Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Le théâtre des symbolistes est souvent considéré comme une tentative dramatique ayant échoué dans la vocation première du genre : la rencontre d’un texte et de la scène. Pourtant, les symbolistes ont mené une importante réflexion sur l’art de la scène, dans laquelle la poésie occupe une place centrale. La poésie doit permettre de refonder un art qui apparaît en crise. Ce parti-pris est perçu comme le socle théorique d’un théâtre à lire, entraînant le renoncement à la scène. C’est dans cette articulation que se loge notre démonstration : nous montrons que cette poésie au théâtre n’est pas incompatible avec les exigences de la scène. Les auteurs étudiés développent en effet une réflexion sur la possibilité d’un théâtre à lire. Mais cette théorie n’est pas une façon de renier la scène : le livre et la scène sont des objectifs poursuivis parallèlement dans leur dramaturgie. Dans cette nouvelle optique, il existe deux types de représentations du texte théâtral : celle de la scène, qui se réalise sur les planches, et celle de la lecture, parce que le lecteur se représente le texte qu’il lit. Apparaît alors une « scène intérieure », tout aussi valable, tout aussi théâtrale que le plateau. Cette thèse prend comme point d’appui des critères stylistiques, dramaturgiques et scéniques pour fonder le rapprochement entre poésie et théâtre. Il s’agit de mettre en perspective ces catégories en fonction de l’esthétique symboliste. En effet, cette dynamique prend naissance en réponse à une crise dramatique propre au dix-neuvième siècle, qui s’interroge sur les rapports entre scène et texte. / Symbolist theatre is often considered as an unsuccessful attempt to drama that failed in the main purpose of the genre: the encounter of text and stage. The symbolists, though, carried an important reflexion on the art of stage, in which poetry is playing a central role. Poetry is thought to allow a new foundation of an art in crisis. This postulation was considered as the theoretical ground of an “armchair theatre”, resulting in a renunciation of stage. Our reflexion discusses this assumption: we demonstrate that poetry in drama is not incompatible with the stage’s obligations. The dramatists studied in this work develop indeed a reflexion on the possibility of an “armchair theatre”. But this theory is no denial of the stage: the reading and the staging are equally pursued by their dramaturgy. In this new conception of theatre, drama can be represented in two different ways: on the stage or in the reader’s mind, because the reader’s represents himself the text he reads. An “inner stage” emerges then, that the symbolists considered of equal dramatic worth as the boards. Our study leans on stylistic, dramaturgic and scenic criterions in order to establish the connection between poetry and theatre. Those categories shall be understood according to the symbolist aesthetics. This new dramaturgy arises as a response to a dramatic crisis characterising the XIX century: dramatists through out the century question the relation between stage and text.

Dans le cadre d'une démarche d'analyse de discours, cette thèse se donne pour objectif d'établir le mode de fonctionnement du discours des guides touristiques en tant que point de connexion entre production discursive et lieu social. Au-delà d'un discours de description d'un référent donné, il s'avère un véritable système d'explicitation de soi dans un contexte bien plus large d'énonciation.Notre étude se concentre essentiellement sur deux guides touristiques : le Guide du Routard et le Guide Gallimard. Nous tâcherons de les inscrire dans une double dynamique : d'abord dans une dynamique institutionnelle : le genre. Convention discursive, il est le cadre à la fois structurant et contraignant et il s'ancre dans un environnement contextuel fortement imprégné de représentations socioculturelles, qu'il contribue en retour à conforter ou à transformer. Ensuite, dans une dynamique individuelle : la recherche de positionnements énonciatifs différenciateurs à travers une mise en scène de sa parole spécifique et le déploiement d'un ethos propre à l'instance énonciatrice.Ces deux dynamiques sont en constante interaction et révèlent la connexion entre prise en charge, texture énonciative et contexte.Le discours des guides touristiques se considère alors comme un vecteur de représentations qui s'inscrivent dans la construction d'un savoir partagé. Il propose ainsi un transfert inter-discursif qui permet une approche discursive de l'identité et de l'altérité. Ce système de représentations s'avère poreux aux pratiques communicationnelles et tisse par là-même une passerelle entre le discursif et