Le monde théâtral de Miguel Romero Esteo, sans doute l’un des dramaturges espagnols les plus importants de la deuxième moitié du XXe siècle, ouvre sur des espaces qui apparaissent comme des univers inconnus encore jamais explorés. Son œuvre, composée de pièces qu’il nomme lui-même « grotescomachies », il invente une dramaturgie nouvelle, festive, rituelle et baroque, qui puise à diverses traditions littéraires, théâtrales, picturales et musicales. L’usage pléthorique de l’intertexte dans ce théâtre polymorphe, hybride et postmoderne avant la lettre – où le chercheur peut glaner les traces d’une anthropologie culturelle – souligne ce que le Moi doit à l’Autre dans toute appréhension esthétique et idéologique du monde. C’est le traitement de la langue qui retiendra notre attention car l’engendrement de la parole dramatique emprunte des chemins de traverse et esquisse des tracés inhabituels. Romero Esteo se livre à une déconstruction du langage et crée ainsi un espace imaginaire inédit, où la poésie et la musique occupent une place centrale. L’auteur crée une fête des sens et du sens, à la fois sonore et poétique, mais aussi critique et grotesque, où chacun des éléments de la structure dramatique s’inscrit dans une forme de jeu particulière qui, loin de dessiner une aire ludique singulière, repousse les limites de l’espace-temps théâtral. Théâtre en liberté, théâtre de la liberté, cette langue autre où se confondent l’animal et l’humain, le spirituel et le corporel, la folie et la raison, la terre et le ciel, construit un univers atemporel qui permet de mieux apprécier et de railler en permanence les traits caractéristiques de la condition humaine. / The theatrical universe of Miguel Romero Esteo, undoubtedly one of the most influential spanish playwrights of the second half of the 20th century, opens up spaces that emerge as unknown worlds no one has ever explored. In his work, consisting of plays he himself calls « grotescomachies », he invents a new dramaturgy, festive, ritual and baroque, which draws on various literary, theatrical, pictorial and musical traditions. The abundant usage of intertextuality in this polymorphous and hybrid theater, post-modern ahead of his time – where the researcher can gather traces of a cultural anthropology – underlines what the Self owes to the Other in every aesthetic and ideological perception of the world. Our primary focus will deal with the treatment of language, as the creation of the dramatic speech ventures off the beaten path and outlines routes that are unusual. Romero Esteo engages in a true deconstruction of speech and thus creates an unprecedented imaginary space, where poetry and music hold a central place. The author creates a celebration of sense and senses, at once loud and lyrical, but also critical and grotesque, where every single element of the dramatic structure falls within a specific form of play which, far from just materializing a unique playground, redefines the boundaries of the theatrical space-time.« Free-range » theater, theater of freedom… this unrivalled language, which mingles animal and human, spiritual and physical, insanity and reason, earth and sky, builds a timeless universe that allows for better appreciation and constant mockery of the distinctive features of the human condition.

L’œuvre dramatique de Tom Stoppard est souvent considérée comme caractéristique du postmoderne. Les techniques d’écriture qui régissent le texte théâtral de Stoppard, étudiés dans cette thèse, participent à une véritable mise en scène de l’écriture. Ils sont aussi, selon nous, un moyen de détourner et parodier les codes du postmoderne. Collages, fragments et réécriture, caractéristiques de l’œuvre de Stoppard, traduisent aussi une vision patrimoniale de la littérature, et permettent une approche originale et critique du postmodernisme, renouvelant ainsi le discours sur le moderne. La présente étude se propose tout d’abord de montrer comment, à travers les références aux œuvres picturales de Magritte et Duchamp, Stoppard met en scène le signe. Puis, elle cherche à mettre en évidence la manière dont Stoppard utilise le collage et l’emprunt musical pour construire et structurer certaines de ses pièces. Elle envisage enfin le collage comme l’expression d’une herméneutique littéraire et philosophique, en examinant notamment l’influence de l’écriture de James Joyce sur le processus scripturaire du dramaturge. Le théâtre, seule forme d’expression artistique qui peut emprunter à tous les autres arts (Beaux-Arts, musique et littérature), est le lieu idéal où se déploient le foisonnement, la complexité et la richesse de l’écriture de Stoppard. Mais l’utilisation de citations et de fragments n’implique pas la fragmentation du sens : le théâtre de Stoppard, loin d’être l’expression d’une vision détachée du monde, propose aussi une véritable réflexion ontologique et politique sur notre société. / Tom Stoppard’s plays have often been viewed as the epitome of the postmodern. The writing techniques which inform Stoppard’s dramatic texts and which are studied in the present thesis play an essential part in the way in which the playwright stages his own writing process. This study also postulates that those techniques stand as a means of subverting and parodying the codes of the postmodern. The collages, fragments and rewriting which inform Stoppard’s works, reflect a patrimonial conception