Les recherches qui ont abouti à cette thèse de doctorat s'inscrivent dans la thématique des nationalismes ibériques contemporains qui ont animé (et animent toujours) les questions territoriales et nationales de l'Espagne. L'Aragon, souvent absent de ce débat, est pourtant un territoire charnière entre la France, la Catalogne, le Pays valencien, la Castille et le bloc basco-navarrais. D'un point de vue géopolitique, l'Aragon apparaît donc en territoire " tampon " entre l'Espagne centrale (exclusivement castillane, hispanophone et nationalement espagnole) et l'Espagne périphérique (bilingue et dont la conscience nationale est plus complexe). Du fait de ces spécificités, l'Aragon ne connaît pas le bipartisme PSOE/PP propre aux régions de l'intérieur de l'Espagne. Pour gouverner l'Aragon et ses communes, ces deux partis espagnols doivent s'allier à des forces aragonaises (une de centre-droit et une de centre-gauche). Chunta Aragonesista (CHA), créée en 1986 est ce parti aragonésiste de gauche ; il se dit " nationaliste ". Le " nationalisme aragonais " de CHA trouve sa légitimité dans l'existence d'une " nation aragonaise " justifiée par l'Histoire médiévale du Royaume d'Aragon et ses institutions politiques et juridiques. CHA défend ainsi " l'autodétermination de la nation aragonaise " au sein d'un État espagnol fédéral. Son membre le plus célèbre, a sans doute été José Antonio Labordeta, disparu en septembre 2010, qui a été député au Congreso de los Diputados de Madrid pendant deux législatures (2000-2004 et 2004-2008).

Cette thèse est consacrée à l’analyse de six récits parus en France dans les quinze dernières années et qui se donnent pour objet la souffrance de l’enfant : Viol de Danièle Sallenave (1997), L’Enfant éternel de Philippe Forest (1997), Le Cri du sablier de Chloé Delaume (2001), Tom est mort de Marie Darrieussecq (2007), Les Mains gamines d’Emmanuelle Pagano (2008) et Un petit viol de Ludovic Degroote (2009). Si l’enfance malheureuse est, de longue date, représentée dans la fiction romanesque, les récits qui composent le corpus de cette thèse se signalent par le déplacement singulier qu’ils opèrent dans le traitement de ce thème. Prenant acte de son caractère radicalement insensé, les auteurs de ces textes cherchent moins à rendre raison de ce scandale qu’à inventer les moyens linguistiques, stylistiques et narratifs qui permettent de l’exprimer sans en atténuer la part d’insondable et d’inouï. Tous différemment, ils cherchent à reproduire dans la matière textuelle ce vacillement de la raison, à introduire du flottement là où l’axiologie commande des jugements définitifs. Pour eux, la souffrance de l’enfant, avant d’être dénoncée, doit encore trouver les moyens d’être énoncée. Si bien que la représentation de l’enfance souffrante en vient à constituer une pierre de touche sur laquelle s’éprouvent la parole, la langue, le récit – enfin, la littérature. L’étude de ce corpus requiert de mener, dans un premier temps, des analyses minutieuses qui font appel à des outils et concepts puisés dans diverses théories et méthodes – la linguistique, la stylistique, la rhétorique, la pragmatique, la sémiotique, la narratologie –, afin de mettre en lumière les déplacements sémantiques et sémiologiques effectués par ces six auteurs sur le lexique et les modes usuels de signification. Dans l’esprit de la perspective sociocritique, le résultat de ces analyses sera ensuite projeté sur les structures actuelles de l’imaginaire social français, de manière à évaluer la pertinence épistémologique et la singularité de ces formalisations littéraires en regard des autres pratiques discursives contemporaines. / This thesis is dedicated to the analysis of six novels published in France during the last fifteen years that explore childhood suffering : Viol by Danièle Sallenave (1997), L’Enfant éternel by Philippe Forest (1997), Le Cri du sablier by Chloé Delaume (2001), Tom est mort by Marie Darrieussecq (2007), Les Mains gamines by Emmanuelle Pagano (2008) and Un petit viol by Ludovic Degroote (2009). Although the unhappy childhood has long been addressed in fiction, these novels operate a unique deflection in their treatment of the theme. While acknowledging that this scandal defies reason, the authors of these texts, rather than attempting to explain, seek to invent the linguistic, stylistic and narrative means by which to express childhood suffering, without diminishing its unfathomable nature. In diverse ways, each looks to reproduce within the text this failure of reason, to question where axiology commands