Par la nature double de sa réflexion, le présent mémoire propose d'interroger, au théâtre contemporain, la violence dans le langage comme modalité de négociation avec le réel. D'abord par une fiction au dispositif épuré et à la langue poétique, la pièce de théâtre Caille-moi, puis par un essai sur la pièce de théâtre Rouge gueule d'Étienne Lepage, nous désirons mettre en lumière un langage désubjectivé (Gilles Deleuze et Félix Guattari, Pierre Ouellet) au cœur duquel la présence de l'altérité remplace une certaine aliénation. Inscrivant notre démarche à la croisée des études littéraires et théâtrales, à la suite des travaux de Marion Chénetier-Alev sur l'oralité au théâtre, nous exposons à la fois la violence faite au dispositif théâtral et aux lecteurs-spectateurs dans l'espace du théâtre rendu possible par la violence du langage. Notre réflexion se pose également dans une visée plus large, interrogeant l'inscription du théâtre in-yer-face britannique (Sarah Kane) et de ses répercussions dans le théâtre québécois contemporain, en soulignant la connaissance de la dramaturgie québécoise dont fait preuve la pièce. En ce sens, le langage inventé par le jeune dramaturge offre le contrepoint à un certain cynisme contemporain et impose un langage riche et conscient de son histoire. / Through a twofold approach, the current M.A. thesis suggests an investigation of violent language in contemporary theatre as a means of coping with reality. By proposing first the play Caille-moi and its sober scenography and subsequently an essay on Étienne Lepage’s Rouge gueule, this thesis aim to draw attention to a desubjectified language (Gilles Deleuze and Félix Guattari, Pierre Ouellet) in which alterity replaces an undeniable alienation. At the cross road of Literature and Theatre Studies and following Marion Chénetier-Alev’s work on the oral nature of theatre, the present study wants to address violence as both a theatrical apparatus and as directed towards the readers-viewers in the space of the theatre by use of language. The reflection on the subject also expands to investigate the British In-yer-face Theatre (Sarah Kane) and its ramifications on Quebec’s contemporary theatre by demonstrating its broad knowledge as proven by the play. Consequently, the young playwright’s invented language offers a counterpoint to contemporary cynicism and imposes a rich language conscious of its history.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de l'Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Cette thèse portant sur le potentiel musical des analyses sonores consiste en une recherche créative et artistique portant sur des propriétés caractéristiques du comportement sonore mis en lumière via divers types d'analyses et susceptibles d'assister la composition musicale. Ce travail présente l'élaboration des outils d'analyses programmés et utilisés à cette fin, en plus d'un corpus de 6 oeuvres dont l'ordre de présentation correspond à leur chronologie d'écriture, et dont la conception et l'analyse musicales sont inégalement exposées (du bref aperçu au survol exhaustif). Au fur et à mesure de la recherche, le répertoire ci-développé intègre, par élargissement conceptuel, des considérations analytiques pour d'autres phénomènes vibratoires (comme la lumière ou l'harmonie des sphères) et, esthétiquement, toute cette démarche est fondée sur le concept aristotélicien de la mimesis, où l'idéal artistique consiste en la sublimation de la nature. / This thesis about the musical potential of sound analysis consists in an artistic and creative research on characteristic properties of sound behavior revealed by various types of analysis and likely to assist musical composing. This work presents the elaboration of analysis tools programmed and used on purpose, in addition of a corpus of six works which the order of presentation corresponds to their chronology of writing, and which both conception and musical analysis are unevenly exposed (from brief to exhaustive overviews). As the research occurs, the featured repertory integrates, by a conceptual enlargement, some analytic considerations for other vibratory phenomena (as light or the harmony of the spheres) and, aesthetically, all that approach is founded on the aristotelician concept of mimesis, in which the artistic ideal consists in the sublimation of nature.

