Esta tese se mostra como um estudo sobre a natureza da relação entre o fora de campo e a mise-en-scène no contexto do Novíssimo Cinema Brasileiro. Tendo como base para um estudo de caso a experiência cinematográfica do diretor mineiro André Novais, nosso intuito foi o de compreender, nos termos de um plano de imanência, os movimentos que amparam as discussões sobre as encenações e seu fora de campo. Para aprofundarmos o pensamento sobre uma dada indissociabilidade entre as instâncias do fora de campo e da mise-en-scène nos filmes de Novais, aplicamos a ideia da dobra, que, atualizada por Deleuze, opera na coexistência entre o dentro e o fora ao problematizar um espaço que se configura indiscernível. A partir daí, investimos na tese dos desenquadramentos, trazida por Deleuze no livro A Imagem Movimento (2009), e suas reverberações em relação às dimensões relativa e absoluta do fora de campo. Torna-se, portanto, necessário aproximar tais aspectos a determinadas concepções formais atreladas aos filmes que estudamos. É então que apostamos em figuras de linguagem, como as metonímias e as dimensões intertextuais e paratextuais, para atestar a presença de um fora de campo relativo, que nos traz exemplos mais concretos e aplicações mais diretas em relação ao espaço fílmico, e refletimos sobre as desnaturalizações e as indecidibilidades para pensar a porção de uma dimensão absoluta do fora de campo, esta mais ligada a uma duração do todo do universo e a um discurso indireto livre. Cabe assinalar que o estudo de caso aplicado à filmografia de André Novais é inserido em um contexto cinematográfico específico: o Novíssimo Cinema Brasileiro. Torna-se, assim, fundamental estabelecermos uma discussão sobre as particularidades de suas concepções estéticas e de mise-en-scène. Na esteira desse movimento, chegamos à compreensão do aspecto documental que invade tal contexto cinematográfico e que é problematizado a partir do deslocamento de um real representado para a sua realização no âmbito simbólico. A partir das teorias lançadas por Bazin, Metz, Badiou e Zizek, chegamos a um real entendido como fantasma, e não como referente. Ao alcançarmos o cerne de uma linguagem aplicada a determinadas formas fílmicas, encontramos a expressão de uma encenação desdramatizada, ligada aos aspectos minimalistas e hiper-reais e à produção de personagens da recusa, enfatizados a partir da incapacidade de adequação às identidades e aos modelos. Tais variáveis nos ajudam a refletir não só sobre as particularidades de uma mise-en-scène, mas também sobre os movimentos disruptivos e desconstrutivos do cinema. / This doctoral thesis studies the nature of the relationship between the out-of-field and the mise-en-scène in the context of the Newest Brazilian Cinema (Novíssimo Cinema Brasileiro). Taking the mineiro director André Novais’ cinematographic experience as foundation for a case study, we aimed to understand, in terms of a plane of immanence, the movements supporting the discussion about staging and its respective out-of-field. In order to deepen our thoughts on a certain inseparability between the out-of-field and the mise-en-scène in Novais' movies, we adopt the concept of “fold”, which, updated by Deleuze, establishes itself in the coexistence between inside and outside, while problematizing an indiscernible space. Thereon, we address the thesis of the unframing, brought forward by Deleuze in his book The Movement-Image (2009), and its reverberations around the relative and the absolute aspects of the out-of-field. It was therefore imperative to approach such aspects in relation to certain formal conceptions attached to the movies we study. That is where we employ figures of speech such as the metonymy and the intertextual/paratextual dimmensions, so that we were able to attest to the presence of a relative out-of-field, which brings us many concrete examples and direct applications in relation to the filmic space. Furthermore, we also considered denaturalizations and undecidabilities to conceive an absolute dimmension of the out-of-field, associated with the free indirect discourse and with a duration which is immanent to the whole universe. We should point out that the case study about André Novais’ filmography inserts itself in a specific cinematographic context: the Newest Brazilian Cinema. It was thus fundamental that we stablished a debate about the peculiarities of its mise-en-scène and its aesthetic conceptions. Approaching this movement, we reach an understanding about the documentary aspect which overruns such cinematographic context and which is examined as through the displacement of a represented “Real” up to a realization in the symbolic realm. Aimed with theories laid by authors such as Bazin, Metz, Badiou and Zizek, we end up conceiving the Real as ghost, instead of referent. Achieving the kernel of a language applied to certain filmic forms, we discover the expression of a de-dramatized staging, characterized by minimalist and hiper-realist aspects and by the production of “refusal characters”, unable to conform themselves to predefined identities and models. Such variables help us reflect not only upon mise-en-scène peculiarities, but also upon disruptive and deconstructive cinema movements.