definitive judgments. According to these authors, the suffering of the child, before it can be denounced, must first be announced. In this way, the treatment of this theme may be perceived as a touchstone for speech, language, narrative – literature itself. The study of this corpus first requires meticulous analyses that employ tools and concepts drawn from diverse theories and methods – linguistics, stylistics, rhetoric, pragmatics, semiotics, narratology –, in order to shed light on the semantics and semiotic displacements operated by the six authors on the lexicon and the usual modes of signification. In the spirit of the sociocritical perspective, the results of these analyses will then be projected upon the French imaginaire social for the purpose of assessing the epistemological pertinence and the uniqueness of these literary strategies in regard to other contemporary discursive practices. / Thèse réalisée en cotutelle avec l’Université Charles-de-Gaulle – Lille-3 pour l'obtention du diplôme de doctorat en Langue et littérature françaises.

Depuis la fin des années 1990, une nouvelle génération d’écrivaines s’est emparée des thèmes du corps et de la sexualité. Certaines de leurs œuvres ont fait scandale pour l’impudeur qui les caractériserait, d’autres pour leur violence ou leur appartenance supposée à la pornographie. Si ces textes témoignent de changements profonds au sein de la société, ils attirent également notre attention sur leur inscription manifeste hors des catégories génériques qu’ils semblaient indiquer. Ce mémoire rend compte de la façon dont À ciel ouvert de Nelly Arcan, Baise-moi de Virginie Despentes, La brèche de Marie-Sissi Labrèche, La vie sexuelle de Catherine M. de Catherine Millet et La nouvelle pornographie de Marie Nimier traitent la thématique du corps et du sexe. La politique des corps révèle que les récits d’aujourd’hui expriment, certainement aussi fortement que dans les années 1970, la nécessité de dissoudre et de réinventer les identités sexuées. De plus, une analyse centrée sur la notion de sujet telle qu’elle s’écrit dans la relation du plaisir et du désir montre que le thème sexuel est un moyen pour les auteures d’explorer une réalité qui devient flagrante lorsque les êtres de langage se mettent à habiter leur corps. Enfin, une lecture générique souligne toute la complexité de l’utilisation de la pornographie dans les récits étudiés et s’intéresse aux stratégies de légitimation indiquant vers quelle définition de la littérature tendent les auteures. / Since the end of the 1990’s, a new generation of female writers started working on stories about the body and sexuality. Some of the narratives they develop drew attention because of the "shameless exhibitionism" they supposedly include, others because of their violence or what appears as a display of pornography. Those texts are evidence of deep changes occurring in our society, but moreover, they are interesting by their lack of respect for the literary conventions. This essay is about the way sex and body are depicted in À ciel ouvert by Nelly Arcan, Baise-moi by Virginie Despentes, La brèche by Marie-Sissi Labrèche, La vie sexuelle de Catherine M. by Catherine Millet and La nouvelle pornographie by Marie Nimier. The body is politics: it tells us that today, as much as in the 1970’s, sexual identities have to be dissolved and recreated. In addition, reading Arcan’s, Despentes’, Labrèche’s and Millet’s work while focalizing on what kind of subject is expressed via pleasure and desire shows that writing about sexuality can be a way of exploring human being when speech is useless. We will then see how the writers use pornography on a generic level and how they try and reconfigure our literary regime.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Les invasions biologiques sont reconnues comme un facteur évolutif important sur une échelle de temps courte. Elles affectent notamment la structure génétique des populations, les patrons d'évolution phénotypique et la richesse des faunes de parasites associées aux populations envahissantes. Cette étude se propose de quantifier les conséquences d'une invasion biologique suivant ces trois niveaux (génétique, phénotypique et parasitologique) en prenant pour exemple le cas du tilapia du Mozambique Oreochromis mossambicus. Ce cichlidé africain présente un statut remarquable en biologie de la conservation puisqu'il est à la fois (i) l'une des espèces les plus envahissantes au monde car dispersée à l'échelle globale au cours du XXème siècle et (ii) une espèce " quasi-menacée " (UICN) sur son aire native (partie du sud-est de l'Afrique) du fait de son hybridation massive avec d'autres Oreochromis sp. introduits. La démarche générale employée ici est de décrire l'histoire récente des populations à l'aide de marqueurs nucléaires (AFLP) et des séquences de l'ADN mitochondrial (ADNmt), puis de mettre en relation ces résultats génétiques avec la diversité morphologique et la parasitologie des populations. Deux systèmes différents ont été étudiés : Au sein de l'aire native, l'étude se focalise sur le Limpopo inférieur et le sous-bassin de la Changane (Mozambique). Des patrons d'introgression incluant trois espèces en présence sont détectés, mais les hybrides sont peu fréquents et leur expansion limitée. Ces résultats sont de plutôt bonne augure pour la conservation d'O. mossambicus et ils permettent d'identifier deux zones de conservation prioritaires. L'étude des parasites indique une plus grande diversité parasitaire mais de faibles prévalences dans les sites de moindre valeur en conservation, ce qui pourrait favoriser le succès des espèces introduites et de leurs hybrides. Parmi les territoires envahis, les AFLP et l'ADNmt soutiennent une homogénéité générale et une diversité génétique faible, qui sont interprétées comme le résultat d'un fort goulot d'étranglement précédant l'expansion à l'échelle mondiale. Une structure des populations en lien avec la géographie à large échelle (Nouvelle-Calédonie, Guadeloupe, Jamaïque) est cependant détectée. La variation de la forme du corps est également structurée à large échelle géographique, ce en dépit des fortes variations environnementales enregistrées à l'échelle locale. Cela suggère un effet des contraintes génétiques sur la diversification morphologique contemporaine. L'absence de parasites monogènes sur les populations introduites en Nouvelle-Calédonie peut être mise en relation avec un évènement fondateur, et est proposé comme l'un des facteurs ayant pu favoriser le succès de l'espèce. En conclusion, une faible diversité génétique ne contraint vraisemblablement pas un potentiel envahissant élevé et une diversification rapide chez les tilapias.

Par la nature double de sa réflexion, le présent mémoire propose d'interroger, au théâtre contemporain, la violence dans le langage comme modalité de négociation avec le réel. D'abord par une fiction au dispositif épuré et à la langue poétique, la pièce de théâtre Caille-moi, puis par un essai sur la pièce de théâtre Rouge gueule d'Étienne Lepage, nous désirons mettre en lumière un langage désubjectivé (Gilles Deleuze et Félix Guattari, Pierre Ouellet) au cœur duquel la présence de l'altérité remplace une certaine aliénation. Inscrivant notre démarche à la croisée des études littéraires et théâtrales, à la suite des travaux de Marion Chénetier-Alev sur l'oralité au théâtre, nous exposons à la fois la violence faite au dispositif théâtral et aux lecteurs-spectateurs dans l'espace du théâtre rendu possible par la violence du langage. Notre réflexion se pose également dans une visée plus large, interrogeant l'inscription du théâtre in-yer-face britannique (Sarah Kane) et de ses répercussions dans le théâtre québécois contemporain, en soulignant la connaissance de la dramaturgie québécoise dont fait preuve la pièce. En ce sens, le langage inventé par le jeune dramaturge offre le contrepoint à un certain cynisme contemporain et impose un langage riche et conscient de son histoire. / Through a twofold approach, the current M.A. thesis suggests an investigation of violent language in contemporary theatre as a means of coping with reality. By proposing first the play Caille-moi and its sober scenography and subsequently an essay on Étienne Lepage’s Rouge gueule, this thesis aim to draw attention to a desubjectified language (Gilles Deleuze and Félix Guattari, Pierre Ouellet) in which alterity replaces an undeniable alienation. At the cross road of Literature and Theatre Studies and following Marion Chénetier-Alev’s work on the oral nature of theatre, the present study wants to address violence as both a theatrical apparatus and as directed towards the readers-viewers in the space of the theatre by use of language. The reflection on the subject also expands to investigate the British In-yer-face Theatre (Sarah Kane) and its ramifications on Quebec’s contemporary theatre by demonstrating its broad knowledge as proven by the play. Consequently, the young playwright’s invented language offers a counterpoint to contemporary cynicism and imposes a rich language conscious of its history.