Cette thèse prend pour objet le nouage entre l’autoréflexivité et la mise en forme esthétique dans la poésie de Christophe Tarkos, produite dans les années 1990. Elle met en lumière les rapports entre l’élaboration d’une théorie du langage au sein de cette œuvre poétique et ses visées esthétiques totalisantes. Il s’agit d’identifier les principes générateurs de la théorie et de fournir une analyse de ses fondements qui s’ancrent dans la crise de la représentation moderne commençant dans la deuxième moitié du dix-neuvième siècle. Les motifs de la crise revisités par Tarkos inscrivent sa poésie dans une historicité, et notre thèse tente d’interpréter cette actualisation dans une œuvre qui donne forme au monde et à la mémoire individuelle. L’hypothèse qui chapeaute notre étude est que la théorie du langage favorise l’intelligibilité de l’œuvre totalisante en lui offrant un support réflexif. Notre thèse, qui privilégie une méthode fondée sur l’analyse des textes, se divise en trois parties. La première propose une recension de la réception critique de l’œuvre, dont nous retraçons les grandes lignes d’interprétation, de Christian Prigent à Jean-Michel Espitallier. Tout en plaçant Tarkos dans le champ poétique français, cette étape nous permet de positionner notre recherche par rapport à certains lieux communs de la critique. La deuxième partie vise à étudier la théorie du langage de Tarkos à partir de ses manifestes principaux (Le Signe =, Manifeste chou, Ma langue est poétique et La poésie est une intelligence) qui révèlent plusieurs principes, pouvoirs et limites de la langue et de la poésie. Afin de montrer la spécificité du concept de la « pâte-mot » de Tarkos, nous l’étudions dans un dialogue avec la figure de la « pâte » langagière chez la poète française Danielle Collobert. La troisième partie propose une étude de la volonté et de l’esthétique totalisantes dans l’œuvre de Tarkos, qui cherche à donner forme au réel. En effet, la poésie répond à l’excès du réel par diverses stratégies. Tout en voulant représenter son caractère débordant par une énonciation logorrhéique ou en usant de procédés comme celui de la répétition, elle cherche à le maîtriser dans des formes textuelles stables comme des fragments de prose « carrés » (Carrés, Caisses), dans des listes énumératives (Anachronisme) ou dans des réseaux d’images. La volonté totalisante chez Tarkos semble également prendre origine dans un sentiment d’urgence qui concerne, en dernière instance, une bataille contre la finitude. / This dissertation takes as its object the tie between self-reflexivity and aesthetic form in the poetry of Christophe Tarkos, produced in the 1990s. It highlights the relationship between the development of a theory of language within his poetic oeuvre and aims to illustrate its “totalizing” aesthetics. “Theory” is understood as the combination of reflections, meditations and concepts about language and poetry. This thesis endeavors to identify the generating principles in his poetic oeuvre, which are inscribed within the crisis of representation often seen as originating in the mid- nineteenth century. By revisiting this crisis of representation, Tarkos’s poetry can been seen as being located in a historicity. My thesis attempts to interpret this revisiting process through an analysis of a poetic form that gives shape to the world and to individual memory. My assumption is that the theory of language facilitates the intelligibility of his poetry because it provides a reflexive medium. My thesis, which favors a method based on textual analysis, is divided into three parts. The first provides a review of the critical reception of the work, in which I track major lines of interpretation, ranging from Christian Prigent to Jean-Michel Espitallier. Placing Tarkos within the French poetic field allows me to position my research within the commonplace of criticism. The second part investigates the theory of language in his manifestos (Le Signe =, Manifeste chou, Ma langue est poétique et La poésie est une intelligence) that reveal several principles, powers and limits of language and poetry. In order to demonstrate the specificity of the concept of « pâte- mot » (a dough of words) developed by Tarkos, I compare it to the poet Danielle Collobert’s figurative representation of « dough », as « paste ». The third part offers a study of the will and “totalizing” aesthetic present in the work of Tarkos, which seeks to shape the real. Indeed, poetry answers to the excess of the real by various strategies. While wanting to represent his brimming nature through a language akin to logorrhea or by using methods such as repetition, it also seeks to control it in stable textual forms such as « squared » fragments of prose (Carrés, Caisses), in enumerative lists (Anachronisme) or in networks of figures. Tarkos’s willingness to “totalize” also seems to be rooted in a sense of urgency concerning, ultimately, a battle against finitude.

