Thesis (MA)--Stellenbosch University, 2002. / ENGLISH ABSTRACT: This thesis contains the results of an investigation into the elements of the horror story and the Gothic novel in three contemporary works. The investigation was conducted within the theoretical framework of the original historical Gothic novel of the eighteenth century, in comparison with contemporary theorization on the Gothic, with specific reference to the study of Eddy Bertin, and to some extent Hendrik van Gorp and Fred Botting. Four conventions of the Gothic genre were identified, and were applied to an Afrikaans novel and drama, as well as a Dutch novel, to establish to which extent the Gothic manifests itself in these contemporary texts. The study focussed on The night only has one eye (1991) by Francois Bloemhof, Crossing/ Passion (1994) by Reza de Wet and A heart of stone (1999) by Renate Dorrestein. From these texts, which were read within a Gothic framework, it could be deduced that there is a deviation from the conventional Gothic texts within both the Afrikaans and the Dutch texts. This deviation especially occurs with regard to characterization, with specific reference to the female character. The authors use the traditional Gothic characters as a point of departure, but bring about renewal in the texts by making them part of a wider philosophical field. The portrayal of the themes of good versus evil, space and tension, also shows a deviation from the Gothic conventions. An important finding in this study is that the Gothic genre in its pure form can not successfully be traced in contemporary literature. The three texts under discussion show the occurrence of allogamy between the different sub-categories of horror. A further important conclusion is that these three texts cannot be merely categorized as Popular literature because of the renewal it brings regarding the traditional Gothic conventions. / AFRIKAANSE OPSOMMING: Hierdie tesis bevat die resultate van 'n ondersoek na elemente van die gruwelverhaal en die Gotiese roman in drie kontemporêre tekste. Die ondersoek is gedoen binne die teoretiese raamwerk oor die genre van die oorspronklike historiese Gotiese roman van die agtiende eeu, in vergelyking met die hedendaagse teoretisering oor die Gotiek, met spesifieke verwysing na die navorsing van Eddy Bertin, en in 'n mindere mate Hendrik van Gorp en Fred Botting. Vier konvensies van die Gotiese verhaaltipe is geïdentifiseer en toegepas op 'n Afrikaanse roman en drama, asook 'n Nederlandse roman, om vas te stel in watter mate en op watter wyse die Gotiek gemanifesteer word in dié hedendaagse tekste. Die navorsing fokus op Die nag het net een oog (1991) van Francios Bloemhof, Drif (1994) van Reza de Wet en Een hart van steen (1999) van Renate Dorrestein. Dié tekste vertoon al drie duidelik Gotiese kenmerke, maar vertoon daarbyook opvallende afwykings van die tradisionele verskyningsvorme van die Gotiek. Dit geld veral vir karakterisering - meer spesifiek die vroulike karakter en die verhouding tussen die twee geslagte. Die outeurs gebruik die tradisionele Gotiese tipe karakters as vertrekpunt, maar bring vernuwing deur die tekste deel te maak van 'n wyer filosofiese veld. Die tekste se hantering van ander konvensies op die terrein van die tematiese (die goeie versus die bose), ruimte en spanning wyk ook af van die historiese Gotiek. 'n Belangrik aspek wat in die ondersoek na vore kom, is dat die Gotiek as verhaaltipe selde nog in sy suiwer vorm in literatuur aangetref word. Die drie tekste onder bespreking toon in watter aansienlike mate kruisbestuiwing plaasvind tussen die onderskeie sub-kategorieë van die riller. Laastens word daar aangevoer dat die Gotiese en gruwel-elemente binne dié drie tekste op so 'n vernuwende wyse geproblematiseer en uitgedaag word, dat dit nie sonder meer as triviaalliteratuur beskou kan word nie.

L'étude sédimentologique suivante a pour but de retracer et de préciser l'évolution paléogéographique du Tertiaire du massif des Bauges. Ce travail est le résultat d'une double étude sur le terrain et au laboratoire. L'étude sur le terrain consiste en une analyse séquentielle: stratonomie, figures et structures sédimentaires, litages. L'étude de laboratoire comporte des analyses granulométriques, des morphoscopies, morphométries et exoscopie des grains de quartz, l'étude de minéraux argileux, l'étude des minéraux lourds et la pétrographie. Les méthodes,de laboratoire (granulométrie, morphoscopie, morphométrie et exoscopie) sont exposées dans le chapître suivant. Pour chaque formation, nous étudierons successivement les résultats obtenus sur le terrain et au laboratoire ..