Ce projet de recherche en danse est né du désir et du besoin de questionner ma propre pratique artistique en danse contemporaine, en la mettant en perspective et en conversation avec celle de deux autres artistes chorégraphes, Monica Klingler et Barbara Manzetti. L'étude de ces (nos) pratiques, que j'ai qualifiées de "mineures" (au sens deleuzien) a été réalisée en les approchant par le "milieu", dans leur devenir, en les "accompagnant" pendant une période délimitée, celle de la durée de la thèse. Les questions qui dynamisent la recherche concernent les notions de présent et de vivant, contenues dans le terme "processus" : comment rendre compte de processus créatifs au moment même de leur surgissement? Comment se positionner pour pouvoir les décrire, les analyser? Une autre question explorée à travers différentes pratiques d'écriture, dont la thèse, est celle du rôle de l'écriture dans un projet de danse. Quelles pratiques d'écriture mettre en place pour accompagner la danse, pour la penser et pour la partager à travers le langage? L'analyse des démarches artistiques des trois artistes étudiées a été réalisée à l'aide de concepts issus de théories féministes. Elle s'appuie sur la notion de "hors de soi", du choix d'exacerber la vulnérabilité (Judith Butler) ; sur le positionnement des artistes comme des sujets non unitaires, des "sujets nomades" et en devenir (Rosi Braidotti) ; sur la mise en mouvement de formes fluides, changeantes et non réductibles à une œuvre, à l'"un" (Luce Irigaray).La recherche, considérée comme un "processus de danse", a donné forme à différents projets artistiques, Materia Viva, Figuras, Avec le masque, ainsi qu'à l'écriture de la thèse.

Cette thèse se propose d’étudier des pratiques poétiques dans et hors du livre à partir de parcours de poètes « passés » par les éditions Al Dante. Il s’agissait de questionner en particulier la notion de « performance », souvent réduite à une dimension scénique. Ou encore l’idée d’avant-garde, trop souvent limitée à une histoire politique close. L’idée d’avant-garde n’apparaît plus comme principe de structuration du groupe, mais comme spectralité agissante, conduisant à mêler des enjeux politiques — critique des institutions, critique de la langue dominante, contestations des places assignées par la culture — avec des enjeux esthétiques. Il est donc question de traduction poétique comme actualisation de la situation politique, et de transmédiation.L’approche stylistique a été progressivement supplantée par une approche médiologique pour problématiser des pratiques hétérogènes. La spécificité de la maison d’édition Al Dante nous permet de replacer le livre dans un écosystème poétique plus général, où le livre n’est plus la seule finalité, mais la médiation entre un processus de création et des manifestations publiques. Aussi peut-on lire ce moment contemporain non seulement comme l’émergence de thématiques dominantes, mais aussi comme une mise en crise de la centralité du livre et de son économie. La pratique des éditions Al Dante nous a donc amenés à défendre une « théorie du geste éditorial » qui ne se réduit pas à la mise en page d’un manuscrit, la production d’un livre et sa commercialisation, mais amène parfois à la création de livres qui ne possédaient pas d’espace éditorial. Repousser les frontières de l’édition, penser la spécificité du livre de « poésie-action » n’est pas sans paradoxes : déstructuration de la linéarité des discours, reconfiguration de l’espace de la page, adaptation spécifique des formats des livres et des polices de caractères. Ces pratiques ont pour enjeu la dimension performative du livre. En cela, on participe d’une manière renouvelée à une « performance typographique ». / This doctoral thesis offers to study poetic practices in and out of the book from poets’ itineraries published by the Al Dante publishing house. The thesis is questioning the performance's notion, most often reduced to its scenic's dimension, but also the avant-garde's idea, too often limited to a political history which has ended. The avant-garde notion doesn't appear anymore as the element structuring the group but as an acting spectrality, leading to mix political issues - criticism