Le roman négro-africain de dénonciation que nous appelons " roman subversif " et que d'aucuns insèrent dans la catégorie dite roman de la rupture, en tant que macro-acte de langage, comporte bien une visée illocutoire subversive. Cela est vrai même si le discours littéraire négro-africain d'après les indépendances, à l'instar de tout discours, reste contraint, c'est-à-dire en grande partie déterminé par le contexte sociopolitique, mais également le champ littéraire francophone où entrent en concurrence divers " positionnements " et " postures " d'auteurs. Nous montrons dans ce travail que cette visée qui est une entreprise de dévoilement des dérives des nouveaux régimes politiques et/ou religieux, résultante de l'intrication du contexte non verbal négro-africain et de l'intérieur des romans, et qui se traduit par la construction littéraire de divers ethos individuels et collectifs, peut s'étudier, entre autres, au moyen de la méthode d'analyse du discours. En reliant extérieu r et intérieur du texte littéraire, ce qui écarte l'immanence structuraliste, nous abordons le roman négro-africain d'après les indépendance comme un dispositif d'énonciation dont le centre déictique et modal est le garant du discours, à savoir le narrateur principal qui est le plus souvent " homodiégétique " dans notre corpus à l'exception de Perpétue où il est " extradiégétique ". Ainsi, la thèse ruine la conception romantique qui distingue le moi social de l'écrivain et le moi créateur. Nous considérons donc que les romans de notre corpus sont des activités sociales s'insérant dans les pratiques discursives d'une société, ce qui consacre définitivement la relation texte et société en mettant en branle des notions de la problématique de l'énonciation à grande portée socioculturelle comme la " scénographie ", la " scène générique ", la " scène validée ", la " paratopie ", etc. Nous confirmons donc la possibilité d'un enrichissement des approches de la littéraire négro-afric aine considérant l'histoire littéraire composée de trois entités séparées (l' " homme ", l' " uvre " et le " milieu ") et qui sont restées plus ou moins classiques, c'est-à-dire thématiques, souvent sociologiques. En recourant systématiquement aux outils de la linguistique de l'énonciation, de la pragmatique, de la linguistique textuelle, de l'argumentation, de la linguistique interactionniste, etc., nous appliquons à quelques romans négro-africains d'après les indépendances et à plusieurs séquences textuelles que nous avons sélectionnées et tirées de ce corpus, la méthode de l'analyse du discours telle qu'elle est théorisée dans la sphère européenne par des chercheurs tels que Dominique Maingueneau et Patrick Chareaudeau, mais également d'autres qui ont développé des problématiques linguistiques proches ou similaires : Jean Michel Adam, Ruth Amossy, Emile Benveniste, Catherine Kerbrat-Orecchioni, Oswald Ducrot, etc., pour ne citer que ceux-là. L'étude de la polyphonie pour la détermination des voix en présence dans les romans nous conduit à l'étude, d'une part, de la double énonciation qui se traduit par les dialogues en tant que modalité narrative où plusieurs énonciateurs sont mis en scène, de l'autre, de tous les types de discours rapporté, mais également de la manifestation verbale du peuple négro-africain. Ces voix définissent des identités énonciatives, celles des camps opposés, à savoir le pouvoir politique et/ou religieux et les opposants qui sont sans cesse en conflit dans les romans. Bannissant l' " authenticité " qui était la visée des conceptions identitaires négro-africaines comme la Négritude, les auteurs du corpus utilisent le discours rapporté et la double énonciation non pour restituer la réalité crue, comme dans le roman à thèse, mais pour dénoncer en dictant, en creux, au lecteur modèle ce qu'il faut penser ou croire. La tourmente politique et/ou religieuse est décriée par la présentation au lecteur de " patrons discursif " et d'un code langagier qui s'insérèrent dans l' " interdiscours " et qui montrent différents ethos populaires ou individuels fonctionnant comme des repoussoirs utilisés pour la dénonciation. Le lecteur modèle arrive à produire l'effet discursif attaché aux textes par l'activité d'" incorporation " de ces ethos qui se manifestent par une certaine corporalité et une vocalité précise.Mots clés :Énonciation, polyphonie, " scène d'énonciation ", genre, dialogue, interaction, argumentation, " posture ", " paratopie ", ethos, discours, texte, contexte.

