[pt] Investiga-se, nessa dissertação, a escrita textual e imagética do autor e ilustrador Roger Mello, em busca de identificar e discutir as experimentações estéticas que mantêm vivos, em sua literatura, a palavra com sentido ampliado, a imagem que sugere novos olhares e o borramento das fronteiras entre o real e o imaginário e os tempos passado e presente. Para isso, foram selecionados cinco de seus mais de 100 livros publicados: Todo cuidado é pouco (1999), Meninos do Mangue (2001), Zubair e os labirintos (2007), Contradança (2011) e João por um fio (2012). Eles respondem, por amostragem, à pergunta que motivou essa pesquisa: como a literatura de Roger Mello amplia a experiência dos leitores com a linguagem verbo-visual, sugerindo novos afetos para crianças e jovens? Pela análise dos livros-ilustrados de Roger Mello realizada por essa dissertação, percebe-se que as artimanhas estéticas do autor tensionam a linguagem na busca de novas formas de narrar. Formas que deem conta, no contemporâneo, das múltiplas infâncias tratadas na obra do autor. Uma busca que aproxima as narrativas de Roger Mello do território da infância, um lugar movente em que as coisas do mundo não têm lugares e sentidos fixos, tampouco, uma temporalidade linear. / [en] This dissertation investigates the textual and imagistic writing of Brazilian author and illustrator Roger Mello. The work attempts to identify and discuss the forms of aesthetic experimentation which, in Mello s literature, capitalize on the slippery, ever-shifting meanings of words and images. It also examines how Mello s production blurs the boundaries between real and imaginary, past and present. To achieve such goals, the study turns to five of the author s more than 100 published works: Todo cuidado é pouco (You Can t Be Too Careful ) (1999), Meninos do Mangue (Mangrove Children) (2001), Zubair e os labirintos (Zubair and the Labyrinths) (2007), Contradança (Counter-dance) (2011) and João por um fio (João by a Thread) (2012). The corpus provides answers to the overarching question guiding this study, namely, how does Roger Mello s literature magnify readers experiences with verbal-visual language, suggesting new affects for children and young people? The analysis reveals that the author, in his search for contemporary forms of storytelling with which to narrate a range of different childhoods, artfully instills tension into language itself. The dissertation looks into the relationship between Roger Mello s narratives and the unsteady terrain of childhood, where things of the world are freed from rigid spatial, temporal and definitional meanings.

[pt] A modernidade representou um novo período de mudanças para o mundo, com o desenvolvimento da indústria, das máquinas e das tecnologias, além da metropolização das grandes cidades, que alterou a percepção e os quadros de vida do citadino. Com as mudanças empreendidas durante este período, foi possível notar um novo interesse pelo cotidiano urbano. Os acontecimentos históricos, assim como a revolução estética na Arte e o fim das utopias levam a crer que o olhar crítico para o cotidiano é uma das maneiras de indagar o pensamento contemporâneo. A partir de exemplos de travessias deste cotidiano na arte, como a exposição Cotidiano radical, de Marco Paulo Rolla (2015) e o filme Relatos Selvagens, de Damián Szifron (2014), esta dissertação pretende elucidar de que maneira a arte consegue mobilizar não só o cotidiano banal, mas também o cotidiano radical, definindo esta radicalidade, que potencializa o efeito reflexivo do contemporâneo. / [en] The modernity represented a new period of changings to the world, with the development of Industry, the machines and the technologies, besides the metropolization of the great cities, that changed the perception and the scenes of the urban life of citizen. With the changing during this period, as the aesthetic revolution in Art, and the end of the utopias, makes us wonder that the critic view to the everyday life is one of the many ways to inquire the contemporary thinking. From the examples of crossings of this everyday life in art, like the exhibition Radical everyday life, from Marco Paulo Rolla (2015), and the film Wild tales, from Damián Szifron (2014), this dissertation intend to elucidate in which way art can mobilize not just the banal everyday life, but also the radical everyday life, defining this radicality, that potencializes the reflexive effect in the contemporary.