Alexis de Tocqueville est un auteur canonique du libéralisme. Son inscription au sein du libéralisme s’opère fréquemment par une accentuation unilatérale de sa défense de la liberté individuelle. Certes, Tocqueville défend la liberté individuelle, elle prend une place décisive dans son œuvre où l’objectif théorique proposé révèle sa volonté d’élever l’individu à côté de la société et de l’État. Mais cette défense est constamment pensée chez Tocqueville en interrogeant ses conditions de possibilité qui sont indissociables d’une culture politique où la participation politique est une dimension essentielle. Une participation politique qui fonde des habitudes collectives, une culture civique, assurant ainsi la pérennité des institutions démocratiques libérales. En ce sens, il est évident que le libéralisme de Tocqueville est déterminé par un cadre plus large que la seule défense de la liberté individuelle. Afin qu’elle s’épanouisse pleinement et véritablement, il y a une priorité absolue d’une pratique continue de la liberté, la liberté politique qui actualise sans repos les conditions de possibilité de la liberté individuelle. Cette pratique de la liberté politique contribue à la formation des «mœurs libres», ces habitudes collectives qui organisent une culture civique particulière, mœurs indispensables au maintien des sociétés libres. Nous identifierons donc Tocqueville à un libéralisme des mœurs. Afin de saisir adéquatement la réelle portée de la pensée tocquevillienne, nous dévoilerons les influences intellectuelles fondamentales qui ont présidé à l’élaboration de La Démocratie en Amérique. De fait, nous restituerons l’espace intertextuel entre Tocqueville et François Guizot. Cet espace révèle l’influence certaine de Guizot sur Tocqueville, mais il rend également saillante son insistance sur une pratique de la liberté politique. / Alexis de Tocqueville is a canonical author of liberalism. His inscription within liberalism often commented as a unilateral emphasis of the defence of individual freedom. Certainly, Tocqueville defends individual freedom and it is a decisive part of his work where his proposed theoretical objective reveals his will to elevate the individual to the level of society and the State. But this defence is always thought of by Tocqueville in his questioning of the conditions of possibility of freedom which are inseparable of a political culture where political participation is an essential dimension. A political participation which melts collective habits, civic culture, thus insuring the permanence of its liberal democratic institutions. It appears that the liberalism of Tocqueville is determined by a broader frame than the only defence of individual freedom. For a real individual freedom that flourishes entirely, there is the absolute preference for a continuous practice of freedom, political freedom which constantly updates the conditions of possibility of individual freedom. This practice of political freedom contributes to the development of « free manners », these collective habits which organize a particular civic culture, manners necessary to the assertion of the free societies. We shall identify Tocqueville with a liberalism of manners. To properly grasp the true range of the tocquevillian thought, we shall reveal the fundamental intellectual influences which governed the drafting of Democracy in America. Indeed, we shall restore the intertextual space between Tocqueville and François Guizot. This space reveals the certain influence of Guizot on Tocqueville, but also reveals his emphasis on a practice of political freedom.

Les études sur la mémoire, qui connaissent une grande popularité depuis les années 1980, ont mené à un intérêt pour l’histoire de l’histoire et pour la création de figures héroïques. Ce mémoire de maîtrise s’inscrit dans ces courants de recherche en étudiant le sort qu’une historiographie plurinationale a réservé à trois officiers français du théâtre nord-américain de la guerre de Sept Ans. Nous observerons comment les ouvrages britanniques, français, américains, canadiens-anglais et canadiens-français ont traité de Vaudreuil, Bougainville et Lévis. Nous pourrons ainsi exploiter la richesse de l’historiographie relative à cette guerre, qui date du XVIIIe siècle jusqu’à aujourd’hui. Il s’agira de suivre les regards croisés que les historiens des différentes époques et allégeances nationales ont porté sur nos personnages. C’est que ces trois hommes incarnent trois postures que l’historiographie interprétera de façon variable. En effet, comme cette production historique est surtout marquée par des rivalités entre les personnages qui prennent des allures de conflits nationaux, nos héros seront surtout jugés selon une perspective nationale. Vaudreuil, le gouverneur canadien né dans la colonie y devient donc le champion de son «pays», Bougainville, le métropolitain critique des conditions coloniales, futur navigateur et homme des Lumières, est jugé en fonction de ses propos sur le Canada, alors que Lévis, le métropolitain discret dans ses écrits, sera surtout jugé en fonction de sa victoire à Sainte-Foy en 1760. / Very popular since the 1980s, studies on collective memory have stimulated interest in historiography and especially in the construction of heroic figures. The thesis follows this trend in studying how a multinational historiography treated three French officers of the Seven Years’ War’s North American theatre. We observe how Vaudreuil, Bougainville and Lévis have fared at the hands of historians from Great Britain, France, the United States and English and French Canada, from the eighteenth century to the present. The purpose of the study is to isolate the varying perspectives from which historians of different times and national allegiance have examined the three figures. In the end, the three men were seen to incarnate three contrasting, variously interpreted postures. Since historians were particularly sensitive to what they saw as national conflicts, they judged their heroes accordingly. Vaudreuil, the Canadian-born governor of Canada, thus became the champion of his “country”; Bougainville, French-born future navigator and protagonist of the Enlightenment who wrote disparagingly about the colony, was judged on these opinions; while Lévis, a Frenchman who was more discreet in his writings, was evaluated above all as the victor of the battle of Sainte-Foy in 1760.