Les processus de la mise en scène reposent nécessairement sur une réalité humaine complexe, faite de dialogues et de rapports de force en constante redéfinition. Afin de les théoriser, plusieurs travaux ont institué en corpus les documents produits en cours de réunion ou de répétition, pour leur appliquer les méthodes issues de la génétique des textes. Or le transfert s’avère problématique : vestiges lacunaires, ces supports ne sauraient témoigner à eux seuls de la vie organique et polyphonique de la mise en scène en gestation. Une première solution consiste à opter pour une approche radicalement intermédiale des archives d’un spectacle : dans la mesure où la mise en scène fait interagir plusieurs disciplines artistiques, pourquoi ne pas la penser en confrontant activement les différents media générés lors de son élaboration ? Complémentaire de la première, une seconde proposition suppose que le chercheur s’implique dans une observation in vivo de réunions et de répétitions afin de disposer d’une matière plus complète. À cette clarification épistémologique succède un essai de théorisation des processus de la création scénique. Il apparaît tout d’abord que l’espace de travail est aussi bien un contenant physique de la recherche des artistes qu’un catalyseur : c’est en se l’appropriant à plusieurs qu’un groupe de collaborateurs donne corps à la mise en scène. L’espace de création révèle par là même une dimension polyphonique que l’on retrouve sur le plan du temps : dans la mesure où il engage un ensemble d’artistes, un processus ne possède pas de linéarité chronologique homogène ; il se compose d’une multitude de temporalités propres à chacun des répétants, qu’il s’agit de faire converger pour élaborer un spectacle commun à tous. Les processus de la mise en scène se caractérisent ainsi par leur dimension fondamentalement sociale. Réunie dans un espace-temps donné, la petite société formée autour du metteur obéit à un mode de création dialogique, où les propositions des uns et des autres s’agrègent pour former un discours foisonnant dont la force et l’unité sont garanties par une instance surplombante. / A complex human reality, based on dialogues as well as power relations which are permanently being redefined, is at the heart of the process of performance creation. So as to theorize such processes, several studies have been building a corpus compiling the documents which are produced during meetings or rehearsals. However, such a transfer has proven questionable : as it is made of incomplete traces, such material is necessarily too incomplete to bespeak of the organic and polyphonic life of a performance in gestation. A first solution is to elect a decidedly intermedial approach of a performance’s archives : since various artistic disciplines interact in the process of a performance’s production, one may analyze it by actively comparing and contrasting the different media which are generated during its elaboration. As a complement to the first proposal, a second approach will lead the researcher to get involved into an in vivo observation of meetings and rehearsals so as to have at his disposal a more comprehensive research material. This epistemological clarification paves the way for an attempt to theorize the processes of stage creation. First, it appears that the stage or work space is as much of a physical receptacle for the artists’ research as it is a catalyst : it is in the course of getting to own this space collectively that a group of collaborators gives substance to the production. The creative space thus reveals a polyphonic dimension which is also true regarding time : since it involves an ensemble of artists, a creative process has no uniform chronological linearity ; it comprises a whole array of relations to time which are specific to each of the participants, and one has to bring these temporalities together to give birth to a performance that belongs to all. There is therefore a fundamentally social dimension to any staging process. As it is gathered in a given space and time, the small society which is formed around the stage director has to follow a creative process based on dialogue, where the suggestions of the different individuals coalesce to produce a prolific discourse whose strength and unity are guaranteed by the presence of the director.