A presente dissertação aborda o tema da constituição da noção de espaço na psicanálise tomando como central um caso clínico de uma paciente atendida em um ambulatório de saúde mental na rede pública do município de Porto Alegre. Tendo em vista que tempo/espaço são categorias indissociáveis no campo das ciências humanas, a pesquisa aborda os momentos da constituição do sujeito em que a organização e estruturação dessas variáveis estão em causa. Privilegiando o conceito de espaço como efeito da posição do sujeito na linguagem, o texto desenvolve as relações entre percepção e representação presentes nas formações delirantes. A partir da experiência clínica, pretende discutir algumas importantes formulações teóricas no campo da psicanálise ao mesmo tempo em que compõe uma escrita de caso. Utiliza como elemento privilegiado nesse diálogo o livro de literatura “Noite do Oráculo”, do escritor americano Paul Auster, em função da estrutura presente na narrativa. As relações que o escritor estabelece entre leitor/escritor/personagem compõe um universo narrativo semelhante ao da transferência clínica na psicose. A partir desses elementos aborda o tema das diferenças entre ficção e delírio no que diz respeito às diferenças nas formações narrativas. / This dissertation addresses the issue of development of the concept of space in psychoanalysis taking as central the clinical case of a patient treated at a public mental health clinic in the city of Porto Alegre. Given that time/space are inseparable categories in the field of human sciences, the research addresses the moments of the development of the subject in which the organization and structuring of these variables are concerned. Emphasizing the concept of space as an effect of the position of the subject in language, the text develops the relationship between perception and representation present in delusional formations. From clinical experience, it intends to discuss some important theoretical formulations in the field of psychoanalysis while composing a case study. It uses the literary work of the American writer Paul Auster "Oracle Night" as a privileged element in this dialogue as a representation of the structure present in the narrative. The relationships established between reader/writer /character composes a narrative universe similar to the transfer in clinical psychosis. From these elements it addresses the issue of the differences between fiction and delusion with regard to the narrative configuration.

Bernard-Marie Koltès, est l’un des dramaturges français de la fin de XXème siècle les plus joués dans le monde. Son théâtre se définit par une violence omniprésente. Celle-ci s’exerce à la fois envers ses personnages, mais aussi ses spectateurs et prend plusieurs formes : celles du langage, du temps et de l’espace. Cette recherche s’appuie sur un corpus aux multiples formes puisque nous considérons son théâtre comme un « art total ». Nous utiliserons donc des documents annexes issus de l’art plastique, de la peinture, de la musique, de la danse et de la photographie. Pour approfondir notre sujet, nous allons également nous appuyer sur des entretiens avec François Koltès, le frère et ayant-droit de l’auteur, mais aussi avec des metteurs en scène comme Bruno Boëglin ou Philip Boulay et des comédiens comme Clément Bresson, Ismail ibn Conner. Étant d’origine turque, je me suis intéressée aussi à son influence sur le théâtre turc et notamment dans l’oeuvre de Bu!ra Gülsoy, Pragma, qui, comme Roberto Zucco de Koltès, cherche à dévoiler la personnalité des tueurs en série. / Bernard-Marie Koltès is one of the most performed French playwrights of the late twentieth century in the world. His theatre is defined by a violence omnipresent. In fact, this violence is applied on characters on stage and also on the audiences and takes various forms: language, time and space. Since we consider Koltès’ theater as a ‘total art’, we will base this study on a corpus with multiple forms. As well as we will use additional documents from plastic arts, painting, music, dance and photography. In order to study the subject in depth, we will also base our research on the interviews with Koltès’ brother and rights holder, François Koltès;also with stage directors such as Bruno Boëglin, Philip Boulay and actors Clément Bresson, Ismail ibn Conner. Turkish in origin, I am interested in his influence on Turkish theater, especially on Bu!ra Gülsoy’s work, Pragma. In his work, Bu!ra Gülsoy, as we come across extremely in Koltès’ work, Roberto Zucco, tries to reveal the personality of serial killers and their perception of violence.