extra-discursif, la clef de voûte de notre étude. / As part of an approach to discourse analysis, this thesis sets out to establish how the discourse of tourist guides functions as a connector between speech production and social context. More than a mere descriptive discourse of a given referent, it is in reality a genuine system of the explanation of the self in a much broader context of enunciation.Our study essentially focuses on two guides: The Guide du Routard (The Rough Guide) and the Guide Gallimard. We shall endeavour to include them in a dual dynamic: first, in an institutional dynamic - the discourse genre. This discursive convention is both structuring and constraining and it is anchored in a context deeply influenced by socio-cultural representations, which in turn is reinforced or transformed by it . Then, in an individual dynamic- the search for differentiating enunciative positioning through a staging of the specific word and the deployment of an ethos proper to the moment of enunciation .These two dynamics are in constant interaction and reveal the connection between management , the enunciation texture and the context .The discourse of travel guidebooks is thus considered as a vector of performances that are part of the construction of shared knowledge. It proposes an inter-discursive transfer and approach to identity and otherness. This system of representation is porous to communication practices and thereby builds a bridge between the discursive and the extra-discursive, the keystone of our study

Cette étude se propose de mettre en évidence l'influence du théâtre dans les romans-mémoires du XVIIIe siècle. Alors qu'il revient sur sa vie depuis son entrée dans le monde, le narrateur (ou la narratrice) évoque et analyse, dans un récit à la première personne, son Moi d'autrefois. Il s'agit de relater les étapes d'une ascension sociale, de faire part aussi de ses égarements ou d'une passion malheureuse sur le mode tragique, sensible ou comique. Toutefois, ces romans de l'introspection s'ouvrent, paradoxalement, sur le spectaculaire. Des dramaturges célèbres deviennent des personnages de fiction, leurs œuvres sont citées, les héros se rendent dans les lieux où s'exerce l'art dramatique et, surtout, le romancier recourt à des éléments caractéristiques du genre théâtral : déguisements, variations sur des personnages et des scènes types, construction dramatique et recours à l'esthétique du tableau, ampleur et disposition des dialogues contribuent à faire du lecteur un spectateur. / This study is meant to highlight the influence of drama on the (French) memoir-novels of the 18th century. The narrator, be it a man or a woman, recollects his or her life from the moment they are coming into the world. This evocation and analysis of their earlier “I” is recalled in a first person narrative. The idea is to recount his or her social ascension, step by step, evoke his or her past mistakes and relate an unrequited love, in a tragic, sensitive or comic tone. Yet, these introspective novels paradoxically reach a theatrical dimension. The then famous playwrights are turned into fictional characters, their works are quoted, the heroes go to places where the art of drama is performed and, most importantly, the novelist resorts to elements which are characteristic features of drama : costumes, variations on specific characters and scenes, a dramatic construction, the use of the aesthetics of the tableau, the extent and distribution of the dialogues ; all of these contribute to place the reader in the position of the audience.

Master of Science / Department of Computing and Information Sciences / William Hsu / This thesis examines automated genre classification in literature. The approach described uses text based comparison of book summaries to examine if word similarity is a feasible method for identifying genre types. Genres help users form impressions of what form a text will take. Knowing the genre of a literary work provides librarians, information scientists, and other users of a text collection with a summative guide to its form, its possible content, and what its members are about without having to peruse individual topic titles. This makes automatically generating genre labels a potentially useful tool in sorting unmarked text collections or searching the web. This thesis provides a brief overview of the problems faced by researchers wishing to automate genre classification as well as the current work in the field. My own methodology will also be discussed. I implemented two basic methods for labeling genre. The results collected using them will be covered, as well as future work and improvements to the project that I wish to implement.