Comme Karl Marx le résumait, les colonisés « ne peuvent se représenter eux-mêmes ;ils doivent être représentés ». L’Indigène du Brésil a toujours tenu une place de choix dans la littérature brésilienne. Depuis les années 80, il devient sujet de ses oeuvres.A travers Metade Cara, Metade Máscara de Eliane Potiguara (2004) ; La chute du ciel. Paroles d'un chaman yanomami co-écrit par le chaman Davi Kopenawa etl'anthropologue Bruce Albert. (2010) et Geografia indígena rédigé conjointement parles professeurs en formation du Parque Indígena do Xingu (1995), nous abordons laquestion de l'identité indigène et brésilienne, en questionnant la légitimité et la validité de la dénomination « littérature indigène ».De ces publications diversifiées émergent des réflexions éclairantes sur la notiond’identité, notamment en la croisant à la problématique de l’auctorialité. L’adoption de l’écriture alphabétique par les Indigènes du Brésil permet la réappropriation d’un portrait longtemps soumis au regard de l’autre, donc un retour sur les écrits occidentaux et brésiliens.Par ailleurs, la littérature indigène apporte une vision différente de l'Histoire traitée du point de vue du « supersujet occidental » (Saïd, 2000). En nous appuyant sur les théories post-coloniales, nous montrons que la littérature indigène est révolutionnaire car elle propose un angle de vision excentrique (Bhabha, 1994) élargissant le concept européen de l'historiographie (Mignolo, 2003) s'appuyant sur la multiplicité des voix du divers (Glissant, 1981) notamment basées sur l'oralité. / As Karl Marx summarized, the colonized "cannot represent themselves; they must berepresented.” The Natives of Brazil have always held a special place in Brazilianliterature. Since the 80s, they have become the subject of their works.From Metade Cara, Metade Máscara Eliane Potiguara (2004); Falling from the sky.Words of a Yanomami shaman co-written by the shaman Davi Kopenawa andanthropologist Bruce Albert (2010) and Geografia indígena jointly by teachers intraining from Parque Indígena do Xingu (1995), we address the issue of indigenous and Brazilian identity, questioning the legitimacy and the validity of the description "indigenous literature". From these diverse publications emerge enlightening reflections on the notion of identity, notably when crossed with the challenge of authorship. The adoption of alphabetic writing by the Natives of Brazil allows the appropriation of a portrait subject to scrutiny from others, thus a return to Western and Brazilian writings.Moreover, indigenous literature brings a different view of history dealt with from a perspective of "Western super subjects" (Saïd, 2000). Drawing upon post-colonialtheories, we show that Native literature is revolutionary because it offers an eccentric viewing angle (Bhabha, 1994) extending the European concept of historiography (Mignolo, 2003) based on the multiplicity of the voices of the various (Glissant, 1981) in particular based on orality.

Cette thèse rapporte les résultats de la lecture approfondie de dix-neuf romans américains de la première moitié du 19e siècle, à la recherche des divers modes de représentations des Indiens qu'ils proposaient. Les onze oeuvres de Cooper couvrent tous ces types de représentations. Des investigations croisées ont montré que les auteurs, bien informés sur le passé violent et les anciens habitants de leurs territoires, présentaient les Indiens surtout dans des romans à caractère historique..Là, les Indiens, nobles ou ignobles, sont relégués dans le passé, et ne se voient donner aucune place dans la nouvelle nation : pourtant l'ironique Paulding, le chrétien Cooper ou l'humaniste Strange les dépeignent en personnes semblables aux envahisseurs. Dans la mouvance gothique et romantique, C.B. Brown, Neal et Bird, pourtant plus réaliste, les montrent incarner le moi négatif et les rejettent, tandis que les voix féminines de Child et de Sedgwick projettent sur eux un idéal de valeureux chevaliers. Quant à Simms et Cooper, ils les campent tantôt dans la violence d'une épopée d'où surgira le nouvel Adam, tantôt dans la beauté sublime des primitifs paysages américains. Ainsi, dans la nation comme dans la fiction, la seule place accordée aux Indiens ne relève que de l'imaginaire / This work results from the close reading of nineteen American novels written in the first half of the 19th century, in a search of the various representations of the Indian they might display. Crossed investigations proved that the authors, well-informed about the violent past of their familiar areas and about their former inhabitants, mostly chose the forms of the historical romance and tale : either noble or ignoble, Indians were rejected out of the new nation. Yet, the ironical Paulding, the Christian Cooper and the humanist Strange styled their Indian characters in an open and human way. Following the gothic and romantic influences, C.B. Brown, Neal, Bird despite a more realistic tone, pictured Indians as the negative part of the self which is to be repelled. On the contrary, the woman's voices of Child and Sedgwick sketched them as ideal knights. Simms and Cooper sometimes set them in the violence of an epic drama out of which the new Adam will arise, sometimes in the sublime beauty of pristine American wilderness. So, no national destiny is left for the Indian but one buried in fancy