Silence et soumission aux valeurs patriarcales dominantes : ainsi peut être brossée dans son ensemble et sans pour autant la déformer l’image de la condition féminine encore pleinement opérante à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle en France. La femme, ouvrière, bourgeoise ou noble, est destinée à la maternité, et ses désirs sont méprisés au profit de ceux de son (futur) époux. En littérature cependant, à partir de Madame Bovary (1857) et parallèlement à la montée timide du féminisme, apparaissent plusieurs figures féminines éminemment tragiques qui contestent la condition féminine. Louise Marles, Véronique Cheminot, Mouchette et Thérèse Desqueyroux – et tant d’autres encore… – sont autant de (jeunes) personnages féminins qui rejettent plus ou moins violemment la mise sous tutelle de la femme et l’impossibilité d’avoir un statut social et juridique accepté en dehors du mariage. Pourtant, parce qu’en ces figures de femme – et souvent malgré elles – refuse de se taire une torturante aspiration à la liberté, elles sont fatalement vouées à la folie et à la mort, deviennent prostituées, criminelles, internées ou suicidaires, voire les quatre. Selon nous, la folie est l’état dans lequel ces personnages féminins s’enlisent car ils remettent profondément en question les valeurs établies par des hommes et pour des hommes. Nous pensons que la folie est le moyen littéraire utilisé par les écrivains pour montrer l’ampleur de leur souffrance existentielle et son unique langage possible ; en ce sens, la folie serait la représentation extérieure d’une écrasante souffrance morale et psychologique. Enfin, la possession diabolique est une autre cause portée par Bernanos pour répondre à la question de la folie des femmes. Notre étude portera sur quatre figures tragiques de personnages féminins imaginées par quatre écrivains catholiques : Louise dans En rade (Huysmans, 1887), Véronique dans Le Désespéré (Léon Bloy, 1887), Mouchette dans Sous le soleil de Satan (Bernanos, 1926) et Thérèse Desqueyroux dans le roman éponyme de Mauriac (1927). / Silence and submission to the prevailing patriarchal ideology : this is how one can describe the female condition at the end of the nineteenth century and at the beginning of the twentieth century in France. No matter whether they come from the working class, the middle class or the aristocracy, women are destined for motherhood and their wishes are overlooked. Nevertheless, in literature one can notice several tragic female figures who rebel against their condition. Louise Marles, Véronique Cheminot, Mouchette and Thérèse Desqueyroux – and so many others… – are young women who reject more or less violently the fact that they are under the tutelage of men and the fact that they cannot obtain an acceptable social status outside of marriage. However, it is precisely because these female characters crave for freedom that they are doomed to madness and death or become criminals and/or suicidal women. According to us, these women are said to be mad because they challenge convention and reject patriarchal values. We think that madness is the literary tool used by these writers to show the brutality of their existential suffering. In other words, we believe that madness is the external representation of their overwhelming moral suffering. Finally, demonic possession is another reason given by Bernanos to explain women’s madness. Our study deals with four tragic female figures imagined by four Catholic writers : Louise in En rade (Huysmans, 1887), Véronique in Le Désespéré (Bloy, 1887), Mouchette in Sous le Soleil de Satan (Bernanos, 1926) and Thérèse in Thérèse Desqueyroux (Mauriac, 1927).