Vues imprenables est un récit où se succèdent les monologues de six personnages se trouvant dans un hôtel de luxe le temps d’une fin de semaine. À travers les détours discursifs que chaque personnage emprunte, les mécanismes textuels qu’il ou elle utilise pour éviter de dire et de se confronter aux réminiscences de ses fautes passées, la question du voir et de l’aveuglement se lie étroitement à celle du passage à l’acte. Quels forfaits ces hommes et ces femmes ont-ils commis ? Sont-ils capables de « se voir » réellement ? Quelle est la portée du regard sur le geste qu’ils ont antérieurement posé ? S’inspirant, entre autres, du jeu de société Clue, des Dix Commandements et de l’esthétique du film The Shining, Vues imprenables interroge la notion de repentir, cherchant à savoir jusqu’où le « voile » de la parole peut dissimuler certains actes, jusqu’à quel point le voir peut se révéler insaisissable. L’essai intitulé « Paradoxes du voir et de l’aveuglement dans Ceux d’à côté de Laurent Mauvignier » tisse également des liens avec Vues imprenables : en questionnant les limites et les possibilités du voir dans le roman de Mauvignier, il s’agit en effet d’analyser comment l’avènement de la vue, dans ce récit, laisse en tout temps présager sa possible perte, mais aussi de quelles façons le geste criminel devient « aveugle » au moment même où il est perpétré. En revisitant certains des plus grands mythes grecs, tels ceux d’Œdipe, de Tirésias et de Gorgô, cet essai étudie plus particulièrement la figure de l’alter ego, ce « moi à côté », tantôt coupable tantôt témoin, qui hante le récit de Mauvignier et il propose une réflexion sur les paradoxes du rapport au vu à partir des travaux d’Hélène Cixous, de Georges Didi-Huberman, de J.-B. Pontalis et de Maurice Merleau-Ponty. / Vues imprenables is a fictional narrative that explores the standpoints of six characters residing as guests in a luxury hotel for the weekend. Through discursive detours, and textual devices used by each character to avoid facing up to his faults and confronting the reminiscence of past sins, the questions of sight and blindness are closely intertwined with actions being carried out [passage à l’acte]. What are the characters’ failings ? Are they truly able to “see” through their own self? What part did the gaze play in their past actions? Inspired by the game Clue, The Ten Commandments and the aesthetics of the movie The Shining, Vues imprenables explores the notion of repentance, and by doing so attempts to determine to what extent the veil of words can conceal certain acts, and how sight reveals itself to be forever elusive. The essay entitled “Paradoxes du voir et de l’aveuglement dans Ceux d’à côté de Laurent Mauvignier” also establishes close ties with Vues imprenables, as it probes the limits and possibilities of the seeing in the storytelling. Moreover, the study analyses the meanders in which the advent of sight takes place in Mauvignier’s story, how it always foresees its imminent loss, and also traces the many ways by which the criminal act “turns a blind eye” at the very moment it is perpertrated. Revisiting some of the great tales of Greek mythology (Œdipus, Tiresias, Medusa), the analysis focuses on the particular aspects of the alter ego—“the other I,” at times guilty, at times a witness, who haunts Mauvignier’s novel. The multiple paradoxes of vision are thus scrutinized through a close reading of major writers and philosophers, such as Hélène Cixous, Georges Didi-Huberman, J.-B. Pontalis and Maurice Merleau-Ponty.

L’archive erronée dans l’œuvre d’Anne Carson enquête sur les effets que peuvent entraîner l’archive classique sur la poésie d’Anne Carson et révèle que le travail de cette dernière est issu de l’espace situé entre la critique et la créativité, ce qui génère ce qu’on appellera une « poétique de l’erreur ». La poésie de Carson se démarque par sa prédilection pour les accidents, les imperfections et les impondérables de la transmission. La présente dissertation émerge des attitudes critiques ambivalentes face à la dualité de l’identité de Carson, autant poète qu’universitaire, et leur offrira une réponse. Alors que l’objectif traditionnel du philologue classique est de reconstruire le sens du texte « original », l’approche poétique de Carson sape en douce les prétentions universitaires d’exactitude, de précision et de totalisation. La rencontre de Carson avec l’archive classique embrasse plutôt les bourdes, les mauvaises lectures et les erreurs de traduction inhérentes à la transmission et à la réception de traductions classiques. La poésie de Carson est ludique, sexuée et politique. Sa manière de jouer avec l’épave du passé classique torpille la patri-archive, telle que critiquée par Derrida dans Mal d’Archive ; c’est-à-dire cette archive considérée comme un point d’origine stable grâce auquel s’orienter. De plus, en remettant en question la notion de l’archive classique en tant qu’origine de la civilisation occidentale, Carson offre simultanément une critique de l’humanisme, en particulier au plan de la stabilité, du caractère mesurable et de l’autonomie de « l’homme ». L’archive, pour Carson, est ouverte, en cours et incomplète ; les manques linguistiques, chronologiques et affectifs de l’archive classique