[ES] «Diosas Primigenias, sus mitos, estética e influencia en el arte y las sociedades hipermodernas líquidas», tiene sus fuentes en distintas áreas del conocimiento como la arqueología, la antropología, la sociología, el arte, los feminismos, la teología, etc., con el fin de facilitar la comprensión de la compleja sociedad actual. Para sustentar las hipótesis y objetivos del trabajo, en una primera parte, hemos elaborado un marco teórico con antecedentes en los mitos primigenios, a partir las teorías de Carl Jung o Mircea Eliade entre otros. En el segundo capítulo revisamos los datos arqueológicos alejados de la visión patriarcal, basándonos en datos científicos de Marija Gimbutas entre otras arqueólogas, proponiendo una visión diferente de la forma de organización social y del rol femenino, de acuerdo con la She Story. El mito aquí tratado, fijado en el subconsciente colectivo, forma parte de la estética de nuestras sociedades líquidas por lo que en el tercer capítulo analizaremos la evolución del pensamiento occidental desde Descartes a Lipovetzky, tocando brevemente a Kant, Hegel, Nietzsche, Fromm, y posteriormente las teorías de Marc Augé y Zygmunt Bauman. La segunda parte, cuarto capítulo dedicado a Zygmunt Bauman, y cómo sus teorías sociales han descrito minuciosamente la sociedad en que actualmente vivimos. Todo en esta generación líquida está entrelazado, arte, sociedad, tecnología, comunicaciones globales, mass media, comercio, política, mitos, esta liquidez abarca todos los aspectos de nuestras vidas y se refleja en el cuerpo femenino. Analizamos la presencia y manipulación por parte de los medios de comunicación masiva y las tecnologías, de lo que Zygmunt Bauman denomina la Generación Líquida. Generación que ha nacido con las tecnologías y que no entendería su realidad sin estar «conectada». Entregando su libertad a los nuevos líderes de opinión que son los trenders o los bloggers. Traspasando su lealtad incondicional a las empresas tecnológicas tipo Facebook, Instagram, Amazon, etc Se revisa con perspectiva de género el cuerpo femenino en estos tiempos líquidos, a partir de las teorías fundamentales de Judith Butler, Paul B. Preciado y Griselda Pollock. Dando paso al estudio de las teorías de Bauman con el cambio de perspectiva que los mass media, el marketing, y el consumo voraz de información en red han provocado en los mitos estudiados y de forma específica en el mito de la Diosa Primigenia alterando su significado en pos de la comer- cialización por cantantes como Rosalía, la familia Kardashian o la Mujer Maravilla. En el quinto capítulo serán las teorías de la doctora Griselda Pollock sobre la visión de cuerpo femenino a través de las artes, la creación del canon feminista y su posición frente al cuerpo femenino líquido las que sean hilo conductor del trabajo. Finalmente en el sexto y último capítulo se presentan ejemplos del abuso que las comunicaciones masivas, y la tecnología descontrolada desvirtúan los mitos aquí tratados. Se analiza cómo los mass media, los big brothers, los mitos Marvel, la música pop o el rap, representados por ejemplo en la rapera Minaj, o en Cuban doll, los han utilizado para convertirse en Diosas Primigenias mutantes y desvirtuadas. Se cierra el estudio con ejemplos de las artistas visuales y escultoras, desligadas del fenómeno del comercio rampante; productoras plásticas que advierten de estos peligros y nos conciencian de que el verdadero mito primigenio de esta Diosa sigue vivo y sano, en un mundo donde aún existe la conciencia y la salud mental, como Ana Mendieta, Rebecca Horn, Nalini Malani entre otras. Sirva como colofón mi producción llevada a cabo en relación con el presente proyecto de investigación; materializado en tres exposiciones personales a lo largo de este período bajo los títulos de: «Mujeres Celestes, Mitos Primigenios», «Mitos en tiempos líquidos» y «Mito poemas / [CA] Aquesta investigació «Deesses Primigènies, els seus mites, estètica i influència en l'art i les societats hipermodernes líquides», té les seues fonts en diferents àrees del coneixement com l'arqueologia, l'antropologia, la sociologia, l'art, els feminismes, la teologia, etc., amb la finalitat de facilitar la comprensió de la complexa societat actual, l'estructura líquida que la defineix i la seua influència en l'estètica del cos femení. Per a sustentar les hipòtesis i objectius del treball, en una primera part, hem elaborat un marc teòric amb antecedents en els mites primigenis, a partir les teories de Carl Jung o Mircea Eliade. En el segon capítol revisem les dades arqueològiques