A presente dissertação aborda o tema da constituição da noção de espaço na psicanálise tomando como central um caso clínico de uma paciente atendida em um ambulatório de saúde mental na rede pública do município de Porto Alegre. Tendo em vista que tempo/espaço são categorias indissociáveis no campo das ciências humanas, a pesquisa aborda os momentos da constituição do sujeito em que a organização e estruturação dessas variáveis estão em causa. Privilegiando o conceito de espaço como efeito da posição do sujeito na linguagem, o texto desenvolve as relações entre percepção e representação presentes nas formações delirantes. A partir da experiência clínica, pretende discutir algumas importantes formulações teóricas no campo da psicanálise ao mesmo tempo em que compõe uma escrita de caso. Utiliza como elemento privilegiado nesse diálogo o livro de literatura “Noite do Oráculo”, do escritor americano Paul Auster, em função da estrutura presente na narrativa. As relações que o escritor estabelece entre leitor/escritor/personagem compõe um universo narrativo semelhante ao da transferência clínica na psicose. A partir desses elementos aborda o tema das diferenças entre ficção e delírio no que diz respeito às diferenças nas formações narrativas. / This dissertation addresses the issue of development of the concept of space in psychoanalysis taking as central the clinical case of a patient treated at a public mental health clinic in the city of Porto Alegre. Given that time/space are inseparable categories in the field of human sciences, the research addresses the moments of the development of the subject in which the organization and structuring of these variables are concerned. Emphasizing the concept of space as an effect of the position of the subject in language, the text develops the relationship between perception and representation present in delusional formations. From clinical experience, it intends to discuss some important theoretical formulations in the field of psychoanalysis while composing a case study. It uses the literary work of the American writer Paul Auster "Oracle Night" as a privileged element in this dialogue as a representation of the structure present in the narrative. The relationships established between reader/writer /character composes a narrative universe similar to the transfer in clinical psychosis. From these elements it addresses the issue of the differences between fiction and delusion with regard to the narrative configuration.

Le sujet central de cette recherche est une investigation sur le statut de la fiction dans le théâtre occidental contemporain. En ligne avec les transformations sociales de son temps, les contours du théâtre ont perdu de leur netteté. En ce moment de mise en question radicale, la permanence, la mutation ou la disparition de la fiction est l’une des caractéristiques principales pour la reconfiguration de l’art théâtral. En diagnostiquant l’environnement de méfiance par rapport aux méthodes et résultats de la représentation, nous avons étudié ce nouveau lieu qu’occupe, ou peut occuper, la fiction théâtrale. Par le débat théorique et par l’analyse des expériences théâtrales des trois dernières décennies, nous avons identifié une préoccupation avec le réel et avec l’innovation formelle qui ne sont pas incompatibles avec un projet théâtral critique. / The main subject of this research is the investigation on the role of fiction in western contemporary theatre. In line with the social changes of our times, theatre has lost its clear definition. At a time of radical questioning, the mutation or disappearance of fiction is central in the discussions around the definition of theatrical art. To understand an environment of disbelief in methods and results of representation, we research into a potential new place that theatrical fiction occupies [or can occupy]. Through the theoretical debate and analysis of theatrical experiences of last the three decades, we identify a concern with the real, and formal innovations that are not incompatible with a critical theatrical project.