Notre thèse, La polyphonie de Rimbaud, a pour but d’analyser les œuvres d’Arthur Rimbaud sous l’angle de la polyphonie. De « Premiers vers » jusqu’aux Illuminations, le poète renouvelle sans cesse sa poésie et, en même temps, celle-ci devient de plus en plus compliquée et abstraite. Cette tendance provient de plusieurs logiques différentes qui apparaissent dans un même texte. En effet, dans Une saison en enfer, Rimbaud construit une narration très complexe en mélangeant plusieurs discours différents. Afin de dévoiler la structure polyphonique fondée sur plusieurs voix et sa fonction, nous analysons donc les textes du poète en appliquant quatre modèles de la polyphonies, liés à l’énonciation, à l’intertextualité, aux genres littéraires et au discours social. Selon nous, Rimbaud dépasse la limite de la poésie romantique, fondée sur le sujet empirique. Sa polyphonie contribue à l’universalisation du sujet poétique et de son abandon du privilège de l’auteur. C’est ainsi que le poète met en scène une multiplication des voix, pour inventer une nouvelle langue poétique. / The aim of my doctoral dissertation is to discuss Rimbaud’s poems, focusing on their various voices (polyphony). From “Premiers vers” to the prose poems, Illuminations, the poetry of Rimbaud never turns back on its tracks, and, at the same time, it shows an increasing tendency towards complication and abstraction. This tendency results from different logics at work in his poems. In fact, Rimbaud constructed a complex narrative structure for Une saison en enfer in 1873, by entwining many voices that have different tones. Therefore, I analyse this frequently contradictory principle of multilogic, adapting a stylistic and intertextual approach, and research Rimbaud’s method of polyphonic demonstration and its functions. His polyphony results in the universalization of his poetry and the loss of the author’s privilege which then encourages autonomous voices to form a new poetic language.

Résumé Ce travail cherche à révéler les stratégies utilisées dans Palinuro de México (1977) de Fernando del Paso pour représenter l’histoire du mouvement étudiant de 1968, qui se termina par le massacre de Tlatelolco. Afin de protéger son image, le gouvernement censura cet événement, qui compte parmi les plus marquants de l’histoire contemporaine du Mexique. Nous situons Palinuro de México dans un corpus littéraire qui résiste au silence imposé par les autorités avec la création d’une poétique capable de raconter l’histoire et de dénoncer la censure. Notre hypothèse s’appuie sur les réflexions de Paul Veyne et Jacques Rancière, qui démontrent que l’écriture de l’histoire ne possède pas de méthode scientifique, mais procède plutôt d’une construction littéraire. Cela nous permet d’affirmer que l’histoire, puisqu’elle relève de la littérature, peut aussi être racontée dans un roman. La théorie de la littérature carnavalesque de Mijail Bajtin, qui se caractérise par le rire, la liberté d’expression et l’opposition aux règles officielles, nous sert à identifier les procédés utilisés dans Palinuro de México pour créer une mémoire de Tlatelolco. Ce style rappelle la vitalité du mouvement étudiant, en soulignant la joyeuse subversion des valeurs. De plus, son caractère polyphonique permet d’inclure une pièce de théâtre dans un roman et de confronter les différentes idéologies qui s’opposaient durant le conflit. / Summary This work aims to reveal the strategies used in Fernando del Paso’s Palinuro de México (1977) to represent the history of the 1968 student movement, which ended with the massacre of Tlatelolco. In order to protect its image, the government censored this event, among the most significant of Mexico’s contemporary history. We approach Palinuro de México as part of a literary corpus that resists the silence imposed by the authorities with the creation of a poetics capable of recounting the student movement’s history and denouncing the regime’s censorship. Our working hypothesis borrows from research by Paul Veyne and Jacques Rancière, who demonstrate that the