Les affrontements militaires entre François Ier et Charles Quint ont façonné toute l’histoire politique de la première moitié du XVIe siècle. Or, ces guerres se sont accompagnées de part et d’autre d’un important effort de justification, chaque parti se proclamant dans son bon droit. D’autre part, les différents épisodes militaires et diplomatiques qui rythment la période suscitent toute une littérature occasionnelle, en prose et en vers, diffusée à l’échelle européenne par la presse imprimée. La guerre de 1542-1544 représente un pic dans la production de ce type de textes, qu’il s’agisse de célébrations poétiques composés par les auteurs de la Cour, ou de simple « bulletins d’information » évoquant une escarmouche en quelques pages. L’objet du présent travail est d’en étudier les modes d’écriture, pour essayer de comprendre ce que les hommes de la Renaissance pouvaient lire à propos des événements qu’ils vivaient de près ou de loin. Entre propagande, rumeurs, fausses nouvelles, goût du vers et plaisir du récit, comment écrivait-on, à l’époque de François Ier et de Charles Quint, à propos d’une guerre en train de se dérouler ? Pour tenter de répondre à cette question, nous consacrons une première partie aux problèmes de mise en page et mise en texte posés par le caractère imprimé de ces textes ; dans une deuxième partie, nous abordons les genres dans lesquels ils s’inscrivent ; enfin, dans une troisième partie, nous proposons quelques éléments d’étude de leur réception au moment de leur publication ou dans les quelques décennies qui suivent. / The military confrontation between Francis I and Charles V was prominent in the shaping of the political history of the early 16th century. These wars came along with an important effort of justification, each side claiming that they were justly defending themselves. Besides, the various military or diplomatic episodes that occur during that time gave birth to a rich event-driven literature, in prose as in verse, which circulated on an European scale by the printed press. The 1542-1544 war is particularly interesting in the matter of production of such texts, be it by the means of poetic celebrations from the Court, or by simple « informations sheets » describing a skirmish in few pages. My purpose in the present work is to study how those texts were written, in order to understand what the men of the Renaissance could read about the events they were living, closely or remotely. Between propaganda, rumors, false news, taste for poetry and pleasure of the narration, how did one write in the time of Francis I and Charles V about a war that was currently raging ? In a tentative to give an answer to that question, the first part of my work is dedicated to layout and text-shaping problems that are raised by the printed nature of those texts ; in a second part, I tackle the subject of the genres in which they fit ; at last, in a third part, I suggest a few avenues of analysis about their reception at the moment of their publication or in the closest following decades.

À ses débuts au XIXe siècle et jusque dans la première moitié du XXe, le roman social français a accordé une place de choix au travail. Si l’objet littéraire est relégué à l’arrière-plan après la Deuxième Guerre mondiale, il connaît un important regain dans les textes actuels, alors que ses référents empiriques ont considérablement changé. Il en résulte que les représentations contemporaines, pour notables que soient les différences formelles qui les démarquent des antécédentes, ont en commun avec elles d’être structurées par les mêmes thèmes fondamentaux : la mort est l’un d’eux, cependant qu’elle affecte désormais autant l’individu au travail que le travail lui-même. Cette thèse prend acte d’une telle continuité disruptive. La lecture des textes contemporains qu’elle propose est soucieuse de leur inscription à la fois dans l’histoire sociale, dans l’histoire des formes littéraires et dans un ensemble de représentations nouvelles. Elle cherche à décrire les mises en texte du travail en interaction avec un imaginaire social conjoncturel, ce qui indique qu’elle se situe sur le terrain de la sociocritique. Dans cette perspective sociocriticienne, elle mobilise divers outils critiques et théoriques des études littéraires, pour décortiquer l’organisation interne des textes, et engage un dialogue avec la sociologie du travail et la philosophie moderne, pour les interpréter. Son objectif est de comprendre ce que les textes disent du travail et de la société, mais aussi de montrer en quoi « représenter le travail » affecte les modalités de l’acte de « représenter » tout court. Les concepts mis en relation avec le travail pour évaluer sa trajectoire narrative sont d’abord dégagés par l’analyse des codes naturalistes et réalistes « classiques » (dans _Germinal_ d’Émile Zola, 1885, et _Élise ou la vraie vie_ de Claire Etcherelli, 1967). Ces concepts sont la mort, l’ensauvagement et le non-travail. L’étude porte ensuite sur les déplacements et les réagencements qu’ils subissent dans les textes récents. Une comparaison entre les modes principaux de traitement qu’ils appliquent au travail permet de mettre en valeur les traits définitoires de sa représentation actuelle et les particularités de ses variantes. La littérature de recherche, campée par l’œuvre de François Bon, est mise en rapport avec le témoignage (_L’établi_ de