représentent ainsi des sources d’inspiration poétique. La présente dissertation étudie quatre dimensions de l’archive classique : la critique, la saphique, l’élégiaque et l’érotique. Grâce à ces coordonnées, on y établit le statut fragmentaire et fissuré du passé classique, tel que conçu par Carson. Si le fondement classique sur lequel la culture occidentale a été conçue est fissuré, qu’en est-il de la stabilité, des frontières et des catégories que sont le genre, la langue et le texte ? L’ouverture de l’archive critique de manière implicite les désirs de totalité associés au corps du texte, à la narration, à la traduction et à l’érotisme. En offrant une recension exhaustive de sa poétique, L’archive erronée dans l’œuvre d’Anne Carson tente d’analyser l’accueil hostile qu’elle a subi, contribue à renforcer la documentation sans cesse croissante dont elle fait l’objet et anticipe sa transmutation actuelle de médium et de genre, sa migration de la page à la scène. / The Erring Archive in Anne Carson investigates the responsiveness of Anne Carson’s poetry to the classical archive and argues that Carson works from within the space between the critical and the creative, generating what I call a “poetics of error.” Carson’s poetics is distinguished by a predilection for accidents, imperfections, and the contingencies of transmission. My dissertation also responds to and emerges from the ambivalent critical attitudes to Carson’s dual identity as both a scholar and a poet. While the traditional aim of the classical philologist is to reconstruct the meaning of the “original” text, Carson’s poetic approach self-consciously undermines scholarly pretensions to accuracy, precision, and totalization. Rather, Carson’s encounter with the classical archive embraces the mistakes, misreadings, and mistranslation inherent in classical transmission and reception. Carsonian poetics is ludic, gendered, and political. Her play with the wreckage of the classical past undermines the patri-archive, as critiqued by Derrida in Archive Fever; that is, an archive that is considered to be a stable, governing point of origin. Furthermore, by challenging the notion of the classical archive as the origin of Western civilization, Carson simultaneously offers a critique of Humanism, particularly the stability, measurability, and autonomy of “Man.” The archive, for Carson, is open, ongoing, and incomplete; the linguistic, temporal, and affective gaps of the classical archive are thus opportunities for poetic production. My dissertation examines four dimensions of the classical archive: the critical, the sapphic, the elegiac, and the erotic. By means of these coordinates, I establish the fragmentary and ruptured status of the classical past, as conceived by Carson. If the classical bedrock upon which Western culture has been conceived is fractured, what does this mean for the stability, borders, and categories of genre, language, and the text? The openness of the archive implicitly critiques related desires of totality associated with the textual body, narrative, translation, and Eros. The Erring Archive in Anne Carson is keen to analyze Carson’s own vexed reception and contributes to growing Carsonian scholarship, as it provides a comprehensive entry into her poetics and anticipates her current generic and media shift from the page to the stage.

Cette thèse trace la généalogie culturelle de la jeune fille en Occident en ciblant les moments charnières de son devenir femme au sein de structures de savoir qui ont activement participé à forger cette figure hétéronormative. Mon objectif est de produire une analyse culturelle en forgeant une cartographie des adolescences au féminin. Afin de sortir de la temporalité téléologique de la virginité et de la défloration, j’emprunte un mot étranger, parthénos, qui fait appel à l’idée de la jeune fille, sans nécessairement se limiter à ses connotations conventionnelles. La première partie, intitulée « La virginité, une affaire de jeunes filles », laisse place à une analyse du concept de parthénos à partir d’une lecture au carrefour de la médecine, de la loi et du mythe. Une lecture du traité hippocratique De la maladie des jeunes filles dévoile comment la défloration et la grossesse deviennent une cure érotique, une discipline du corps, qui décide du passage de la jeune fille dans une temporalité utile à la Cité. Un déplacement paradigmatique s’opère au 19e siècle dans les écrits médico-légaux, parce que l’hymen, auparavant inexistant dans la doxa hippocratique, devient le signe matériel par excellence pour examiner le statut de virginité de la fille. L’analyse de ces traités (frères Beck, Ambroise Tardieu, Paulier et Hétet) révèle la configuration de pratiques et de discours d’infantilisation des victimes de viol, et le refus des médecins légistes de reconnaître qu’une femme mariée puisse être violée. À partir d’une lecture contemporaine des tragédies L’Orestie d’Eschyle et Antigone de Sophocle, je montre que les figures d’Antigone et d’Électre constituent des exemples et des symboles convaincants de ce destin funeste de la parthénos qui n’accède jamais au statut de femme mariée. À ces figures mortelles, se télescopent les figures d’Artémis et des Érinyes pour montrer le potentiel de régénération