of literature and allow for an original approach and critique of postmodernism thus renewing the discourse on the modern. While considering the various references to the works of Magritte and Duchamp, the present study seeks to unveil the way in which Stoppard stages the sign. It will then shed light on the way in which Stoppard uses musical collages and quotations, which dot the playwright’s work, to shape and construct some of his plays. Finally, this dissertation will envisage collage as the expression of literary and philosophical hermeneutics as it examines James Joyce’s crucial influence on the playwright’s writing technique. Theatre stands probably as the only form of art which can borrow from all the other forms of art (painting, sculpture, music and literature). As such, it is the ideal locus for Stoppard’s subtle and complex writing techniques to proliferate. However, using quotations and fragments does not necessarily imply a fragmentation of meaning. Far from conveying a detached view of the world, Stoppard’s dramatic works provide the audience with an ontological and political thought-provoking view on our contemporary society.

On prétend éprouver dans cette étude l'hypothèse suivante : le retour, dans le roman espagnol récent, d'un courant défendant ouvertement la puissance critique et politique de l'écriture littéraire. Saisie à la fois comme discours social et comme forme du savoir, la littérature serait dès lors porteuse de dissensus et potentiellement transformatrice. Cette tendance à contre-Courant, si elle reste minoritaire, n'en est pas moins profondément significative. Au plan esthétique, la revendication des notions de responsabilité, d'intentionnalité et de politicité de l'écriture n'implique pas de recourir à la transparence et au monologisme du roman à thèse. Elle induit plutôt un réinvestissement paradoxal des formes brisées du postmodernisme littéraire, situant la fiction politique du côté de la problématisation des canons et des normes, de la dénaturalisation, de la désidentification et du décentrement, de la critique des partages établis ou de la perturbation des places, plutôt que dans la certitude monolithe et l'imposition autoritaire du message. Sur cette inscription générique paradoxale s'articule un nouveau réalisme critique, qui problématise à l'envie l'injonction mimétique tout en revendiquant l'héritage du grand roman social. Au plan théorique et rhétorique, l'adoption d'une posture maximaliste où se donnent à lire les fondements conceptuels de l'engagement classique – interventionnisme, historicisme, injonction au positionnement, projet de dévoilement – s'accompagne d'un rejet de la catégorie d'écriture engagée, à laquelle les auteurs préfèrent d'autres vocables – écriture résistante, révolutionnaire ou responsable. À la croisée du roman mémoriel et de la fiction politique – deux tendances dont on analysera les jeux de recouvrement –, notre corpus d'étude se compose de treize romans de trois écrivains représentatifs de ce courant : Alfons Cervera, Belén Gopegui et Isaac Rosa, trois romanciers dont l'œuvre semble indiquer l'émergence d'un nouveau paradigme esthétique dont on se propose d'analyser les enjeux formels, théoriques et institutionnels. / I intend to verify in this study the following hypothesis : the resurgence, in the recent Spanish novel, of a trend openly defending the critical and political power of literary writing. Seen both as a social discourse and as a form of knowledge, literature would therefore be the bearer of dissent and would be potentially transformative. This tendency against the current, while remaining minor, is nevertheless profoundly significant. As far as aesthetics is concerned, the claim of notions such as responsibility, intentionality and politicality of writing does not imply a resort to the transparency and monologism of the thesis novel. This new trend rather implies a paradoxical reinvestment of the shattered forms of literary postmodernism; it sets political fiction along with problematizing canons and norms, denaturalizing, de-Identifying, decentralizing, and criticizing the established categories or reregulating all representations of places. This trend does not allude to a monolithic conviction or an authoritative imposition of a message. From this paradoxical and generic inscription emerges a new critical realism, which problematizes over and over again the mimetic injunction while claiming the heritage of the great social novel. From a theoretical and rhetorical point of view, the adoption of a maximalist position in which one can read the conceptual foundations of classical engagement – interventionism, historicism, the injunction to take a stand, the project of unveiling – goes along with the rejection of the category of engaged literature, to which the authors prefer other terms – resistance, revolutionary or responsible writing. At the crossroads of the memorial novel and political fiction – two tendencies which I shall analyze for movements of coincidence – the corpus of my study is composed of thirteen novels by three writers representative of this new current : Alfons Cervera, Belén Gopegui and Isaac Rosa, three novelists whose works seem to indicate the emergence of a new aesthetic paradigm of political and literary engagement in today's Spanish novel which I shall analyze the formal, theoretical and institutional stakes.