L’Épopée aux alentours de 1830 : un genre mort ? La mort théorique de l’épopée résulte d’une triple condamnation : une condamnation nationale, « les Français n’ont pas la tête épique » ; mais aussi une condamnation historique, « les modernes n’ont pas la tête épique » ; et enfin une condamnation esthétique, « Voilà évidemment le poème épique condamné. […] Le poème épique nous apparaît donc esthétiquement comme un paradoxe » . Et pourtant nombre de publications voient alors le jour. Comment comprendre cet apparent paradoxe. Au carrefour de la poétique historique des genres, de l’histoire littéraire, et de l’herméneutique cette thèse entreprend de dépasser ce paradoxe en faisant de la mort de l’épopée l’origine d’un genre nouveau. La notion de deuil nous a permis de penser le lien entre la mort de l’épopée classique et la naissance de l’épopée des années 1830. Ce que nous prenions alors pour le crépuscule de l’épopée était en fait son aube, mais l’aube blafarde d’un genre en deuil. Le chant de victoire était devenu chant de deuil. L’œuvre de Quinet, père de la démocratie moderne, théoricien de la laïcité, défenseur des nationalités, mais aussi poète et théoricien de la littérature nous a servi de laboratoire d’étude pour comprendre la naissance de ce genre du tombeau de l’épopée classique.En effet, les épopées de Quinet portent en elles le deuil d’un genre perdu. D’une épopée en vers, on passe à une épopée en prose, mais à une épopée en prose qui dit la poésie du monde ; d’une épopée de l’étendue, on passe à une épopée « raccourcie », mais qui dit la complétude de l’être humain ; d’une épopée emplie de merveilles, on passe à une épopée qui porte le deuil du merveilleux, mais qui réenchante le réel ; d’une épopée nationale, on passe à une épopée qui porte le deuil de la patrie, mais pour mieux consolider la nation ; d’une épopée du combat, on passe à une épopée du débat qui dit le morcellement des consciences. / The epic around 1830: an extinct genre? The theoretical death of the epic results from a triple condemnation: a national condemnation, “les Français n’ont pas la tête épique [the French have no head for epic poetry]” ; but also an historical condemnation “les modernes n’ont pas la tête épique [modern men have no head for epic poetry]” ; and lastly an aesthetic condemnation, “Voilà évidemment le poème épique condamné. […] Le poème épique nous apparaît donc esthétiquement comme un paradoxe [And with that, the epic poem evidently condemned. […] The epic poem therefore appears to us, aesthetically, as a paradox]” .And yet, numerous publications spring forth at that time. How to understand this apparent paradox? At the crossroads of a historical poetics of the genres, of literary history, and of hermeneutics, this doctoral thesis endeavours to move beyond said paradox, by converting the death of the epic into the origin of a new genre.The notion of mourning has allowed us to conceive of the link between the death of the classical epic and the birth of the epic of the 1830s. What we held then to be the twilight of the epic was in fact its dawn, but the pallid dawn of a genre in mourning.Indeed the epic poems of Quinet are laden with the mourning of a lost genre. An epic in verse transitions into an epic in prose, but an epic in prose which tells the poetry of the world; an epic of expanse transitions into a “shortened” epic, but one that tells of the completeness of the human being; an epic filled with marvels transitions into an epic mourning the marvelous, but which reenchants reality; a national epic transitions into an epic mourning the homeland, but so as better to consolidate the nation; an epic of battle transitions into an epic of debate which tells of the splitting of consciences.

Cette thèse se propose d’étudier les enjeux et les stratégies à l’œuvre dans l’apparition de la peur dans les œuvres littéraires et vidéoludiques. Il s’agit de théoriser, dans une démarche comparatiste, le rapprochement des deux médiums ainsi que les paradigmes structurant les fictions horrifiques. La capacité du jeu vidéo et de la littérature à produire de l’incertitude et de l’étrangeté à partir d’un code rigoureux (textuel, informatique, ludique) durant son actualisation en œuvre par l’interaction du lecteur/joueur et l’interdépendance conflictuelle entre mimesis (mise en forme du réel) et phantasia (résurgence d’un réel défiant la rationalité) forment les fondations de ce travail.En tant que catalyseur de la peur, le monstre constitue le point central de l’analyse formelle des œuvres étudiées. La synthèse d’un large corpus permet d’identifier quatre archétypes à partir desquels se déploient les multiples actualisations de la monstruosité : le Barbare, la Gorgone, le Revenant et la Chimère. Ces figures incarnent les zones d’ombre de la culture occidentale. Le Barbare exprime la confrontation à une étrangeté envahissant l’environnement familier mais aussi le soubassement violent et chaotique de la civilisation. La Gorgone représente l’Autre radical, fascinant et terrifiant. S’en approcher suppose de s’aventurer hors du monde et de courir le risque d’être contaminé par la monstruosité, incapable de regagner la demeure. Le Revenant figure les enjeux de la hantise, d’un passé qui, constitutif du présent, reste vivant. Fruit d’une rupture de la continuité temporelle, il ne peut qu’y être réintégré par la résolution de l’énigme qu’il