Esta dissertação tem como campo empírico uma determinada escola da rede privada de Porto Alegre, RS (Escola Projeto), que contempla a arte contemporânea em seu currículo e que convida artistas a construírem esse trabalho em parceria. Como proposta de investigação, busca olhar para os movimentos que esse modo de pensar a arte provoca em professoras e artistas visuais que se aventuram para, juntos, viverem a escola e a educação, produzindo pensamento e estranhando práticas naturalizadas e acomodadas pelo tempo e pelo uso. Pensar o estranhamento nas práticas docentes, instigadas pelas provocações da arte contemporânea, sugere uma aproximação à noção de discurso, tendo em Michel Foucault o principal referencial teórico. Discurso que emerge a partir de conversas e entrevistas com os sujeitos de pesquisa e que são analisadas dentro do campo discursivo que as envolve, neste caso, arte e educação. Movimentos e discursos interessam a esta pesquisa, pois atuam no sentido de olhar para as práticas tidas como mínimas ou basiquinhas, termo usado por um dos sujeitos de pesquisa, e contribuem para pensar na contramão da acomodação e da generalização, tão presentes no modo como a escola vem se constituindo historicamente. Por tratar da arte e da docência, encontrando pontos de encontro e de conflitos entre os fazeres artísticos e pedagógicos, termos como rigor, criação e participação são analisados desde esses dois pontos de vista. Ao olhar para esses encontros, apostando na possibilidade de exercícios de modificação, criação e compartilhamento, ganha força o conceito de docência artista, apresentado por Luciana Loponte, na relação com uma formação docente artista, termo que nasce nesta pesquisa e que se refere a uma formação contaminada, acompanhada e encharcada pelo contato próximo com a arte contemporânea, capaz de rever as relações mais seguras sobre ensinar e aprender, nas artes e para além delas. Desse modo, mais do que buscar resultados ou apontar soluções, esta dissertação busca realizar apostas: na docência, com suas dúvidas e estranhamentos; na escola, com sua possibilidade de educar sem consolação; na arte contemporânea, com sua abertura para provocar rupturas e para desestabilizar o pensamento. É, portanto, nos encontros entre docência, escola e arte contemporânea que esta escrita desenvolve-se, adquire intensidade e potência. / This thesis has as an empirical study a certain private school in Porto Alegre, RS (School Project), which includes contemporary art into its curriculum as well as invites artists to build this partnership work. The bulk of this thesis is devoted to looking at what the moves that this way of thinking art instigate teachers and visual artists who venture to jointly live school and education, reasoning and wondering practices which are naturalized and accommodated by time and use. Thinking strangeness in teaching practices, instigated by contemporary art provocations, suggests an approach to the notion of discourse, having Michel Foucault as the main theoretical framework. Discourse that emerges from conversations and interviews with research subjects that are analyzed within the discursive field that these conversations involve, namely, art and education. Moves and discourses are subjects of interest to this research as they act in order to look at the practices taken as minimal or rough (basiquinhas), a term used by one of the research subjects, and contribute to think against of the grain of accommodation and generalization, as present in the way school has historically constituted. As this thesis discusses art and teaching, finding junction and conflict points between artistic and pedagogical doings, terms such as strictness, creation and participation are analyzed from these two standpoints. When looking at these junctions, focusing on the possibility of modification, creation and sharing exercises, gains strength the concept of artist teaching profession (docência artista), presented by Luciana Loponte, in relation to an artist teacher training (formação docente artista), a term born in this research which refers to an infected training, soaked and accompanied by close contact with contemporary art, able to review the most secure relationships on teaching and learning in the arts and beyond. Thus, more than seeking results or pointing solutions, this thesis aims at investing: in teaching, with its inquiries and strangeness; in school, with its ability to educate without consolation; in contemporary art, with its opening to cause disruptions and to destabilize the thought. It is, therefore, matches between teaching, school and contemporary art that this thesis develops, acquires intensity and power.