of the institutions, criticism of the dominant language, challenges the places assigned by culture - with aesthetic issues. It is therefore a question of poetic translation as actualization of the political situation, and of transmediation. The stylistic approach has been gradually supplanted by a mediological approach to problematize heterogeneous practices. The Al Dante publishing house specificities allow us to see the book in a more general poetic ecosystem, where the book is no longer the only purpose, but the mediation between a process of creation and public events. So we can read this contemporary moment not only as the emergence of dominant themes, but also as a crisis of the book’s centrality and its economy. The Al Dante publishing house practices has led us to defend a theory of “editorial gesture” that cannot be reduced to the layout of manuscript or the production of a book and its marketing, but sometimes leads to the creation of books that didn’t find an editorial space. To push the boundaries of edition, to think the specificity poetry-action’s book is raising paradoxes: the disintegration of the linearity of the speeches, the reconfiguration of the page’s space, the specific adaptation of the books forms and fonts. These practices concern the book’s performative dimension. So it participates in a renewed way to a "typographic performance".

Ce travail de recherche se propose d’analyser le rapport de Samuel Beckett (1906-1989) à la danse ainsi que la relation de deux chorégraphes contemporains Dominique Dupuy (1930-) et Maguy Marin (1951-) à ses œuvres. La première partie démontre que Samuel Beckett a été influencé par la danse moderne qu’il a découverte dans l’entre-deux-guerres. Son écriture est devenue plus gestuelle et son propos plus politique. Ainsi, aux corps sains et glorieux promus par les arts nazis, oppose-t-il dans son premier théâtre les corps vulnérables travaillés par la vieillesse et les handicaps, ceux d’hommes que le IIIe Reich a voulu rendre superflus. En 1953, la danse de Lucky d’En attendant Godot est un moyen de dire l’innommable de cette violence. En 1981, la danse de Quad fait resurgir les fantômes du passé pour prévenir le retour du pire. Comment le dire ? La danse, un art du « non mot » participe à cette recherche qui traverse l’œuvre de Samuel Beckett. Ce dont on ne peut pas parler, c’est cela qu’il faut danser. Dans un deuxième temps, cette étude montre comment les œuvres de Samuel Beckett sont à leur tour inductrices de danses où les êtres vulnérables résistent et appellent au care. Danser avec Oh les beaux jours, Acte sans paroles et Cap au pire permet à Dominique Dupuy d’interroger les possibles du grand âge et d’en transformer les représentations. A partir de Fin de partie, Maguy Marin écrit en 1981 May B, une pièce chorégraphique, aux antipodes de la danse performante, qui rend visibles les handicaps. Son œuvre invite à une lecture actualisante de l’œuvre de Samuel Beckett prenant en considération la condition des personnes handicapées et permettant d’entrevoir la possibilité d’une société plus inclusive. La dernière partie témoigne qu’une lecture éthique des œuvres de Samuel Beckett et de leurs projections chorégraphiques peut devenir le vecteur de pratiques d’inclusion et d’émancipation par l’école. Telle est la vocation du projet Meeting Beckett mené en 2016-2017 en partenariat avec le chorégraphe K Goldstein, avec les élèves en situation de handicap d’un dispositif Ulis (Unité localisée pour l’inclusion scolaire) et ceux d’une classe de 5ème. Il s’agit enfin de se demander dans quelle mesure les pratiques artistiques peuvent susciter de nouveaux gestes professionnels à l’école et initier une dynamique inclusive, capable de faire une place à chacun et chacune au sein de la société. / This research analyses the relationship of Samuel Beckett (1906-1989) to dance and the relationship of two contemporary choreographers Dominique Dupuy (1930-) and Maguy Marin (1951-) to his works. The first part shows that Samuel Beckett was influenced by the modern dance he discovered between the two World Wars. His writing became more gestural and his discourse more political. Thus, to the healthy and glorious