Robert Linhart, 1978) et le roman noir (_Lorraine Connection_ de Dominique Manotti, 2006), tandis qu’une discussion autour de la notion de roman d’entreprise (_Nous étions des êtres vivants_ de Nathalie Kuperman, 2010) introduit une distinction thématique au sein du corpus essentiellement industriel. Le parcours complet fait apparaître, par recoupements et par dissonances, les contours d’une catégorie esthétique à la fois plus englobante et légèrement décalée : le « roman sans projet » du travail contemporain. Ce roman accuse autant qu’il met en forme une idée de perte généralisée, dont l’aboutissement est la précarité grandissante – du travail et de l’expérience humaine qu’il génère – évoquée dans _Composants_ de Thierry Beinstingel (2002). / From its beginnings in the nineteenth century to the 1950s, the French social novel ("roman social") gave a prominent place to labour. After World War II, the topic is relegated to the background, but current texts show a significant revival, whilst the empirical referents of "work" have changed considerably. Though notably different in their form from the previous ones, contemporary representations of labour are structured according to the same basic themes. Death is one of them; however, it now affects the working individual as well as work itself. This dissertation acts upon such a disruptive continuity. Its reading of contemporary texts is aware of the role these texts play in both social and literary history as well as in the elaboration of new representations. Following the methods of sociocriticism ("sociocritique"), it seeks to describe the way work is thematised in interaction with a social imaginary ("imaginaire social"). In this perspective, the dissertation borrows various critical and theoretical tools from literary studies, to analyse the texts’ internal organisation, and engages a dialogue with the sociology of work and modern philosophy, in order to interpret them. Its goal is to understand what those texts say about work and about society, but also to show how "representing work" affects the act of "representing". The concepts used to assess the narrative trajectory of work are derived from the analysis of naturalistic and realistic codes (in Émile Zola’s _Germinal_, 1885, and Claire Etcherelli’s _Élise ou la vraie vie_, 1967). These concepts are death, "ensauvagement" and non-work. The study then focuses on how these concepts are rearranged in recent texts. A comparison between the modes of literary treatment they apply to work allows to define the features of current representations as well as to identify the specificity of variants. "Literature of research", embodied by the writings of François Bon, is examined in its relationship to testimony (_L’établi_ by Robert Linhart, 1978) and to the roman noir (_Lorraine Connection_ by Dominique Manotti, 2006). A discussion around the notion of "business novel" (_Nous étions des êtres vivants_ by Nathalie Kuperman, 2010) introduces a thematic distinction within the mainly industrial corpus. Through various subtractions and parallels, the dissertation reveals the outlines of a larger aesthetic category: the "novel without a project" of contemporary work. As much as it expresses an idea of widespread loss, this novel is shaped by that very loss, which culminates in the growing precariousness – of work and of the human experience it generates – described in _Composants_ by Thierry Beinstingel (2002).

L'étude aborde l'art des jardins dans l'Italie de la seconde moitié du XVIe siècle comme expression des rapports entre homme et nature en recourant à la notion d'imaginaire ; elle est centrée sur Pratolino, la villa du grand-duc François Ier de Médicis aménagée au nord de Florence, de 1568 à 1586, sous la direction de Bernardo Buontalenti. Cet exemple, analysé en détail, est replacé dans un contexte à différentes échelles : le règne de son commanditaire (1574-1587) ; les réalisations importantes en Toscane et dans le reste de l'Italie ; enfin la place du jardin dans la société et la culture de la période, et donc les domaines multiples auquel il se rattache. Différents problèmes sont successivement examinés. La fonction sociale du jardin est interrogée au travers de l'idéologie et des pratiques de la villégiature. La perception corporelle de l'espace et le rapport émotionnel au paysage, analysés à partir des témoignages contemporains, impliquent que le jardin, dans le cadre des préoccupations médicales et des modèles poétiques de l'époque, soit vécu et conçu comme médiation avec la nature. Les composantes matérielles, le tracé et l'iconographie construisent une représentation de la nature sur plusieurs plans : résumé de sa variété, le jardin détourne les enjeux du collectionnisme encyclopédique ; mise en scène de ses phénomènes, pour lesquels l'épistémologie des « météores » doit être prise en compte, il opère une réduction symbolique du territoire ; imitation de ses processus, il appartient à une esthétique où l'art vise à s'inscrire de manière immanente dans l'œuvre et qu'éclaire la fortune de l'aristotélisme au XVIe siècle. L'imaginaire de la nature qui sous-tend le jardin n'est pas univoque : il s'y joue à la fois un désir de projection, un fantasme d'analogie et un rêve de re-création. Pratolino montre que l'une des clefs de cet art tient dans l'exploitation politique des représentations culturelles de la nature.