Arte em partilha trata das práticas colaborativas em arte contemporânea em seu processo de consolidação. Ao se utilizar do termo “partilha do sensível”, de Jaques Rancière, a pesquisa reflete sobre estas práticas a partir de três pontos: desmaterialização do objeto da arte, espaço de ocorrência e o outro. No capítulo OUTRA COISA, estas práticas são tratadas como elementos de novas formas de fazer na arte contemporânea e de como o objeto-coisa transforma-se em objeto processo. No capítulo OUTRO LUGAR a questão da espacialidade e endereçamento destas ações é discutidas. Em O OUTRO, é refletido de como a inserção do outro no processo artístico perpassa a questão do espectador. Ao longo do texto, são utilizados projetos dos artistas: Ricardo Basbaum, Ana Laura Lopez de La Torre, Sebastian Romo, Ana Maria Saavedra e Luis Alárcon (Galeria Metropolitana), Antoni Abad, Leticia Bertagna e Janice Martins Sitya Appel. / Art in distribution deals with collaborative and participative practices in contemporary art in its consolidation process. Using the term "distribution of the sensible" by Jaques Rancière, the research reflects on these practices from three perspectives: dematerialization of the art object, spatiality and the other. In chapter OTHER THING, these practices are analyzed as elements of new ways of art making in contemporary art and how the object-thing transforms into an object-process. In chapter OTHER PLACE, the issue of spatiality and addressment of these actions is discussed. THE OTHER reflects how the inclusion of the other in artistic process permeates the question of the spectator. Ricardo Basbaum, Ana Laura Lopez de la Torre, Sebastian Romo, Ana Maria Saavedra and Luis Alarcon (Metropolitan Gallery), Antoni Abad, Leticia Bertagna and Janice Martins Sitya Appel are the artists used as cases for this research.

Este trabalho possui como tema o mercado da arte em Porto Alegre entre as décadas de 1990 e 2000, com foco no que denominamos de mercado da arte contemporânea. Volta-se a uma abordagem a partir do produtor primário, em outras palavras, o artista. Ou seja, na tríade “produtor, intermediários e consumidor”, a perspectiva adotada está centrada no produtor. Possui como objetivo averiguar e compreender as mais variadas mercadorias produzidas e comercializadas pelos artistas, assim como sua inserção em um mercado de trabalho. Deste modo, esta pesquisa não se limita a considerar somente o processo de compra e venda de obras, mas se propõe a entender e refletir sobre como os artistas participam de um processo produtivo e mercadológico entre 1990 e 2012 em Porto Alegre. Para tal entendimento, constitui-se uma pesquisa interdisciplinar entre arte, sociologia e economia, tendo como aporte teórico Pierre Bourdieu, Domenico de Masi, Michael Hardt, André Gorz e Maurizio Lazzarato. A pesquisa foi constituída a partir de três vertentes. A primeira, via entrevistas com atores locais do campo artístico (artistas, colecionadores, galerista, curadores, professores universitários). A segunda, através de enquete disponibilizada e divulgada via internet, que pretendeu atingir o maior número possível de agentes locais. A terceira, por meio de revisões bibliográficas a respeito da estrutura e história de um sistema artístico e seu mercado em Porto Alegre. Assim, esta proposição discute a condição do artista inserido em um sistema artístico, produtivo, mercadológico e seus meios de aquisição de capital financeiro, simbólico e de permanência no campo. / The theme of this work is the art market in Porto Alegre between the decades of 1990 and 2000, focusing on what we call contemporary art market. Its approach is on the primary producer, in other words, the artist. I.e., in the triad "producer, middlemen and consumers", the adopted perspective is centered on the producer. It is aimed at finding out and understanding the various goods produced and marketed by the artists, as well as their insertion in a labor market. Thus, this research is not limited to considering only the process of buying and selling works, but it aims to understand how artists participate in a production and a marketing process between 1990 and 2012 in Porto Alegre. For such understanding, it constitutes an interdisciplinary research between art, sociology and economics, having as theoretical basis Pierre Bourdieu, Domenico de Masi, Michael Hardt, André Gorz and Maurizio Lazzarato. The research has three strands. The first one, via interviews with agents from the local field (artists, collectors, gallery owners, curators, university professors). The second one, through a survey available and disseminated via the Internet, which sought to reach the largest possible number of local agents. The third one, through literature reviews on the structure and history of an art system and its market in Porto Alegre. Thus, this proposition discusses the status of the artist inserted into an artistic, productive and marketing system and their means of acquisition of financial, symbolic and permanence capital in the field.