Parce qu’elle se donne comme un discours ancillaire chargé d’actualiser le dialogue et de construire la représentation, parce qu’elle semble empiéter sur le terrain réservé du metteur en scène mais ne peut égaler la magie du spectacle, parce qu’elle n’est ni vraiment littéraire ni réellement scénique, la didascalie est longtemps restée le parent pauvre des études théâtrales. Depuis quelques années, elle fait l’objet d’un engouement relatif. D’une part, des études linguistiques décrivent le fonctionnement standard du discours didascalique en synchronie.D’autre part, des études critiques éclairent les poétiques didascaliques d’auteurs en s’intéressant particulièrement aux infractions par rapport à une pure fonctionnalité supposée.Dans cette thèse, nous cherchons à dépasser cette approche clivée en fournissant une poétique générale de la didascalie et, afin de lui donner sens, poids et nuance, nous l’ancrons résolument dans l’histoire en nous fondant sur le théâtre du XXe siècle, de Villiers à Koltès, soit un XXe siècle élargi, solidement ancré dans le XIXe et les yeux déjà tournés vers le XXIe. C’est le moment où la didascalie se redéfinit du fait de l’avènement et de la prise de pouvoir du metteur en scène, le moment où elle sort spectaculairement de son ornière sans pour autant pouvoir ou vouloir se débarrasser totalement d’un fond utilitaire. Elle apparaît alors sans conteste comme une parole boitant "un pied dans le devoir, un pied dans le désir", une parole icarienne tendue entre des catégories théoriquement exclusives. Dans une première partie, nous posons le format du discours didascalique, son territoire,son fonctionnement énonciatif (c’est-à-dire la place exacte qu’il occupe dans la communication dramatique) et ses caractéristiques graphiques (ponctuation, typographie, mise en page). Dans une seconde partie, c’est la fabrique même de l’écriture didascalique qui est étudiée, c’est-à-dire sa tension constitutive entre le pacte qui la régit (clarté, économie) et sa fondamentale aspiration à devenir (devenir-spectacle, devenir-poème, devenir-roman…). / Because they seemingly have to make the dialog work as well as to construct theperformance, because they seem to encroach upon the director’s grounds and yet cannot level with the magic of the actual staging, because they are not a real piece of literature nor do they belong to the show, the stage directions have long been overlooked by theater studies. In the past few years, a mild interest has arisen. On the one hand, linguists describe in a synchronic fashion the generic features of this particular type of discourse. On the other hand, critics wish to seize the specificity of each author’s stage directions, with an emphasis on the breaches of their theoretical functional purity.In this thesis, we intend to go beyond this fragmented approach by offering an overall poetics of stage directions and, in order for it to carry meaning, weight and nuance, we choose to base it on history and, specifically, on XXth century theater, from Villiers to Koltès, an enlarged century, deeply rooted in the XIXth and already glancing at the XXIst. It is then that stage directions redefine themselves as a result of the advent of the director and his coming to power ;it is then that they spectacularly travel out of joint but appear, nonetheless, incapable or unwilling to get rid altogether of their fundamental usefulness. Unequivocally, they prove to be a form of speech limping “one foot in duty, on foot in desire”, an icarian discourse reconciling what is theoretically opposed.This study starts with the format of the stage directions, their territory, their enunciation (i.e. the exact role they play in the dramatic communication), their graphic characteristics (punctuation, typography, lay-out). Then, we investigate the very fabric of stage directions writing, the perpetual tension between the pact that rules them (clarity, economy) and a fundamental drive to become something else (to become stage, to become poem, to become novel…).

Cette thèse se propose d’interroger les enjeux esthétiques et culturels de la réécriture théâtrale contemporaine à partir de trois questions fondamentales : Qu’est-ce que l’on réécrit ? Comment est-ce que l’on réécrit ? A quelles fins/ pourquoi est-ce que l’on réécrit ? Les différentes étapes de notre recherche seront traversées par un souci permanent de re-définir la réécriture en tant que pratique hybride, située à la croisée d’une pratique scripturale et d’une pratique scénique. Après avoir défini la réécriture à la lumière des relations qu’elle entretient avec des pratiques liminaires, nous proposons une typologie des techniques à travers lesquelles l’adaptateur modifie l’univers fictionnel de l’œuvre-source. L’analyse de certains cas de figure marginaux nous permet par la suite de nuancer notre définition de la réécriture. Les deux derniers chapitres tenteront de définir les réécritures comme des œuvres nouvelles qui s’affichent comme des versions des œuvres antérieures, puisqu’elles puisent leurs formes et leurs sens dans les formes et les sens des œuvres de départ. / This thesis aims at analyzing the aesthetic and cultural aspects of contemporary theatrical rewriting, starting from three fundamental questions: What do adaptors rewrite? How do they rewrite? Why do they rewrite? The different stages of our research are characterized by a constant aim at redefining theatrical rewriting as a hybrid practice, situated at the crossroads of a scriptural and of a scenic phenomenon. After having defined rewriting in the light of its relationships with related practices, we propose a typology of the techniques which enable adaptors to modify the fictional universe of the initial work. The analysis of certain marginal case studies enables us to further develop our definition of rewriting. The last two chapters aim at defining rewriting as new works which function as versions of previous works, as they look for their forms and for their meanings in the forms and meanings of previous works.