Le paysage dans l'oeuvre de Chateaubriand tient une place majeure. Il se manifeste dans une galerie de "tableaux de la nature" essentielle en ce qu'elle permet d'approcher au plus près la poétique de l'auteur. Pour mieux l'appréhender, nous emprunterons le concept de médiance, théorisé par Augustin Berque, pour penser le paysage dans une interaction entre le sujet percevant et l'espace naturel perçu. Le paysage de Chateaubriand est bien une véritable rencontre, vécue comme une expérience : il agit sur l'auteur autant que l'auteur agit sur lui en le retranscrivant littérairement. C'est dans l'espace de cette interaction qu'il paraît essentiel de percevoir la poétique du paysage à l'oeuvre et ce qu'elle nous apprend de l'écrivain Chateaubriand se pensant dans son "être au monde". Le rapport de proximité qu'entretient l'auteur avec les paysages nous conduit ainsi à les considérer comme des creusets de la création littéraire et l'objet de notre étude est de cerner la poétique qui préside à la construction des paysages afin de percevoir par leur biais la manière dont il conçoit le rôle des paysages dans son oeuvre mais aussi comment lui-même se décrit dans son rapport à l'espace perçu. Quatre grands rapports à l'espace naturel seront envisagés successivement, en ce qu'ils semblent caractéristiques de l'expérience du paysage de Chateaubriand : la confrontation à l'infini et la logique de l'expansion, le rapport dynamique à l'espace et les chemins de traverse, le paysage modelé et instrumentalisé et enfin le paysage dans ses effets (auto)textuels

La tesi affronta il problema della teatralità presente nel romanzo di François Rabelais (1483-1553). La scrittura dell’umanista contamina i generi letterari attivi tra tardo Medioevo e Rinascimento, recupera le forme dei generi classici greco-latini e sfrutta la forza vivente delle pièces teatrali francesi. La mescolanza di tutti questi materiali produce una poetica coerente, volta al potenziamento della visione del mondo, che trova nella teatralità la sua evidenza più forte. Ribaltando la prospettiva degli studi critici precedenti, il lavoro analizza l’opera secondo un "découpage" delle categorie teatrali principali: il tempo, lo spazio, il pubblico, il testo e l’attore. Il risultato finale è l’emersione di una teatralità strutturale, diffusa nell’intero romanzo tramite diversi meccanismi: l’ambiguità tra diegesi/mimesi e tra lettura/ascolto, il dialogo tra narratore e lettori, la compresenza di pubblico e personaggi recitanti, le indicazioni di una spazialità performativa, l’importanza della gestualità e della vocalità, la musicalità teatrale della lingua, il lessico specialistico della messinscena, i temi del travestimento, del "théâtre du monde" e del "théâtre anatomique". / The dissertation focuses on the connection between François Rabelais’s Gargantua et Pantagruel and the theatre. Rabelais’s writing possesses generic characteristics, typical of the late Middle Ages and early Renaissance periods; it also presents generic forms derived from Greek and Latin literature, and is endowed with the vitality of French medieval theatre. The mingling of these materials results in a coherent poetics expressed through pervasive theatrical elements, and aimed at amplifying the reader’s worldview. Previous scholarly perspectives are here “overturned”, for analysis is built on fundamentally theatrical categories: time, space, audience, text and actor. Theatricality proves to inform the very structure of Rabelais’s work and manifests itself in the alternation of diegesis and mimesis; in the ongoing dialogue between narrator and readers/listeners; in the co-presence of audience and characters/players; in the indications of performative spaces; in the emphasis on gesture and voice; in the theatrical musicality of language; in the specialist vocabulary of the mise-en-scène and the themes of disguise, théâtre du monde and théâtre anatomique.