A tese tem por finalidade problematizar a produção de sentido na arte contemporânea. O foco de investigação está voltado para as experiências estéticas dos alunos em saídas pedagógicas à 8ª Bienal do Mercosul. A pesquisa caracteriza-se por uma abordagem qualitativa que busca compreender os significados atribuídos pelos sujeitos às suas experiências. Fundamenta-se no conceito de experiência de John Dewey, encontrando, na semiótica discursiva de A. J. Greimas, o referencial teórico-metodológico para a análise da significação. O estudo discute os desafios da educação atual, a partir do olhar e da experiência com a arte contemporânea no contexto escolar. Para isso, enfatizam-se as abordagens de Thierry de Duve e Ana Mae Barbosa, ao problematizar o ensino da arte, e fundamentam-se, as reflexões sobre a arte contemporânea, nas teorias de Arthur Danto, Anne Cauquelin e Nicolas Bourriaud. A pesquisa envolve as experiências estéticas de alunos das séries finais do Ensino Fundamental de três escolas da Rede Municipal de Canoas/RS, que são analisadas tendo como referência os regimes de sentido e interação propostos por Eric Landowski. Ao considerar a interação com a arte contemporânea como uma experiência sensível e inteligível, observou-se a recorrência de sentidos específicos apoiados em princípios fundamentais da experiência estética com a arte contemporânea. A compreensão construída em torno da percepção dos sentidos, produzidos pelos alunos na interação com a arte contemporânea, foi representada por meio do “quadrado semiótico”. Nesse esquema, salientam-se os regimes de contemplação, interrogação, significação e percepção, como resultantes da apreensão estética da arte contemporânea. / This thesis aims to problematize the meaning production in contemporary art. It is based on an investigation that used the esthetic experiences of students in their pedagogical visits to the 8th Mercosul Biennial. The research is characterized by a qualitative approach that intends to comprehend the meanings that are assigned to the experiences by each subject. The theoretical support is the John Dewey concept of experience, finding in the discursive semiotics of A. J. Greimas the theoretical and methodological source to the meaning analysis. The study discusses the challenges of present day education, considering the ability to see and the experience with contemporary art at the school context. In order to do this, since it is problematized the teaching of art, there is an emphasis on the approaches developed by Thierry de Duve and Ana Mae Barbosa, and to comprehend contemporary art, it is taken the support of Arthur Danto, Anne Cauquelin e Nicolas Bourriaud theoretical ideas. The research takes the experiences from students in final grades of Elementary Education from three public schools assisted by the city of Canoas/RS/Brazil. These experiences were analyzed using the modes of meaning and interaction that were presented by Eric Landowski. As the interaction with contemporary art was considered as a sensible and intelligible experience, it was observed the recurrence of specific meanings grounded in basic principles from the esthetic experience with contemporary art. The comprehension built around the perception of meanings, which were produced by the students in the interaction with contemporary art, was represented using the semiotic square. In this scheme, modes of contemplation, questioning, meaning and perception were pointed out as a result of contemporary art apprehension.

A presente dissertação tem como foco estudar a paisagem pictórica na arte contemporânea através do trabalho de Teresa Poester. Outros artistas como Cristina Canale, Gelson Radaelli, Luiz Zerbini e Vânia Mignone serão utilizados para confrontar aspectos de semelhança ou diferença entre as obras. Pretende-se investigar a relação da paisagem com a obra desses artistas em sua prática pictórica, além de esboçar aspectos relativos ao seu conceito, sua representação e sua história. As questões que definem a pesquisa referem-se à paisagem como uma manifestação inerente a um povo, diferente em cada povo e à na forma como ela se faz no olho do espectador. Ou seja, ela é tornada paisagem pelo olhar estético e sua origem na pintura. Além disso, está permeada por relações conceituais, imagéticas, perceptivas, históricas, artísticas, filosóficas, geográficas, pois a paisagem está presente em várias áreas do conhecimento. Ela tem sua ligação com o território, num primeiro momento, e depois adquire seus significados conceituais, estéticos e contemplativos. / This dissertation focuses on the study of pictorial landscape in contemporary art through the work of Teresa Poester. Other artists like Cristina Canale, Gelson Radaelli, Luiz Zerbini and Vânia Mignone will be used to confront aspects of similarity or difference between the works. It investigates the relation between landscape and the work of these artists in their pictorial practice, outlining aspects of its concept, its representation and its history. The issues that define the research refer to the landscape as an inherent manifestation of a people, different in each nation, and to the way it presents itself in the eye of the spectator. In other words, it is made landscape due to the aesthetic eye and its origin in painting. It is also permeated by conceptual, imagistic, perceptual, historical, artistic, philosophical and geographical relations, for the landscape is present in many areas of knowledge. It is connected with the territory, at first, and then acquires its conceptual, aesthetic and contemplative meanings.