pose. La Chimère est, quant à elle, celle qui transgresse les catégories. Monstre aux multiples visages, elle défie l’organisation rationnelle du réel.Enfin, une étude de la figure de l’auteur, des processus d’adaptation et d’extension des univers fictifs permet d’aborder la mobilité des figures monstrueuses et leur capacité à franchir les frontières, qu’il s’agisse des intentions de création, des cadres médiatiques ou des mondes fictionnels. Ces conclusions s’appuient sur une mise en dialogue d’œuvres littéraires et vidéoludiques sélectionnées dans un corpus varié visant à concilier rigueur de l’analyse et vision englobante. / The aim of this thesis is to study the stakes and strategies behind the apparition of fear in novels and video games. Through a comparative approach, I intend to theorize the bridging of these mediums and the paradigms structuring scary fictions. At the core of this work lie the ability of video games and literature to create uncertainty and strangeness from a rigorous code (be it textual, digital or game rules) during the interaction with the reader/gamer and the conflicting interdependence between mimesis (as a shaping of reality) and phantasia (as a resurgence of a reality that defies reason).As fear’s catalyst, the monster is at the heart of my formal analysis. The synthesis of a large corpus allows for an identification of four archetypes from which the various manifestations of monstrosity spread: the barbarian, the gorgon, the phantom and the chimera. These figures personify the dark corners of western culture. The barbarian embodies the confrontation with an alien whom invades a familiar environment as well as the violent and chaotic base upon which rests civilization. The gorgon represents the radical otherness, fascinating and terrifying. To go near it is to venture out of the world and to run the risk of being contaminated by the monster, becoming unable to go back home. The phantom conveys the stakes of the haunting, of an undead past that is still part of the present. As the baring of a tearing in time continuity, it is to be reintegrated through the solving of the enigma it poses. Ultimately, the chimera is the one who transgresses categories. With its numerous faces, it defies the rational organisation of reality. Finally, a study of the author’s figure, of the adaptation process and of the fictional worlds extensions offers an outlook on the mobility of monsters and their capacity to cross borders, whether they are creative intents, mediatic frames of worlds of fiction.These conclusions are based on a dialogue between literary works and video games selected in a diverse corpus that aims to merge analytical thoroughness and an encompassing vision.

Thesis advisor: Maria E. Brisk / The Writing Development of Procedural and Persuasive Genres: A Multiple Case Study of Culturally and Linguistically Diverse Students Margarita Zisselsberger María Estela Brisk, Dissertation Director Abstract In this dissertation study, I examine the writing development of five culturally and linguistically diverse (CLD) students in an elementary classroom, where English is the language of instruction. Interest in written literacy for monolingual and bilingual learners has increased as a result of high-stakes testing, No Child Left Behind, and state adoption of the Common Core Standards. Additionally, National Assessment of Educational Progress (U.S. Department of Education, National Center for Education Statistics, 2007) shows that CLD students score significantly lower on writing performance tasks than their mainstream English-speaking Caucasian peers. This study seeks to better understand the process by which CLD students develop the specific characteristics of procedural and persuasive writing given the instruction in these genres. This year-long qualitative research study used a multiple case-study design (Hancock & Algozzine, 2006; Merriam, 1998) and included classroom observations, videotaped examples of the nexus between classroom instruction and student writing, the collection of students' writing samples, student interviews, and formal and informal teacher interviews. For this study, I followed one fifth-grade teacher and five of her students as they worked on the two genres. Guided by systemic functional linguistic theory--a linguistic theory that reveals features that encase cultural and social expectations, making the language demands of schooling explicit--the analysis examined students' writing development in the two genres, the context and process of their development in the genres, and an in-depth examination of the impact of the context and process on their procedural and persuasive writing pieces. The results suggest that CLD students' writing development is multifaceted and complex. CLD students' writing development of procedural and persuasive writing was mediated by interrelated factors: the individual student, the peers, the teacher, and the texts themselves. I discuss the role of each of the mediating factors and argue for adopting a model of writing that incorporates a combination of genre- and process- writing theories with a particular understanding of the unique nuances pertinent to CLD students. / Thesis (PhD) — Boston College, 2011. / Submitted to: Boston College. Lynch School of Education. / Discipline: Teacher Education, Special Education, Curriculum and Instruction.