allunyades de la visió patriarcal, i basant-nos en dades científiques de Marija Gimbutas entre altres arqueòlogues, analitzem la història des d'un punt de d'acord amb la She Story. El mite ací tractat, fixat en el subconscient col·lectiu, forma part de l'estètica de les nostres societats líquides pel que en el tercer capítol analitzarem brevíssimament l'evolució del pensament occidental des de Descartes a Lipovetzky, recorrent les diferents teories fonamentals per a comprendre on ens trobem en l'actualitat. Kant, Hegel, Nietzsche i Fromm, i posteriorment a les teories de Marc Auge i els «no llocs» i Zygmunt Bauman i la societat líquida. La segona part s'inicia amb el quart capítol dedicat a Zygmunt Bauman, i com les seues teories socials han descrit minuciosament la societat en la que actualment vivim. Tot en aquesta generació líquida està entrellaçat, art, societat, tecnologia, comunicacions globals, mass media, comerç, política, mites, i aquesta liquiditat abasta tots els aspec- tes de les nostres vides i es re ecteix en el cos femení. Analitzem també la presència i manipulació per part dels mitjans de comunicació massiva i les tecnologies, del que Zygmunt Bauman denomina com la «Generació líquida», la societat líquida en l'estètica femenina. Generació que ha nascut amb les tecnologies i que no entendria la seua realitat sense estar «connectada». Entregant la seua llibertat als nous líders d'opinió que són els trenders, els bloguers, les momagers, a les empreses tecnològiques tipus Facebook, Instagram, Amazon, etc., totes elles dedicades als mitjans de comunicació massiva i al control de dades que faciliten als sistemes suprapanòptics per a manipular aquesta llibertat voluntàriament entregada. En el cinquè capítol es resumeixen les xarrades i seminaris haguts amb Griselda Pollock en els seus estudis sobre la visió de cos femení a través de les arts, la creació del cànon feminista i la seua posició enfront del cos femení líquid. Finalment en el sisè i últim capítol es presenten exemples de com l'abús absurd que les comunicacions massives, i la tecnologia descontrolada desvirtuen els mites ací tractats. S'analitza com els mass media, els big brothers, els mites Marvel, la música pop o el rap, representats per exemple en les Kardashians, o en la rapera Minaj, o en Rosalía els han utilitzats per a convertir-se en Deesses Primigènies mutants i desvirtuades. Es tanca l'estudi amb exemples de les artistes visuals i escultores, deslligades del fenomen del comerç rampant; productores plàstiques que adverteixen d'aquests perills i ens consciencien que el vertader mite primigeni d'aquesta Deessa continua viu i sa, en un món on encara existeix la consciència i la salut mental, com Ana Mendieta, Louise Burgeoise, Rebecca Horn, Nalini Malani entre altres. Servisca com a colofó la producció duta a terme en relació amb el present projecte d'investigació; materialitzat en tres exposicions personals al llarg d'aquest període sota els títols de: «Dones Celestes, Mites Primigenis», «Mites en temps líquids» i «Mite poemes femenins». / [EN] This investigation «Primeogenial Goddesses, their myths, aesthetic and inuflence in art and in the hyper-modern liquid societies» is supported by several areas of knowledge, such as archaeology, anthropology, theology, sociology, art, feminisms and psychology, etc., in order to grasp the complexity of the society in which we live. To sustain the hypothesis and objectives of this paper, in the first part we elaborate a theoretical framework, with the background of the primeogenial myths and the female body, based on the theories of Carl Jung or Mircea Eliade among other theorist. In the second chapter archaeological data is revised, based on scientific data of Marija Gimbutas among other archaeologists giving a different point of view, the She Story. The Inherited in the collective subconscious, the myth of the Primogenial Goddess forms part of the aesthetics of our liquid societies, for that reason, in the third chapter, very briefly we analyze the evolution of western thought, from Descartes to Lipovetzky, journey through fundamental theories to understand where we stand now a days: Kant, Hegel, Nietzsche and Fromm arriving to the «no place» theory of Mark Augé and finally the liquid society theory of Zygmunt Bauman. On the second part of this work, chapter four, dedicated to Zygmunt Bauman, how its social theories have meticulously analyse the society we live in. How everything is intertwined; art, society, technology, global communications (mass media), commerce, politics, myths in this liquid