Nous Sommes Ici and the Bunker theatre, "Fear" (2015) by Falk Richter, "100% Montréal" (2017) by Rimini Protokoll, Shakespeare’s "Macbeth" staged in 2016 by Angela Konrad, "Ein Volksfeind" by Henrik Ibsen staged in 2012 by Thomas Ostermeier and "Dans la République du bonheur" by Martin Crimp staged in 2015 by Christian Lapointe). Drawing on the author’s own experiences working as a dramaturg in Quebec, the thesis adopts an intermedial approach in order to explore the political aspects of the aforementioned works ; thus, it looks at what traditions are conveyed and what aesthetics are deployed through staging, as well as a host of other mechanisms, whose aim it is to garner audience sympathies. This intermedial approach will also shed a light on those elements by using the context of production, the institutional operations of theatres as to how they are financed, and the power relationships within the performing arts sector. By determining the contradictions in the studied works, this thesis will critique the politics of contemporary theatre through a practical methodology.

Cette thèse de doctorat intitulée Lu Yang : une esthétique aberrante cherche à étudier dans une perspective à la fois philosophique et conceptuelle la création médiatique de l’artiste chinois Lu Yang (1984-) ( 陆扬) entre les années 2013 et 2020. À travers l’animation digitale, des installations et des performances, l’artiste conceptualise de nouvelles configurations des sexes, des genres, du corps et de la conscience qui échappent aux paramètres de la normativité et qui contribuent à déconstruire et à repenser autrement l’anthropomorphisme. Ces nouvelles configurations des sexes, du corps et de la conscience possèdent la particularité d’être aberrantes. Elles remettent aussi en cause la distinction entre le rationnel et l’irrationnel mais aussi entre ce qui est considéré comme « normal » ou « anormal ». L’hypothèse de la recherche est alors la suivante : l’artiste crée et développe une esthétique aberrante caractérisée par des logiques irrationnelles mais aussi par un imaginaire singulier qui relève de l’étrange, de l’anormal, du monstrueux, et du grotesque. L’esthétique aberrante comme il le sera démontré tout au long de cette thèse, contribue simultanément à faire éclater les normes sociales, à remettre en question et à transgresser les limites et les frontières sexuelles et corporelles et à proposer de nouvelles conceptions et configurations de la subjectivité. Ainsi, les questions fondamentales posées par cette thèse sont les suivantes : comment l’oeuvre médiatique de Lu Yang développe-t- elle une esthétique aberrante ? Quelles sont les fonctions et composantes à la fois visuelles et sonores de cette esthétique ? Que nous révèle cette esthétique du point de vue philosophique et conceptuel mais aussi d’un point de vue politique ? Comment propose-t- elle de nouvelles perspectives critiques sur l’art contemporain chinois ? Mon analyse des films et des performances définit trois modalités distinctes de l’esthétique aberrante qui caractérise ses oeuvres. La première modalité développée dans le premier chapitre, s’associe à la question du sexe et de la reproductivité, à travers ce que je vais nommer le sexe-aberrant. La deuxième modalité repose plutôt sur le corps et explore ses nombreuses déformations à travers ce que je définis comme une esthétique du grotesque. Finalement, la troisième et dernière modalité, repose sur l’esprit et la conscience et cet aspect demeure étroitement lié à l’intérêt de l’artiste pour la neuroscience et le bouddhisme. À partir de ces éléments, je démontrerai alors comment l’artiste crée ce que j’appelle une cosmo- technique aberrante. Le corpus de cette thèse se constitue ainsi des cinq oeuvres suivantes : Uterus Man (2013), Delusional Mandala (2015), Electromagnetic Brainology (2017), Electromagnetic Brainology Brain Control Messenger (2018) et, Delusional World (2020). / This doctoral thesis entitled Lu Yang: An Aberrant Aesthetic analyze through a philosophical and conceptual approach the artwork of Chinese new media artist Lu Yang ( 陆扬) (1984-). The artist creates vibrant and sophisticated live-action films, 3D animation, video games installations, and motion capture performance. In these films and performances, the artist visualizes alternative configurations of sexes, bodies, and minds that challenges normativity while deconstructing anthropocentrism and the boundaries between normality and abnormality. These new configurations of sex, body, and mind are aberrant. The main hypothesis of this research is the following: the artist conceptualizes and create what I call an aberrant aesthetic that is characterized by an irrational logic but also a deviant imagination featuring the grotesque, the bizarre, and the monstrous. Then, the following questions can be asked: how does Lu Yang’s media art develop an aberrant aesthetic? What are the visual and sonic functions and components of this aesthetic? What does this aesthetic reveal to us from a philosophical and conceptual point of view, but also from a political point of view? How does this aesthetic offer new critical perspectives on contemporary Chinese art? My analysis of his films and performances distinguishes three different but interrelated modalities of the aberrant aesthetic. The first modality, developed in the first chapter, is related to sex and reproduction through what I define as the aberrant- sex. The second modality is related to the body and his deformations with what I define as the aesthetic of the grotesque. Finally, the third and last modality, represents the mind. It is associated with the preoccupation of the artist for neurosciences and Buddhism and his obsession with the question of control. Then, the third modality designates what I call an aberrant cosmo-technic. The corpus is constituted of the five following artworks: Uterus Man (2013), Delusional Mandala (2015), Electromagnetic Brainology (2017), Electromagnetic Brainology Brain Control Messenger (2018), and Delusional World (2020).