Esta pesquisa inscreve-se no cenário da formação inicial de professores, com ênfase no estudo sobre a formação de professores de arte. O estudo partiu da formação das alunas da primeira turma do curso de Licenciatura em Artes Visuais, de uma faculdade na cidade de Dois Vizinhos, na região sudoeste do estado do Paraná. O principal objetivo da pesquisa foi entender o modo como as alunas produziram-se professoras de arte a partir das artes visuais contemporâneas, da escrita para o TCC e para o Estágio e os atravessamentos das relações de poder e gênero presentes neste contexto. Para isso, foi realizada uma pesquisa bibliográfica sobre a região sudoeste do Paraná e a produção de sujeitos a partir dos temas de saber, poder e sujeito de Michel Foucault, relacionando-os com as questões de gênero trazidas por Joan Scott e Guacira Lopes Louro. Este estudo realizado sobre a região sudoeste do Paraná partiu de evidências encontradas em um exercício de escrita de cartas realizadas por estas alunas no segundo semestre de 2010. A partir das evidências encontradas nestas cartas, fizeram-se outros dois momentos de escrita, um em abril de 2011 e o outro em maio do mesmo ano, em que as alunas foram convidadas a escrever sobre si, sobre a escolha pela docência em arte e o entendimento da produção contemporânea visual. Além de utilizar esta escrita que foi provocada durante a formação das alunas, os trabalhos realizados por cinco alunas para a disciplina de Projeto de Pesquisa em Arte e Ensino – TCC e Estágio Supervisionado II são utilizados no corpus empírico do trabalho para apresentar a forma como estas alunas foram desenhando um modo de ser docente para o ensino de artes . A análise dos materiais aconteceu a partir das relações tecidas a partir das potencialidades encontradas pelos movimentos feitos pelo próprio trabalho e alimentam toda a escrita desta pesquisa. Neste trabalho, a escrita ocupa o lugar da produção de si e as artes visuais contemporâneas constituem-se como aberturas nos modos de ver das alunas. Convida-se, a partir deste trabalho, a pensar a formação de professores de maneira menos universalizada dentro de uma única identidade, uma vez que o profissional que se torna é uma alternativa para a emergência que o sujeito constrói para a sua subjetividade, o trabalho de formação de docentes deve ser visto com propostas menos engessadas e que possibilitem a formação desenhar-se de uma forma mais poética e com atitudes mais artistas e que os professores em formação possam, a partir de movimentos de elaboração de si mesmos, refazer-se a todo instante na busca por constituir um modo de ser docente mais aberto às questões de nosso tempo. / The present research is about the scenario of the initial graduation of teachers, emphasizing the studies about the Art teachers’ education process. The study has started from the graduation of the first class of students in Visual Arts at a college in Dois Vizinhos southwestern region in Paraná. The main goal was to understand the way those students became Art teachers from the contemporary visual arts, the writing of their final paper and the internship process and the crossing of relations of power and genre present in that context. For that purpose a bibliographic research was done about the southwestern region of Paraná and the production of characters from the Michel Foucault’s themes of knowing, power and character, relating it with the questions of genre brought by Joan Scott and Guacira Lopes Louro. This study about the southwestern region of Paraná has come from the evidences found during a writing letters exercise which was done by those students during the second semester in 2010. From those evidences found on those letters, other two moments of writing production, one in April 2011 and another in May 2011, in which the students were invited to write about themselves, about their choosing the Art teaching career and their understanding of contemporary visual production. Besides of using that writing activity which was provoked during those students’ education process, the assignments produced by five students for the subjects of Project in Research in Arts and Teaching – Final Paper and Supervised Internship II are used in the empirical corpus of their work to present the way those students were drawing a way of being Art teachers. The analysis of materials has happened from de relationships created from the potentialities found by the movements made by the work itself and fed all the research writing. On this work the writing occupies the place of the production of oneself and the contemporary visual arts constitute the opening on the way students see. This work is an invitation to thinking the teachers education process in a less universalized way inside a unique identity, once the professional is an alternative to an emergency the character builds to his own subjectivity, the teachers’ education process should be seen as less hampered proposals which may enable the teachers’ education to be drawn in a more poetic way and with more artistic attitudes and the undergraduate teachers may elaborate themselves from movements on which they can rebuild themselves all the time in order to constitute a way of being teachers more opened to the questions of our time.