generation, which cover all aspects of our lives and how it reflects in the feminine body. A generation that has been born into the technologies, and would never understand its own reality if «not connected». They blindly trust it and their new leaders of opinion the trenders, bloggers, momagers, the new loyalty is devoted to technological corporations like Facebook, Instagram, Amazon, handing the private information to the supra panoptic systems, information voluntarily given by the individuals of this generation. A perspective of gender is revised, the female body in liquid times, through the essential theories of Judith Butler, Paul. B. Preciado and Griselda Pollock. How all converge with the theories of Bauman, changing the perspective that mass media, marketing and the insatiable commerce of information on the net. On the fifth chapter Griselda Pollock through its lectures of the feminine body in the arts, the feminine body and the canon, the creation of this feminist canon and the position of the feminine body of the primeogenial myth in modernity, lightens us in such aspects. The sixth and last chapter, examples are given of the absurd abuse of the massive communications, uncontrolled technology and how they undermine and distort the myths we study. This bricoleur mentioned by Levi-Strauss leads to a nonsense power of the voracious commerce that mass media impose on us, like the big brothers, represented by the Kardashians, the Marvel myths. The phenomenon like rappers Minaj, or Rosalía among other mutant Primeogenial Goddesses, twisted and distorted. To close this thesis with samples of art, visual artists and sculptress, detached from the phenomenon of the voracious commerce, plastic producers in which mental health and consciousness still exist among others, Ana Mendieta, Louise Burgeoise, Rebeca Horn, Nalini Malani, or Sahara Sitkin. I conclude this research with my own artistic production which has been presented in three personal exhibits through the duration of the investigations: «Celestial women, Primeogenial myths», «Myths in liquid times» and «Feminine myth-poetics». / Leiva Del Valle, A. (2020). Diosas primigenias, sus mitos, estática e influencia en las sociedades hiper-modernas líquidas [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/156046

[pt] Este trabalho compõe-se de diferentes modos de estruturação textual, acompanhando uma tendência pós-moderna. Através da fabricação de suas memórias pessoais, o autor apresenta e avalia a atuação do CEP 20.000, de que participa como coordenador, desde a fundação, em 1990. A perspectiva crítica é a do observador da cidade, uma espécie de flâneur do panorama cultural, de onde colhe a matéria para sua escrita, produzida em intercâmbio com uma rede de amigos. A primeira pessoa do discurso quer-se propositalmente frágil, empenhada na experiência de deixar-se atravessar por uma pluralidade de vozes e pontos de vista. Ao longo dos capítulos, misturam-se crônicas, desenhos, e-mails, cartas, entrevistas, notícias de jornal, fotografias, poemas, contos e fragmentos de outros textos, inéditos ou já publicados, cuja seleção e articulação foi planejada de modo a dialogar com o discurso acadêmico. Trata-se de uma proposta alternativa de trabalho escritural adequado a uma compreensão ampla da história do presente. / [en] This work is composed by different modes of text framing, according to a postmodern tendency. While weaving his fictionalized memories, the author presents and evaluates the performance of CEP 20.000 which he has helped founding, in 1990, and coordinates till this day. His perspective is that of the spectator of the town life, a kind of flâneur in the cultural scenery, where he gathers up the subjects for his writing produced in interchange with a net of friends. The first person of speech intends to be fragile since it is meant as an experience of textuality intertwined by a plurality of voices and viewpoints. The chapters are built in blocs alternating with a miscellany of chronicles, drawings, e-mails, letters, intervews, news, photographs, poems, short stories and fragments of other types of texts, published or not. The choice and articulation of this material was planned to establish a dialogue with the accademic discourse. The goal of the essay is to propose a writing strategy adequate to a broad understanding of the history of the present.