Cette recherche se propose d'étudier les interactions entre l'espace scénique et la folie dans le théâtre contemporain. À partir de l'étude de scénographies et des lieux dans lesquels elles se déploient, nous souhaitons interroger le recours à la déraison, non pas comme thématique ou comme caractéristique de personnages, mais comme outil de questionnement et de renouvellement de l'espace théâtral. La folie, notion polémique dont l'existence même est régulièrement questionnée, constitue pour certains metteurs en scène et/ou scénographes la possibilité d'une remise en cause radicale du réalisme illusionniste et une passerelle vers la mise en place d'une "réalité théâtrale" au sens où Antonin Artaud l'entendait. Ces interactions peuvent se manifester par les lieux dans lesquels sont joués les spectacles, mais aussi par l'usage de la symptomatologie de la folie (hallucination, délire, rêves) comme élément perturbateur de l'espace scénique. La folie est alors employée pour bouleverser les repères du spectateur, qui n'est plus en prise avec une représentation de sa réalité quotidienne, ni une représentation de l'ambiance du drame ou de l'état mental d'un personnage, mais avec des espaces qui proposent une perception en dehors des normes de la raison. La folie n'apparaît donc plus dans la constitution d'une fable, mais dans la structure même des spectacles. Dans la lignée des recherches de certains groupes futuristes ou surréalistes, certaines mises en scène et scénographies contemporaines cherchent alors à se défaire d'une raison dominante et voit dans la déraison le moyen de remettre en cause l'ordre politique et social autant que l'ordre théâtral. / This research proposes to study existing interactions between scenic space and madness in contemporary theater. By studying scenography and locations where they occur, we wish to question the use of insanity, not as a theme or dimension of a character, but as a tool to question and renew theatrical space. Madness, a subject of debate whose very existence is regularly questioned, appears for certain directors and/or set designers as a way to radically question illusionist realism and as a pathway to a "theatrical reality" as perceived by Antonin Artaud. These interactions may be exploited by the site chosen for staging but also through the use of madness (hallucination, delirium, dreams) as a disruptive element of scenic space. Madness is then used to disorient the spectator : he is no longer exposed to a representation of his daily life, or a representation of the drama’s setting, or the mental state of a character, but with spaces that offer a perception outside the norms of reason. Madness no longer occurs in the creation of a fable, but in the very structure of theater. Along the lines of certain futurist or surrealist groups’ research, some contemporary staging and scenography therefore tries to do away with dominant reasoning, and view insanity as a means to question political and social order as much as theatrical order.

Cette thèse présente un banc d’écriture de réseaux de diffraction de grande surface dont la période peut varier de 100 nm à plusieurs micromètres. Le principe est basé sur l’écriture au vol qui permet d’écrire des longs réseaux en balayant continûment un substrat recouvert de résine photosensible sous un interférogramme de petite dimension créé par un masque de phase. Deux types de masques ont été fabriqués. Le premier, pouvant être décrit comme un interféromètre de type Mach-Zehnder monolithique, présente l’intérêt d’écrire des réseaux de grandes périodes sans limite supérieure. Il est composé de trois réseaux de diffraction, écrits sur la même face d’un substrat épais grâce à destechniques standards de lithographie (e-beam, gravure RIE) accessibles lors d’un échange à l’UEF àJoensuu. A la longueur d’onde 442 nm, ce masque a permis d’écrire un réseau de période de 2 µmde grande dimension à l’aide d’une nappe de lumière divergente. Le second type de masque est monolithique en matériau haut indice. Il est utilisé en immersion à la longueur d’onde de 244 nm; des réseaux de période de 100 nm ont été écrits. La structure capable de supprimer l’ordre zéro transmis a été modélisée et les masques ont été fabriqués par trois partenaires européens du réseau d’excellence NEMO. La gravure du LuAG a également été étudiée en vue de fabriquer un masque de phase pour la longueur d’onde 193 nm. Afin d’écrire des réseaux larges et homogènes, une étude des différentes techniques d’élargissement de faisceau a été réalisée en vue de disposer d’une ligne