inhérent à la figure de la parthénos. La deuxième partie, qui porte le titre « Le liminaire. Repenser les devenirs de l’adolescence », engage une réflexion à la lisière du contexte contemporain des Girlhood Studies, de la psychanalyse sociale et des études féministes sur le corps et le sexe, pour faciliter le déploiement d’une cartographie plus contextualisée du concept de parthénos. Je montre ici les écueils et les effets du danger qu’engendre la rationalité économique (cf. Henry A. Giroux) pour les espaces de liberté et d’exploration propres à l’adolescence. Cette posture est appuyée sur une lecture des récentes études en psychanalyse sociale (Anne Bourgain, Olivier Douville et Edmond Ortigues). Il est ainsi question d’identifier ce qui marque le passage entre l’adolescence et l’âge adulte : la crainte de la disparition et le fantasme de la naissance de soi. La théorie de la volatilité corporelle qu’élabore Elizabeth Grosz à propos de la sexualité féminine, ainsi que les théories de Michel Foucault, reprises par Judith Butler, en ce qui concerne les disciplines du corps, répondent à mon objectif de sortir de l’écueil d’une temporalité téléologique pour saisir les effets et les ramifications du discours sur la matérialité du corps de la jeune fille, sur ce qui lui arrive lorsqu’elle ne correspond pas tout à fait à l’idéal de régulation. Enfin, la dernière partie, qui porte le titre « Temporalités de la parthénos en tant que sujet liminaire », est traversée par les modalités particulières de la parthénia qui semble désincarnée dans la littérature contemporaine. L’objectif est de prouver que la virginité est toujours un marqueur symbolique qui déploie le destin de la fille dans un horizon particulier, trop souvent celui de la disparition. En proposant un éventail de cinq textes littéraires que j’inscris au sein d’une posture généalogique, je souhaite voir dans la littérature contemporaine, une volonté, parfois aussi un échec, dans cette pensée de la parthénos en tant que sujet liminaire. Le récit Vu du ciel de Christine Angot montre que l’ascension vers le statut d’ange concerne seulement les victimes enfants. Le récit d’Angot met donc en lumière la distinction entre la vraie victime, toujours innocente et pré-pubère, et la fausse victime, l’adolescente. Contrairement à Vu du ciel, The Lovely Bones d’Alice Sebold met en scène la possibilité d’une communauté politique de filles qui sera en fait limitée par le refus du potentiel lesbien. La question du viol sera ici centrale et sera abordée à partir de l’insistance sur la voix de la narratrice Susan. La littérature devient un espace propice à la survie de la jeune fille, puisqu’elle admet la reprise de l’expérience de la première relation sexuelle. Si la communauté est convoquée dans The Lovely Bones, elle est associée à l’image de l’identité sororale dans le roman Virgin Suicides de Jeffrey Eugenides. La pathologie virale et la beauté virginale que construit le narrateur polyphonique et anonyme font exister le discours médical sur la maladie des vierges dans un contexte contemporain. Le récit médical rejoint alors le récit érotique puisque le narrateur devient médecin, détective et voyeur. À la différence de ces trois récits, Drames de princesses d’Elfriede Jelinek montre une parthénos, Blanche Neige, qui fait face à son agresseur pour s’inscrire dans une historicité discursive. Cette collision dialogique ranime le cycle tragique (celui d’une Antigone confrontant Créon) et traduit de nouveau le danger d’une superstructure sociétale composée d’images et de discours où la fille est construite comme un accessoire pour le plaisir éphémère de l’homme. À l’inverse de l’image de la vierge sacrée et désincarnée que proposent les récits d’Angot, de Sebold, d’Eugenides et de Jelinek, Virginie Despentes offre une autre réflexion dans Apocalypse bébé. Le personnage de Valentine est configuré comme une sœur des parthénoi qui préfère le suicide et la terreur à la domestication, faisant ainsi appel à une temporalité radicale et inachevable, celle de la fin de la jeune fille. Mon souhait est enfin de souligner la nécessité de penser au mérite autant épistémologique, intime que politique, d’explorer le temps des éclosions sexuelles de la fille par delà l’idée de la première relation sexuelle. / This thesis traces a genealogy of the girl in Western culture by focusing on key moments in time, the most significant of which I argue is the idea – the expectation – of her becoming a heteronormative woman. Virginity loss has historically served as a symbolic mark capable of determining this passage into a temporality, which is productive for the polis. My objective is to produce a cultural analysis that draws on a map of multiple notions and discourses of female adolescence so as to explore the potentialities of another temporality, different from that of virginity. To do so, I have chosen to use the Ancient Greek word “parthenos” because it does not systematically refer to the oft-conventional connotations related to the “girl” (“jeune fille”). In the first part titled “Virginity, a girl thing”, I analyze the concept of the parthenos through a nexus of discourses: law, medicine, and myth. I read the Hippocratic treaty pertaining to the maladies of virgins, in order to