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:17:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Carlos Augusto Alfeld Rodrigues.pdf: 3220495 bytes, checksum: 7af7f0231da01250360719c23f24d76e (MD5) Previous issue date: 2008-10-30 / This dissertation presents a cutting of the audiovisual medias, in the case the television, considered an expressive media of the contemporary culture. It is a study of the focus given to the feminine and the masculine by two programs, Superbonita and Contemporâneo, transmitted by the cable television channel GNT, that makes part of the net of channels Globosat. Those programs are thematic, one approaches the feminine universe and the other the masculine. The main proposal of this study is centered in the investigation of like GNT it builds the discursive taste of the feminine and masculine audience. The central objective is to show how the subject's identity is constituted for the other in taste terms. With base in the identification of the figurative lines, the accomplished investigation looked for answers for as the simulacrum of the feminine and of the masculine they are enrolled in the discursive structures of Superbonita and Contemporâneo. The generated effect of sense of the cutting that those programs do of the global pattern are of the order of the spectacular, that it is originating from the staging s of the media resulting in the way for which the situations are presented in the pictures of the programs. The one that is presented is a situation no rehearsed that it stages, in action, the effects of sense of the lived experience. In the analysis of Superbonita and of Contemporâneo we used the theoretical-methodological outline of the Semiotics developed around Algirdas Julien Greimas and the Sociossemiotic by Eric Landowski prioritizing the interaction regimes as sense regimes. We treated of the subjects related to the discursive interaction, to the taste forms and the direction for the consumption that they are put in Superbonita and in Contemporâneo. Doing complex of the media it acts on three interaction regimes, where the logic that prevails is the one of the regularity and of the intentionality, the contagion happens for an impression form, in which the enunciatee will resist the incentives, to the pulses given by the enunciator. Doing to feel is explored to move in the volition of the programming, because the road traveled to encourage the volition passes for the sensibility / Esta dissertação apresenta um recorte das mídias audiovisuais, no caso a televisão, considerada uma mídia expressiva da cultura contemporânea. Trata-se de um estudo do enfoque dado ao feminino e ao masculino por dois programas televisuais, Superbonita e Contemporâneo, transmitidos pelo canal de televisão a cabo GNT, que faz parte da rede de canais Globosat. Esses programas são temáticos, um aborda o universo feminino e o outro o masculino. A proposta principal deste estudo centra-se na investigação de como o GNT constrói discursivamente o gosto da audiência feminina e masculina. O objetivo central é mostrar como a identidade do sujeito se constitui para o outro em termos de gosto. Com base na identificação dos traços figurativos, a investigação realizada buscou respostas para como os simulacros do feminino e do masculino estão inscritos nas estruturas discursivas e sêmio-narrativas de Superbonita e Contemporâneo. Os efeitos de sentido gerados do recorte que esses programas televisuais fazem do padrão global são da ordem do espetacular, que é proveniente das encenações da mídia resultantes do modo pelo qual as situações são apresentadas nos quadros dos programas. O que é apresentado é uma situação não ensaiada que encena, em ato, os efeitos de sentido da experiência vivida. Na análise de Superbonita e de Contemporâneo usamos o arcabouço teórico-metodológico da Semiótica desenvolvida em torno de Algirdas Julien Greimas e as teorizações da Sociossemiótica de Eric Landowski priorizando os regimes interacionais como regimes de sentido. Tratamos das questões relacionadas à interação discursiva, às formas de gosto e ao encaminhamento para o consumo que estão colocadas em Superbonita e em Contemporâneo. O fazer complexo da mídia atua sobre três regimes interacionais, onde a lógica que prevalece é a da regularidade e da intencionalidade, o contágio acontece por uma forma de impressão, na qual o enunciatário vai reagir aos estímulos, aos impulsos dados pelo enunciador. O fazer sentir é explorado para mexer no volitivo da programação, pois o caminho percorrido para animar a volição passa pela sensibilidade