writing of history does not possess a scientific method, but is instead a form of literary construction. It allows us to assert that history, because it uses literature, can also be told in a novel. Mijail Bajtin’s theory of the carnavalesque, which is characterized by its humour, liberty of expression, and opposition to official rules, allows us to identify the literary processes used in Palinuro de México to create a memory of Tlatelolco. This style recalls the vitality of the student movement by underlining their merry, non-violent subversion of values. Its polyphonic element also allows the author to include a theatrical play within the novel and to represent the different ideologies opposed during the conflict. / Sumario Este estudio busca revelar las estrategias utilizadas en Palinuro de México (1977) de Fernando del Paso para representar la historia del movimiento estudiantil de 1968, que terminó con la masacre de Tlatelolco. Para proteger su imagen, el gobierno censuró este acontecimiento, que cuenta dentro de los más destacados de la historia contemporánea de México. Situamos a Palinuro de México dentro de un corpus literario que resiste al silencio impuesto por las autoridades con la creación de una poética capaz de contar esta historia y de denunciar la censura. La hipótesis que sostenemos se apoya en las reflexiones de Paul Veyne y Jacques Rancière, que demuestran que la escritura de la historia no tiene un método científico, sino que resulta de una construcción literaria. Esto nos permite afirmar que si la historia utiliza la literatura, puede también ser contada en una novela. La teoría de la literatura carnavalesca de Mijail Bajtin, que se caracteriza por la risa, la libertad de expresión y la oposición a las reglas oficiales, nos sirve para identificar los procedimientos literarios utilizados en Palinuro de México para crear una memoria de Tlatelolco. El estilo carnavalesco recuerda la vitalidad del movimiento estudiantil, subrayando la alegre subversión de los valores. Además, su carácter polifónico permite incluir una pieza de teatro en una novela y confrontar las distintas ideologías que se oponían durante el conflicto.

Ce mémoire en création littéraire se compose de deux parties. La première, un roman intitulé « Dieu reconnaîtra les seins », suit les aventures de Caroline, jeune femme dans la trentaine qui, ayant subi une ablation des seins, voit sa vie basculer alors qu'elle tente de trouver une solution médico-esthétique à sa situation. Le ton enjoué du roman permet d'aborder l'aspect tragique de la vie de Caroline de façon légère. Il permet également, sous forme d'humour ironique, absurde ou même noir, de soulever des thèmes universels tels que l'amour, la solitude, le désespoir, la pauvreté et la mort. Ainsi porté, le récit évolue vers une vision tant impitoyable que bienveillante de l'humain qui, à travers les événements à la fois médiocres et grandioses de la vie de Caroline, trouve sa place dans un univers pourtant hostile. La deuxième partie du mémoire se consacre à l'étude de l'humour dans « Au bonheur des ogres » de Daniel Pennac, et plus particulièrement, à l'humour inséré entre parenthèses. Pennac utilise abondamment ce procédé humoristique, créant ainsi un récit polyphonique où plusieurs niveaux narratifs entrent en dialogue. Trois types d'humour présents dans les parenthèses sont analysés, à savoir l'humour noir, l'humour absurde et l'ironie. Cet essai fait donc écho au roman en ce qu'il se penche sur l'humour et l'ironie comme procédés littéraires. / This thesis in creative writing is composed of two parts. The first one, a novel entitled Dieu reconnaîtra les “seins”, follows the adventures of a young woman in her thirties named Caroline who, having had her breasts surgically removed, sees her life plunge into chaos as she tries to find a cosmetic and medical solution to her situation. The light tone of the novel allows for an humorous look at the tragic cirucumstances Caroline finds herself in. Following the trials and tribulations of her life, the story touches on such universal themes as love, loneliness, hopelessness, poverty and death, and evolves toward a vision of humanity that is both merciless and benevolent. The second part of the thesis is an study of humour in Daniel Pennac's Au bonheur des ogres, and more specifically, the use of parentheses as a humoristic device. Pennac frequently uses parentheses as a way to create humour, thus building a polyphonic narrative in which various levels of discourse communicate with each other. Three types of humour are present within parentheses: black humour, absurdist humour and irony. As such, the essay echoes the novel in that it looks at humour and irony in literature.