A presente pesquisa tem como ponto de partida minha produção em desenho desenvolvida a partir de 2009. Observando minhas estratégias de ação busco estabelecer relações entre desenho, documentos de trabalho e processo criativo, fundamentando-as sob as diretrizes de referenciais teóricos. Assim sendo, o objeto desta pesquisa está centrado no desenho e seu processo de criação. O estudo investigou desdobramentos como o conceito do gênero paisagem aqui definido como intervenção poética para uma crônica gráfica. / This present research has as starting point my production in drawing developed from 2009. Observing my action strategies I seek to establish relationships between drawing, working documents and creative process supporting them under guidelines of theoretical referential. Therefore, the object of this research is focused on the drawing and on its creation process. The study investigated unfoldings, like concept of the landscape genre, defined here as poetic intervention for a graphical chronic.

O presente trabalho é resultado de uma pesquisa de mestrado em poéticas visuais. Nele exponho depoimentos do processo de construção plástica e reflexiva, que se apoiam na busca por fotografias vernaculares para a elaboração de desenhos. Estabelecendo relações entre as duas linguagens, busquei tramar ambas de forma que constituíssem um pensar sobre a memória e seus caminhos narrativos através do ato de apagar, fazer e desfazer linhas traçadas pelo grafite. / The present work is a result of a master degree in visual arts. In which I bring up my testimonials about my reflective and plastic construction process, that supports itself in the search for vernacular photographs that will generate drawings. Setting relations between the two mediuns, I try to plot them in a way that would constitute a reflexion about memory and its narrative paths through the act of erasing, making and unmaking drawn lines by graphite.

Submitted by Fabio Sobreira Campos da Costa (fabio.sobreira@ufpe.br) on 2016-08-26T13:26:11Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Dissert_PedroNeves-BC.pdf: 3756247 bytes, checksum: 84de28e55cf673d131d6e73a61e075bd (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-26T13:26:11Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Dissert_PedroNeves-BC.pdf: 3756247 bytes, checksum: 84de28e55cf673d131d6e73a61e075bd (MD5) Previous issue date: 2016-02-24 / Esta dissertação analisa a obra do artista norte-americano Jeff Koons (1955-) em busca de uma melhor compreensão do lugar ocupado pelo campo das artes visuais na cultura contemporânea. Simultaneamente respaldado pelas principais instituições legitimadoras da arte, disputado por colecionadores e reconhecido e admirado por um público muito mais amplo que o limitado circuito de habitués de exposições, Koons se situa num ponto privilegiado a partir do qual é possível estudar os múltiplos atravessamentos entre a arte e a mercadoria em um sistema de produção e circulação capitalista. Através de uma investigação dos elementos de uma estética popular e pequeno-burguesa comumente identificada pelo termo kitsch, o artista vem pondo em revista, ao longo de três décadas e meia de carreira, alguns pressupostos que ancoram os valores do campo das artes visuais, pondo em dúvida as demarcações que garantem ao campo das artes uma pretensa autonomia em relação ao universo degradado da mercadoria. Analisando as características formais e temáticas e os esquemas de produção da sua obra, buscamos compreender a experiência estética dentro de um sistema no qual bens simbólicos são mercadorias como tantas outras. / This dissertation analyzes the work of American artist Jeff Koons (1955-) in search of a better understanding of the place occupied by the field of visual arts in contemporary culture. Simultaneously legitimized by the most important legitimizing art institutions, fought over by collectors and recognized and admired by an audience far wider than the limited circuit of regular exhibition goers, Koons is situated in a privileged vantage point from which to study the multiple crossings between art and the commodity in a capitalist system of production and circulation. Through an investigation into the elements that make up a popular and petit bourgeois aesthetic commonly identified by the term “kitsch”, the artist has been putting under review, for over three decades, some of the biases that anchor the values of the field of visual arts, questioning the demarcations that guarantee the art field an alleged autonomy in relation to the degraded universe of the commodity. By analyzing the formal and thematic characteristics and the modes of production of his work, we seek to understand aesthetic experience in a system in which symbolic goods are commodities like so many others.