uncover the entwined relationship between puberty, considered a pathology, and coitus and pregnancy, prescribed as an erotic cure. A paradigmatic shift occurs in the 19th Century with the birth of legal medicine: the hymen – absent in the Hippocratic doxa, becomes the sine qua non material sign to determine the girl’s status of purity. I produce a close reading of treaties (brothers Beck, Ambroise Tardieu, Paulier and Hétet) in order to reveal an ideological pattern in these medical and legal practices. I show here that the configuration of virginity is contingent on that of rape, so that older women (oftentimes married women) are refused the right to legally claim that they have been raped. In the last section, I offer a contemporary reading of Aeschylus’ Orestia and Sophocles’ Antigone where I show that Electra and Antigone are telling symbols of the tragic fate that awaits the mortal parthenos who cannot comply with the rules of the polis. A brief portrayal of Artemis and the Furies allows me to show, however, the regenerative potential inherent in the idea of the divine parthenos, as well as the temporary power of chosen parthenia. In the second part titled “The liminary. Rethinking the becomings of adolescence”, I draw on Girlhood Studies, social psychoanalysis and Elizabeth Grosz’s feminist theories on the body so as to deploy a contextualized map of the concept of the parthenos. I read recent theories on adolescence in Cultural Studies (Henry A. Giroux) and social psychoanalysis (Anne Bourgain, Olivier Douville, and Edmond Ortigues) in order to identify what determines the passage between adolescence and adulthood: I discover that it is the tension between the fear of disappearing and the fantasy of autogenesis. These two movements are then seen through the lens of material philosophies of the body, specifically Michel Foucault’s and Judith Butler’s work on the disciplines of the body. My aim is to explore the possibilities and the limitations of a teleological temporality in order to capture the effects and the ramifications of a discourse on materiality. Ultimately, I show that in all the discourses analyzed, the consequence for the girl who does not fit the ideal has always been exclusion for the realm of intelligibility, and from the polis. The third part titled “Temporalities of the parthenos as a liminary subject” is concerned with particular modalities of disincarnated parthenia in contemporary literature. The main objective of this part is to prove that virginity has more often than not inscribed the girl in a specific temporality, that of invisibility and political expropriation. I propose a range of five texts through a genealogical approach to explore how literature can – although it often fails – express another temporality for the parthenos as a liminary subject. Christine Angot’s Vu du ciel shows that ascension to the realm of seraphic metamorphosis only concerns very young girls who have not yet reached puberty. The true victim, Séverine, is prepubescent and sexually unaware, and remains so as an angel, whereas the false victim, Ch., is a younger woman who survived abuse as an adolescent. Ch. must then suffer a terrible fate, since Séverine is charged with the responsibility of slowly and painfully killing her off. On the other hand, Alice Sebold’s The Lovely Bones shows the possibility of a girls’ community although it excludes lesbian relationships. Rape remains a central question, but it is read through the importance of Susan being able to produce a cohesive narrative so as to move to another, more acceptable realm. Literature becomes a hospitable space for the parthenos’ survival, since she is allowed to eventually live her first sexual experience by temporarily being reincarnated through her friend Ruth’s body. Virgin Suicides by Jeffrey Eugenides shows the intimate relationship between suicide, viral pathology and virginity allowing for a contemporary revival of Hippocratic discourse. I read the novel here as an interwoven medical and erotic text where the Lisbon sisters rarely speak, and if they do, their speech is always appropriated by the anonymous polyphonic narrator, who simultaneously perceives himself as a healer, a detective, and a tantalized voyeur at the edge of orgasmic release. Drames de princesses by Elfriede Jelinek allows me to show how Snow White is a parthenos who succeeds in confronting her aggressor, which was never the case in the previous texts. Although her speech animates a tragic cycle of death, it also produces a discursive historicity, which allows the reader to perceive the dangers of a societal superstructure composed of images and discourses where the girl is a passive accessory at the behest of men’s pleasure. Finally, contrary to these sacred and disincarnated parthenoi, Virginie Despentes’ Apocalypse bébé draws on a figure, a sister of all those parthenoi who prefer suicide and terror to domestication. The novel proposes a radical temporality, that of the end of the “jeune fille.” My aim is therefore to underline the necessity of thinking of the epistemological, intimate and political merits of a temporality, which is tied to the importance of claimed plural and subjective sexualities experienced beyond the scope of the loss of virginity.