Les auteurs de théâtre (ou les duos auteur/metteur en scène), sur lesquels porte notre étude, s’intéressent au réel dans sa pluralité, sans avoir d’image du monde : ils semblent avoir intégré « la fin du monde ». Leur écriture s’inscrit de plain-pied dans le monde « démondé » qui est le nôtre. Elle cherche à se situer au plus près de la profusion et de la dispersion, qui le caractérisent. Mais l’ambition de ces artistes n’est pas simplement de manifester la fin du monde. Ils sont dans l’après, dans l’urgence de sentir (ou de donner à sentir) à quoi elle peut ouvrir : à quelle vie vivable ? à quelle possibilité d’habiter le réel ? S’ils ont fait le deuil du monde comme tout-structure et d’une place revenant à l’homme au sein d’une telle ordonnance, ils n’ont pas fait le deuil, en revanche, de la possibilité de (re)faire monde. Leur geste semble sous-tendu par la nécessité d’ouvrir à un tel recommencement.Au sein du corpus étudié, la thèse repère trois veines théâtrales, ouvrant à trois types de praxis du monde : premièrement, un théâtre de l’approbation du réel (celui de Philippe Dorin et Michel Froehly) ; deuxièmement, des théâtres de la réeffectuation du réel (ceux de Pascal Rambert et d’Olivier Cadiot et Ludovic Lagarde) ; enfin, troisièmement, des théâtres ouvrant, ne serait-ce qu’un temps, à la possibilité d’une « conversion » de monde (ceux de Joël Pommerat, Jan Lauwers et Nature Theater of Oklahoma). Elle s’intéresse aux formes que ces théâtres inventent pour représenter ou mettre en oeuvre ces recommencements, et ce faisant, redonner « croyance au monde ». Car l’enjeu, majoritairement, semble bien être d’inventer un théâtre de la « croyance au monde ». / Authors/directors (or author / director duets) analyzed in our study are interested in the real in its plurality, without having an image of the world: they seem to have integrated "the end of the world". Their writing is fully inscribed in our “deworlded”world. It seeks to be located as close as possible to the profusion and thedispersion which characterize it. But the ambition of these artists is not just to showthe end of the world. They deal with what comes after, in a hurry to feel (or to givethe feeling of) what this end can open to: to which life worth living? to whichpossibility to inhabit the real? If they have mourned the world as a whole-structureand a place for men in such an order, they have not mourned, however, thepossibility of (re)doing (the) world. Their gestures seem underpinned by the need toopen to such new beginnings.Within the corpus we have studied, this dissertation identifies three theatrical veins,opening to three types of praxes of the world: first, a theater of the approval of thereal (that of Philippe Dorin and Michel Froehly); second, theaters of the remakingof the real (those of Pascal Rambert, and of Olivier Cadiot and Ludovic Lagarde);third, theaters opening, if only one moment, to the possibility of a “conversion” ofthe world (those of Joël Pommerat, Jan Lauwers, and Nature Theater of Oklahoma).It analyzes the forms which these theaters invent to represent or implement thesenew beginnings, and in doing so restore a “belief in the world”. What is at stake, inmost cases, seems to be the invention of a theater of the “belief in the world”.