Made available in DSpace on 2014-08-20T13:20:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fernanda Amaral Taddei_Dissertacao.pdf: 6318571 bytes, checksum: 3e95c25e10f4a3b19b37ea9f05df409a (MD5) Previous issue date: 2012-12-20 / The Contemporary Art holds a wide variety of elements and configurations that make it difficult to assimilate by the majority part of the society and even more difficult to conserve and preserve its works. The complexity is huge when space, light and ideas are considered constitutive elements of an art work. All these innovations fetched big difficulties to the art museums and to the work of the conservator, who is responsible for guaranteeing the objects perennial. Aiming to investigate, analyze and register the criteria used by the contemporary art museum to preserve, conserve and keep its collection, having the Contemporary Art Museum of Rio Grande do Sul and the Contemporary Art Museum of São Paulo University cases of study as a basis, the present study has a central question: what are the criteria used by a contemporary art museum in the preservation, conservation and keeping processes of its collection? This research, that has a qualitative character, was developed from a study of bibliographical references and field research. With the aim of understanding how preservation, conservation and keeping of contemporary art collections occurs in Brazilian public museums, interviews with professionals responsible for these activities were performed in two researched institutions. Besides, the spaces where works of art are stored were analyzed, observing the conditions of storing, pieces sanitation and, besides other questions, such as HVAC and illumination of these environments. Since there is little in the bibliography about conservation of the contemporary art and the recent establishment of the criteria that give a basis for this activity, is expected that the results of this study can contribute to further researches related to this topic, to the museums here mentioned and other institutions that keep contemporary art collections. / A Arte Contemporânea possui, como especificidade, abarcar uma grande variedade de elementos e configurações que, muitas vezes, a torna difícil de ser assimilada por grande parte da sociedade, e suas obras, ainda difíceis de serem conservadas e preservadas. A complexidade é enorme quando espaço, luz e ideias são considerados elementos constitutivos de uma obra de arte. Todas estas inovações trouxeram grandes dificuldades para os museus de arte e para o trabalho do conservador, que tem a função de assegurar a perenidade dos objetos. Com o objetivo de investigar, analisar e registrar os critérios utilizados pela instituição museológica de arte contemporânea, para preservar, conservar e armazenar o seu acervo, tendo como estudo de caso o Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul e o Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, o presente estudo tem como questão central: quais os critérios utilizados pelo museu de arte contemporânea nos processos de preservação, conservação e guarda do seu acervo? Essa pesquisa, que possui caráter qualitativo, foi desenvolvida a partir de estudo de referenciais bibliográficos e de pesquisa de campo. Com a finalidade de conhecer como ocorre na prática a preservação, a conservação e a guarda de acervos de Arte Contemporânea pertencentes a museus públicos brasileiros, foram realizadas entrevistas com os profissionais responsáveis por estas atividades nas duas instituições pesquisadas. Além disso, foram analisados os espaços onde as obras de arte são acondicionadas, observando as condições de armazenamento, de higienização das peças e, além de outras questões, como a climatização e a iluminação destes ambientes. Tendo em vista a escassez de bibliografia tratando especificamente sobre conservação de arte contemporânea, e o ainda recente estabelecimento dos critérios que embasam essa atividade, espera-se que os resultados deste estudo possam contribuir com pesquisas futuras relacionadas a este assunto, aos museus aqui referidos e a outras instituições que abrigam acervos de arte contemporânea.