de lumière avec un profil d’intensité homogène dit « top-hat », et une méthode de fabrication d’un long masque de phase a été développée / This PhD thesis presents a bench capable to write highly coherent diffraction gratings on a large area (potentially one square meter) with periods varying from 100 nm to several micrometers. The strategy is based on the “write on the fly” method, which allows writing long and stitchingless gratings by scanning a photoresist-coated substrate under a small area interferogram generated by a phase mask. The main object of this thesis concerns the design of the phase-mask. Two different types have been developed. The first type can be described as a monolithic Mach-Zehnder interferometer comprising three diffraction gratings at the same side of a thick fused silica substrate. This approach has the advantage of writing large periods without any upper limitation. Standard lithography techniques (e-beam, RIE) have been used to fabricate the mask during a two months stay at UEF at Joensuu. At the wavelength of 442 nm, a large 2 µm period grating has been made with exposure by a divergent beam. The second type of mask is binary and made in a layer of high refractive index material. It has been used at the 244 nm wavelength and under immersion to write a 100 nm period grating. The modeling was performed to find the optimal structure capable of suppressing the zeroth transmitted order. The masks were made by three European partners within the Network of Excellence NEMO. The etching of LuAG has also been studied in view of making a 193 nm phase-mask. To write large and homogeneous gratings, various methods of beam expansion were compared to generate a light line with a homogeneous intensity profile (top-hat). Solutions for the fabrication of long phase-masks have also been demonstrated

La reconstruction 3D consiste à acquérir des images d’un objet, et à s’en servir pour en estimer un modèle 3D. Dans ce manuscrit, nous développons une méthode de reconstruction basée sur la modélisation par squelette. Cette méthode a l’avantage de renvoyer un modèle 3D qui est un objet virtuel complet (i.e. fermé) et aisément éditable, grâce à la structure du squelette. Enfin, l’objet acquis n’a pas besoin d’être texturé, et entre 3 et 5 images sont suffisantes pour la reconstruction. Dans une première partie, nous étudions les aspects 2D de l’étude. En effet, l’estimation d’un squelette 3D nécessite d’étudier la formation de la silhouette de l’objet à partir de son squelette, et donc les propriétés de sa projection perspective, appelée squelette perspectif. Cette étude est suivie par notre première contribution : un algorithme d’estimation de la projection perspective d’un squelette 3D curviligne, constitué d’un ensemble de courbes. Cet algorithme a toutefois tendance, comme beaucoup d’algorithmes estimant un squelette, à générer des branches peu informatives, notamment sur une image rastérisée. Notre seconde contribution est donc un algorithme d’estimation de squelette 2D, capable de prendre en compte la discrétisation du contour de la forme 2D, et d’éviter ces branches peu informatives. Cet algorithme, d’abord conçu pour estimer un squelette classique, est ensuite généralisé à l’estimation d’un squelette perspectif. Dans une seconde partie, nous estimons le squelette 3D d’un objet à partir de ses projections. Tout d’abord, nous supposons que le squelette de l’objet 3D à reconstruire est curviligne. Ainsi, chaque squelette perspectif estimé correspond à la projection du squelette 3D de l’objet, sous différents points de vue. La topologie du squelette étant affectée par la projection, nous proposons notre troisième contribution, l’estimation de la topologie du squelette 3D à partir de l’ensemble de ses projections. Une fois celle-ci estimée, la projection d’une branche 3D du squelette est identifiée sur chaque image, i.e. sur chacun des squelettes perspectifs. Avec cette identification, nous pouvons trianguler les branches du squelette 3D, ce qui constitue notre quatrième contribution : nous sommes donc en mesure d’estimer un squelette curviligne associé à un ensemble d’images d’un objet. Toutefois, les squelettes 3D ne sont pas tous constitués d’un ensemble de courbes : certains d’entre eux possèdent aussi des parties surfaciques. Notre dernière contribution, pour reconstruire des squelettes 3D surfaciques, est une nouvelle approche pour l’estimation d’un squelette 3D à partir d’images : son principe est de faire grandir le squelette 3D, sous les contraintes données par les images de l’objet.