bodies promoted by the Nazi arts, he opposed in his first theatre the vulnerable bodies weakened by old age and disabilities, those of men whom the Third Reich wanted to make superfluous. In 1953, Lucky's dance in Waiting for Godot is a way of telling the unnamable of this violence. In 1981, the dance of Quad brings back the ghosts of the past to prevent the return of the worst. How to say? Dance, an art of the "non word", is part of this research that runs through Samuel Beckett's work. What one can't talk about is what one has to dance about. Secondly, this study shows how Samuel Beckett's works induce dances in which vulnerable beings resist and call for care. Dancing with Happy days, Act Without Words I and Worstward Ho allows Dominique Dupuy to question the possibilities of old age and transform its representations. Starting with Endgame, Maguy Marin wrote May B in 1981, a choreography miles apart from high-performance dance, which makes disabilities visible. Her work offers an updated reading of Samuel Beckett's work that takes into consideration the condition of disabled persons and allows us to envision the possibility of a more inclusive society. The last part shows that an ethical reading of Samuel Beckett's works and their choreographic projections can become the vector of inclusion practices and emancipation at school. This is the vocation of the Meeting Beckett project conducted in 2016-2017 in partnership with choreographer K Goldstein, with disabled pupils from an Ulis (Unité localisée pour l'inclusion scolaire) and 5th graders. Finally, we need to ask ourselves to what extent artistic practices can encourage new professional gestures at school and initiate an inclusive dynamic, capable of giving a place for everyone in society.

Né en 1935 à Estérençuby (Pyrénées Atlantiques), Eñaut Etxamendi est écrivain, poète et chanteur en langue basque. Dans son œuvre narrative, il décrit la société agraire du Pays Basque Nord – concrètement, la province de la Basse-Navarre – et son processus de désagrégation sociale et culturelle à partir des années 60. Quelle place accorder dans la littérature basque moderne à cette œuvre, qui sublime l'idylle détruite ? Quelle est sa place et son originalité au vu des productions des auteurs basques contemporains? Quelle part de l’œuvre d’Etxamendi se situe sous l’influence de la pensée nationaliste et quel peut bien être son degré de participation à la construction de mythes identitaires? Nous utilisons les concepts du formalisme russe pour décrire la structure, le matériau littéraire et le dynamisme de l'œuvre etxamendienne. Puis, nous interrogeons ces résultats par l'apport du post-formalisme et des propositions bakhtiniennes et tâchons de situer l'œuvre littéraire d'Eñaut Etxamendi dans son rapport à l'idylle détruite et au Cкaз. Finalement, nous faisons intervenir l'ethnocritique de la littérature et le post-colonialisme, afin d'inscrire l'œuvre littéraire d'Eñaut Etxamendi dans « la mémoire longue d’une communauté discursive » et dans le contexte particulier des années 1960-1990 qui alliait la vitalité politique à la vitalité culturelle. L’objectif de ce questionnement est d’approfondir dans la connaissance de l’œuvre d’un auteur mais aussi d’une région littéraire du Pays Basque encore trop peu étudiées. / Eñaut Etxamendi was born in Esterençuby (Pyrénées Atlantiques, France), in 1935. He is a writer, poet an singer in basque language. In his literary work, Eñaut Etxamendi describes the agrarian society who was disappearing by the 60's in the North Basque Country – concretely in the province of Basse-Navarre – and the process of social and cultural disbanding that occured then.Where can be placed Eñaut Etxamendi's literary writing – sprung up in geographical and linguistic periphery – and its sublimated « idyllic chronotope » in basque modern literature ? Which is his originality comparing to other contemporary basque writer's works ? What is Etxamendi's part of work under nationalist theories's influence and up to which point has his literature pertained to the discourse of identity ? Our search is an attempt to improve knowledge of a few known author and few known literary area of Basque Country.