Le présent mémoire porte sur la réécriture par Vickie Gendreau, auteure québécoise contemporaine, de deux genres funèbres, le testament littéraire et le tombeau poétique. Dans ses deux récits, Testament et Drama Queens, Gendreau met en scène des narratrices qui s'apprêtent à mourir des suites d'une tumeur au cerveau, ce qui soulève plusieurs questions : de quelle manière tisse-t-elle des rapports intertextuels avec les genres évoqués plus haut ? Comment l'appropriation des genres funèbres permet-elle de vaincre l'angoisse associée à la mort proclamée par les médecins ? Comment penser l'écriture du corps et la fictionalisation de soi à l'aune de deux genres datant de l'époque médiévale ou de la Renaissance ? Dans le premier chapitre, nous nous attardons à la construction par Gendreau du testament littéraire dans sa forme médiévale dans Testament et à la reprise dans Drama Queens d'enjeux testamentaires ; l'héritage, la filiation et la transmission. La réécriture permet l'incorporation dans le récit de l'autodérision et de la mise en scène du devenir-cadavre. Dans le second chapitre, nous explorons le tombeau poétique, tant celui de la Renaissance que celui des poètes modernes. Ce faisant, nous abordons les discours de commémoration du défunt et surtout l'appropriation de la commémoration par les deux narratrices, et ultimement par Vickie Gendreau. / This thesis explores the appropriation by Vickie Gendreau, a contemporary Quebec writer, of two death-laced genres: the literary testament and the poetic crypt. In her two novels, Testament and Drama Queen, Gendreau presents female narrators who are about to succumb to a brain tumor, thereby raising a certain number of questions: what kind of intertexual networks exist between her writing and the aforementioned genres? How does the appropriation of these genres helps conquer the fear of her impending death? How is it possible to rethink the writing of one’s body and self-fictionalization, contemporary motives par excellence, and how they manifest themselves in two genres dating back to the medieval and Renaissance eras? In the first chapter, we examine Gendreau’s construction of the literary testament in its medieval form in her novel Testament, as well as the resurgence in Drama Queen of testamentary issues such as heritage, filiation and transmission. This rewriting allows the incorporation of self-mockery and depiction of a soon-to-be dead body in the narrative. The second chapter studies the poetic crypt as it appears both in Renaissance texts and in modern works. It also focuses on commemoration discourses in remembrance of the deceased, as well as the appropriation of this commemoration by the two narrators and, ultimately, by Vickie Gendreau herself.

L’imaginaire social français est aujourd’hui dominé par une peur lancinante. Au début du XXIe siècle, les angoisses démographiques et culturelles entretenues par une partie des intellectuels trouvent de nouvelles assises dans la popularisation de la fantasmatique du « grand remplacement », un scénario conspirationniste qui annonce un changement de population sur le territoire français où une civilisation orientale prend peu à peu la place des « idéaux occidentaux ». La littérature a la particularité de mettre en récit des représentations et des débats précis qui circulent dans l’imaginaire social. Cette étude évalue le travail d’invention spécifique à la littérature produit dans trois romans – L’Épuisant désir de ces choses de Renaud Camus, Petit frère d’Éric Zemmour et Soumission de Michel Houellebecq – qui créent, modifient et reconfigurent cette fantasmatique. Ces textes décrivent et anticipent la fin de la Ve République telle qu’elle est aujourd’hui connue, mais de façons différentes. Pour des raisons ethniques, civiques ou métaphysiques, ils laissent entendre que désormais « la France, c’est les autres! ». / A haunting fear pervades the French social imaginary. In the early twenty-first century the demographic and cultural anxieties of certain intellectuals took root in the popularization of the "great replacement" phantasmatic ; a scenario that announced changes in the populations of French territories, a conspiracy that would lead to Eastern culture eventually replacing "occidental ideals". Literature makes it possible for representations and precise debates circulating in the social imaginary to come alive through storytelling. The present study will evaluate the invention work, specific to literature, that was produced in Renaud Camus's L’Épuisant désir de ces choses, Éric Zemmour's Petit frère and Michel Houellebecq's Soumission. The novels in question create, alter, and reconfigure, albeit in different ways, this phantasmatic, describing and anticipating the end of the Fifth Republic as it is known today. Be it for ethnic, civic, or metaphysical reasons, they suggest that, henceforth, "la France, c'est les autres!".