Mon essai et mon roman se font l’écho l’un de l’autre, ils se répondent et reflètent ainsi le sujet de ma recherche : la polyphonie. Dans L’évolution du procédé polyphonique chez Suzanne Jacob, je m’attarde à trois romans de Suzanne Jacob, L’obéissance, Rouge, mère et fils et Fugueuses, œuvres chorales et teintées par la musique dans lesquelles la prose se décline en plusieurs voix. Puisque j’étudie la polyphonie dans son aspect musical et, parallèlement, dans une perspective littéraire, il est possible d’admettre que je fais moi aussi, au cœur de mon essai, l’exercice du contrepoint. Cet essai est précédé par Messe solennelle pour la famille Lebel, roman polyphonique qui, à la manière de Fugueuses, où la musique est déjà implicite dans le titre, se donne à lire comme une partition musicale. J’y présente quatre membres d’une même famille, deux hommes et deux femmes, qui doivent faire face à la mort de l’un des leurs. Ils se partagent une narration en contrepoint dans un récit à plusieurs voix (inspirées par les quatre catégories vocales principales en musique) dont la structure rappelle celle du requiem ou messe des morts. / My essay and my novel echo and dialogue with one another, thus mirroring the subject of my research: polyphony. In L’évolution du procédé polyphonique chez Suzanne Jacob, I study three choral novels by Suzanne Jacob (L’obéissance, Rouge, mère et fils and Fugueuses) in which musical references are omnipresent and stories are told by many voices. Since I study the musical aspect of polyphony in parallel with its literary counterpart, it can be said that I also use the counterpoint at the heart of my essay. This essay is preceded by Messe solennelle pour la famille Lebel, a polyphonic novel in which, like that of Fugueuses, the musical references are implicit in the title itself and can be read like a musical score. It tells the story of four family members – two men and two women – who have to face the death of one of their own. They share a counterpoint narration in a story told through many voices (inspired by the four main vocal categories in music) whose structure is reminiscent of the requiem, also known as Mass for the dead.

Étudier les plaisirs féminins dans la littérature française de la Renaissance, c’est d’abord faire le constat d’une pluralité de représentations qui se regroupent autour d’un même enjeu, celui de l’honnêteté. En raison d’une forte tradition misogyne, il est en effet difficile pour une femme de concilier cet impératif social avec le plaisir. Les textes que nous étudions (récit, poésie, littérature d’idées) sont toutefois portés par une dynamique entre voix féminines et voix masculines, qui contribue à faire émerger un discours nouveau sur le plaisir féminin que nous nous proposons d’étudier. La première partie étudie les plaisirs dans l’espace conjugal. Celui-ci fait de la volupté féminine, dans la relation entre époux et dans l’adultère, à la fois une nécessité et une déviance. La deuxième partie s’attache à l’espace social et interroge les plaisirs de cour : les échanges amoureux influencés par l’amour courtois, le néo-platonisme et le pétrarquisme, et les divertissements collectifs, de la danse à la conversation. La troisième partie, consacrée à l’espace de soi, se dégage de la morale sociale dont les deux premières parties sont tributaires pour proposer une réflexion sur le plaisir comme accomplissement de soi dans la maternité, le savoir, la spiritualité et l’écriture. / The study of feminine pleasures in the sixteenth-century French literature leads to a multiplicity of representations. All of them coincide with the idea of honesty. Because of a strong misogynist ideology, women could hardly reconcile these social and moral requirements with the notion of pleasure. Nevertheless, the texts studied in this thesis (narratives, poems, essays and treatises) show a dynamic between feminine and masculine voices that gives way to new discourses on pleasure. The first part focuses on pleasure within marriage. Be it within their relationship with their spouses or in adultery, feminine sensual pleasure was considered both an honest need and a déviance. The second part deals with social pleasures: public amusements (from dance to conversations) as well as encounters between lovers, which were influenced by amour courtois, neoplatonism, and, petrarquism. The third part, dedicated to the self, breaks away from the social morals attached to the first two parts in order to study pleasure as self-accomplishment through motherhood, knowledge, spirituality and writing.