In Italia il genere “giallo”, definibile anche “poliziesco”, “thriller”, e ultimamente “noir”, fra il ventennio conclusivo del Novecento e il primo decennio del Duemila mostra interessanti linee evolutive, che si collegano con i flussi della storia recente e le paure di fine millennio. Da un lato si assiste all’affermarsi del “giallo metropolitano”, cioè al proliferare di scrittori che si legano alla propria città, d’origine o di elezione, in particolare con Milano, che conquista la palma di città più “nera” d’Italia; dall’altro al consolidarsi del legame fra autori e territori più vasti, tanto da poter parlare di un nuovo regionalismo “giallo”. Ma la novità più interessante consiste nell’entrata in scena di nuovi aspetti: la fusione con elementi propri della fantascienza, o addirittura fantastici, che colorano il giallo di una sfumatura soprannaturale, tra commissari che sentono i pensieri delle vittime di omicidio, o hanno visioni mistiche, e assassini guidati dal sussurro del diavolo. Il giallo storico presenta a sua volta tutti questi aspetti, mostrando come l’ambientazione storica diventi spesso un pretesto per mettere in scena i problemi del presente. / In Italy the crime novel, that can be also defined “detective story”, “thriller”, or more recently “noir”, between the last twenty years of Twentieth century and the first decade of Two Thousand, shows an interesting evolution, that can handle with some recent historical events, or can be linked with the end of Millennium fears. On the one hand, we can see the rise of “metropolitan crime novel”, in which many writers set their novels always in the same city, their native one or the city in which they live; Milan is the most important in this list and wins the prize of “crime city” in Italy. On the other hand, many novelists establish a strong relationship with their own region, creating a new “crime” regionalism. The most interesting trend is that science fiction and supernatural events enter the crime novel, with policemen that can hear the thoughts of the victims, or have mystic visions, and killers that are guided by a whispering devil. All these aspects appear also in the historical crime novel, that shows how history is often a sort of pretext to stage some problems of the current society.

Lo studio approfondisce la questione dei rapporti tra la geografia e il cinema, in particolare il cinema contemporaneo. La “propensione geografica” del cinema, tipicamente individuata da molti studiosi, deve oggi confrontarsi con un problema fondamentale: quello di una riconsiderazione radicale dei limiti del discorso geografico, e della geografia intesa come scienza, come sapere e come progetto della modernità. In che modo un medium con un’antica vocazione geografica oggi interpreta, commenta, elabora la “crisi della ragione cartografica”? Le “forme cartografiche” del cinema, cioè le porzioni di testo filmico che riflettono sulla geograficità del medium, nel cinema recente non si limitano a dichiarare o a celebrare tale geograficità, ma la considerano come un problema. Se le forme cartografiche sono considerate in modo problematico nel cinema contemporaneo è perché il cinema stesso si è accorto, o si è convinto, che il proprio ruolo è cambiato, che non può più (forse non deve) guardare in un certo modo. Perché la crisi della ragione cartografica del cinema è un sinonimo della crisi strutturale della cinematograficità, di un modo di vedere il mondo, di un dispositivo, di una geometria che descriveva le posizioni di soggetti e oggetti, il loro valore e il loro significato. / This work explores the relationship between geography and cinema, especially contemporary cinema. The “cartographic penchant” of cinema, typically traced by many scholars, has to face a fundamental problem today: a radical reconsideration of the geographical discourse, and of geography intended as a science and an epistemic project of modernity. How does a medium with an ancient geographical vocation deal with the “crisis of cartographic reason”? The “cartographic shapes” of cinema, which are portions of filmic texts that mirror the “geographicity” of the medium, in contemporary cinema do not simply declare or celebrate that kind of geographicity, but they consider it as a problem. The reason the cartographic shapes are problematically represented by recent cinema is that cinema itself is aware, or became convinced, that its cultural role has changed, that it cannot understand the world in a certain way anymore. Because the crisis of cartographic reason of cinema is a synonym of a structural crisis of “cinematographicity”, of a way of looking at the world, of a dispositif, of a geometry that used to describe the positions of subjects and objects, their value and their meaning.