« Que nul n’entre ici s’il n’est subversif » ! Cette sentence pourrait orner le frontispice du Cabaret Voltaire, célèbre lieu qui a vu naître le dadaïsme en 1916. Les spectacles Dada subvertissaient les conventions esthétiques, remettant en question le statut de l’oeuvre d’art et mêlaient les médiums et les styles jusqu’à incorporer des objets, photomontages, masques, marionnettes… dans la sphère artistique. Ce caractère interdisciplinaire et transgressif réapparaît chez les surréalistes connus pour leurs scandales, leurs manifestes, leurs inventions littéraires et plastiques mais aussi leur engagement politique. Ces deux avant-gardes marquent une rupture dans l’histoire de l’art. Leur caractère subversif influence encore aujourd’hui de nombreux artistes contemporains occidentaux sur le plan des formes, des sujets abordés ou des processus de création. Néanmoins, le changement de contexte amène à redéfinir la subversion qui se transforme parfois en provocation chez les artistes actuels, encourant le risque de devenir une nouvelle norme et d'être récupérée par le marché de l'art. Ce sont ces différences entre subversion et provocation que cette thèse se propose d’étudier en confrontant deux contextes : celui des avant-gardes historiques et le contexte contemporain avec la fin des « grands récits ». / « Do not enter if you are not subversive ». This sentence could decorate the frontispiece of Cabaret Voltaire, the famous place where Dadaism was born in 1916. Dada 's shows subverted aesthetic conventions, questioned the status of the work of art and mixed styles and mediums even integrating objects, photomontages, masks, marionettes in artistic area. This interdisciplinary and transgressive characteristic reappears with Surrealists, well-known for their scandals, manifestoes, literary and artistic inventions but also for their political involvement. These both avant-gardes broke with academic history of art. Their subversive characteristic is still influencing nowadays a lot of occidental contemporary artists on a formal, thematic or creative way. Nevertheless, the change of context leads to redefine the subversion which sometimes turns into provocation in contemporary artists' practices, taking the risk of changing into a new norm and being taken over by the art market. This thesis intends to study these differences between subversion and provocation comparing two contexts : the context of the historical avant-gardes' and the contemporary one with the end of the grand narratives.

Dans le contexte d’une mise en question sans cesse renouvelée des hiérarchies sociales et culturelles dans les sociétés occidentales contemporaines, dont rend compte le développement des études culturelles depuis les années 1960, la publication d’un grand nombre de réécritures romanesques de l’Iliade témoigne d’un mouvement réflexif de la littérature vis-à-vis de sa propre histoire. En observant les tensions dynamiques à l’œuvre dans la rencontre du roman et du discours épique, ce travail de thèse entend proposer une approche du champ littéraire qui ne soit pas fondée sur la division de ce dernier entre culture artistique et culture à destination du grand public, mais conçue sous l’angle d’un partage transmédiatique et transculturel. L’analyse des réécritures romanesques de l’Iliade révèle en effet une convergence des procédés et des discours de part et d’autre du « grand partage » littéraire, au service d’une réflexion commune sur le caractère problématique du canon littéraire. La confrontation des discours épique et romanesque contribue à l’élaboration d’une pensée démocratique de la société, qui repose sur la construction d’un espace narratif traversé par une pluralité de discours génériques et de références culturelles. / Challenging the social and cultural hierarchies which are still authoritative in our contemporary Western societies has been a long-lasting concern of Cultural Studies ever since their development in the 1960s. As evidenced by the great amount of novels set in the fictional world of the Trojan War, which prove themselves to be genuine rewritings of the Iliad narrative, the Western canon and its relevance are equally scrutinized by contemporary novelists. By studying the dynamic conflicts which underlie the encounter between epic discourse and the genre of the novel, this dissertation intends to dispute the concept of a “Great Divide” between artistic and popular culture, and to prove that literature is a transcultural medium. A close study of a few contemporary novelisations of the Iliad brings to light existing shared narrative techniques and discourses undermining the legitimacy of the Western canon. Through the remodeling of the epic genre and its conventions, the novel assumes a democratic approach to society which stems from a narrative architecture hinging on a multiplicity of generic discourses and cultural references.