Le présent mémoire propose de croiser les démarches de deux auteures et artistes contemporaines, Sophie Calle et Miranda July, dont les quatre œuvres à l’étude – Douleur exquise (2003), Aveugles (2011), Rachel, Monique (2012) de Calle et Il vous choisit (2013) de July – se fondent sur des expériences en amont de l’écriture qui mobilisent le corps même des auteures, les engagent dans une action concrète et, bien souvent, dans des interactions avec autrui. Cet art de la contrainte, cet art action qui devient le sédiment de leurs écrits s’inscrit dans la filiation hypothétique des théories du philosophe pragmatique John Dewey et de celles de l’artiste Allan Kaprow – l’un des premiers à réfléchir l’art de la performance. L’écriture intermédiale qu’elles pratiquent – ce jeu de relations entre différents médias au sein même de l’œuvre – permet à la fois de réactiver la valeur performative de l’expérience qui a impulsé la création littéraire et d’embrayer une expérience de lecture qui devient elle-même performative. Exemplaires d’une esthétique relationnelle, polyphoniques dans les voix qui s’expriment, les quatre ouvrages du corpus donnent à sentir le bruissement d’une communauté. Il s’agit d’une littérature interdisciplinaire et intersubjective, mais surtout performative dans son questionnement incessant sur le pouvoir de l’art pour transformer la vie. / This master’s thesis proposes to establish a dialogue between the practices of two contemporary writers and artists, Sophie Calle and Miranda July. The four studied pieces of work – Calle’s Douleur exquise (2003), Aveugles (2011) and Rachel, Monique (2012) and July’s Il vous choisit (2013) – are based on concrete experiences occurring beforehand, prior to the act of writing itself. Those experiences mobilize the body of the writers engaging them in a real action and often in interactions with other people. This form of action art becomes the foundations of their writing and could be linked to the theories of pragmatic philosopher John Dewey and artist Allan Kaprow – one of the first to develop a reflexion on performance art. The intermedial writing that Calle and July practice as a game of relations between different medias in the same work allows both artists to revive the performative value of the experience. It impulses the writing and initiates a reading experience which itself becomes performative. Exemplary of a relational aesthetic, polyphonic in the voices that are expressed, the studied body of work reveals glimpses of community to feel and experiment. It is a literature that is interdisciplinary and intersubjective but primarily performative in its constant questioning of art’s capacity to transform life.

Numérifrag, la première partie de ce mémoire, se présente en tant que code source d’un projet de poésie numérique où les balises html ont été trafiquées de manière esthétique. L’effet répétitif et parasitant du code oblige le lecteur à effectuer un travail de décryptage afin de rendre aux poèmes leur lisibilité. Si le texte est linéaire sur papier, la programmation de chaque poème en tant que page web incite le lecteur à naviguer dans l’œuvre et à actualiser son potentiel d’a-linéarité. La seconde partie de ce mémoire, Corps discursif et dispositif dans Le centre blanc de Nicole Brossard, s’intéresse à la notion de dispositif en tant que subversion, dans le recueil Le centre blanc (1970) de Nicole Brossard. L’élaboration de ce dispositif passe par le corps qui s’exprime au-travers du texte et trouve son souffle chez le lecteur, par l’acte d'interprétation. / Numérifrag, the first part of this M.A. Thesis, is the source code of a digital poetic project where the html tags have been aesthetically manipulated. The repetitive and parasitizing effect of the code forces the reader to decrypt the poems in order to make them readable. If the text is linear on paper, the programming of each poem into a web page otherwise induces the reader to navigate freely in the work and actualize its potential of a-linearity. The second part of this thesis, Corps discursif et dispositif dans Le centre blanc de Nicole Brossard, is about the notion of dispositive as a subversion, in Le centre blanc (1970) by Nicole Brossard. The elaboration of that dispositive is made through the body, which express itself in the text and finds its breath through the reader and his interpretation.