[pt] A dor vem tem sido tomada como um mal-estar tipicamente contemporâneo, opinião que instigou essa investigação teórica e permitiu identificar a problemática da alteridade e a condição solipsista da subjetividade. Os casos clínicos que apresentam dores físicas crônicas serviram de base para questionar qual seria o lugar da dor na teoria psicanalítica, através de uma metodologia que é percorrer o discurso freudiano na tentativa de compreender de que dor se trata, objetivo principal deste levantamento. O caminho percorrido inicia-se no final do século XIX, quando a linguagem freudiana está ainda muito relacionada à medicina, ponto esse que viabiliza uma importante distinção entre a dor para a medicina e para a psicanálise, e se estende até os textos do final da obra freudiana. A pesquisa realizada trouxe um impasse: como pensar psicanaliticamente uma dor que é física? A resposta vem do próprio discurso freudiano que, ciente da problemática corpo-mente, aproxima dor física e dor psíquica. Além deste apontamento pôde-se também vislumbrar uma associação da dor física com a melancolia, e com a inibição das funções do eu – aproximações que servem de base para escolher certos manejos clínicos. / [en] Pain is considered as a typically contemporary malaise, an opinion which motivated our theoretical investigation and permitted to identify the problem of otherness and solipsistic condition of modern subjectivity. The clinical cases of chronic physical pain served as a basis for studying the place of pain in the psychoanalytic theory and use the methodology of travelling through the Freudian discourse in an attempt to understand what pain is this pain, which is the main objective of this survey. The path begins in the late nineteenth century, when Freudian language was still related to medicine, and this period allows an important distinction between pain for medicine and pain for psychoanalysis, and continues to the final Freudian texts. The survey brought an impasse: how to think psychoanalytically a pain that is physical? The answer comes from the Freudian discourse that, aware of the problematic relationship between mind and body approaches physical pain and psychic pain. In addition to this, I could also discover an association between physical pain with melancholy and with the inhibition of functions of the ego - these associations serve as the basis for choosing certain clinical managements.

[pt] Essa tese investiga a relação entre o espectador e a cena a partir de algumas experiências de dança contemporânea. Procura-se entender como os artistas trabalhados criam, cenicamente, novos modos de fazer circular afetos e sentidos convidando o espectador a se despir das posições a que tradicionalmente está atrelado, seja como alienado, seja como hermeneuta. A trajetória da coreógrafa e cineasta Yvonne Rainer é o ponto de partida para a reflexão sobre a complexa relação entre a cena e o espectador, na qual as dimensões política, afetiva e imaginária da experiência artítica se tensionam. Rainer pesquisa, desde os anos 60, formas do corpo em cena resistir à captura do olhar do espectador, através da valorização de sua materialidade. A tese procura pensar, portanto, a partir da trilha aberta pela coreógrafa, como essa noção de materialidade não se entende como uma forma que possa ser significada, mas como uma força que desestabiliza a ordem das representações e impele a novos modos de produzir e refletir acerca do sentido do mundo. A partir dos trabalhos de Rainer, Jérôme Bel e Ann Teresa de Keersmaeker, Lia Rodrigues e Israel Galván, em diálogo com o pensamento contemporâneo a respeito da relação entre arte, corpo e política, a tese se propõe a pensar, por fim, como a exposição cênica da vulnerabilidade pode ser concebida como uma estratégia de criação potente. / [en] The present thesis investigates the connections between the spectator and the scene through some experiences of contemporary dance, trying to understand how the artists here studied create, scenically, new modes of circulation of affects and senses. Thus, the spectator is invited to abandon its traditional positions in which he appears either as an alienated participant either as hermeneutist interpreting the codes of the scene. The trajectory of the choreograph and film maker Yvonne Rainer is the starting point to question the complex relationship between the scene and the spectator in wich the political, affective and imaginary aspects of the artistic experience are in permanent tension. Rainer searches since de 60 s ways to make the body resist to the capture of the spectator s gaze, by valuing it s intrinsic materiality. Trough the path opened by Rainer, the thesis wishes to understand materiality not as a form that can be signified but as a force that destabilizes the logic of representation and impele in the direction of new forms of producing and thinking about the sense of the world. Through the works of the performers Yvonne Rainer, Jérôme Bel, Ann Teresa de Keersmaeker, Lia Rodrigues and Israel Galván in dialogue with contemporary thinking about the connections between arts, politics and body the thesis intends, finally, to think of how the scenic exposure of vulnerability can be conceived as a powerful strategy of artistic creation.