Este estudo utiliza escuta e escrita de intervenções, depoimentos, confissões e queixas de homens autuados pela Lei 11.340/2006 (BRASIL, 2006. Denominada também de Lei Maria da Penha) dos Grupos Reflexivos da ONG Coletivo Feminista Sexualidade Saúde, e de abordagens do grupo GEPRAGEM - Grupo de Pesquisas e Práticas em Gênero e Masculinidades do fórum de gênero e masculinidades do grande ABC - Santo André, como material discursivo para questionamentos sobre masculinidade e sobre a produção performativa do homem. Esta abordagem passa por diferentes formas de ser homem ao longo da história e suas implicações de privilégios e punições culturais, além de análises das representações do masculino na cena contemporânea, tendo como exemplos os espetáculos performativos: Estudo sobre o masculino: primeiro movimento, processo coordenado pelo diretor e dramaturgo Antônio Duran; Aquilo que me arrancaram foi a única coisa que me restou, da Trupe A Motosserra Perfumada; Feminino Abjeto, processo dirigido pela diretora e atriz Janaína Leite; Para aquelas que não mais estão, espetáculo memorial, parceria do Coletivo Rubro Obsceno (SP) com a performer Violeta Luna (México); CARNE - Patriarcado e Capitalismo, da Kiwi Cia. De Teatro; e minha elaboração e produção performativa do Homem das Mal-Amadas, em VULVAR - No lugar dela, do grupo Mal- Amadas: Poética do Desmonte. Estes discursos cênicos são analisados como exemplos por colocarem a visão do e sobre o masculino em cena, nos quais podemos notar olhares, produção e performatividades do gênero. Este panorama retorna aos grupos reflexivos e de estudos sobre gênero e masculinidades em forma de workshop: Gênero é Performance! para uma produção performativa de um homem, para se pensar o homem como produzido e performado, cotidianamente, em cena e contexto, portanto, transformável. / Cette étude se sert de l\'écoute et de l\'écrite à propos des interventions, des témoignages, des aveux et des plaintes des hommes condamnés par la loi 11.340/2006 (BRASIL, 2006. Connue aussi sous le nom Lei Maria da Penha) participants aux Groupes de Réflexion de l\'ONG Coletivo Feminista Sexualidade Saúde et des approches du groupe GEPRAGEM (Grupo de Pesquisas e Práticas em Gênero e Masculinidades du forum sur genre et masculinité du grand ABC - Santo André) en tant que matière discursive pour mettre en question la masculinité et la production performative de l\'homme. Cette approche passe par de différentes formes d\'être homme tout au long de l\'histoire en considérant les implications de privilèges et les sanctions culturelles. Parallèlement on analyse des représentations du masculine dans la scène contemporaine, en prenant comme exemples les spectacles performatifs: Estudo sobre o masculino: primeiro movimento, un processus coordonné par le réalisateur et dramaturge Antônio Duran; Aquilo que me arrancaram foi a única coisa que me restou de la troupe Motoserra Perfumada; Feminino Abjeto, un spectacle mis en scène par la réalisatrice et actrice Janaína Leite; Para aquelas que não mais estão, un spectacle mémorial, un partenariat entre le groupe Rubro Obsceno (SP) et la performer Violeta Luna (Mexique); CARNE - Patriarcado e Capitalismo, de la Kiwi Cia. de Teatro; et mon élaboration et production performative de l\'homme au groupe Mal-Amadas:Poética do Desmonte dans le spectacle VULVAR - No lugar dela. Ces discours scéniques sont analysés comme des exemples puisqu\'ils mettent en scène la vision du masculin et/ou sur le masculin, où on peut remarquer les regards, la production et la performativité du genre. Ce panorama-là reprend le matériel des groupes de réflexion et des études sur le genre et les masculinités avec le but d\'élaborer le workshop Gênero é Performance! dans lequel on parle d\'une production performative d\'un homme, afin de penser à l\'homme comme un être produit et performer quotidiennement sur la scène et dans le contexte et, donc, un être transformable.