Au sein d’un même espace muséal, qui est exclusivement dédié à l’art contemporain nous constatons la présence simultanée de formes traditionnelles d’art à côté d’installations. Il nous semble que ces œuvres d’art sont trop différentes pour être réunies sous la même appellation Art Contemporain. Dans cette étude nous analysons les présupposés philosophiques de la Modernité et de la Postmodernité, puis après avoir disqualifié la postmodernité, nous prenons l’Exposition à la Kunsthalle de Bern, en 1969, Quand les attitudes deviennent forme, comme date de naissance de l’art contemporain, et les œuvres qui y sont présentées comme la forme paradigmatique de l’art contemporain. La caractéristique essentielle des œuvres d’art contemporain,c’est qu’elles sont créées in situ et qu’elles peuvent être démontées et réinstallées. Ceci pose des problèmes de persistance d’identité dans le temps, à travers ces différents intervalles temporels. Nous analysons la théorie endurantiste des objets tridimensionnels et la théorie perdurantiste des objets quadridimensionnels. Nous adoptons comme principe méréologique de composition des parties temporelles, le principe installation réinstallation, qui permet de justifier la persistance d’une mêmeté de ces Œuvres d’art Contemporain au cours du temps. / Within the same museum space, which is exclusively dedicated to contemporary art, we find traditional forms of art beside installations. It seems to us that these works of art are too different to be labelled: Contemporary Art.In this study we analyze the philosophical assumptions of Modernity and Postmodernity and after having disqualified postmodernity, we claim that the Exhibition at the Kunsthalle in Bern, in 1969, When attitudes become form, is the birth date of art contemporary, and those works represent the paradigmatic form of contemporary art.The essential characteristic of contemporary art works (OAC) is that they are created in situ and can be dismantled and reinstalled. There is a problem of persistence of identity over time, during these different intervals of time. We analyze the endurantist theory of three-dimensional objects and the perdurantist theory of four-dimensional objects. We adopt the mereorological principle of composition of the temporal parts, the principle installation resettletment , which justify the persistence of a sameness of these contemporary art works through time .

Cette thèse de doctorat en Histoire de l’Art, spécialité art contemporain, tend à repositionner l’Histoire de l’Art contemporain insulaire de la Polynésie Française et d’Aotearoa – Nouvelle Zélande au sein de son histoire locale tout autant qu’au niveau international. Par le biais d’une approche combinant Histoire de l’Art et Anthropologie, sont abordés les mondes de l’art respectifs à ces deux territoires afin de mettre en évidence les spécificités historiques et artistiques de localités trop souvent couplées du fait d’un passé commun. Faite de particularismes issus de la contraction des cultures au lendemain de la colonisation, la notion d’art international ne paraît jamais aussi ethnocentrée et occidentale que lorsqu’elle est transposée et apposée au Pacifique insulaire. Par l’étude des tentatives d’émancipation à l’égard du modèle occidental et des luttes de regards, ce travail de recherche confronte les postures des divers acteurs officiant dans l’affirmation et l’intégration de l’Océanie au sein du circuit international de l’art. / This PhD thesis, in contemporary Art History, aims to resituate Pacific contemporary art of French Polynesia and Aotearoa – New Zealand as much into their own history as international history. Through an Art History and Anthropological approach, the purpose of this research is to highlight the historical and artistic specificities of these two territories often paired up due to a common past. When the concept of international art is transposed and applied to Pacific islands, it appears ethnocentric and Western. The aim of this study is to show that contemporary societies, and thus also art, are the result of cultural hybridization. With a thorough examination of the emancipation attempts towards the Western model and postcolonial gaze, this research compares the positions of actors involved in the affirmation and integration of Oceania within the international art field.

Plusieurs études ont déjà relevé la place singulière qu’occupe le personnage dans la dramaturgie de Larry Tremblay. Les œuvres de cet auteur québécois regorgent effectivement d’individus tourmentés par l’environnement dans lequel ils évoluent. Durant les 20 dernières années, la thématique des médias a particulièrement été l’objet de l’attention de l’auteur. En créant des pièces ayant comme centre l’univers médiatique, Larry Tremblay entreprend de poser un regard critique sur cet aspect important touchant la société actuelle. Dans le cadre de ce mémoire, l’objectif est donc d’étudier plus spécifiquement les différents personnages du dramaturge lorsque ceux-ci sont placés dans des contextes où ils sont envahis par les médias. Il s’agira de montrer comment le dramaturge expose les effets néfastes du pouvoir des médias en abordant la question du regard, de la banalité, du vide, du narcissisme ainsi que de la désillusion marquant l’époque contemporaine. L’analyse des œuvres Ogre (1995), Téléroman (1997) et Grande écoute (2015) permettra de montrer que c’est par l’intermédiaire de personnages dont l’identité se morcelle et se transforme, que Larry Tremblay expose les conséquences les plus importantes qu’entraine la société médiatique sur l’individu. L’objet de ce mémoire est de saisir l’évolution de la pensée de l’auteur à l’égard des médias et de comprendre comment ses personnages ont évolué au fil du temps parallèlement au domaine médiatique. / Many studies have already examined the singular place occupied by the character in Larry Tremblay’s dramaturgy. This Quebec author’s works are filled with many individuals who are deeply affected by the environment they live in. For the past 20 years, the playwright’s particular interest in the theme of media has been observed. By creating plays in which the media are at the forefront, Larry Tremblay takes a critical look at an important aspect of current society. In the context of this thesis, the objective is therefore to study more specifically Tremblay’s characters who are in environments pervaded by the media. In order to show how the author exposes the negative impacts of the power of the media, we will address the question of the gaze, the banality, the void, the narcissism, as well as that of the disillusion that touches our time. The analysis of Ogre (1995), Téléroman (1997) and Grande écoute (2015) will demonstrate that it is through characters whose identity is crumbling and changing that Larry Tremblay denounces the most disastrous consequences stemming from the media for individuals. The purpose of this thesis is to grasp the evolution of the author’s thought regarding media and to understand how his characters have evolved over time alongside the media.