[pt] Em suas aceleradas transformações, o mundo contemporâneo se apresenta diante dos nossos olhos como algo disforme no qual o designer procura caminhos de atuação. Em nossa tese procuramos investigar, dentro do campo da arte-design, práticas de resistência à sociedade de controle – tal como teorizada por autores como Foucault, Deleuze e Guattari, Negri – a partir da metáfora do monstro, ou melhor de monstruações entendidas como processos que emanam diretamente da vida social e alcançam uma dimensão estética. No primeiro capítulo apresentamos experiências históricas: da mestiçagem tal como concebida por Freyre à antropofagia proposta por Oswald de Andrade para a cultura moderna, passando pelo fricção entre arte e etnografia empreendida por Bataille; e mais tarde, das derivas dos Situacionistas aos happennings dos Tropicalistas, passando pelos Parangolés de Oiticica. Sempre no mesmo capítulo, apresentamos nossa proposta teórica de uma estética constituinte – estética da multidão – assim como hipóteses de outros designs possíveis. Nesse sentido, pesquisamos no segundo capítulo práticas estéticas de um precariado constituído por movimentos sociais urbanos – Sem Teto, Sem Emprego e Sem Máquinas Expressivas – em luta nas metrópoles. Denominamos Multiformances suas carnavalizações, performances e ocupações, e as analisamos a partir da filosofia da linguagem. Contudo, a efemeridade dessas manifestações nos levou a investigar como manter algum nível de mobilização política e de consistência estética para além do evento. No terceiro capítulo, analisamos práticas expressivas constituídas imediatamente nas redes sociais e tecnológicas da internet. Denominamos Plataformas essas práticas que distribuem, dispõem e maquinam o evento estético-político. Sua monstruosa cooperação desafia as capturas que caracterizam o capitalismo contemporâneo, dito cognitivo. Para além de um design engajado, concluímos sobre um design encarnado. / [en] In its accelerated transformation, the contemporary world presents itself as something disform in which designers seek ways of acting. In our thesis we investigate, within the field of art-design, practices of resistance to the society of control – as it was theorized by authors such as Foucault, Deleuze and Guattari, Negri – inspired by the metaphor of the monster, or rather by monstruations understood as processes that emanate from social life and achieve an aesthetic dimension. In the first chapter, we present a few historical experiences: the miscegenation as conceived by Freyre, the friction between art and ethnography undertaken by Bataille and the antropofagia as proposed by Oswald de Andrade for modern culture; and later, derives by the Situationists, parangolés by Hélio Oiticica and happennings by the Tropicalists. In the same chapter, we present our theoretical proposal of a constituent aesthetics – aesthetics of the multitude – as well as hypotheses of other possible designs. Accordingly, in the second chapter, we search for aesthetic practices of a precariate constituted by urban social movements – Homeless, Jobless and Medialess – fighting in the metropolis. We call Multiformances their carnivalizations, performances and squattings, and we analyze them with the philosophy of language. However, the ephemerality of these manifestations led us to investigate how to maintain some level of political mobilization and aesthetic consistency beyond the event. In the third chapter, we analyze expressive practices incorporated immediately in social and tecnological networks of the Internet. We call Platforms these practices that distribute, dispose and machinate aesthetic-political events. The monstrous cooperation of the multitude challenges contemporary capitalism, known as cognitive. Aside from an engaged design, we conclude on an incarnated design.