Cette étude répond à l’intitulé suivant : La fiction romanesque de la postmodernité et ses labyrinthes. L’exemple des textes d’Alain Robbe-Grillet (France, 1922-2008), de Juan José Saer (Argentine, 1937-2005) et de Boubacar Boris Diop (Sénégal, 1947-). Elle se propose de cerner, sous l’autorité méthodologique de la poétique textuelle, les diverses modalités par lesquelles le motif du labyrinthe s’impose comme substrat privilégié de la poétique du récit chez trois écrivains appartenant à des aires linguistiques et culturelles différentes. Le choix et l’examen des textes de ces trois écrivains reposent sur la volonté de montrer le déploiement de ce motif dans l’organisation interne de la fiction romanesque postmoderne. En effet, intégré dans la dynamique interne de l’oeuvre de manière très diversifiée, le motif du labyrinthe surgit dans toutes les problématiques qui traversent l’écriture romanesque postmoderne. Par commodité méthodologique et rigueur scientifique, cette étude se déploie suivant trois axes complémentaires. Tandis que le premier qui s’intitule « Le labyrinthe comme invariant obsessionnel de la fiction romanesque de la postmodernité » s’attache à faire ressortir les diverses facettes sous lesquelles ce motif se déploie dans la dynamique textuelle du récit fictionnel postmoderne ; le deuxième qui a pour titre « Le labyrinthe comme modalité constitutive de la narrativité du récit : la fiction romanesque de la postmodernité à l’épreuve de la discontinuité », s’attèle quant à lui, à examiner en quoi ce motif participe d’un projet d’écriture qui revendique la discontinuité comme principe narratif ; enfin, le troisième qui a pour intitulé « Le labyrinthe comme modalité caractéristique de l’interdiscursivité et de l’intergénéricité de la dynamique textuelle : la fiction romanesque de la postmodernité à l’épreuve de la polyphonie », entreprend pour sa part de démontrer en quoi ce motif est constitutif de la polyphonie qui gouverne la dynamique textuelle du récit fictionnel postmoderne. / This study answers the following title: Romantic fiction of postmodernity and its mazes. The example of the texts of Alain Robbe-Grillet (France, 1922-2008), of Juan José Saer (Argentina, 1937-2005) and of Boubacar Boris Diop (Senegal, 1947-). It intends to identify, under authority methodological of poetic text the various modalities by which the pattern of the labyrinth becomes established as privileged substrate of the poetic narrative in three writers belonging to different linguistic and cultural areas. The choice and examination of the texts of these three writers rest on the will to show the deployment of this pattern in the internal organization of the postmodern romantic fiction. Indeed, integrated in the internal dynamic of writing in a very diversified way, the pattern of the maze appears in all the problems which cross the romantic writing. For methodological convenience and scientific rigour, this study deploys according to three complementary axes. While the first is entitled "The labyrinth as obsessive invariant of the romantic fiction of postmodernity" sets out to bring out the different aspects in which this pattern unfolds in dynamic textual postmodern fictional narrative, the second which is entitled "The labyrinth as constitutive modality of the narrativity of the story : romantic fiction of postmodernity to the test of discontinuity", gets down to examine how this pattern is part of a writing project that claims the discontinuity principle as narrative, and the third which is entitled "The labyrinth as a characteristic modality of interdiscursivity and intergenericity textual dynamic : romantic fiction of postmodernity to the test of polyphony" undertakes to show how this pattern is constitutive of polyphony which governs the dynamic of textual postmodern fictional narrative.