Ce mémoire postule que l’affirmation de soi, dans le théâtre de Fabien Cloutier, se fait au détriment de l’autre, voire contre l’autre. Je vérifierai cette hypothèse à travers l’analyse des pièces Scotstown, Billy (Les jours de hurlement) et Bonne retraite, Jocelyne. Ce mémoire part de l’idée selon laquelle l’affirmation identitaire, aujourd’hui, va de pair avec les principes d’« écart » et de « différence », élaborés par François Jullien dans son essai Il n’y a pas d’identité culturelle. Dans les diverses théories, identité et altérité sont intrinsèquement liées. On va même jusqu’à opposer identité et altérité. Dans l’imaginaire collectif et dans l’univers dramaturgique de Fabien Cloutier, la notion d’altérité comporte une connotation fortement négative. Toutefois, ce qui fait la force des pièces de Cloutier, c’est qu’elles dépassent le constat que le soi est confronté à l’autre. Il s’opère plutôt en elles le passage du régime de la « différence » à celui de l’« écart ». Le régime de la « différence » implique un rapport de verticalité, ou autrement dit, de supériorité. Celui d’« écart » implique un rapport d’horizontalité, où les deux entités qui la composent sont prises pour ce qu’elles sont, pour ce qui les rassemble et les dissocie, sans que l’une serve de modèle ou de point de comparaison à l’autre. Pour repérer et analyser les manifestations de l’affirmation de soi et ses effets sur l’autre, telles qu’elles sont perceptibles dans les trois œuvres du corpus, je me pencherai plus particulièrement sur les modalités de l’énonciation et la nature du dialogisme comme les définit Hervé Guay. Je tenterai finalement de montrer comment Scotstown, Billy (les jours de hurlement) et Bonne retraite, Jocelyne dénoncent la tendance à banaliser l’autre afin de mieux se valoriser et comment ces pièces tentent de changer la conception de l’altérité. / This memoir argues that self-affirmation in Fabien Cloutier’s theatre is made at the expense of or even against others. I will verify this theory through the analysis of the plays Scotstown, Billy (The Days of Howling) and Bonne retraite, Jocelyne. I will begin from the idea that nowadays, the affirmation of identity goes hand in hand with the principles of “gap” and “difference”, which were developed by François Jullien in his essay Il n’y a pas d’identité culturelle. In many theories, identity and alterity are intrinsically linked. They even go as far as to oppose identity and alterity. Within the collective imaginary and in Fabien Cloutier’s dramatic universe, the notion of alterity implies a strongly negative connotation. However, the strength of Cloutier’s plays lies in them going beyond the simple fact that the self is confronted to others. Instead, they undergo the transition from François Jullien’s “difference” system to the one of “gap”. The “difference” system implies a vertical relationship, or in other words one of superiority. The “gap” system implies a horizontal relationship, where the two entities that make it up are taken for what they are, for what links them together and what separates them, without one serving as a model or as a point of comparison to the other. To identify and analyse expressions of self-affirmation and their effects on others, as they are notable in the three works of the corpus, I will focus on the enunciation modalities and the nature of dialogism as Hervé Guay defines them. Finally, I will attempt to demonstrate how Scotstown, Billy (The Days of Howling) and Bonne retraite, Jocelyne denounce the tendency to depreciate others in order to better empower oneself, as well as how these plays attempt to change the notion of alterity.